291 (Kunstgalerie)

291 ist die allgemein bekannte Bezeichnung für eine international berühmte Kunstgalerie, die sich von 1905 bis 1917 in Midtown Manhattan in der Fifth Avenue 291 in New York City befand. Ursprünglich hieß die Galerie „ Little Galleries of the Photo-Secession “ und wurde von dem Fotografen Alfred Stieglitz gegründet und geleitet .

Die Galerie ist für zwei Leistungen bekannt: Erstens trugen ihre Ausstellungen maßgeblich dazu bei, der Kunstfotografie in Amerika den gleichen Stellenwert wie Malerei und Bildhauerei zu verleihen. Wegweisende Fotografen wie Stieglitz, Edward Steichen , Alvin Langdon Coburn , Gertrude Käsebier und Clarence H. White erlangten durch Ausstellungen in der Galerie 291 große Anerkennung. Ebenso wichtig war, dass Stieglitz diesen Raum nutzte, um einige der avantgardistischsten europäischen Künstler seiner Zeit in den Vereinigten Staaten vorzustellen, darunter Henri Matisse , Auguste Rodin , Henri Rousseau , Paul Cézanne , Pablo Picasso , Constantin Brâncuși , Marcel Duchamp und den Dadaisten Francis Picabia .

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts war die Stellung der Fotografie in der bildenden Kunst noch sehr unklar. ^{[ 1 ]} Obwohl es in Europa und den USA bedeutende Fotoausstellungen gegeben hatte, wurden diese ausschließlich von Malern und Bildhauern beurteilt. Fotografen galten nicht als „echte“ Künstler, obwohl viele von ihnen Preise in internationalen Salons gewonnen hatten. Stieglitz selbst hatte bis Ende der 1890er Jahre weltweit über 150 Auszeichnungen erhalten.

Stieglitz hatte gehofft, die Stellung der Fotografie aufzuwerten, indem er den New York Camera Club davon überzeugte, ihm die Zusammenstellung einer Jury aus Fotografen zu gestatten, die dann als alleinige Juroren eines Fotowettbewerbs fungieren sollten. Nach über einem Jahr des Streits mit den Vorstandsmitgliedern des Camera Clubs, von denen viele kein Interesse an Fotografie als Kunstform hatten, gab Stieglitz auf und suchte nach anderen Foren.

Ende 1900 lernte er Edward Steichen kennen , einen gelernten Maler, der sich auch der Fotografie widmete. Steichen teilte Stieglitz' Begeisterung und Leidenschaft, und schon bald planten die beiden, wie sie die Fotografie in Amerika revolutionieren könnten. Bereits im folgenden Jahr hatten sie die Idee zu einer großen Fotoausstellung entwickelt – der ersten, deren Werke von Fotografen selbst juriert werden sollten – und fanden im National Arts Club in New York einen geeigneten Ausstellungsort. Im März 1902 wurde die von der Photo-Secession organisierte Ausstellung „American Pictorial Photography “ eröffnet und von der Kritik hochgelobt. Stieglitz hatte sein Ziel erreicht, eine von Fotografen jurierte Ausstellung zu veranstalten, denn trotz des Titels war er, wie man hört, allein für die Auswahl der Aussteller verantwortlich.

Im darauffolgenden Jahr festigte Stieglitz seinen Ruf als führender Verfechter der künstlerischen Fotografie, indem er mit Unterstützung seines Freundes und Fotografenkollegen Joseph Keiley die renommierte Zeitschrift „Camera Work“ herausgab . Er erwartete, dass „Camera Work“ bald nicht nur vollständig durch Abonnenten finanziert würde, sondern dass zusätzliche Einnahmen aus dem Verkauf der Zeitschrift es ihm ermöglichen würden, „Fotografie als Medium des individuellen Ausdrucks“ weiter zu fördern. ^{[ 2 ]} Obwohl ihm die Zeitschrift ein angesehenes Forum bot, um seine künstlerischen Fotografien zu präsentieren und seine Ansichten zu veröffentlichen, war sie kein finanzieller Erfolg. Anstatt sich von diesem Rückschlag entmutigen zu lassen, war Stieglitz umso mehr davon überzeugt, dass er die Kunstwelt vom rechtmäßigen Stellenwert der Fotografie überzeugen würde, wenn er nur die richtige Plattform für seine Botschaft fände.

Ende 1904 befand sich Stieglitz in einer schwierigen Lage. Curtis Bell, Präsident der American Federation of Photography und ein offener Kritiker von Stieglitz, organisierte in den Clausen Galleries in New York eine Ausstellung mit dem Titel „Der erste amerikanische Fotosalon“. Die Ausstellung wurde von einer Jury aus namhaften amerikanischen Malern, darunter William Merritt Chase und Robert Henri , bewertet, was ihr in der Kunstwelt beträchtliches Ansehen verlieh. Stieglitz und andere Fotografen sahen darin eine direkte Herausforderung für seinen Ruf, was sie offensichtlich auch war. ^{[ 3 ]}

Stieglitz konterte diesen Schritt, indem er versuchte, einige der bekanntesten Fotografen Europas für eine gemeinsame Bewegung zu gewinnen. Er reiste nach London, um sich mit einigen Gründern der bedeutenden Fotografengruppe „ The Linked Ring“ zu treffen , darunter J. Crag Annan, Frederick H. Evans , Alvin Langdon Coburn und Alfred Horley Hinton. Er hoffte, sie davon zu überzeugen, eine US-amerikanische Niederlassung von „The Linked Ring“ zu gründen, die er leiten würde. Außerdem traf er sich mit dem Dramatiker George Bernard Shaw , einem begeisterten Amateurfotografen, um über Möglichkeiten zur Förderung der Fotografie als Kunstform zu sprechen. Stieglitz erkrankte jedoch, bevor diese Gespräche zu einem Ergebnis führen konnten, und musste nach Hause zurückkehren. ^{[ 4 ]} Er war erschöpft, frustriert und suchte nach einem neuen, endgültigen Weg, seine Mission zu verwirklichen: die Fotografie um ihrer selbst willen zu fördern – unabhängig von anderen Kunstformen.

Als Stieglitz 1905 nach New York zurückkehrte, wohnte Edward Steichen in einem Studio-Apartment im fünften Stock eines kleinen Gebäudes in der Fifth Avenue 291, zwischen der 30. und 31. Straße auf der Ostseite der Avenue. Steichen bemerkte, dass gegenüber einige Räume leer standen, und überzeugte Stieglitz bald davon, dass sie sich ideal für Ausstellungen von Fotografien, insbesondere der Werke der Photo-Secession, eignen würden. ^{[ 5 ]} Stieglitz, der noch immer von seiner Europareise niedergeschlagen war, zögerte zunächst, doch Steichen ließ nicht locker. Im Sommer unterzeichnete Stieglitz einen Einjahresvertrag für drei kleine Räume, die bald zu einer der berühmtesten Kunstgalerien der Welt werden sollten. Die beiden begannen zu planen, wie sie die neuen Räumlichkeiten am besten nutzen könnten, nicht nur als Galerie, sondern auch als Bildungsstätte für Künstler und Fotografen sowie als Treffpunkt für Kunstliebhaber.

Im Oktober 1905 sandte Stieglitz einen Brief an alle Mitglieder der Photo-Secession, in dem er Folgendes schrieb:

Der Rat der Photo-Secession hatte geplant, im Frühjahr nächsten Jahres in New York eine Ausstellung mit den besten Werken der Bildfotografie aus aller Welt zu veranstalten – von Hill, dem Vater der Bildfotografie, bis heute. Viele der Abzüge waren bereits für diesen Zweck ausgewählt worden. Da es jedoch unmöglich war, während der begehrten New Yorker Saison zu einem angemessenen Preis geeignete Galerieräume zu finden, muss die Ausstellung verschoben werden.

Da die Photo-Secession die geplante große Ausstellung vorerst nicht durchführen kann, hat sie beschlossen, einige der bereits ausgewählten und in der Ausstellung enthaltenen Werke detailliert zu präsentieren. Zu diesem Zweck wurden Räumlichkeiten in der Fifth Avenue 291 in New York City angemietet, wo alle zwei Wochen Ausstellungen mit jeweils dreißig bis vierzig Fotografien gezeigt werden. Diese kleinen, aber sehr erlesenen Ausstellungen umfassen nicht nur amerikanische Fotografien, die noch nie zuvor in einer Stadt des Landes öffentlich gezeigt wurden, sondern auch österreichische, deutsche, britische, französische und belgische Fotografien sowie weitere künstlerische Werke, die der Rat der Photo-Secession gegebenenfalls erwerben kann.

Es ist geplant, diese Räume zum Hauptquartier aller Sezessionisten zu machen und sie der Öffentlichkeit allgemein zugänglich zu machen.“ ^{[ 6 ]}

Stieglitz und Steichen planten die Galerie als kommerziellen Ausstellungsraum. Sie sollten „im Namen der Eigentümer der ausgestellten Bilder Verkäufe aushandeln und eine Provision von 15 Prozent zugunsten der Kasse der Photo-Secession erheben“ ^{[ 7 ]} . Diese Idee soll von Steichen vorangetrieben worden sein, der über ein deutlich besseres Geschäftsgespür verfügte, und entwickelte sich im Laufe der Jahre zu einem Streitpunkt zwischen den beiden. Stieglitz war der Ansicht, dass ein ausgestelltes Werk besser in die Hände von jemandem gelangen sollte, der es aufgrund seines künstlerischen Wertes und nicht aufgrund seines Investitionspotenzials schätzte. Er war dafür bekannt, für ein und dasselbe Werk je nach seiner Einschätzung des wahren Interesses des potenziellen Käufers extrem unterschiedliche Preise zu verlangen.

Am 24. November 1905 öffneten die Little Galleries der Photo-Secession fast ohne öffentliche Ankündigung ihre Pforten. Zur Eröffnung kamen hauptsächlich die Mitglieder der Photo-Secession, die sich zu diesem Zeitpunkt in New York aufhielten. Die erste Ausstellung umfasste einhundert Abzüge von Photo-Secession-Mitgliedern, die ausschließlich von Stieglitz ausgewählt worden waren. In den folgenden Wochen strömten Hunderte New Yorker in die Galerie, und Stieglitz avancierte erneut zum Aushängeschild der amerikanischen Fotokunst.

Auf die Eröffnungsausstellung folgte im Januar 1906 eine Ausstellung französischer Fotografen, darunter Robert Demachy , Constant Puyo und René Le Bégue , die allesamt im Gummidruckverfahren hergestellte Abzüge präsentierten . Anschließend fand eine Doppelausstellung mit Werken von Gertrude Käsebier und Clarence H. White statt. Vier weitere Ausstellungen folgten 1906: eine mit britischen Fotografen, frühe Abzüge von Steichen, eine Ausstellung deutscher und österreichischer Fotografen sowie eine weitere Ausstellung mit Abzügen von Mitgliedern der Photo-Secession.

Nach einem überaus erfolgreichen ersten Jahr waren Stieglitz und Steichen überzeugt, ihren Standpunkt hinsichtlich des Stellenwerts der künstlerischen Fotografie untermauert zu haben. Sie waren sich ihres Erfolgs so sicher, dass ihr Kollege Joseph Keily schrieb: „Heute ist in Amerika der eigentliche Kampf um die Anerkennung der Bildfotografie entschieden. Der Hauptzweck der Photo-Secession ist erfüllt – die ernsthafte Anerkennung der Fotografie als zusätzliches Medium des bildlichen Ausdrucks.“ ^{[ 8 ]} Ironischerweise begann Stieglitz zu begreifen, dass es ihm gelungen war, die Photo-Secession in etwas zu verwandeln, das er einst verabscheut hatte – eine etablierte Institution, festgefahren in ihren Gewohnheiten und selbstzufrieden in ihrem Umgang mit Kunst. Wenn an dieser Aussage etwas Wahres dran war, fiel sie direkt auf Stieglitz zurück, da er für seine autoritäre Führung der Photo-Secession und seine Entscheidungen bei der Auswahl der in der Galerie ausgestellten Werke bekannt war. Bislang hatte Steichens konservativere Art Stieglitz’ Unbehagen im Zaum gehalten, doch im Sommer 1906 beschloss Steichen, nach Paris zu ziehen, um sich verstärkt der Fotografie und Malerei zu widmen. Ohne Steichens geschäftlichen Blick begann Stieglitz, einige seiner radikalen Wurzeln wiederzuentdecken.

Stieglitz wollte frischen Wind in die Galerie bringen und veranstaltete im Januar 1907 die erste Ausstellung ohne Fotografien. Dies ist bemerkenswert, da es den Beginn von Stieglitz' Rolle als Pionier der Förderung moderner Kunst in Amerika markierte. Die Ausstellung mit Zeichnungen der Künstlerin Pamela Colman Smith fand zunächst wenig Beachtung, doch nachdem ein prominenter Kritiker die Arbeiten lobte, wurde sie zur bis dahin bestbesuchten Ausstellung. Zahlreiche Werke wurden verkauft, und das Interesse war so groß, dass die Ausstellung um acht Tage verlängert werden musste. ^{[ 5 ]}

Stieglitz begann mit der Planung zukünftiger Ausstellungen, die nicht der Fotografie gewidmet waren, doch für den Rest des Jahres 1907 waren die Wände mit Exponaten von Fotografen wie Adolf de Meyer , Alvin Langdon Coburn und erneut Mitgliedern der Photo-Secession gefüllt.

In der Zwischenzeit hatte Steichen in Paris Freundschaft mit dem berühmten Bildhauer Auguste Rodin geschlossen und diesen überzeugt, ihm einige seiner Zeichnungen für eine Ausstellung in der New Yorker Galerie zu leihen. Die Galeriesaison 1908 begann mit der Ausstellung „Zeichnungen von Auguste Rodin“, der ersten Präsentation seiner Papierarbeiten in den Vereinigten Staaten. Die Ausstellung löste in der Presse erhebliche Kontroversen aus; ein Kritiker meinte: „Das sind nicht die Art von Dingen, die man der Öffentlichkeit präsentieren sollte, selbst nicht in einer Galerie.“ ^{[ 9 ]}

Kurz nach Ende der Ausstellung wurde Stieglitz mitgeteilt, dass der Vermieter die Miete verdoppeln und einen Vierjahresvertrag verlangen würde. Die Photo-Secession hatte zu dieser Zeit als Gruppe nur geringe Einnahmen von maximal 400 US-Dollar pro Jahr. Trotz kleinerer Erfolge hatte sich der ursprüngliche Plan, die Galerie durch Mitgliedsbeiträge und Provisionen zu finanzieren, nicht erfüllt. Obwohl er sich an die ihm bekannten Mitglieder wandte, befand sich die Wirtschaft in einer schweren Krise, und es kamen keine Hilfsangebote. Da es keine andere Einnahmequelle gab, musste Stieglitz schweren Herzens die Galerie schließen. Im April desselben Jahres waren die Räumlichkeiten leergeräumt und wurden umgehend von einer Damenschneiderei übernommen. ^{[ 10 ]}

Stieglitz glaubte, seine Galerie sei nun geschlossen, doch ohne sein Wissen tauchte ein Bekannter namens Paul Haviland nach seinem Studium in Harvard auf, erfuhr von der Schließung der Galerie und nutzte einen Teil des Familienvermögens, um einen Dreijahresvertrag für ein kleines Ladenlokal direkt gegenüber der alten Galerie abzuschließen. Nachdem Haviland Stieglitz von der Machbarkeit der neuen Räumlichkeiten überzeugt hatte, trommelte er weitere Freunde zusammen und beschaffte zusätzliche Mittel für Strom, Material, Druck und Rahmung. ^{[ 11 ]}

Der neue Galerieraum, der nur etwa 4,5 Quadratmeter groß war, befand sich tatsächlich im Nachbargebäude an der Fifth Avenue 293. Die Trennwand zwischen den beiden Gebäuden war jedoch bei einer früheren Renovierung entfernt worden, sodass die neue Galerie augenscheinlich dieselbe Adresse wie die alte hatte.

Möglicherweise um Druckkosten zu sparen, möglicherweise aber auch aus Zuneigung zu der alten Galerie, wollte Stieglitz, dass die neue Adresse „291“ blieb. Sowohl Haviland als auch er waren sich jedoch einig, dass der frühere Name „Kleine Galerien der Foto-Secession“ nicht mehr angemessen war. Sie wollten, dass der neue Raum mehr als nur Fotografie bot. Später schrieb Stieglitz: „Wir haben es hier weniger mit einer Gesellschaft, weniger mit einer Organisation als vielmehr mit einer Bewegung zu tun. Die Secession ist weniger eine Schule oder eine Anhängerschaft als vielmehr eine Lebenseinstellung; und ihr Motto scheint zu lauten: ‚Gebt jedem, der behauptet, eine Botschaft für die Welt zu haben, eine Chance, gehört zu werden. ‘ “ ^{[ 12 ]}

Von nun an nannte Stieglitz die Galerie nur noch „291“, ohne Straßennamen oder andere beschreibende Bezeichnung. Einige der Gründungsmitglieder der Photo-Secession missbilligten jedoch die Namensänderung und insbesondere die dahinterstehende Denkweise. Stieglitz’ alte Freunde Gertrude Käsebier und Clarence H. White sahen darin den Tropfen, der das Fass zum Überlaufen brachte in einer Reihe autokratischer Manöver Stieglitz’, und bald entbrannten zwischen den dreien immer heftigere Auseinandersetzungen. Stieglitz schrieb einmal: „Zu meinem Entsetzen brachen unter den Fotografen um mich herum bald regelrechte Eifersüchteleien aus, eine exakte Wiederholung der Situation, gegen die ich im Camera Club rebelliert hatte. Verschiedene Mitglieder der Secession liefen Gefahr, nicht nur einander, sondern auch dem, was ich aufzubauen und zu demonstrieren versuchte, zu schaden. Ich musste zudem feststellen, dass genau jene Institutionalisierung, Kommerzialisierung und Eigennutz, die ich am entschiedensten ablehnte, von einigen Mitgliedern sogar befürwortet wurden.“ ^{[ 13 ]} Diese Meinungsverschiedenheiten sollten sich in den nächsten zwei Jahren noch verstärken, was zum Teil durch Stieglitz' Sturheit und seine Weigerung, viele seiner langjährigen Fotografenfreunde in Entscheidungen über die Ausrichtung der neuen Galerie einzubeziehen, noch verschärft wurde.

Unterdessen kehrte Steichen im Februar 1908 mit einer neuen Fotoserie in die USA zurück, die für eine Ausstellung in der Galerie im Folgemonat vorgesehen war. Noch wichtiger war jedoch, dass er eine Reihe von Drucken mitbrachte, die ihm Henri Matisse, damals außerhalb Frankreichs noch weitgehend unbekannt, geliehen hatte. Stieglitz stellte die Drucke umgehend für eine Ausstellung in den neuen Räumlichkeiten zusammen. Es war die erste Ausstellung von Werken Matisses in den Vereinigten Staaten und die erste Einzelausstellung des Künstlers außerhalb von Paris. Sie markierte den Wendepunkt für die Galerie. Nach dieser Ausstellung war die Galerie 291 weit weniger für ihre Fotografien bekannt, sondern vielmehr als eine der führenden Kräfte der modernen Kunst in Amerika. Darüber hinaus sorgte Stieglitz weiterhin dafür, dass die Galerie nicht nur ein Ausstellungsraum war; er glaubte fest an ihre ursprüngliche Mission als Bildungsstätte und Treffpunkt für Menschen mit avantgardistischen Ideen. In seiner Beschreibung der Matisse-Ausstellung schrieb er: „Hier war das Werk eines neuen Mannes mit neuen Ideen – eines, wie es schien, sehr anarchistischen Künstlers. Die Ausstellung führte zu vielen hitzigen Kontroversen; sie erwies sich als anregend.“ ^{[ 3 ]}

Das Jahr 1909 markierte nicht nur den Beginn eines neuen Weges für das Restaurant 291, sondern war für Stieglitz auch aufgrund des Todes seines Vaters im Mai von Bedeutung. Die beiden standen sich nicht besonders nahe, doch in seinem Testament vermachte ihm der Vater die damals beträchtliche Summe von 10.000 Dollar. Stieglitz nutzte diesen Betrag in den folgenden Jahren, um das Restaurant 291 am Leben zu erhalten.

Die neue Kunst und die Reaktionen des Publikums darauf wirkten für Stieglitz äußerst belebend; sie bescherten ihm eine ganz neue Anhängerschaft, gerade als er sich seinen alten Kollegen der Photo-Secession immer weniger verbunden fühlte. Von da an war der Kurs der Galerie vorgezeichnet. Von 1909 bis zu ihrer Schließung 1917 zeigte die Galerie 291 von insgesamt 61 Ausstellungen nur sechs Fotoausstellungen. ^{[ 14 ]}

Die Neuausrichtung der Galerie führte zum Zusammenschluss einer Gruppe von Intellektuellen und Künstlern, die sowohl Stieglitz’ Ziele teilten als auch von der dortigen Atmosphäre inspiriert wurden. Nach dem künstlerischen Erfolg der Matisse-Ausstellung erlebte die Galerie einen neuen Aufschwung. Stieglitz konnte sich an jedem beliebigen Tag in Gesellschaft von Künstlern wie John Marin , Max Weber , Arthur Dove , Marsden Hartley oder Marius de Zayas aufhalten ; ebenso von den Autoren und Kunstkritikern Sadakichi Hartmann und Benjamin De Casseres ; den Förderern Paul Haviland und Agnes Ernst Meyer; sowie den Herausgebern und Mitarbeitern Joseph Keiley und John Kerfoot.

De Zayas teilte eine Leidenschaft und Vision, die perfekt zu Stieglitz' Persönlichkeit passten, und schon bald prägte er die Ästhetik dieser neuen Kunstgeneration. Seine Werke wurden in der Galerie ausgestellt, er verfasste mehrere Artikel für Camera Work und stellte Stieglitz einigen der neuesten europäischen Künstler vor, indem er ihm auf seinen Europareisen als Reiseführer und Dolmetscher zur Seite stand. Sein Interesse an afrikanischer Stammeskunst und seine Bewunderung für Picassos kubistisches Werk überzeugten Stieglitz, in der Galerie 291 bahnbrechende Ausstellungen zu diesen Themen zu veranstalten.

Historisch betrachtet zeigte zu jener Zeit praktisch keine andere Galerie in den Vereinigten Staaten Werke mit solch abstraktem und dynamischem Inhalt. Ob es sich um bereits umstrittene europäische Künstler wie Picasso, Matisse oder Cézanne handelte oder um relativ unbekannte, aber bald berühmt werdende Amerikaner wie Marin, Weber, Dove oder Hartley – Stieglitz besaß sowohl das ästhetische Gespür als auch den Mut, Künstler zu präsentieren, die heute als Pioniere der modernen Kunst gelten.

Je mehr ein Künstler die Öffentlichkeit verblüffte, desto mehr fühlte sich Stieglitz in seinen Bemühungen bestätigt. Als er 1911 Picassos erste Ausstellung in den USA präsentierte, freute sich Stieglitz darüber, den Kritikern zu erklären, dass die Werke, die sie als „das Gebrabbel eines Wahnsinnigen“ bezeichneten, für ihn „so vollkommen wie eine Bach-Fuge“ seien. ^{[ 3 ]}

Zu den bedeutenden Ausstellungen, die in dieser Zeit stattfanden, gehörten die ersten Ausstellungen von Alfred Maurer , John Marin und Marsden Hartley , die zweiten Ausstellungen von Rodin und Matisse sowie wichtige Ausstellungen für die jüngeren Künstler Arthur Carles , Arthur Dove und Max Weber.

Ab 1913 äußerte Stieglitz zunehmend Frustration über die damaligen Weltveränderungen. Er schrieb: „Vieles von der Begeisterung, die in der Galerie Nr. 291 geherrscht hatte, verflog allmählich aufgrund des bevorstehenden Krieges. Enge Freunde schienen in Vergessenheit zu geraten.“ ^{[ 10 ]} Stieglitz war besonders beunruhigt, da seine Eltern aus Deutschland stammten und er dort noch viele enge Freunde hatte. Obwohl er die deutschen Kriegsanstrengungen nicht unterstützte, konnte er „Deutschland nicht als durchweg im Unrecht und die Alliierten als durchweg im Recht ansehen.“ ^{[ 10 ]} Gleichzeitig sanken die Besucherzahlen der Galerie aufgrund der Wirtschaftskrise drastisch, und die Abonnements der Zeitschrift „Camera Work“ gingen zurück. Erschwerend kam hinzu, dass die wenigen ehrenamtlichen Mitarbeiter der Galerie fast vollständig verschwanden, da viele zum Militärdienst eingezogen wurden oder andere Jobs annehmen mussten, um ihren Lebensunterhalt zu verdienen.

Wieder einmal war es Haviland, der zur Rettung eilte. Anfang 1915 teilte er Stieglitz mit, dass die Zeitschrift „291“ in einer Sackgasse steckte und etwas Wagemutiges nötig sei, um sie wiederzubeleben. Er versammelte einen engen Kreis relativ wohlhabender Freunde, darunter Agnes Meyer und Dorothy Norman, und gemeinsam mit Stieglitz entwickelten sie die Idee, eine neue Zeitschrift herauszugeben. Sie beschlossen, dass es diesmal nicht nur eine Kunstzeitschrift, sondern selbst ein Kunstwerk sein sollte, gedruckt in limitierter Auflage auf hochwertigem Papier und mit exzellenten Reproduktionen. Die neue Zeitschrift, die sie alle auf den Namen „291“ einigten , erschien im März 1915 und wurde von der Kritik hochgelobt. In den folgenden vierzehn Monaten erschienen zwölf Ausgaben von „291“ , die einige der avantgardistischsten Kunstwerke und Designs der damaligen Zeit präsentierten.

Die Zeitschrift trug wenig zur Verbesserung des Ansehens der Galerie bei. Stieglitz präsentierte zwar weiterhin einige herausragende Ausstellungen, doch die zunehmenden Kriegsspannungen und deren Auswirkungen auf die Wirtschaft ließen sich nicht überwinden. 1916 lernte Stieglitz Georgia O’Keeffe kennen . In den ersten Jahren ihrer Beziehung inspirierte O’Keeffe Stieglitz’ Fotografie und war eine Quelle kreativer Energie. ^{[ 15 ]} Andere männliche Galeristen suchten zu dieser Zeit üblicherweise nicht nach Werken von Frauen und stellten diese auch nicht aus. Stieglitz hingegen glaubte an die Legitimität von Künstlerinnen ^{[ 15 ]} und präsentierte Georgias Arbeiten in zahlreichen Gruppenausstellungen sowie in einer Einzelausstellung am 3. April 1917. ^{[ 16 ]} Seine Werbung für O’Keeffes Werke in seiner Galerie und seine Darstellung ihrer Person als Künstlerin basierten jedoch maßgeblich auf ihrer Weiblichkeit und deren Präsenz in ihren Arbeiten.

Im Juni 1917, nur zwei Monate nach der Kriegserklärung der Vereinigten Staaten an Deutschland, schloss Stieglitz das Museum 291. Er fertigte ein Foto mit dem Titel „ Die letzten Tage von 291“ (National Gallery of Art, Alfred-Stieglitz-Sammlung) an, das seine damaligen Gefühle symbolisierte. Es zeigt ein Modell eines jungen Soldaten, bewaffnet mit Schwert und Besen, der hinter sich Kunstwerke beschützt. Neben ihm steht ein älterer, bandagierter Krieger, der zusieht und möglicherweise Stieglitz selbst darstellt – jemanden, der im Kampf um den Schutz der Kunst verwundet wurde und deren Bewahrung nun einer neuen Generation obliegt. ^{[ 3 ]}

Später kehrte Stieglitz nach New York zurück, um zwei weitere Galerien zu leiten. Von 1925 bis 1929 leitete er die Intimate Gallery, in der er Werke amerikanischer Künstler wie Marsden Hartley, Arthur Dove , John Marin , Paul Strand , Charles Demuth und Georgia O’Keeffe , die inzwischen seine Ehefrau war, ausstellte. 1929 eröffnete er „An American Place“, wo er bis zu seinem Tod 1946 die Werke der „ Seven Americans“ (Hartley, Marin, Dove, Demuth, O’Keeffe, Strand und Stieglitz) präsentierte. ^{[ 17 ]}

1914 veröffentlichte Stieglitz in einer Ausgabe von Camera Work eine Reihe von Antworten auf die Frage „Was ist 291?“ . ^{[ 18 ]} Hier einige dieser Schriften:

Eugene Meyer antwortete mit einem freien Gedicht. Für ihn bedeutete die Zahl 291 Folgendes:

JB Kerfoot: „291 ist mehr als die Summe all seiner Definitionen. Denn es ist eine lebendige Kraft, die sowohl zum Guten als auch zum Bösen wirkt. Für mich bedeutete 291 ein intellektuelles Gegenmittel zum 19. Jahrhundert…“

William Zorach : „Ich habe die Nummer 291 sehr oft besucht und für mich ist es ein wunderbarer, lebendiger Ort, der vor rotem Blut pulsiert – ein Ort, an dem die Menschen ihr Bestes geben und der das Beste in all denen zum Vorschein bringt, die mit ihm in Berührung kommen.“

Marsden Hartley : „Ein reines Instrument erzeugt mit Sicherheit einen reinen Klang. So hat sich auch dieses Instrument von 291 so rein wie möglich gehalten, sodass es dadurch einen reinen Ausdruck hervorbringt.“

Während des 13-jährigen Bestehens der Galerie umfassten die dort gezeigten Ausstellungen eine beeindruckende Liste von Premieren sowohl in der Fotografie als auch in der modernen Kunst. ^{[ 19 ]}

• 1907: Die erste Ausstellung von Autochromdrucken in den Vereinigten Staaten
• 1908: Die erste Ausstellung von Rodins späten Figurenzeichnungen in Bleistift und Aquarell.
• 1908: Die erste Ausstellung von Matisses Werken, die jemals in den Vereinigten Staaten stattfand.
• 1910: Die ersten drei Lithografien von Cézanne wurden gezeigt
• 1911: Die erste US-amerikanische Einzelausstellung von Cézanne
• 1911: Die erste US-amerikanische Einzelausstellung von Picasso
• 1912: Die weltweit erste Ausstellung von Matisses Skulpturen

Im Jahr 1917 gründete Francis Picabia in Barcelona die Zeitschrift 391 , deren Titel von 291 inspiriert war .

Das maßgebliche Nachschlagewerk für die Galerie 291 und die dort stattgefundenen Ausstellungen ist Sarah Greenoughs umfangreiches Werk „Modern Art and America: Alfred Stieglitz and His New York Galleries“ (Washington: National Gallery of Art, 2000). Die Liste findet sich auf den Seiten 543–547.

Liste der Kameraarbeitsprobleme

• „Alfred Stieglitz und die Galerie 291 – Eine Revolution der modernen Kunst vor der Armory Show“ von Brooke Schieb
• Geschichte des Gemäldes 291, archiviert am 22. Dezember 2015 in der Wayback Machine , verfasst von der US National Gallery of Art (mit Schwerpunkt auf der Rolle des Gemäldes 291 in der Malerei und weniger in der Fotografie).

40°44′47,21″N 73°59′09,79″W / 40,7464472°N 73,9860528°W / 40.7464472; -73.9860528