Komposition (bildende Kunst)

In der bildenden Kunst bezeichnet Komposition ( wörtlich „Zusammenfügen“) die Gestaltung eines Kunstwerks. Der Begriff wird je nach Kontext oft synonym mit anderen Begriffen wie Design, Form, visueller Anordnung oder formaler Struktur verwendet. Im Grafikdesign für Printmedien und Desktop-Publishing wird Komposition üblicherweise als Seitenlayout bezeichnet .

Die Komposition eines Bildes unterscheidet sich von seinem Sujet (dem Dargestellten), sei es ein Augenblick aus einer Geschichte, eine Person oder ein Ort. Viele Motive, beispielsweise der Heilige Georg und der Drache , werden häufig in der Kunst dargestellt, und zwar in einer großen Bandbreite an Kompositionen, obwohl typischerweise nur diese beiden Figuren gezeigt werden.

Das zentrale visuelle Element, auch Gestaltungselement , formales Element oder künstlerisches Element genannt , bildet das Vokabular, mit dem der bildende Künstler komponiert. Diese Elemente im Gesamtentwurf stehen üblicherweise in Beziehung zueinander und zum gesamten Kunstwerk.

Die Gestaltungselemente sind:

• Linie – der visuelle Pfad, der es dem Auge ermöglicht, sich innerhalb des Werkes zu bewegen.
• Form – Bereiche, die durch Kanten innerhalb des Werkstücks definiert sind, ob geometrisch oder organisch.
• Farbe – Farbtöne mit ihren verschiedenen Werten und Intensitäten
• Textur – Oberflächeneigenschaften, die taktile Illusionen erzeugen
• Wert – Schattierung zur Hervorhebung der Form
• Form – dreidimensionale Länge, Breite oder Tiefe
• Raum – der Raum, der von (positiven) oder zwischen (negativen) Objekten eingenommen wird

Linien sind optische Phänomene, die es dem Künstler ermöglichen, den Blick des Betrachters zu lenken. Die optische Täuschung von Linien findet sich in der Natur, und in der bildenden Kunst können Elemente so angeordnet werden, dass diese Illusion entsteht. Der Betrachter „liest“ das Bild unbewusst durch die kontinuierliche Anordnung verschiedener Elemente und Objekte in unterschiedlichen Entfernungen. Solche Elemente können in der Bildkomposition eine dramatische Wirkung entfalten. Dies können tatsächliche Linien wie Telefon- und Stromkabel oder Takelage an Booten sein. Linien können aber auch durch die Grenzen unterschiedlicher Farben oder Kontraste oder durch Abfolgen einzelner Elemente entstehen. Auch Bewegung erzeugt Linien, wobei die verschwommene Bewegung als Linie wahrgenommen wird. ^{[ 1 ]}

Hauptlinien tragen sowohl zur Stimmung als auch zur linearen Perspektive bei und erzeugen beim Betrachter eine Illusion von Tiefe. Schräge Linien vermitteln ein Gefühl von Bewegung, während eckige Linien Dynamik und möglicherweise Spannung vermitteln. Linien können die Aufmerksamkeit auf das Hauptmotiv des Bildes lenken oder zur Strukturierung beitragen, indem sie es in Bereiche unterteilen. Der Künstler kann Linien übertreiben oder neu erzeugen, möglicherweise als Teil seiner Botschaft an den Betrachter. Viele Linien ohne klaren Bezugspunkt suggerieren Chaos im Bild und können der vom Künstler beabsichtigten Stimmung widersprechen.

Der Winkel einer Linie und ihr Verhältnis zur Bildgröße beeinflussen die Perspektive des Bildes. Horizontale Linien, häufig in der Landschaftsfotografie anzutreffen , können Ruhe, Stille und Weite vermitteln. Ein Bild mit vielen kräftigen vertikalen Linien wirkt hingegen hoch und erhaben. Eng aneinanderliegende Linien verleihen dem Bild Dynamik, Lebendigkeit und Lebendigkeit. Stark gedrehte, fast diagonale Linien erzeugen Spannung. Der Blickwinkel ist in der bildenden Kunst von grundlegender Bedeutung, da Linien aus verschiedenen Perspektiven unterschiedlich wahrgenommen werden. Diese veränderte Perspektive ruft wiederum unterschiedliche Reaktionen auf das Bild hervor. Schon eine geringfügige Änderung des Winkels um wenige Grad oder Zentimeter kann die Wirkung von Linien enorm beeinflussen und ein ganz bestimmtes Gefühl vermitteln. Gerade Linien werden zudem stark von Tonwert, Farbe und der Wiederholung im Kontext des restlichen Bildes beeinflusst.

Kurven verleihen Bildern im Vergleich zu geraden Linien eine größere Dynamik. Sie wirken zudem ästhetisch ansprechender, da der Betrachter sie mit Natur und Weichheit assoziiert. In der Fotografie erzeugen Kurven in Kombination mit weichem, gerichtetem Licht abgestufte Schatten, was meist zu einer sehr harmonischen Linienstruktur im Bild führt. Man unterscheidet im Wesentlichen zwei Kurvenarten: die einfache C-Kurve und die geschwungene S-Kurve . ^{[ 2 ]}

Farben besitzen drei Eigenschaften: Farbton, Helligkeit (auch Farbsättigung genannt) und Wert. Der Farbton ist die Bezeichnung einer Farbe (z. B. Rot, Gelb, Blau). Helligkeit und Farbsättigung beschreiben die Intensität und Stärke der Farbe. Eine Farbe mit hoher Farbsättigung wirkt reiner und weniger grau als eine Farbe mit niedriger Farbsättigung. Der Wert gibt an, wie hell oder dunkel eine Farbe ist. Farben beeinflussen auch unsere Emotionen. Daher können wir Farben nutzen, um Stimmungen zu erzeugen. Sie können außerdem als Tonwert, Muster, Licht, Bewegung, Symbol, Form, Harmonie und Kontrast eingesetzt werden. ^{[ 3 ] [ 4 ]}

Textur beschreibt, wie sich ein Objekt anfühlt oder wie es sich anfühlen könnte, wenn man es berührt. Wir nehmen Textur auf zwei Arten wahr: physisch und optisch. Verschiedene Techniken können physische Textur erzeugen, wodurch Qualitäten in der bildenden Kunst sichtbar und fühlbar werden. Beispiele hierfür sind Oberflächen wie Metall, Sand und Holz. Optische Textur entsteht durch die Illusion physischer Textur. Fotografie, Malerei und Zeichnung nutzen visuelle Textur, um ein realistischeres Erscheinungsbild zu erzielen. ^{[ 5 ]}

Helligkeit und Dunkelheit werden in der bildenden Kunst als Wert bezeichnet. Der Wert beschreibt, wie Licht von Objekten reflektiert wird und wie wir es wahrnehmen. Je mehr Licht reflektiert wird, desto höher ist der Wert. Weiß hat den höchsten oder hellsten Wert, Schwarz den niedrigsten oder dunkelsten. Auch Farben besitzen einen Wert; Gelb beispielsweise hat einen hohen Wert, Blau und Rot hingegen einen niedrigen. Fotografiert man eine farbenfrohe Szene in Schwarz-Weiß, bleiben nur die Werte übrig. Dieses wichtige Gestaltungselement, insbesondere in der Malerei und Zeichnung, ermöglicht es dem Künstler, durch den Kontrast von Wert und Schatten eine Illusion von Licht zu erzeugen. ^{[ 6 ]}

Der Begriff „Form“ kann in der bildenden Kunst verschiedene Bedeutungen haben. Er bezeichnet ein dreidimensionales Objekt im Raum. Er beschreibt auch die physische Beschaffenheit eines Kunstwerks, beispielsweise von Skulpturen. Darüber hinaus kann er als Kunstform verstanden werden, die sich in der bildenden Kunst ausdrücken lässt. Eine Form umschließt ein Volumen und besitzt Länge, Breite und Höhe, im Gegensatz zu einer zweidimensionalen Gestalt. Mathematische Formen wie Kugel, Pyramide, Würfel, Zylinder und Kegel werden als geometrische Formen bezeichnet. Organische Formen sind typischerweise unregelmäßig und asymmetrisch. Diese Formen finden sich in der Natur, beispielsweise bei Blumen, Steinen und Bäumen, aber auch in der Architektur. ^{[ 7 ]}

Formen in Zeichnung und Malerei erzeugen durch Licht, Schatten, Hell-Dunkel-Kontraste und Tonwerte die Illusion von Dreidimensionalität. Je größer der Hell-Dunkel-Kontrast, desto ausgeprägter wirkt die Dreidimensionalität. Formen mit geringen Hell-Dunkel-Kontrasten erscheinen flacher als solche mit größerer Variation und stärkerem Kontrast.

Raum ist der Bereich um, über und innerhalb eines Objekts. Fotografen können Raum einfangen, Architekten gestalten Raum und Maler erschaffen Raum. Dieses Element findet sich in allen bildenden Künsten. Er kann positiv oder negativ, offen oder geschlossen, flach oder tief und zwei- oder dreidimensional sein. In Zeichnungen und Gemälden ist der Raum nicht real vorhanden, sondern die Illusion von ihm. Der positive Raum ist das eigentliche Thema des Werkes. Die leeren Räume um, über und innerhalb des Objekts bilden den negativen Raum . ^{[ 8 ] [ 9 ]}

Es gibt zahlreiche Ansätze oder „Kompositionstechniken“, um in einem Kunstwerk ein Gefühl der Einheit zu erzielen, abhängig von den Zielen des Künstlers. Beispielsweise gilt ein Kunstwerk als ästhetisch ansprechend, wenn seine Elemente in einer ausgewogenen Komposition angeordnet sind. ^{[ 10 ]} Es gibt jedoch Künstler wie Salvador Dalí , die traditionelle Kompositionsregeln aufbrechen und den Betrachter dazu anregen, Balance und Gestaltungselemente in Kunstwerken neu zu überdenken.

Eine konventionelle Komposition kann mit einer Reihe von Techniken erreicht werden:

Die Drittelregel ist eine Kompositionsrichtlinie, die besagt, dass die Anordnung wichtiger Bildelemente auf oder nahe den horizontalen und vertikalen Linien, die das Bild horizontal und vertikal in Drittel teilen, ein ästhetisch ansprechendes Ergebnis liefert. Ziel ist es, zu verhindern, dass Motive und interessante Bereiche (wie der Horizont) das Bild halbieren, indem man sie nahe einer der Linien platziert, die das Bild in drei gleich große Spalten und Zeilen unterteilen, idealerweise nahe dem Schnittpunkt dieser Linien.

Die Drittelregel gilt als Vereinfachung des Goldenen Schnitts . Man nimmt an, dass der Goldene Schnitt im Laufe der Geschichte von Künstlern als Kompositionsrichtlinie verwendet wurde, doch gibt es dafür kaum Belege .

Die „Regel der ungeraden Anzahl“ besagt, dass eine ungerade Anzahl von Motiven in einem Bild interessanter wirkt als eine gerade Anzahl. Wenn Sie also mehr als ein Motiv in Ihrem Bild haben, empfiehlt es sich, eine Anordnung mit mindestens drei Motiven zu wählen. Eine gerade Anzahl von Motiven erzeugt Symmetrien im Bild, die bei einer naturalistischen, informellen Komposition weniger natürlich wirken können.

Ein Bild einer Person, die von zwei anderen Personen umgeben/eingerahmt ist, wobei die Person in der Mitte das Objekt des Interesses in diesem Bild/Kunstwerk ist, wird vom Betrachter eher als freundlich und beruhigend wahrgenommen als ein Bild einer einzelnen Person ohne nennenswerte Umgebung.

Die Raumregel gilt für Kunstwerke (Fotografie, Werbung, Illustration), die Objekte darstellen, denen der Künstler die Illusion von Bewegung verleihen möchte oder die im Kopf des Betrachters eine kontextuelle Blase erzeugen sollen.

Dies lässt sich beispielsweise erreichen, indem man in Blickrichtung einer dargestellten Person Leerraum lässt oder, bei der Darstellung eines Läufers, Leerraum vor statt hinter ihm hinzufügt, um Bewegung anzudeuten. Studien mit unerfahrenen Teilnehmern haben diese Präferenz bestätigt. ^{[ 11 ]}

Bilder mit vielen Details können von den Hauptelementen ablenken und die Identifizierung des Motivs erschweren. Durch die Reduzierung überflüssiger Elemente konzentriert sich der Betrachter eher auf die Hauptobjekte. Auch die Beleuchtung trägt zur Reduzierung von Unordnung bei, da hellere Bereiche, Linien, Quadrate und Farben den Blick auf sich ziehen. In der Malerei kann der Künstler zum Bildrand hin einen weniger detaillierten und präzisen Pinselstrich verwenden. Er reduziert die Elemente auf das Wesentliche und beschränkt sich auf die wichtigsten Bestandteile des Objekts.

In der Fotografie und auch (durch Softwaresimulation realer Objektivbeschränkungen) in der 3D-Grafik besteht ein Ansatz zur Vereinfachung darin, beim Fotografieren eine große Blendenöffnung zu verwenden, um die Schärfentiefe zu verringern . Bei korrekter Anwendung und im richtigen Kontext kann diese Technik alles, was nicht zum Hauptmotiv des Fotos gehört, unscharf darstellen.

Ein ähnlicher Ansatz besteht, vorausgesetzt man verfügt über die richtige Ausrüstung, darin, das Scheimpflug-Prinzip auszunutzen, um die Fokusebene zu verändern.

Eng mit der Regel der ungeraden Zahlen verbunden ist die Beobachtung, dass Dreiecke eine ästhetisch ansprechende, implizite Form in einem Bild darstellen. In einem kanonisch schönen Gesicht liegen Mund und Augen innerhalb der Ecken eines gleichseitigen Dreiecks. Paul Cézanne nutzte Dreiecke erfolgreich in seinen Stillleben . Die Dreiecksform vermittelt ein Gefühl von Stabilität und Stärke.

Es gilt allgemein als ansprechender für den Betrachter, wenn ein Bild den Blick des Betrachters zum Umherwandern anregt, anstatt ihn sofort auf einen bestimmten Punkt oder gar keinen bestimmten Punkt zu fixieren. Künstler bemühen sich oft, statische oder flache Kompositionen zu vermeiden, indem sie Bewegung in das Bild einbringen. In Bild A sind die beiden Berge gleich groß und nebeneinander positioniert, wodurch ein sehr statisches und uninteressantes Bild entsteht. In Bild B hingegen sind die Berge unterschiedlich groß, und einer liegt näher am Horizont. Dadurch wird der Blick von einem Berg zum anderen gelenkt, was ein interessanteres und ansprechenderes Bild erzeugt. Dies wirkt auch natürlicher, da Objekte in der Natur selten gleich groß und gleichmäßig verteilt sind.

• Die Arbeit sollte einen zentralen Interessensschwerpunkt haben, damit sie nicht zu einem Muster an sich wird.
• Die Blickrichtung des Betrachters sollte ihn über alle Elemente des Werkes führen, bevor sie aus dem Bild hinausführt.
• Die Person sollte nicht aus dem Bild herausblicken.
• Eine exakte Halbierung des Bildraums sollte vermieden werden.
• Kleine, kontrastreiche Elemente haben die gleiche Wirkung wie größere, mattere Elemente.
• Das Hauptmotiv sollte nicht in der Mitte platziert werden, es sei denn, eine symmetrische oder formale Komposition ist gewünscht, und kann durch kleinere Satellitenelemente ausgeglichen werden.
• Die Horizontlinie sollte das Kunstwerk nicht in zwei gleiche Hälften teilen, sondern so positioniert sein, dass entweder der Himmel oder der Boden betont wird; mehr Himmel bei einem Gemälde mit Wolken, Sonnenaufgang oder -untergang, mehr Boden bei einer Landschaft.
• Die Verwendung von detaillierten Bereichen und Ruhezonen kann dem Auge helfen, den Blick gezielt zu lenken. Die Schaffung eines Kontrasts zwischen Detailreichtum und Detailarmut ist wichtig.

Diese Prinzipien können Mittel zu einer guten Komposition sein, doch können sie nicht einzeln angewendet werden, sondern müssen zusammenwirken, um eine gute Komposition zu bilden.

• Auch in Kunstwerken wird empfohlen, dass die Abstände zwischen den Objekten nicht gleich sein sollten, um ein interessanteres Bild zu erzeugen.

Diese Gemälde zeigen alle dasselbe Thema, die Auferweckung des Lazarus , und im Wesentlichen dieselben Figuren, weisen aber sehr unterschiedliche Kompositionen auf:

• 
  Duccio , 1310–11
• 
  Geertgen tot Sint Jans , 1480er Jahre
• 
  Guercino , um 1619
• 
  Rembrandt , um 1630

• Liste der fotografischen Kompositionstechniken
• Miksang (kontemplative Fotografie)
• Neue Epochennotation für die Malerei (ein Notationssystem für die Malerei)
• Seitenlayout (Grafikdesign)

• Arnheim, Rudolf (1974). Kunst und visuelle Wahrnehmung: Eine Psychologie des kreativen Auges . University of California Press . ISBN 978-0-520-02613-1Die
• Downer, Marion (1947). Discovering Design . Lothrop Lee & Shepard. ISBN 0-688-41266-1Die{{cite book}}:ISBN-/Datumsinkompatibilität ( Hilfe )
• Graham, Peter (2004). Einführung in die Stilllebenmalerei . Chartwell Books Inc. ISBN 0-7858-1750-6Die
• Grill, Tom; Scanlon, Mark (1990). Fotografische Komposition . Watson-Guptill Publications . ISBN 0-8174-5427-6Die
• Peterson, Bryan (1988). Kreatives Sehen lernen . Watson-Guptill Publications. ISBN 0-8174-4177-8Die
• Langford, Michael (1982). Der Meisterleitfaden der Fotografie . New York: Dorling Kindersley Limited. ISBN 0-394-50873-4Die

• Percy-Prinzipien der Kunst und Komposition , Kunstabteilung des Goshen College
• Detailnutzung und warum sie wichtig ist