Live-Elektronikmusik

Live-Elektronik (auch bekannt als Live-Electronics ) ist eine Musikform, die traditionelle elektronische Klangerzeuger, modifizierte elektrische Musikinstrumente, improvisierte Klangerzeugungstechnologien und Computer einbezieht. Ursprünglich entwickelte sich diese Praxis als Reaktion auf klangbasierte Kompositionen für feste Medien wie Musique concrète , elektronische Musik und frühe Computermusik . Musikalische Improvisation spielt bei der Aufführung dieser Musik oft eine große Rolle. Die Klangfarben verschiedener Töne können mithilfe von Verstärkern , Filtern , Ringmodulatoren und anderen Schaltungen umfassend verändert werden . ^{[ 1 ]} Die Echtzeitgenerierung und -manipulation von Audio mittels Live-Codierung ist heute gängige Praxis.

Frühe elektronische Instrumente für Live-Auftritte, wie Thaddeus Cahills Telharmonium ( 1897) und Instrumente, die zwischen den beiden Weltkriegen entwickelt wurden, wie das Theremin (1919), das Spharophon (1924), die Ondes Martenot (1928) und das Trautonium (1929), können als Vorläufer angeführt werden ^{[ 2 ]} , waren aber lediglich als neue Mittel der Klangerzeugung gedacht und veränderten weder die Natur der musikalischen Komposition noch der Aufführung. ^{[ 3 ]}

Viele frühe Kompositionen enthielten diese elektronischen Instrumente, wobei sie jedoch typischerweise als Ersatz für klassische Standardinstrumente dienten. Ein Beispiel hierfür ist der Komponist Joseph Schillinger , der 1929 die „First Airphonic Suite for Theremin and Orchestra“ komponierte , die mit dem Cleveland Orchestra und Leon Theremin als Solist uraufgeführt wurde. Percy Grainger verwendete für seine beiden frühesten experimentellen Kompositionen der Freien Musik (1935–37) Ensembles aus vier oder sechs Theremins (anstelle eines Streichquartetts), da das Instrument eine völlige, gleitende Tonhöhenfreiheit bot. [ ^{4 ] [ 5 ] Auch} die Ondes Martenot wurden in den 1930er Jahren als Hauptinstrument eingesetzt, und der Komponist Olivier Messiaen verwendete sie in seinem Werk „Fête des belles eaux for six ondes“, das für die Weltausstellung 1937 in Paris komponiert wurde. ^{[ 6 ]}

Cages „ Imaginary Landscape No. 1 “ (1939) gehörte zu den ersten Kompositionen, die auf innovative Weise Live-Elektronik einsetzten; sie enthielt zwei Plattenspieler mit variabler Geschwindigkeit und Sinustonaufnahmen. ^{[ 7 ]} Cages Interesse an Live-Elektronik hielt in den 1940er und 1950er Jahren an und inspirierte die Gründung zahlreicher Live-Elektronik-Gruppen in Amerika, die sich selbst als Pioniere einer neuen Kunstform betrachteten. ^{[ 2 ]}

Die früheste Verwendung von Live-Elektronik in Verbindung mit akustischen Instrumenten findet sich aller Wahrscheinlichkeit nach in Daphne Orams „ Still Point“ (1948), einem Werk für Plattenspieler, Doppelorchester und fünf Mikrofone. Das Werk wurde erst 2016 uraufgeführt.

In Europa hatte Pierre Schaeffer 1951 beim ersten öffentlichen Konzert der Musique concrète versucht, die letzten Phasen seiner Werke live zu erzeugen – allerdings mit mäßigem Erfolg. Der wohl konsequenteste Übergang von Studio-Elektroniktechniken zur Live-Synthese fand jedoch Ende der 1950er und Anfang der 1960er Jahre in Europa statt. Mauricio Kagels „ Transición II“ (1959) kombinierte zwei Tonbandgeräte zur Live-Manipulation von Klavier- und Perkussionsklängen, und ab 1964 widmete sich Karlheinz Stockhausen intensiv der Live-Elektronik und schuf mit „Mikrophonie I“ und „ Mixtur“ (beide 1964) sowie „Mikrophonie II“ drei Werke . ^{[ 8 ]} Während frühere Live-Elektronik-Kompositionen, wie etwa Cages „Cartridge Music “ (1960), hauptsächlich auf Verstärkung setzten, bestand Stockhausens Innovation in der Hinzunahme elektronischer Transformation durch Filterung, wodurch die Grenze zwischen Instrumental- und elektronischer Musik verwischt wurde. ^{[ 9 ]}

In den 1960er Jahren vertraten einige Komponisten die Ansicht, dass der Studiomusik, etwa der Musique concrète, zentrale Elemente der Live-Musik fehlten , wie Spontaneität, Dialog, Entdeckung und Gruppeninteraktion. Viele Komponisten sahen die Entwicklung der Live-Elektronik als Reaktion auf das weitgehend technokratische und rationalistische Ethos der im Studio bearbeiteten Tonbandmusik, der die visuelle und theatralische Komponente einer Live-Performance fehlte. ^{[ 1 ]} In den 1970er Jahren entwickelte sich die Live-Elektronik zum wichtigsten Innovationsbereich der elektronischen Musik. ^{[ 10 ]}

Die 1970er und 1980er Jahre waren geprägt von den Beiträgen des Elektronikmusikers Jean-Michel Jarre . Der Erfolg von Oxygène und seine Großkonzerte zogen Millionen von Menschen an und brachen seinen eigenen Zuschauerrekord gleich viermal. ^{[ 11 ] [ 12 ] [ 13 ]} Tatsächlich brach Jarre bis zum Ende des Jahrhunderts immer wieder seine eigenen Rekorde; 1997 besuchten 3,5 Millionen Menschen das Oxygène-Konzert in Moskau . ^{[ 14 ]}

Laptronica ist eine Form elektronischer Live-Musik bzw. Computermusik, bei der Laptops als Musikinstrumente eingesetzt werden. Der Begriff ist eine Wortschöpfung aus „ Laptop -Computer“ und „ Elektronik “ . Er erlangte in den 1990er-Jahren Bekanntheit und ist deshalb bedeutsam, weil Musikern nun leistungsstarke Computer in mobiler Form zur Verfügung standen und diese somit auch live nutzen konnten. Viele ausgefeilte Formen der Klangproduktion, -bearbeitung und -organisation (die bis dahin nur in Studios oder akademischen Einrichtungen möglich waren) wurden für Live-Auftritte zugänglich, vor allem für jüngere Musiker, die von experimentellen Formen der Popmusik beeinflusst waren und diese weiterentwickeln wollten. ^{[ 15 ]} Mehrere Laptops können zu einem Laptop-Orchester kombiniert werden .

Live-Coding ^{[ 16 ] (manchmal auch als „On-the-fly-Programmierung“ [ 17 ]} oder „Just-in-Time-Programmierung“ bezeichnet ) ist eine Programmierpraxis, die auf improvisierter, interaktiver Programmierung basiert. Live-Coding wird häufig zur Erstellung digitaler , klang- und bildbasierter Medien eingesetzt und ist besonders in der Computermusik verbreitet, wo algorithmische Komposition mit Improvisation kombiniert wird ^{[ 18 ].} Typischerweise wird der Schreibprozess sichtbar gemacht, indem der Computerbildschirm in den Zuschauerraum projiziert wird. Die Visualisierung des Codes ist Gegenstand aktueller Forschung [19]. ^{Auch im improvisierten} Tanz gibt es Ansätze für Live-Coding ^{[ 20 ]} . Live-Coding-Techniken werden zudem außerhalb von Aufführungen eingesetzt, beispielsweise bei der Tonproduktion für Film ^{[ 21 ]} oder bei audiovisuellen Arbeiten für interaktive Kunstinstallationen ^{[ 22 ] .}

Live-Coding ist auch eine zunehmend beliebte Technik in Vorlesungen und Konferenzpräsentationen im Bereich Programmierung und wurde von Mark Guzdial als „Best Practice“ für Informatikvorlesungen bezeichnet . ^{[ 23 ]}

Elektroakustische Improvisation (EAI) ist eine Form der freien Improvisation , die ursprünglich als Live-Elektronik bezeichnet wurde. Sie ist seit den frühen Werken von John Cage in den 1930er Jahren Teil der Klangkunstwelt. ^{[ 24 ] [ 25 ]} Das Magazin Source veröffentlichte in den 1960er Jahren Artikel von einer Reihe führender Komponisten elektronischer Musik und der Avantgarde. ^{[ 26 ]}

Sie wurde zudem von elektronischer und elektroakustischer Musik sowie der Musik amerikanischer Experimentalmusiker wie John Cage , Morton Feldman und David Tudor beeinflusst . Die britische Free-Improvisationsgruppe AMM , insbesondere ihr Gitarrist Keith Rowe , trug ebenfalls dazu bei, dieser Praxis mehr Aufmerksamkeit zu verschaffen. ^{[ 27 ]}

Nachfolgend eine unvollständige, chronologische Liste früher bemerkenswerter elektronischer Kompositionen:

• John Cage – Imaginäre Landschaft (1939–1952)
• John Cage – Cartridge Music (1960)
• Robert Ashley – Wolfman (1964), Lecture Series (1965), Purposeful Lady Slow Afternoon (1968)
• Karlheinz Stockhausen – Mikrophonie I & II (1964 und 1965); Mixtur (1964); Solo (1966); Prozession (1967); Kurzwellen (1968); Spirale (1968)
• Alvin Lucier – Musik für Solokünstler (1965), Nordamerikanische Zeitkapsel (1967), Vespern (1968)
• Johannes Fritsch – Partita (1965–66) für Bratsche, Kontaktmikrofone, Tonbandgerät, Filter und Potentiometer (4 Spieler); Modulation 2 (1967) für 13 Instrumente und Live-Elektronik; Akroasis (1966–68) für großes Orchester mit Jazzband, zwei Sängern, Live-Elektronik, Drehleier, Spieluhr und Nachrichtensprecher
• David Behrman – Wave Train (1967)
• Gordon Mumma – Hornpipe (1967)
• Steve Reich – Pendelmusik (1968)
• Max Neuhaus – Drive-in-Musik (1968)
• Larry Austin – Unfälle (1968)
• Richard Teitelbaum – In Tune (1968)
• Louis Andriessen , Hoe het is (1969) für 52 Streicher und Live-Elektronik
• Louis Andriessen, Reinbert de Leeuw , Misha Mengelberg , Peter Schat , Jan van Vlijmen – Reconstructie (1969), Morality Opera für Solisten, 3 gemischte Chöre, Orchester und Live-Elektronik
• George Brown – Splurge (1969)
• Takehisa Kosugi – 712-9374 (1969)
• Roger Smalley – Transformation I (1969)

• Liste der Festivals für elektronische Musik
• Neue Schnittstellen für musikalischen Ausdruck
• Operation Re-Information
• Liste der Musiksoftware