Betritt die Leere

Enter the Void ist ein surrealistischer Kunstfilm aus dem Jahr 2009 ^{[ 8 ]} , geschrieben und inszeniert von Gaspar Noé nach einem Drehbuch, das er gemeinsam mit seiner Frau Lucile Hadzihalilovic verfasste . Angesiedelt in den neonbeleuchteten Nachtclubs Tokios , folgt die Geschichte Oscar ( Nathaniel Brown ), einem jungen amerikanischen Drogendealer , der von der Polizei erschossen wird, aber die darauffolgenden Ereignisse in einer außerkörperlichen Erfahrung weiterverfolgt . Der Film ist aus der Ich-Perspektive gedreht und verwendet ausgiebig lange Einstellungen , die oft über den Straßen der Stadt schweben und Oscar gelegentlich zeigen, wie er über seine eigene Schulter blickt und sich an Momente seiner Vergangenheit erinnert. Noé bezeichnet den Film als „ psychedelisches Melodrama “. ^{[ 9 ]}

Ein Herzensprojekt von Noé seit seiner Jugend: Der Film steckte jahrelang in der Entwicklungshölle fest , bis der kommerzielle Erfolg seines vorherigen Films „ Irréversible “ (2002) die Produktion ermöglichte. „Enter the Void“ wurde hauptsächlich von Wild Bunch finanziert , während Fidélité Films die eigentliche Produktion leitete. Mit einer Mischung aus Profis und Newcomern verwendet der Film stark von experimentellem Kino und psychedelischen Drogenerfahrungen inspirierte Bildsprache. Die Dreharbeiten fanden in Tokio statt und umfassten viele aufwendige Kranfahrten. Zu den Koproduzenten gehörte das Studio für visuelle Effekte BUF Compagnie , das auch die computergenerierten Bilder beisteuerte . Der Soundtrack des Films ist eine Collage aus elektronischem Pop und experimenteller Musik .

Eine Rohfassung feierte 2009 bei den Filmfestspielen von Cannes Premiere , doch die Postproduktion dauerte an, und der Film kam erst fast ein Jahr später in Frankreich in die Kinos. Eine gekürzte Fassung erschien im September 2010 in den USA und Großbritannien. Die Kritiken fielen sehr unterschiedlich aus: Positive Kritiken lobten den Film als fesselnd und innovativ, negative bezeichneten ihn als langweilig und kindisch. An den Kinokassen floppte der Film .

Die amerikanischen Geschwister Oscar und Linda leben in einer Wohnung in Tokio und haben sich nach dem Unfalltod ihrer Eltern ewige Treue geschworen. Oscar dealt mit Drogen, während Linda als Stripperin in einem Tokioter Stripclub arbeitet . Der Film wird größtenteils aus Oscars Ich-Perspektive erzählt, Rückblenden in seine und Lindas Vergangenheit werden aus einer Außenperspektive gezeigt.

Eines Abends, nachdem Linda zur Arbeit gegangen ist, raucht Oscar DMT und erlebt einen halluzinogenen Trip, bis ihn sein Freund Victor zu einem Drogendeal in eine Bar namens „The Void“ ruft. Oscars anderer Freund Alex kommt spontan vorbei und begleitet ihn. Unterwegs spricht Alex mit ihm über das Tibetische Totenbuch , eine buddhistische Schrift über die Reinkarnation, und beschreibt den Sterbeprozess, um die kommenden Ereignisse vorherzusehen. Oscar betritt „The Void“ allein und gerät in eine Falle : Die Polizei stürmt die Bar, als Oscar den aufgelösten Victor begrüßt. Oscar flüchtet in eine Toilettenkabine und versucht vergeblich, die Drogen in die Hocktoilette zu spülen . Als die Beamten die Tür eintreten wollen, blufft Oscar, er sei bewaffnet, woraufhin die Polizisten ihm durch die Tür in die Brust schießen. Oscars Seele – und damit auch die Ich-Perspektive – verlässt seinen Körper, und er macht sich auf die Suche nach Linda, um sein Versprechen, sie niemals zu verlassen, einzulösen. Im weiteren Verlauf des Films wandert Oscars Seele durch Tokio, wacht über seine Freunde und seine Schwester und hat dabei Rückblenden zu Erinnerungen an seine Kindheit und sein früheres Leben in Tokio, die ihn dazu brachten, Drogendealer zu werden.

Das Leben von Oscar und Linda wird in kurzen, nicht chronologischen Rückblenden erzählt. Mitten in einer glücklichen Kindheit starben ihre Eltern bei einem schweren Autounfall. Bevor sie in verschiedene Pflegefamilien kamen, schworen die Geschwister, immer füreinander da zu sein. Jahre später lebte Oscar als Kleindealer in Tokio und konnte sich bald ein Flugticket für Linda leisten, damit sie bei ihm wohnen konnte. Linda fand Arbeit als Stripperin für den Nachtclubbesitzer Mario. Als Oscars Geschäft florierte, entdeckte Victor, dass Oscar mit seiner Mutter geschlafen hatte, um zusätzliches Geld für Lindas Flugticket zu beschaffen. Dies veranlasste ihn, die Razzia zu planen, die Oscars Leben beendete.

Linda wird schwanger, verliert ihren Job als Stripperin und treibt ab. Alex muss auf der Straße untertauchen, nachdem Oscars Dealer Bruno den Drogenring zerschlagen hat.

(Die gekürzte Fassung des Films endet an dieser Stelle mit einer Nahaufnahme von Lindas abgetriebenem Fötus.)

Linda wünscht sich, sie hätte sich, wie Oscar es wollte, mit Alex anstatt mit Mario eingelassen. Einmal wünscht sie sich, Oscar würde wieder zum Leben erwachen; daraufhin dringt er in Lindas Gedanken ein und erlebt ihren Traum, in dem er in der Leichenhalle aufwacht, von wo sein Körper zur Einäscherung gebracht wird. Zutiefst verstört von der Anwesenheit der Asche ihres verstorbenen Bruders in ihrem Haus und geplagt von ständigen Albträumen über seinen Verlust, schüttet sie die Asche in den Abfluss ihrer Küchenspüle. Währenddessen streitet Victor mit seiner Mutter über ihre Beziehung zu Oscar und wird aus dem Haus geworfen. Er sucht daraufhin Linda auf, um sich für seine Rolle in Oscars Tod zu entschuldigen. Als er jedoch auch Linda der Mitschuld an dem Tod ihres Bruders beschuldigt, jagt sie Victor wütend fort und fordert ihn auf, sich umzubringen.

Oscar schwebt über Tokio und landet in einem Flugzeug, in dem Oscars Mutter den kleinen Oscar stillt. Linda und Alex fahren mit dem Taxi zu einem Tokioter Liebeshotel und haben Sex. Oscar bewegt sich durch die Hotelzimmer und beobachtet mehrere andere Paare beim Sex in verschiedenen Stellungen. Er sieht auch, wie Victor in einem der Zimmer einem Mann einen Blowjob gibt , während ein anderer Mann zusieht und seinen Gürtel abnimmt. Von den Genitalien jedes Paares leuchten Lichtblitze auf. Oscar dringt in Alex' Kopf ein und erlebt den Sex mit Linda aus Alex' Perspektive. Dann reist er in Lindas Vagina, um zu sehen, wie Alex' Penis in sie eindringt, beobachtet seine Ejakulation und verfolgt den Weg des Spermiums zur Befruchtung der Eizelle seiner Schwester. Die letzte Szene ist aus der Perspektive eines neugeborenen Babys gefilmt, wobei die Kamera stark unscharf ist, sodass unklar bleibt, wer die Frau in der Szene ist. ^{[ a ]}

Das Filmerlebnis selbst steht im Mittelpunkt, doch auch die Leere ist ein zentrales Thema. Noé beschreibt den Film als „die Sentimentalität der Säugetiere und die schimmernde Leere der menschlichen Erfahrung“ ^{[ 9 ]} . Die Dramaturgie nach Oscars Tod basiert lose auf dem Tibetischen Totenbuch und endet mit der Suche des Geistes nach einem Weg zur Reinkarnation ^{[ 11 ]} . Der Regisseur, der jeglichen religiösen Überzeugungen ablehnt, sagt: „Der ganze Film ist der Traum von jemandem, der das Tibetische Totenbuch gelesen und davon gehört hat, bevor er erschossen wurde. Es ist nicht die Geschichte von jemandem, der stirbt, fliegt und wiedergeboren wird, sondern die Geschichte von jemandem, der berauscht ist, als er erschossen wird, und der eine Ahnung von seinem eigenen Traum hat.“ ^{[ 12 ]} Noé beschreibt das Ende des Films als Oscars Erinnerung an „den traumatischsten Moment seines Lebens – seine eigene Geburt“. ^{[ 13 ]} Der Regisseur lässt auch die Möglichkeit offen, dass Oscars Leben aufgrund der menschlichen Zeitwahrnehmung in einer Endlosschleife immer wieder von Neuem beginnt . ^{[ 10 ]}

Die Idee zum Film reifte bereits in Noés Jugend, als er sich erstmals für Tod und Existenz zu interessieren begann. Anfang zwanzig – unter dem Einfluss von Psilocybin-Pilzen – sah er Robert Montgomerys „Die Dame im See“ , einen Film von 1947, der vollständig aus der Ich-Perspektive gedreht wurde. Daraufhin beschloss er, dass er, sollte er jemals einen Film über das Jenseits drehen, dies tun würde. Noé arbeitete fünfzehn Jahre lang an verschiedenen Drehbuchfassungen, bevor die Produktion des Films begann. Die Geschichte war ursprünglich linearer angelegt, und die Entwürfe spielten an verschiedenen Orten, darunter in den Anden , Frankreich und New York City. ^{[ 9 ]} Tokio wurde gewählt, weil es die für die halluzinogenen Aspekte des Films notwendigen farbenfrohen Umgebungen bot und weil Japans repressive Drogengesetze die Dramatik verstärken und die Intensität der Angst des Protagonisten vor der Polizei erklären. ^{[ 10 ]}

Noé versuchte erstmals Anfang der 2000er Jahre, die Finanzierung für den Film zu sichern. Mehrere Produzenten reagierten positiv auf das Drehbuch, und es befand sich kurzzeitig in Entwicklung für Tom Tykwers deutsche Firma X-Filme Creative Pool. Da es jedoch als zu teuer galt, zogen sich die Produzenten zurück. ^{[ 14 ] [ 15 ]} Die Aussichten änderten sich, als Irréversible (2002) ein kommerzieller Erfolg wurde. Noé hatte Irréversible für StudioCanal geschrieben und inszeniert, und der Film wurde international von deren Tochtergesellschaft Wild Bunch vertrieben . Als die Produzenten von Wild Bunch Noé fragten, was er als Nächstes vorhabe, antwortete er: Enter the Void . Das Projekt wurde erneut im Verhältnis zu seinem kommerziellen Potenzial als zu teuer eingestuft. Als Wild Bunch jedoch erfuhr, dass Noé den Film bereits für Pathé anstatt für sie entwickelt hatte, erklärten sie sich bereit, die Finanzierung zu übernehmen. Da die Entwicklung bei Pathé nur schleppend voranging, entschied sich Noé, seinen Vertrag mit dem Studio nicht zu verlängern und nahm das Angebot von Wild Bunch an. ^{[ 15 ]}

„Enter the Void“ wurde von Fidélité Films produziert, wobei Wild Bunch 70 % des Budgets beisteuerte. Zu den französischen Koproduzenten gehörten Noés Firma Les Cinémas de la Zone und das Studio für visuelle Effekte BUF Compagnie . Canal+ sicherte Vorverkaufsinvestitionen , und Eurimages förderte den Film. Weitere Unterstützung kam von Essential Filmproduktion (Deutschland) und BIM Distribuzione (Italien). ^{[ 16 ] [ 17 ]} Das Gesamtbudget betrug 12,38 Millionen Euro . ^{[ 16 ]} Rückblickend bezeichnete Noé „Irréversible“ als Bankraub, einen Film, der zur Finanzierung von „Enter the Void“ gedreht wurde . Er sah ihn auch als hilfreiche technische Übung. ^{[ 18 ]}

Die Entscheidung, englischsprachige Schauspieler zu engagieren, fiel früh. Da der Film sehr visuell gestaltet sein sollte, wollte der Regisseur, dass sich das Publikum auf die Bilder konzentrieren konnte und nicht auf Untertitel angewiesen war. Später äußerte er sich jedoch positiv über die Verwendung synchronisierter Tonspuren in nicht-englischsprachigen Ländern. ^{[ 19 ]}

Die Rolle der Linda wurde als erste besetzt. Noé fand Paz de la Huerta nach Castings in New York. ^{[ 9 ]} „Ich traf Paz und mochte sie sofort. Sie passte perfekt zur Figur, weil sie gerne schreit, weint und sich nackt zeigt – alle nötigen Eigenschaften.“ ^{[ 18 ]} Da Linda und Oscar als Geschwister glaubwürdig wirken sollten, wurde der Laiendarsteller Nathaniel Brown aufgrund seiner Ähnlichkeit mit Huerta besetzt. Noé befürchtete, ein professioneller Schauspieler könnte frustriert sein, fast ausschließlich von hinten gezeigt zu werden, glaubte aber, Brown, ein angehender Regisseur, würde es als anregend empfinden, einfach am Set anwesend zu sein. ^{[ 9 ]} Für weitere Rollen in Tokio wurden Castings mit in Japan lebenden Westlern abgehalten. Cyril Roy ging nur mit einem Freund zu einem Casting, weil er mit dem Regisseur sprechen wollte, dessen frühere Filme er bewunderte. Roy wurde als Alex besetzt, da Noé seine gesprächige Art für die Rolle passend fand. Noé sagte über Brown und Roy:

Der Gedanke, in einem Film mitzuspielen, war ihnen nie in den Sinn gekommen. Sie sind unkomplizierte Menschen, haben Spaß vor der Kamera, und ich glaube nicht, dass es auch nur einen Moment gab, in dem eine von ihnen das Gefühl hatte, zu arbeiten. Paz hingegen war sich durchaus bewusst, dass sie eine Rolle verkörperte. ^{[ 9 ]}

Noé hatte in seiner Jugend verschiedene Halluzinogene ausprobiert und diese Erfahrungen als Inspiration für den visuellen Stil genutzt. Später, als der Regisseur bereits die Dreharbeiten zum Film plante, probierte er das psychoaktive Gebräu Ayahuasca , dessen Wirkstoff DMT ist. Dies geschah im peruanischen Dschungel, wo das Gebräu aufgrund seiner traditionellen Verwendung als Entheogen legal ist . ^{[ 20 ]} Noé beschrieb die Erfahrung als sehr intensiv und bezeichnete sie als „fast wie professionelle Forschung“. ^{[ 10 ]} Da nur wenige im Designteam jemals Halluzinogene konsumiert hatten, musste Noé visuelle Referenzen in Form von Gemälden, Fotografien, Musikvideos und Filmausschnitten sammeln und bereitstellen. ^{[ 21 ]} Eine der verwendeten Referenzen waren die Werke des Biologen Ernst Haeckel , dessen Zeichnungen die organischen Muster in Oscars Visionen beeinflussten. ^{[ 22 ]}

Ein weiterer wichtiger stilistischer Einfluss war das experimentelle Werk von Kenneth Anger , insbesondere „Inauguration of the Pleasure Dome“ . Noé sah Angers Filme Anfang der 1990er-Jahre im Rahmen der Promotion für den Kurzfilm „Carne“ und wurde schnell zum Fan. Weitere Einflüsse aus dem experimentellen Kino waren die Werke von Jordan Belson und Peter Tscherkassky . ^{[ 24 ]} Noés Lieblingsfilm, „2001: Odyssee im Weltraum“ , war der prägendste Einfluss unter den Mainstream-Filmen; nachdem Noé ihn im Alter von sieben Jahren gesehen hatte, wollte er Filmemacher werden. ^{[ 25 ]} Brian De Palmas „ Snake Eyes“ und andere Filme mit schwebenden Aufnahmen aus der Vogelperspektive inspirierten Noé zu einem Film, der größtenteils aus dieser Perspektive gedreht wurde. ^{[ 18 ]}

Es gab zwei Gründe dafür, dass in den Rückblenden Oscars Kopf und Schultern im Bild gezeigt wurden, anstatt die Kamera die Augen der Figur darstellen zu lassen. Erstens sieht Noé sich selbst üblicherweise so in Träumen und bei der Erinnerung an vergangene Ereignisse. Zweitens glaubte er, dass es dem Zuschauer leichter fallen würde, sich für eine Figur zu interessieren, die sichtbar ist, da viele Filme aus der Ich-Perspektive seiner Meinung nach unfreiwillig komisch wirken. ^{[ 18 ]}

Die Dreharbeiten fanden vom 19. Oktober bis zum 15. Dezember 2007 in Tokio statt. Rückblenden wurden im darauffolgenden Frühjahr über vier Wochen bis zum 16. Mai 2008 in Montreal gedreht. ^{[ 9 ] [ 26 ]} Das Team kehrte zweimal für zusätzliches Filmmaterial nach Tokio zurück, einmal vor den Dreharbeiten in Montreal und einmal nach Abschluss der Hauptdreharbeiten. ^{[ 18 ]} Nur vier Personen am Set in Tokio waren Franzosen; die übrige Crew bestand aus Japanern. ^{[ 27 ]} Marc Caro war in Tokio als Setdesign-Leiter tätig. Laut Noé hatte Caro nach Abschluss von „Dante 01“ , seinem Regiedebüt, drei Monate Zeit, weshalb Noé ihn bat, nach Japan zu kommen. ^{[ 28 ]}

Das 100-seitige Drehbuch beschrieb detailliert die Handlung und viele visuelle Merkmale, enthielt aber nur wenige Dialoge, sodass die Schauspieler ihre Texte improvisieren mussten. ^{[ 9 ]} Noé erklärte diesen Ansatz: „Für mich bedeutet Regie, die richtigen Leute zu finden, sie am Set in die richtige Stimmung zu versetzen und sie dann einfach machen zu lassen. … Ich denke, die Energie muss erst ganz im letzten Moment am Set entstehen.“ ^{[ 18 ]} Gedreht wurde in Kabukichō und anderen Teilen von Shinjuku . ^{[ 29 ]} Da ein Großteil des Films in Vierteln spielt, die für Glücksspiel und Prostitution bekannt sind, trafen die Produzenten vor Drehbeginn einiger Szenen vor Ort Vereinbarungen mit der Yakuza . Kriminelle Organisationen waren jedoch nicht an der eigentlichen Produktion beteiligt. ^{[ 12 ]} Die in Tokio spielenden Studioszenen wurden in den Toho Studios gedreht . ^{[ 30 ]} Aufgrund der vielen komplizierten Krananordnungen mussten mehr Szenen als ursprünglich geplant im Studio gedreht werden. Einige der Aufnahmen von oben benötigten einen ganzen Drehtag. ^{[ 23 ]} Die Szenen, in denen Oscar noch lebt, wurden größtenteils vor Ort gedreht, die Kranaufnahmen hingegen ausschließlich im Studio. Dazu gehörten auch Besuche an einigen der zuvor gedrehten Drehorte, die als große Innenkulissen nachgebaut wurden. ^{[ 27 ]} Weitere Aufnahmen entstanden aus Hubschraubern, die über der Stadt flogen. ^{[ 23 ]} Besonderes Augenmerk wurde auf die Kontinuität der Kulissen gelegt, und die Dreharbeiten wurden von einem Supervisor des Visual-Effects-Teams überwacht. ^{[ 22 ]}

Der Film wurde hauptsächlich auf Kodak Vision3 250D-Filmmaterial gedreht . Szenen, in denen Oscar noch lebt, entstanden im Super-35- Format mit Arricam LT-Kameras, die übrigen im Super-16-Format mit einer Aaton XTR Prod. ^{[ 31 ]} Kameramann war Benoît Debie , der auch „Irréversible“ drehte . Wie schon bei „Irréversible“ zögerte Noé, künstliches Licht einzusetzen, das die Illusion zerstören würde, wenn die Kamera gedreht würde. Dank der vielen Leuchtreklamen Tokios war für die Außenszenen, obwohl viele spät nachts gedreht wurden, nur wenig zusätzliches Licht nötig. Für die Innenszenen nutzte Debie hauptsächlich praktische, im Bild integrierte Lichtquellen. Es gab jedoch einige Ausnahmen. So sollten beispielsweise die Stimmungen der Charaktere durch verschiedene Farben – von Orange bis Violett mit gelegentlichen Grüntönen – dargestellt werden. Hierfür verwendete Debie programmierbare Discolichter in Rot, Grün und Blau , die alle Farbtöne ermöglichten. Die Discolichter ließen sich leicht verstecken. Sie wurden auch zur Simulation von Neonblitzen und zur Erzeugung eines rötlichen Schimmers in den Garderobenszenen verwendet. Eine weitere Ausnahme bildeten Stroboskoplichter , die zusammen mit den farbigen Lichtern programmiert wurden. Die Farbe Blau wurde konsequent vermieden, da die Filmemacher sie nicht mit Träumen in Verbindung brachten. ^{[ 31 ]} Noé war Kameramann des Films, außer bei einigen Aufnahmen, in denen Oscar durch die Straßen rannte, da hierfür ein größerer Kameramann benötigt wurde. In diesen Szenen führte Debie die Kamera. ^{[ 32 ]}

Die Postproduktion von „Enter the Void“ dauerte über ein Jahr. ^{[ 23 ]} Pierre Buffin von BUF Compagnie leitete die Arbeit an den digitalen Effekten. Jede Szene des Films enthält computergenerierte Bilder (CGI) – sogar die Rückblenden, in denen die Hintergründe digital verändert wurden. ^{[ 18 ]} Studioaufnahmen, Helikopteraufnahmen und CGI wurden in den Schwebesequenzen so miteinander verwoben, dass der Zuschauer die einzelnen Elemente nicht unterscheiden kann. ^{[ 23 ]} Für Aufnahmen aus großer Höhe verwendete das Team zunächst Helikoptermaterial aus Videos und erstellte anschließend Computermodelle der Umgebungen mit Texturen aus Fotografien. Neonlichter, Spiegelungen und dunkle Bereiche wurden konsequent hervorgehoben. Flimmereffekte wurden durch eine Kombination aus Bewegungsunschärfe , chromatischer Aberration und Fokuseffekten erzeugt. Für Szenen, die wie durch ein Fischaugenobjektiv aufgenommen wurden , erstellte das Team die Sets digital nach und erhöhte schrittweise die Spiegelungswerte der Umgebungen sowie den Linseneffekt. ^{[ 22 ]}

Noé bat zunächst Thomas Bangalter , Mitglied von Daft Punk und Komponist der Musik für „Irréversible“ , einen Original-Soundtrack für „ Enter the Void“ zu erstellen . Da Bangalter jedoch mit der Arbeit an „Tron: Legacy“ beschäftigt war , musste er absagen. Als Kompromiss lieferte er Noé ein Arrangement aus Ambient-Klängen und Samples experimenteller Musik, aus denen Noé einen „Klangstrudel“ zusammenstellte. ^{[ 33 ]} Bangalter wird im Abspann als Sounddesigner genannt, und sein ursprünglich für „ Irréversible “ komponierter Track „Désaccords“ ist im Film zu hören . Eine der Inspirationsquellen für den Soundtrack war „ Revolution 9 “ von den Beatles , eine Klangcollage , die Noé als ein Werk beschreibt, „bei dem man den Anfang einer Note oder einer Melodie erhascht und sie dann schon ganz woanders ist.“ ^{[ 33 ]} Die beiden musikalischen Hauptthemen des Films sind „Freak“ des britischen Elektro-Künstlers LFO , das während des Vorspanns erklingt, und eine Aufnahme von Delia Derbyshire von Johann Sebastian Bachs „ Air auf der G-Saite “, die als Thema für Oscars Kindheit und seine Beziehung zu Linda dient. Der Anfang von „ ANS “ der britischen Band Coil ist während Oscars erstem DMT-Trip zu hören. Der Song „Hamburger Lady“ von Throbbing Gristle läuft, als Oscar versucht, Victor in der Bar Drogen zu übergeben. Der Soundtrack enthält bemerkenswerterweise Auszüge aus fast allen Teilen von Jean-Claude Éloys beiden Kompositionen „ Shânti“ und „Gaku-no-Michi“ . Weitere Stücke auf dem Soundtrack sind Toshiya Tsunodas „Music for Baby“, Alvin Luciers „Music for Gamelan Instruments, Microphones, Amplifiers and Loudspeakers“ sowie Werke von Denis Smalley , Lullatone und Zbigniew Karkowski . ^{[ 33 ]}

Bei der Premiere auf Filmfestivals wurde der Film zunächst in einer Fassung ohne Abspann gezeigt. Da sich mehrere Zuschauer über die Länge des Films beschwerten, entschied Noé, dass ein eventueller Vorspann in der finalen Fassung „so schnell und so grafisch wie möglich“ sein müsse. ^{[ 34 ]} Der deutsche Experimentalfilmer Thorsten Fleisch wurde mit der Gestaltung des Titellogos beauftragt. Noé hatte Fleisch durch dessen Film „Energie!“ aus dem Jahr 2007 entdeckt , für den die Technik der animierten Funken entwickelt worden war. ^{[ 35 ]}

Eine 163-minütige Fassung des Films lief im Hauptwettbewerb der Filmfestspiele von Cannes 2009. [ ^{36 ] In} der Cannes-Fassung fehlten viele Elemente des fertigen Sounddesigns, und einige visuelle Effekte waren noch nicht vollständig implementiert. ^{[ 37 ]} Noé sagte über diese Fassung: „Der Film war wie ein drei Monate altes Baby. Ich holte ihn aus meinem Bauch, um ihn zu zeigen, geschmeichelt von der Einladung des Festivaldirektors Thierry Frémaux , aber er war noch in der Entwicklung. Also musste ich ihn wieder zurück in meinen Bauch legen, das heißt, viele Details überarbeiten.“ ^{[ 38 ]}

Im Laufe des Jahres folgten Festivalvorführungen weiterer Fassungen, unter anderem auf den internationalen Filmfestivals in Toronto , Sitges , London und Stockholm . ^{[ 39 ]} Die endgültige, 154-minütige Fassung feierte ihre Premiere beim Sundance Film Festival 2010. ^{[ 18 ]} Bei der Premiere in Cannes wurde der Film alternativ unter dem französischen Titel „ Soudain le vide “ (Plötzlich die Leere) geführt. ^{[ 37 ]}

Bei der Veröffentlichung in Frankreich wurde der englische Titel verwendet. Die Premiere fand am 5. Mai 2010 in Frankreich über Wild Bunch Distribution statt. ^{[ 40 ]} Die japanische Veröffentlichung folgte zehn Tage später. ^{[ 41 ]}

Die Vertriebsrechte für die USA wurden auf dem Sundance Film Festival von IFC Films erworben . ^{[ 42 ]} Trinity Filmed Entertainment übernahm den britischen Vertrieb. ^{[ 43 ]} Der Film kam am 24. September 2010 in den USA und Großbritannien in die Kinos. ^{[ 44 ] [ 45 ]} In beiden Ländern wurde der Film ohne die siebte von neun Filmrollen veröffentlicht. Die Laufzeit betrug somit 137 Minuten bei 25 Bildern pro Sekunde, wie vom Regisseur gewünscht, bzw. 142 Minuten bei den üblicheren 24 Bildern pro Sekunde. ^{[ 43 ] [ 46 ]} Noé betont, dass keines der geschnittenen Szenen für den Film essenziell sei. Er beschreibt es als „einige Astrovisionen, eine Orgienszene mit Linda und dem japanischen Mädchen, die Szene, in der man sieht, wie [Oscar] in der Leichenhalle aufwacht und glaubt, er sei am Leben, was aber nicht stimmt, und dann fährt die Kamera in den Abfluss, wo sie seine Asche hineinschüttet.“ ^{[ 13 ]} Der Grund für die gekürzte Fassung war, dass Noé den Investoren versprochen hatte, eine alternative Schnittfassung zu erstellen, falls der Film länger als zwei Stunden und 20 Minuten ausfallen sollte. ^{[ 47 ]} Der Film erschien am 1. Dezember 2010 in Frankreich auf DVD und Blu-ray Disc. Jede Edition enthält sowohl die vollständige Fassung als auch die gekürzte Version. ^{[ 32 ] [ 48 ]}

Thomas Sotinel von Le Monde begann seine Kritik mit der Erinnerung an die Irritation, die der Film bei seiner Weltpremiere in Cannes auslöste, und verglich die dort gesehene Fassung mit der Endfassung: „Ehrlich gesagt, fällt mir der Unterschied nicht sofort auf. Natürlich wirkt der Film stimmiger, aber das mag daran liegen, dass wir dieses Labyrinth schon einmal durchquert haben. Beim Verlassen des Kinos mögen wir gelassener sein, aber immer noch fasziniert von der Mischung aus überschäumender Fantasie und kindischer Naivität.“ ^{[ 49 ]} Eine positive Kritik kam von Laurent Djian in L’Express , der den Film mit „ 2001: Odyssee im Weltraum“ verglich . Er lobte die hypnotische Wirkung der Stroboskoplichter, die die Zeitwahrnehmung beeinflussten. „Im Jahr 2010 konnte kein anderer Filmemacher [in Frankreich] als Gaspar Noé mit solch einer Meisterschaft inszenieren und uns in einen so schwindelerregenden Strudel der Empfindungen ziehen.“ ^{[ 50 ]} Der Kritiker von Ouest-France hingegen langweilte den Film ungemein und nannte ihn „eine Anhäufung simpler Ideen, Stereotypen und Klischees in einem Haufen gekünstelter und eitler Bilder, die sich für technisches Können halten. Einschläferndes Kino.“ ^{[ 51 ]}

Nach der japanischen Veröffentlichung schrieb der Kritiker der Japan Times : „Wenn ‚Lost in Translation ‘ der Film ist, den man dreht, wenn man Japan nur von den verwöhnten Presseterminen in Shinjukus Fünf-Sterne-Hotels kennt, dann ist ‚Enter the Void‘ der Film, den man dreht, wenn man nie über die Kneipentour in Roppongi hinauskommt .“ Obwohl die Kritik größtenteils negativ ausfiel, war der Autor dennoch von der visuellen Darstellung der japanischen Hauptstadt beeindruckt: „Visuell ist ein Großteil des Films atemberaubend … und das Szenenbild von Marc Caro ( Delicatessen ) treibt Tokios Vorliebe für grelle Neonlichter auf die Spitze.“ ^{[ 41 ]}

Enter the Void erhielt auf der Bewertungsplattform Rotten Tomatoes eine Zustimmungsrate von 73 % basierend auf 97 englischsprachigen Kritiken mit einer Durchschnittswertung von 6,80/10. Der Kritiker-Konsens der Website lautet: „Düster und psychedelisch entführt Enter the Void das Publikum in eine außerkörperliche Erfahrung – mit dem Gespür für Extreme und der technischen Brillanz, die Gaspar-Noé-Fans von ihm erwarten.“ ^{[ 52 ]} Auf Metacritic erreichte der Film eine Punktzahl von 69 von 100, basierend auf 19 Kritiken, was auf „überwiegend positive Kritiken“ hindeutet. ^{[ 53 ]}

Peter Bradshaw nahm den Film in die Liste der 50 besten Filme des Jahrzehnts des Guardian auf ^{[ 54 ]} und vergab fünf von fünf Sternen. Er verglich ihn mit Irréversible , den er nicht mochte:

Enter the Void ist auf seine Weise genauso provokant, genauso extrem, genauso verrückt, genauso ungeheuerlich. ... Doch trotz seines nörgelnden Melodramas und seiner wirren Freud'schen Pedanterie besitzt er eine menschliche Botschaft, die dem Vorgängerfilm fehlte, und seine schiere, wahnsinnige Brillanz ist grandios. ... Man kann ihn lieben oder hassen – und ich habe beides schon getan –, aber Gaspar Noé ist einer der wenigen Regisseure, die tatsächlich versuchen, mit dem Medium etwas Neues zu schaffen und die Grenzen des Möglichen auszuloten. ^{[ 55 ]}

Andrew Male vergab in Empire zwei von fünf Sternen . Er nannte den Film zwar „technisch brillant“, aber auch „grauenhaft gespielt, quälend tiefgründig und schmerzhaft lang“ und warf dem Regisseur Frauenfeindlichkeit vor. ^{[ 56 ]} Karina Longworth vom Village Voice hatte einige Vorbehalte gegenüber dem Film. Sie bemängelte die emotionale Oberflächlichkeit der Charaktere und bezeichnete die Geschichte als „eine lahme Mischung aus Kiffer-Lifestyle, sexuellem Fetisch und philosophischer Betrachtung“. Dennoch schloss sie ihre Kritik mit den Worten: „Ich könnte diesen Film tagelang anstarren und würde mich nicht daran sattsehen. Enter the Void ist eine Mischung aus Heiligem, Profanem und Hirnlosem und macht süchtig.“ ^{[ 57 ]} Jen Chaney von der Washington Post hielt den Film für gelungen, da er „den Versuch unternahm, Kinobesucher in eine halluzinatorische Version des Jenseits zu entführen, wie sie sie noch nie zuvor im Film gesehen hatten“, fügte aber hinzu: „Das Problem ist, dass er auch der qualvollste ist, den man sich im Kino der letzten Jahre vorstellen kann. Und nein, die Tatsache, dass er absichtlich qualvoll ist, macht ihn nicht weniger qualvoll.“ ^{[ 58 ]}

In einer 2016 von der BBC durchgeführten internationalen Kritikerumfrage nannten drei Kritiker Enter the Void als einen der besten Filme seit 2000. ^{[ 59 ]}

Der Film war ein finanzieller Misserfolg ; laut Wild Bunch im Februar 2011 hatte er lediglich 1,25 % der Investition eingespielt. ^{[ 60 ]} In Frankreich lief er in 30 Kopien an und verkaufte insgesamt 51.126 Tickets. ^{[ 61 ]} Produzent Brahim Chioua erklärte, der Film sei aufgrund der Finanzkrise im Ausland nur schwer zu einem angemessenen Preis zu verkaufen gewesen . ^{[ 62 ]} The Numbers berichtete, die weltweiten Kinoeinnahmen beliefen sich auf 1.467.278 US-Dollar . ^{[ 7 ]}

„Enter the Void“ gewann den Spezialpreis der Jury und den Preis für die Beste Kameraführung beim Sitges Film Festival 2009. ^{[ 63 ]} Beim Neuchâtel Film Festival 2010 wurde er als bester Film ausgezeichnet . ^{[ 64 ]} Dies freute Noé besonders, da Douglas Trumbull , der Spezialeffekt-Supervisor von „2001: Odyssee im Weltraum“, eines der Jurymitglieder in Neuchâtel war . ^{[ 47 ]}

• Offizielle Website (UK)
• Offizielle Website (USA)
• Enter the Void auf IMDb 
• Enter the Void bei Box Office Mojo
• Enter the Void bei Metacritic
• Betrete die Leere bei Rotten Tomatoes