Internationale Ausstellung für moderne dekorative und industrielle Kunst

Die Internationale Ausstellung für moderne dekorative und industrielle Kunst ( französisch : Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes ) war eine Fachausstellung, die vom 29. April (einen Tag nach ihrer privaten Eröffnung durch den französischen Präsidenten) [ ^{1 ] bis} zum 8. November 1925 ^{[ 2 ]} in Paris stattfand . (Ursprünglich sollte die Ausstellung am 25. Oktober enden, wurde aber aufgrund von über 16 Millionen Besuchern bis Ende Oktober um zwei Wochen verlängert.) Sie wurde von der französischen Regierung ins Leben gerufen, um den neuen modernen Stil in Architektur, Inneneinrichtung, Möbeldesign, Glaskunst, Schmuck und anderen dekorativen Künsten in Europa und weltweit zu präsentieren. Viele Ideen der internationalen Avantgarde in Architektur und angewandter Kunst wurden auf der Ausstellung erstmals vorgestellt. Das Ausstellungsgelände erstreckte sich zwischen der Esplanade des Invalidenpalastes und den Eingängen des Grand Palais und Petit Palais sowie an beiden Ufern der Seine. Es gab 15.000 Aussteller aus zwanzig Ländern, und die Ausstellung wurde während ihrer sechsmonatigen Laufzeit von über sechzehn Millionen Menschen besucht. ^{[ 3 ]} Der auf der Ausstellung präsentierte moderne Stil wurde später nach dem Namen der Ausstellung als „ Art déco “ bekannt . ^{[ 4 ] [ 5 ]}

Die Idee einer ausschließlich den dekorativen Künsten gewidmeten Ausstellung stammte ursprünglich von der Société des Artistes Décorateurs (Gesellschaft der dekorativen Künstler), einer 1901 gegründeten Gruppe, der sowohl etablierte Künstler wie Eugène Grasset und Hector Guimard als auch jüngere Künstler wie Francis Jourdain , Maurice Dufrêne , Paul Follot und Pierre Chareau angehörten . Dekorative Künstler durften zwar an den beiden vorangegangenen Pariser Salons teilnehmen , wurden aber den Malern untergeordnet. Sie wünschten sich nun eine Ausstellung, die den dekorativen Künsten den Vorrang einräumte. Die ersten Salons der neuen Gruppe fanden im neu eröffneten Museum für dekorative Künste im Pavillon de Marsan des Louvre statt . Der 1903 gegründete Salon d’Automne würdigte Maler, Bildhauer, Grafiker und Architekten, doch die dekorativen Künste wurden erneut weitgehend vernachlässigt. Frantz Jourdain kündigte daraufhin an, so bald wie möglich eine separate Ausstellung für dekorative Künste zu veranstalten. Seine Beweggründe erläuterte er in einem späteren Essay aus dem Jahr 1928: „Wir beschlossen daher, der dekorativen Kunst, die achtlos wie ein Aschenputtel oder ein armes Familienmitglied behandelt wurde, das mit den Bediensteten speisen durfte, den wichtigen, fast überragenden Platz zurückzugeben, den sie in der Vergangenheit, zu allen Zeiten und in allen Ländern der Welt innehatte.“ ^{[ 6 ]}

Die Gesellschaft der dekorativen Künstler (Society of Artists Decorative) setzte sich bei der französischen Abgeordnetenkammer für die Ausrichtung einer internationalen Ausstellung dekorativer Kunst im Jahr 1915 ein. Die Pläne wurden 1915 aufgrund des Ersten Weltkriegs auf Eis gelegt und nach Kriegsende 1918 wieder aufgenommen . Zunächst war die Ausstellung für 1922 geplant, wurde dann aber aufgrund von Materialmangel auf 1924 und schließlich auf 1925 verschoben – 25 Jahre nach der Weltausstellung von 1900. ^{[ 7 ]}

Das Ausstellungsprogramm machte deutlich, dass es sich um eine Feier der Moderne und nicht historischer Stile handeln sollte. Es hieß, die Ausstellung stehe „allen Herstellern offen, deren Produkte künstlerischen Charakter haben und deutlich moderne Tendenzen erkennen lassen“. Im Programm wurde außerdem ausdrücklich festgehalten: „Ungeachtet des Rufs des Künstlers oder der wirtschaftlichen Stärke des Herstellers wird keiner zur Ausstellung zugelassen, wenn er die im Ausstellungsprogramm festgelegten Bedingungen nicht erfüllt.“ Ein weiterer Zweck der Ausstellung war die Ehrung der Alliierten im Ersten Weltkrieg. Aus diesem Grund wurde die junge Sowjetunion eingeladen, obwohl ihre Regierung von Frankreich noch nicht anerkannt war, während Deutschland nicht anerkannt wurde. Die Vereinigten Staaten lehnten eine Teilnahme ab; der US-Handelsminister Herbert Hoover erklärte, es gäbe in den Vereinigten Staaten keine moderne Kunst. Das US-Handelsministerium setzte jedoch eine Kommission ein, die die Ausstellung besuchen und einen Bericht verfassen sollte. Der 1926 veröffentlichte Bericht stellte fest, dass die USA den Zweck der Ausstellung eindeutig missverstanden hatten und dass zumindest eine gewisse Beteiligung hätte ermöglicht werden sollen, um das französisch-amerikanische Kriegsbündnis zu würdigen. Obwohl die USA keinen eigenen Pavillon hatten, kamen Hunderte amerikanischer Designer, Künstler, Journalisten und Einkäufer von Kaufhäusern nach Paris, um die Ausstellung zu besuchen. ^{[ 7 ]}

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  Der Haupteingang zur Ausstellung auf der Place de la Concorde, entworfen von Pierre Patout , mit einer Statue von Louis Dejean in der Mitte.
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  Der Tourismuspavillon von Robert Mallet-Stevens
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  Die Hauptachse der Ausstellung, vom Ehrentor über die Pont Alexandre III bis zum Invalidenkomplex.
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  Der Blick auf die Weltausstellung vom Invalidendom aus

Als Ausstellungsort wurde das Zentrum von Paris, rund um den Grand Palais , den riesigen Pavillon aus Glas und Eisen, der für die Weltausstellung 1900 errichtet worden war, gewählt. Hauptarchitekt war Charles Plumet . Der Haupteingang, das Ehrentor, befand sich direkt neben dem Grand Palais. Die Hauptachse erstreckte sich vom Ehrentor über die Pont Alexandre III bis zum Invalidendom (Les Invalides). An beiden Ufern der Seine befanden sich Pavillons, zwischen denen Gärten und Brunnen angelegt waren. Die Pont Alexandre III, die die beiden Teile der Ausstellung verband, wurde vom Architekten Maurice Dufrêne in ein modernes Einkaufszentrum umgewandelt . Entlang der Seine säumten für die Ausstellung errichtete schwimmende Restaurants die Ufer, die sich zu einer beliebten Attraktion entwickelten.

Die Ausstellung besaß dreizehn Eingänge, die jeweils von einem anderen Architekten entworfen worden waren. Der Haupteingang befand sich am Place de la Concorde und wurde von Architekt Pierre Patout gestaltet. In der Mitte stand eine Frauenstatue mit dem Titel „Willkommen“ von Louis Dejean. Die Pavillons der wichtigsten französischen Kaufhäuser und Dekorateure befanden sich entlang der Hauptachse innerhalb des Eingangsbereichs. Ein weiterer Bereich war den Pavillons von Designern aus den französischen Provinzen, insbesondere aus Nancy und Lyon, gewidmet. Ein weiterer Bereich präsentierte ausländische Pavillons und Hersteller, und ein weiterer die Produkte der französischen Kolonien, die sich für Dekorationszwecke eigneten, insbesondere seltene Hölzer und Materialien wie Elfenbein und Perlmutt. ^{[ 8 ]}

Das höchste Bauwerk der Weltausstellung und eines der modernsten war der Turm des Tourismuspavillons von Robert Mallet-Stevens . Seine klaren Linien und der Verzicht auf Ornamente kündigten den Internationalen Stil an, der den Art déco ablösen sollte. 1929 initiierte Mallet-Stevens die Gründung der Französischen Union Moderner Künstler (UNAM) , die sich gegen die auf der Ausstellung gezeigten luxuriösen Dekorationsstile auflehnte und gemeinsam mit Le Corbusier eine schmucklose Architektur forderte, die aus preiswerten und in Massenproduktion hergestellten Materialien errichtet werden sollte. ^{[ 8 ]}

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  Pavillon des Kaufhauses Galeries Lafayette
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  Pavillon des Kaufhauses Bon Marché
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  Pavillon des Printemps -Kaufhauses
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  Das Hôtel du Collectionneur war eine Vitrine für die Möbel von Émile-Jacques Ruhlmann .
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  Der Salon des Hôtel du Collectionneur, mit Möbeln von Émile-Jacques Ruhlmann . und Gemälde von Jean Dupas
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  Der Pavillon des L'Esprit Nouveau von Le Corbusier

Gleich hinter dem Haupteingang der Weltausstellung auf der Place de la Concorde erstreckte sich die Hauptpromenade mit den Pavillons der großen französischen Kaufhäuser und Hersteller von Luxusmöbeln, Porzellan, Glaswaren und Textilien. Jeder Pavillon war von einem anderen Architekten entworfen worden, und sie übertrafen sich gegenseitig mit farbenprächtigen Eingängen, skulpturalen Friesen und Wandmalereien aus Keramik und Metall. Der modernistische Turm des Tourismuspavillons, entworfen von Robert Mallet-Stevens, ragte besonders hervor. In jedem Pavillon präsentierten die Räume Ensembles aus Möbeln, Teppichen, Gemälden und anderen Dekorationsgegenständen.

Viele der Exponate wurden im Grand Palais gezeigt, der riesigen Halle, die für die Weltausstellung 1900 errichtet worden war. Erstmals auf einer internationalen Ausstellung wurden Möbelstücke nicht einzeln, sondern in wohnlich gestalteten Räumen präsentiert, deren Einrichtung aufeinander abgestimmt war. Im Hôtel du Collectionneur beispielsweise wurden die Werke des Möbeldesigners Émile-Jacques Ruhlmann in Räumen mit Gemälden und Kaminen im gleichen modernen Stil ausgestellt.

Der ungewöhnlichste, bescheidenste und letztlich wohl einflussreichste französische Pavillon war der der Zeitschrift „L’Esprit Nouveau“ unter der Leitung von Amédée Ozenfant und Le Corbusier . Sie hatten 1918 die puristische Bewegung gegründet, deren Ziel es war, jegliche Dekoration in der Architektur zu eliminieren und handgefertigte Möbel durch maschinell hergestellte zu ersetzen. 1920 gründeten sie „L’Esprit Nouveau“ und nutzten die Zeitschrift, um die traditionellen dekorativen Künste energisch anzugreifen. „Dekorative Kunst“, schrieb Le Corbusier, „ist im Gegensatz zum Phänomen der Maschine der letzte Zuck der alten manuellen Arbeitsweise und ein aussterbendes Gut. Unser Pavillon wird ausschließlich standardisierte, industriell in Fabriken hergestellte und massenproduzierte Gegenstände enthalten – wahrlich die Objekte von heute.“ Der Pavillon von „L’Esprit Nouveau“ lag fast versteckt zwischen zwei Flügeln des Grand Palais. Er bestand aus Beton, Stahl und Glas und war völlig schmucklos. Die Innenräume hatten schlichte weiße Wände mit einigen kubistischen Gemälden. Da die Bäume auf dem Gelände nicht gefällt werden konnten, integrierte Le Corbusier einen Baum in das Gebäudeinnere, der durch eine Öffnung im Dach wuchs. Die Möbel waren schlicht, maschinell gefertigt und in Massenproduktion hergestellt. Die Organisatoren der Ausstellung waren vom Aussehen des Gebäudes entsetzt und versuchten, es mit einem Zaun zu verdecken. Le Corbusier wandte sich jedoch an das Ministerium für Schöne Künste, das die Ausstellung förderte, und der Zaun wurde entfernt. ^{[ 9 ]}

Im Pavillongebäude präsentierte Le Corbusier seinen Plan Voisin für Paris. Der nach dem Luftfahrtpionier Gabriel Voisin benannte Plan Voisin sah den Bau einer Reihe identischer, 200 Meter hoher Wolkenkratzer und niedrigerer, rechteckiger Wohnhäuser vor, die die historischen Gebäude am rechten Seineufer in Paris ersetzen sollten. Er rechnete nicht damit, dass die Pariser Innenstadt abgerissen und sein Plan umgesetzt würde; es war lediglich ein Mittel, um Aufmerksamkeit für seine Ideen zu erregen. ^{[ 10 ]} Der Pavillon stellte ein einzelnes modulares Apartment dar und symbolisierte die identischen, maschinell gefertigten Häuser, die Le Corbusier als die Zukunft der modernen Architektur ansah. ^{[ 11 ]}

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  Der belgische Pavillon, von Victor Horta
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  Der schwedische Pavillon von Carl Bergsten
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  Der dänische Pavillon zur Präsentation von Porzellan und Fayence
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  Der niederländische Pavillon
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  Der italienische Pavillon von Armando Brasini
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  Der britische Pavillon von Easton und Robertson
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  Pavillon von Polen von Joseph Czajkowski
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  Der Pavillon Japans von Shichigoro Yamada und Iwakichi Miyamoto
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  Pavillon der Sowjetunion , von Konstantin Melnikow

Rund zwanzig Länder nahmen an der Ausstellung teil. Deutschland wurde aufgrund seiner Rolle im Ersten Weltkrieg nicht eingeladen, Österreich und Ungarn hingegen schon, ebenso die junge Sowjetunion, obwohl diese von Frankreich noch nicht offiziell anerkannt war. Viele Länder präsentierten Möbel und Dekorationen im Grand Palais und errichteten Pavillons, um neue Architekturideen zu veranschaulichen. Großbritannien, Italien, Spanien, Belgien und die Niederlande stellten jeweils einen bedeutenden Pavillon dar, ebenso die skandinavischen Länder, Polen und die Tschechoslowakei. Japan hatte einen wichtigen Pavillon, während China nur einen bescheidenen Pavillon besaß. Die Vereinigten Staaten, die den Zweck der Ausstellung nicht vollständig verstanden, entschieden sich gegen eine Teilnahme. ^{[ 12 ]}

Österreich spielte dank Josef Hoffmanns Entwurf des österreichischen Pavillons an der Seine eine bedeutende Rolle. Der Komplex umfasste eine Terrasse an der Seine, einen Turm, eine kubische Ausstellungshalle aus Glas und Eisen von Peter Behrens sowie ein farbenfroh gestaltetes Café. Im Pavillon waren Skulpturen der Modernisten Anton Hanak und Eugen Steinhof ausgestellt.

Belgien war ebenfalls ein wichtiger Teilnehmer; das Land präsentierte eine große Möbel- und Designausstellung im Hauptgeschoss des Grand Palais sowie einen separaten Pavillon, entworfen von Victor Horta , dem Pionier des Jugendstils . Belgien war durch den Krieg in Trümmern gelegen, und die belgische Ausstellung verfügte über ein geringes Budget; der Pavillon bestand aus Holz, Gips und anderen preiswerten Materialien. Hortas Pavillon besaß einen rechteckigen Turm, der von sechs Statuen von Wolfers gekrönt wurde, die die dekorativen Künste durch die Jahrhunderte repräsentierten. Im Inneren wurden Wandteppiche, Glasarbeiten und Dekorationen im neuen Stil gezeigt. Zu den teilnehmenden belgischen Künstlern gehörten die Architekten Paul Hamesse, Henry van de Velde , Flor Van Reeth und Victor Bourgeois , der Dekorateur Leon Sneyers ^{[ 13 ]} und die Textilkünstlerin Elisabeth de Saedeleer . ^{[ 14 ]}

Der dänische Pavillon von Kay Fisker war ein markanter, aus roten und weißen Ziegeln errichteter Block in Form eines dänischen Kreuzes. Im Inneren befanden sich Wandmalereien von Mogens Lorentzen, inspiriert von alten Landkarten Dänemarks, mit farbenfrohen und fantasievollen Motiven. Ein separates, symmetrisch zum ersten Pavillon angeordnetes Gebäude war lichtdurchflutet und präsentierte die Werke der dänischen Porzellan- und Fayence-Manufaktur.

Der schwedische Pavillon wurde von Carl Bergsten entworfen , während der schwedische Ausstellungsstand im Grand Palais ein Modell des neuen Stockholmer Rathauses im Art-déco-Stil von Ragnar Østberg zeigte . Der kleine Pavillon war eine schlichte und elegante Interpretation des Klassizismus im Art-déco-Stil; er spiegelte sich in einem Wasserbecken und war dezent mit Art-déco-Statuen verziert. ^{[ 15 ]}

Der von J. F. Staal entworfene niederländische Pavillon sollte in einem modernen Stil die Mystik und den Luxus Ostindiens, wo das Land Kolonien besaß, einfangen. Ein riesiges, pagodenartiges Dach überspannte das Bauwerk; die Fassade war mit farbenfrohen Wandmalereien verziert, und das Gebäude spiegelte sich in mit Ziegeln ausgekleideten Becken.

Der italienische Pavillon von Armando Brasini war ein großer, klassizistischer Betonbau, der mit Marmor, Keramik und vergoldeten Ziegeln verziert war. In der Mitte befand sich ein riesiger Bronzekopf eines Mannes von dem Bildhauer Adolfo Wildt.

Der von den Architekten Easton und Robertson entworfene Pavillon Großbritanniens ähnelte einer Kathedrale im Art-déco-Stil. Außen war er mit bunten Fahnen geschmückt, innen mit Buntglasfenstern, Wandmalereien und einer polychromen Fassade mit Arabesken und orientalischen Motiven. Vom Innenraum gelangte man in ein Restaurant auf einer Plattform direkt am Seineufer.

Der polnische Pavillon wurde von Joseph Czajkowski entworfen. Er bestach durch einen prunkvollen Turm aus Glas und Eisen mit geometrischen Facetten, eine Art-déco-Interpretation der malerischen polnischen Kirchen des 17. und 18. Jahrhunderts. Der Pavillon war zudem von der Architektur traditioneller Herrenhäuser des polnischen Adels und dem Zakopane-Stil inspiriert . Diese Mischung sollte einen polnischen Nationalstil schaffen. Die achteckige, von Holzsäulen getragene Halle besaß ein Oberlicht aus Buntglas im Art-déco-Stil und war mit Art-déco-Statuen und -Wandteppichen geschmückt. Auch die polnische Grafik war erfolgreich vertreten. Tadeusz Gronowski und Zofia Stryjeńska gewannen in dieser Kategorie den Grand Prix .

Der japanische Pavillon von Shichigoro Yamada und Iwakichi Miyamoto entsprach der klassischen japanischen Tradition, kombinierte aber traditionelle Materialien wie Stroh und lackiertes Holz mit aufwendigen Lackarbeiten. Er wurde in Japan gefertigt, nach Frankreich transportiert und dort von japanischen Arbeitern montiert.

Der Pavillon der Sowjetunion war einer der ungewöhnlichsten der Ausstellung. Er wurde von dem jungen russischen Architekten Konstantin Melnikow entworfen , der 1922 die neue Zentralmarkthalle in Moskau und auch den Sarkophag in Lenins Mausoleum in Moskau gestaltet hatte. Mit einem sehr geringen Budget errichtete er sein Bauwerk vollständig aus Holz und Glas. Eine Treppe durchquerte die Konstruktion diagonal an der Außenseite und ermöglichte den Besuchern, das Innere der Ausstellung von oben zu betrachten. Das Dach über der Treppe war nicht durchgehend, sondern bestand aus schräg aufgehängten Holzplatten, die für Frischluftzufuhr sorgen und Regen abhalten sollten, doch die Besucher wurden mitunter durchnässt. Zu den Exponaten im Inneren gehörten Modelle von Projekten für verschiedene sowjetische Denkmäler. Die Inneneinrichtung des Pavillons stammte von Alexander Rodtschenko . Das zentrale Element der Ausstattung war der Arbeiterklub , den Rodtschenko als optimalen Modellraum für Selbstbildung und kulturelle Freizeitaktivitäten entwarf. Das Gebäude sollte Aufmerksamkeit erregen, und das gelang ihm zweifellos. Es war eines der meistdiskutierten Gebäude der Ausstellung. ^{[ 16 ]}

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  Der beleuchtete Kristallbrunnen auf der Weltausstellung von René Lalique
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  Ein zweiflügeliges Gitter mit dem Namen „Die Fasane“, hergestellt von Paul Kiss und auf der Ausstellung gezeigt.
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  Ein aus Eisen und Kupfer gefertigter Schirm namens „Oase“ von Edgar Brandt. Brandt entwarf auch die Ziertore am Haupteingang der Ausstellung.
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  Ein Schrank von Emile-Jacques Ruhlmann, ausgestellt im Maison du Collectionneur
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  Eine Uhr aus weißem Jade, Onyx, Diamanten, Korallen, Perlmutt und Gold, von Louis Cartier und Maurice Couët (1923–27)
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  Eine Limoges-Vase von Camille Fauré (1874-1956)

Gemäß dem Programm der französischen Organisatoren der Weltausstellung drückten die ausgestellten Objekte – von Möbeln über Glaswaren bis hin zu Metallarbeiten – einen neuen Stil aus: eine Verbindung modernistischer Formen mit traditioneller französischer Handwerkskunst. Die Möbel, Glaswaren, Metallarbeiten, Textilien und Objekte wurden aus seltenen und kostbaren Materialien wie Ebenholz, Elfenbein, Perlmutt, Haifischhaut und exotischen Hölzern aus aller Welt gefertigt. Ihre Formen unterschieden sich jedoch deutlich vom Jugendstil und den vorangegangenen historischen Stilen. Geometrische Formen, gerade Linien, Zickzackmuster, stilisierte Blumengirlanden und Obstkörbe schufen etwas Neues und Anderes. Die Firma Lalique , bekannt für ihre filigranen Jugendstil-Glasarbeiten, fertigte einen Art-déco-Kristallbrunnen mit Innenbeleuchtung an, der zu einem der Wahrzeichen der Ausstellung wurde. Das Maison d'un Collectionneur, der Pavillon des Möbeldesigners Jacques-Emile Ruhlmann , zeigte, wie ein Art-Deco-Haus aussehen konnte, mit einem Art-Deco-Gemälde, einer Skulptur von Antoine Bourdelle , einem Gemälde von Jean Dupas und feiner Handwerkskunst.

Eine alternative Vision der Zukunft der Dekoration wurde ebenfalls auf der Ausstellung präsentiert, und zwar im weißen Kubus des Pavillons Esprit Nouveau. Hier zeigte Le Corbusier Prototypen von in Serie gefertigten, preiswerten Möbelstücken aus kostengünstigen Materialien, die er als die Zukunft der Innenarchitektur ansah.

Große Flächen waren der Unterhaltung gewidmet, von Schießbuden über Karussells bis hin zu Cafés und Theatern. Für Kinder wurde ein Miniaturdorf errichtet, und auf Bühnen wurden Theaterstücke, Ballette, Gesangseinlagen und Kulturprogramme der teilnehmenden Länder aufgeführt. Die Ausstellung diente außerdem als Schauplatz für Modenschauen, Paraden und Schönheitswettbewerbe sowie für regelmäßige Feuerwerke.

Der Eiffelturm befand sich zwar nicht auf dem Ausstellungsgelände, war aber von dort aus gut sichtbar. Die Firma Citroën hatte den Turm von oben bis unten mit 200.000 Glühbirnen in sechs Farben dekoriert. Die Beleuchtung ließ sich über eine Tastatur steuern und zeigte neun verschiedene Muster, darunter geometrische Formen und Kreise, einen Sternenregen, die Tierkreiszeichen und, als prominentestes Element, den Namen CITROËN.

Am 16. Juni 1925 fand im Grand Palais ein gigantisches Bankett mit anschließender Gala statt. Zu den Höhepunkten zählten die amerikanische Tänzerin Loie Fuller , deren Tanzschülerinnen durch hauchdünne Schleier zu schweben schienen; die Tänzerin Eva Le Galienne als Jeanne d’Arc und die Tänzerin Ida Rubenstein als Goldener Engel in einem Kostüm von Léon Bakst ; die Sängerin Mistinguett im Diamantenkostüm, umgeben von der Truppe des Casino de Paris, die als Edelsteine ​​verkleidet war; sowie kurze Auftritte der kompletten Ensembles der Comédie-Française und der Pariser Oper , der Folies Bergère und des Moulin Rouge . Den krönenden Abschluss bildete das „Ballett der Ballette“, aufgeführt von dreihundert Tänzerinnen und Tänzern aller Pariser Ballettkompanien in weißen Tutus. ^{[ 17 ]}

Die Weltausstellung erreichte ihr Ziel: Sie demonstrierte die unangefochtene Vormachtstellung von Paris im Bereich Design. Der Begriff „Art déco“ war zwar noch nicht gebräuchlich, doch in den Jahren nach der Ausstellung wurden die dort gezeigten Kunstwerke und Designs weltweit kopiert – in den Wolkenkratzern New Yorks, auf den Ozeandampfern, die den Atlantik überquerten, und in Kinos rund um den Globus. Sie übte einen maßgeblichen Einfluss auf Mode, Schmuck, Möbel, Glas, Metallarbeiten, Textilien und andere dekorative Künste aus. Gleichzeitig verdeutlichte sie den wachsenden Unterschied zwischen dem traditionellen modernen Stil mit seinen kostbaren Materialien, der feinen Handwerkskunst und der üppigen Dekoration und der modernistischen Bewegung, die Kunst und Architektur vereinfachen wollte. Der Esprit-Nouveau- Pavillon und der Sowjetpavillon waren bewusst schlicht gehalten ^{[ 18 ]} ; sie enthielten zwar Möbel und Gemälde, doch diese Werke, einschließlich der Pavillons, waren reduziert und modern. Die moderne Architektur von Le Corbusier und Konstantin Melnikow erntete aufgrund ihrer Ornamentaritätslosigkeit sowohl Kritik als auch Bewunderung. Die Kritik konzentrierte sich auf die „Nacktheit“ dieser Strukturen ^{[ 19 ]} im Vergleich zu anderen Pavillons der Ausstellung, wie etwa dem Pavillon des Sammlers des Ebenisten und Dekorateurs Émile-Jacques Ruhlmann .

1926, kurz nach dem Ende der Pariser Ausstellung für dekorative Kunst, griff die Französische Vereinigung Moderner Künstler (Union de l’Art Moderne) , zu der unter anderem Francis Jourdain , Pierre Chareau , Le Corbusier und Robert Mallet-Stevens gehörten , den dortigen Stil scharf an. Sie argumentierten, dieser sei nur für die Reichen geschaffen worden und seine Form werde von deren Geschmack bestimmt. Die Modernisten , wie sie fortan genannt wurden, bestanden darauf, dass gut gebaute Gebäude für alle zugänglich sein und die Form der Funktion folgen sollte. Die Schönheit eines Objekts oder Gebäudes lag ihrer Ansicht nach darin, ob es seine Funktion perfekt erfüllte. Moderne industrielle Produktionsmethoden ermöglichten die Massenproduktion von Möbeln und Gebäuden, anstatt der handwerklichen Fertigung.

Der Art-déco-Innenarchitekt Paul Follot verteidigte den Art déco folgendermaßen: „Wir wissen, dass der Mensch sich nie mit dem Unverzichtbaren zufriedengibt und dass das Überflüssige immer nötig ist … Sonst müssten wir auf Musik, Blumen und Parfums verzichten!“ ^{[ 20 ]} Le Corbusier hingegen war ein brillanter Verfechter der modernen Architektur . Er erklärte, ein Haus sei lediglich „eine Wohnmaschine“ und propagierte unermüdlich die Idee, dass der Art déco der Vergangenheit angehöre und die Moderne die Zukunft sei. Le Corbusiers Ideen wurden nach und nach von Architekturschulen übernommen, und die Ästhetik des Art déco geriet in Vergessenheit. Auch die Wirtschaftslage der 1930er-Jahre begünstigte die Moderne; modernistische Gebäude, ohne Ornamente, verwendeten günstigere Materialien und waren kostengünstiger zu errichten, weshalb sie als zeitgemäßer galten. Der Ausbruch des Zweiten Weltkriegs 1939 setzte der Art-déco-Ära ein jähes Ende.

Der Architekturhistoriker Dennis Sharp schrieb, dass die moderne Architektur aus der Ausstellung hervorgegangen sei. ^{[ 21 ]}

Vom 22. Oktober 2025 bis zum 26. April 2026 feierte das Musée des Arts Décoratifs das hundertjährige Jubiläum der Weltausstellung mit der Ausstellung „ 1925–2025. Hundert Jahre Art déco“ . ^{[ 22 ]}   Die Ausstellung mit fast 1200 Objekten konzentrierte sich auf „die Pariser Ursprünge und Ausprägungen des Art déco“. ^{[ 23 ]}

• Art déco in Paris

• Arwas, Victor (1992). Art Deco . Harry N. Abrams. ISBN 0-8109-1926-5Die
• Charles, Victoria (2013). Art Déco . Parkstone International. ISBN 978-1-84484-864-5Die
• Duncan, Alastair (1988). Art déco . Thames & Hudson. ISBN 2-87811-003-XDie

• Ausstellung Art Déco 1925 Fotografien
• https://www.flickr.com/photos/93051314@N00/2904130823/

48°51′49″N 2°18′49″E / 48,8636°N 2,3136°E / 48.8636; 2.3136