John Ford

John Martin Feeney (1. Februar 1894 – 31. August 1973), besser bekannt als John Ford , war ein US-amerikanischer Filmregisseur und -produzent. Er gilt als einer der wichtigsten und einflussreichsten Filmemacher des Goldenen Zeitalters Hollywoods [ ^{2 ] : Vorwort} und war einer der ersten US-amerikanischen Regisseure, die als Auteur anerkannt wurden ^. [ 3 ^{] [ 4 ] In seiner} über 50-jährigen Karriere inszenierte er zwischen 1917 und 1970 mehr als 130 Filme (wobei die meisten seiner Stummfilme heute verschollen sind ) und erhielt die Rekordzahl von vier Oscars für die Beste Regie für „Der Verräter“ (1935), „Früchte des Zorns“ (1940), „Schlagende Wetter“ (1941) und „Der Sieger“ (1952).

Ford ist bekannt für seine Western wie „ Stagecoach “ (1939), „My Darling Clementine“ (1946), „Fort Apache “ (1948), „The Searchers “ (1956) und „The Man Who Shot Liberty Valance“ (1962); er arbeitete jedoch auch in vielen anderen Genres, darunter Komödien , Historienfilme und Dokumentarfilme . Er nutzte häufig Außenaufnahmen und Weitwinkelaufnahmen , in denen seine Figuren vor einer weiten, rauen und unwegsamen Naturkulisse in Szene gesetzt wurden. Ihm wird zugeschrieben, die Karrieren einiger der größten Hollywood-Stars der 1930er, 1940er und 1950er Jahre gefördert zu haben, darunter John Wayne , Henry Fonda , Maureen O'Hara und James Stewart .

Fords Werk wurde von seinen Zeitgenossen hoch geschätzt. Akira Kurosawa , Orson Welles , Frank Capra , ^{[ 5 ]} Andrei Tarkowski und Ingmar Bergman zählten ihn zu den größten Regisseuren aller Zeiten. ^{[ 6 ]} Auch nachfolgende Regisseurgenerationen, darunter viele der wichtigsten Vertreter des New Hollywood , hoben seinen Einfluss hervor. ^{[ 5 ] [ 7 ]} Das Harvard Film Archive schreibt: „Das Ausmaß von Fords bedeutenden Beiträgen zum Goldenen Zeitalter des Hollywood-Kinos und zur Filmsprache im Allgemeinen ist nach wie vor schwer zu erfassen … Fords große Leistungen als vollendeter visueller Stilist und Meistererzähler werden selten in vollem Umfang gewürdigt.“ ^{[ 4 ]}

Ford wurde am 1. Februar 1894 als John Martin „Jack“ Feeney (später nannte er sich oft Seán Aloysius, manchmal auch O’Feeny oder Ó Fearna, eine irische Entsprechung von Feeney) in Cape Elizabeth, Maine , als Sohn von John Augustine Feeney und Barbara „Abbey“ Curran geboren. ^{[ 8 ]} (Gelegentlich nannte er jedoch 1895, was fälschlicherweise auf seinem Grabstein vermerkt ist.) ^{[ 9 ]} Sein Vater, John Augustine Feeney, wurde 1854 in Spiddal , ^{[ 10 ]} County Galway , Irland, geboren. ^{[ 9 ]} Barbara Curran wurde auf den Aran-Inseln , in Kilronan auf der Insel Inishmore (Inis Mór), geboren. ^{[ 9 ]} John Augustine Feeneys Großmutter, Barbara Morris, soll Mitglied eines verarmten Zweigs einer Familie des irischen Adels gewesen sein , der Morrises von Spiddal (derzeit unter der Führung von Lord Killanin ).

John Augustine Feeney und Barbara Curran kamen im Mai bzw. Juni 1872 in Boston bzw. Portland an . Am 31. Juli 1875 meldeten sie ihre Heiratsabsicht an und wurden fünf Jahre später, am 11. September 1880, amerikanische Staatsbürger. ^{[ 9 ]} Die Familie von John Augustine Feeney lebte in der Sheridan Street im irischen Viertel Munjoy Hill in Portland, Maine. Sein Vater verdiente seinen Lebensunterhalt mit verschiedenen Gelegenheitsjobs – Landwirtschaft, Fischerei, Arbeit bei der Gasgesellschaft, Kneipenführung und als Stadtrat. ^{[ 9 ]} In Interviews sagte John Ford, seine Familie sei wohlhabend gewesen; sie hätten eine Farm besessen und sein Vater sei Fischer gewesen. John und Barbara hatten elf Kinder: Mamie (Mary Agnes), geboren 1876; Delia (Edith), 1878–1881; Patrick; Francis Ford , 1881–1953; Bridget, 1883–1884; Barbara, geboren und gestorben 1888; Edward, geboren 1889; Josephine, geboren 1891; Hannah (Joanna), geboren und gestorben 1892; John Martin, 1894–1973; und Daniel, geboren und gestorben 1896 (oder 1898). ^{[ 9 ]}

Feeney besuchte die Portland High School in Portland, Maine , wo er als Fullback und Defensive Tackle spielte. Seinen Spitznamen „Bull“ erhielt er angeblich, weil er seinen Helm senkte und die gegnerische Verteidigungslinie attackierte. Ein Pub in Portland, das ihm zu Ehren „Bull Feeney’s“ genannt wurde, war von 2002 bis 2023 geöffnet. Später zog er nach Kalifornien und begann 1914 neben seiner Schauspielkarriere auch in der Filmproduktion zu arbeiten. Er nahm den Künstlernamen „Jack Ford“ an. Neben seinen Rollen, für die er im Abspann erwähnt wurde, hatte er einen nicht im Abspann genannten Auftritt als Ku -Klux-Klan-Mitglied in D. W. Griffiths Film „Die Geburt einer Nation“ von 1915. ^{[ 11 ] [ 12 ]}

Er heiratete Mary McBride Smith am 3. Juli 1920; das Paar hatte zwei Kinder. Seine Tochter Barbara war von 1952 bis 1964 mit dem Sänger und Schauspieler Ken Curtis verheiratet. Die Ehe zwischen Ford und Smith hielt trotz verschiedener Probleme ein Leben lang. Eines davon war, dass Ford katholisch war ^{[ 13 ]} , während sie eine nicht-katholische Geschiedene war. ^{[ 14 ]} Welche Schwierigkeiten dies verursachte, ist unklar, da Fords Treue zum katholischen Glauben umstritten ist. ^{[ 15 ]} Eine weitere Belastung stellten Fords zahlreiche außereheliche Beziehungen dar. ^{[ 2 ] : 380}

Ford begann seine Filmkarriere nach seinem Umzug nach Kalifornien im Juli 1914. Er trat in die Fußstapfen seines vielseitig begabten, zwölf Jahre älteren Bruders Francis Ford, der Jahre zuvor sein Elternhaus verlassen und im Varieté gearbeitet hatte , bevor er Filmschauspieler wurde. Francis wirkte in Hunderten von Stummfilmen für Regisseure wie Thomas Edison , Georges Méliès und Thomas Ince mit und stieg schließlich zu einem prominenten Hollywood -Schauspieler, Drehbuchautor und Regisseur mit seiner eigenen Produktionsfirma (101 Bison) bei Universal auf . ^{[ 2 ] : 6}

Ford begann seine Karriere in den Filmen seines Bruders als Assistent, Handwerker, Stuntman und gelegentlicher Schauspieler, wobei er häufig als Double für seinen Bruder einsprang, dem er sehr ähnlich sah. ^{[ 16 ]} Francis gab seinem jüngeren Bruder seine erste Schauspielrolle in „Die geheimnisvolle Rose“ (November 1914). Trotz eines oft angespannten Verhältnisses stieg Jack innerhalb von drei Jahren zu Francis’ wichtigstem Assistenten auf und arbeitete oft als dessen Kameramann. ^{[ 2 ] : 13–15} Als Jack Ford schließlich seine erste Regiearbeit erhielt, war Francis’ Ansehen bereits im Sinken begriffen, und er beendete seine Tätigkeit als Regisseur bald darauf.

Fords Filme nutzten einen festen Stamm an Schauspielern, weit mehr als bei vielen anderen Regisseuren. Zahlreiche berühmte Stars wirkten in mindestens zwei oder mehr Ford-Filmen mit, darunter Harry Carey Sr. (der Star von 25 Ford-Stummfilmen), Will Rogers , John Wayne , Henry Fonda , Maureen O'Hara , James Stewart , Woody Strode , Richard Widmark , Victor McLaglen , Vera Miles und Jeffrey Hunter . Viele seiner Nebendarsteller traten in mehreren Ford-Filmen auf, oft über mehrere Jahrzehnte hinweg, darunter Ben Johnson , Chill Wills , Andy Devine , Ward Bond , Grant Withers , Mae Marsh , Anna Lee , Harry Carey Jr. , Ken Curtis , Frank Baker, Dolores del Río , Pedro Armendáriz , Hank Worden , John Qualen , Barry Fitzgerald , Arthur Shields , John Carradine , OZ Whitehead und Carleton Young . Zu den Kernmitgliedern dieser erweiterten „Truppe“, darunter Ward Bond, John Carradine, Harry Carey Jr., Mae Marsh, Frank Baker und Ben Johnson, gehörten informell die John Ford Stock Company .

Auch Ford pflegte langjährige Arbeitsbeziehungen zu seinem Produktionsteam, und viele seiner Mitarbeiter arbeiteten jahrzehntelang mit ihm zusammen. Er drehte zahlreiche Filme mit denselben wichtigen Mitarbeitern, darunter Produzent und Geschäftspartner Merian C. Cooper , die Drehbuchautoren Nunnally Johnson , Dudley Nichols und Frank S. Nugent sowie die Kameraleute Ben F. Reynolds, John W. Brown und George Schneiderman (die zusammen die meisten von Fords Stummfilmen drehten), Joseph H. August , Gregg Toland , Winton Hoch , Charles Lawton Jr., Bert Glennon , Archie Stout und William H. Clothier . Die meisten von Fords Nachkriegsfilmen wurden bis zu Murrays Tod im Jahr 1961 von Jack Murray geschnitten. Otho Lovering , der bereits bei „Stagecoach “ (1939) mit Ford zusammengearbeitet hatte , wurde nach Murrays Tod Fords Haupteditor.

In seinem ersten Jahrzehnt als Regisseur arbeitete Ford an Dutzenden von Spielfilmen (darunter viele Western), doch nur zehn der über sechzig Stummfilme, die er zwischen 1917 und 1928 drehte, sind vollständig erhalten. ^{[ 2 ] : 502–46} Allerdings wurden in den letzten Jahren Kopien mehrerer Ford-Stummfilme, die zuvor als verschollen galten, in ausländischen Filmarchiven wiederentdeckt – 2009 wurde im neuseeländischen Filmarchiv ein Fundus von 75 Hollywood-Stummfilmen wiederentdeckt , darunter die einzige erhaltene Kopie von Fords Stummfilmkomödie „ Upstream“ aus dem Jahr 1927. ^{[ 17 ]} Die Kopie wurde in Neuseeland von der Academy of Motion Picture Arts & Sciences restauriert, bevor sie in die USA zurückgebracht wurde, wo sie am 31. August 2010 im Samuel Goldwyn Theater in Beverly Hills mit einer neu komponierten Filmmusik von Michael Mortilla eine Wiederaufführung erlebte. ^{[ 18 ]}

Während seiner gesamten Karriere war Ford einer der fleißigsten Regisseure in Hollywood, aber er war in seinen ersten Jahren als Regisseur außerordentlich produktiv – er drehte 1917 zehn Filme, 1918 acht und 1919 fünfzehn – und er führte zwischen 1917 und 1928 bei insgesamt 62 Kurz- und Langfilmen Regie, obwohl er in den meisten seiner frühen Filme nicht im Abspann erwähnt wurde.

Über Fords Regiedebüt herrscht etwas Unklarheit – der Filmkritiker Ephraim Katz merkt an, dass Ford möglicherweise bereits 1914 den vierteiligen Film „Lucille the Waitress“ gedreht hat ^{[ 19 ]} –, doch die meisten Quellen nennen den Stummfilm „The Tornado“ (zwei Akte), der im März 1917 erschien, als sein Regiedebüt. Laut Fords eigener Aussage erhielt er den Auftrag von Universal-Chef Carl Laemmle mit den Worten: „Gebt Jack Ford den Job – er schreit gut.“ Auf „The Tornado “ folgten rasch weitere Kurzfilme – „ The Trail of Hate“ , „The Scrapper“ , „The Soul Herder “ und „Cheyenne's Pal“ –, die innerhalb weniger Monate entstanden und jeweils in nur zwei oder drei Tagen gedreht wurden; sie gelten heute alle als verschollen. „Der Seelenhirte“ markiert auch den Beginn von Fords vierjähriger, 25 Filme umfassender Zusammenarbeit mit dem erfahrenen Drehbuchautor und Schauspieler Harry Carey , der (gemeinsam mit Fords Bruder Francis) den jungen Regisseur stark prägte und maßgeblich die Leinwandpräsenz von Fords Schützling John Wayne beeinflusste . ^{[ 2 ] : 17} Careys Sohn Harry „Dobe“ Carey Jr. , der ebenfalls Schauspieler wurde, zählte in späteren Jahren zu Fords engsten Freunden und wirkte in vielen seiner bekanntesten Western mit.

Fords erste abendfüllende Produktion war „Straight Shooting“ (August 1917), sein frühester vollständig erhaltener Film als Regisseur und einer von nur drei erhaltenen Filmen aus seiner 26-teiligen Zusammenarbeit mit Harry Carey. Bei den Dreharbeiten ignorierten Ford und Carey die Anweisungen des Studios und lieferten fünf statt zwei Filmrollen ab. Nur dem Eingreifen von Carl Laemmle ist es zu verdanken, dass der Film bei seiner Erstveröffentlichung nicht gekürzt wurde. Für eine Wiederveröffentlichung Ende der 1920er-Jahre wurde er jedoch auf zwei Rollen gekürzt. ^{[ 2 ] :19} Fords letzter Film von 1917, „Bucking Broadway“ , galt lange als verschollen. 2002 wurde jedoch die einzige bekannte erhaltene Kopie im Archiv des französischen Nationalen Zentrums für Kinematographie entdeckt ^{[ 20 ]} und seitdem restauriert und digitalisiert. Auch sein 1918 entstandener Film „The Scarlet Drop“ , der einst als verschollen galt, wurde in einem Lagerhaus in Santiago de Chile wiederentdeckt . ^{[ 21 ] [ 22 ]}

Ford drehte innerhalb von drei Jahren rund 36 Filme für Universal, bevor er 1920 zu William Fox wechselte ; sein erster Film dort war „ Just Pals“ (1920). Sein 1923 entstandener Film „Cameo Kirby“ mit dem Leinwandidol John Gilbert in der Hauptrolle – einer der wenigen erhaltenen Stummfilme von Ford – markierte seine erste Regiearbeit unter dem Namen „John Ford“ und nicht mehr unter dem Namen „Jack Ford“, wie er zuvor geführt worden war.

Fords erster großer Erfolg als Regisseur war das Historiendrama „The Iron Horse“ (1924), ein Epos über den Bau der ersten transkontinentalen Eisenbahnlinie . Es war eine aufwendige, langwierige und schwierige Produktion, die in der Sierra Nevada gedreht wurde . Die Logistik war enorm: Zwei ganze Städte wurden errichtet, 5000 Statisten, 100 Köche, 2000 Gleisbauer, ein Kavallerieregiment, 800 Indianer, 1300 Bisons, 2000 Pferde, 10.000 Rinder und 50.000 Requisiten, darunter die Original-Postkutsche von Horace Greeley , Wild Bill Hickoks Derringer - Pistole und Nachbauten der Lokomotiven „ Jupiter “ und „ 119 “, die sich am Promontory Summit trafen , als die beiden Endpunkte der Strecke am 10. Mai 1869 verbunden wurden. ^{[ 2 ] : 31}

Fords Bruder Eddie gehörte zum Filmteam, und die beiden stritten sich ständig; einmal soll Eddie „mit einem Spitzhackenstiel auf den alten Mann losgegangen sein“. Zu Beginn der Dreharbeiten gab es nur eine kurze Inhaltsangabe, und Ford schrieb und drehte den Film Tag für Tag. Die Produktion geriet in Verzug, verzögert durch anhaltend schlechtes Wetter und die eisige Kälte. Die Fox-Manager forderten immer wieder Ergebnisse, doch Ford zerriss die Telegramme entweder oder hielt sie hoch und ließ den Stuntman Edward „Pardner“ Jones Löcher in den Namen des Absenders schießen. ^{[ 24 ]} Trotz des Drucks, die Produktion zu stoppen, hielt Studioboss William Fox schließlich zu Ford und erlaubte ihm, den Film fertigzustellen. Sein Wagnis zahlte sich aus: „The Iron Horse“ wurde einer der erfolgreichsten Filme des Jahrzehnts und spielte weltweit über 2 Millionen US-Dollar ein, bei einem Budget von 280.000 US-Dollar. ^{[ 2 ] : 31}

In dieser Zeit drehte Ford eine Vielzahl von Filmen und wurde vor allem für seine Western und „Frontier“-Filme bekannt. Doch das Genre verlor Ende der 1920er-Jahre rasch an Attraktivität für die großen Studios. Fords letzter Stummfilm-Western war „ Drei böse Männer“ (1926), der während des Dakota-Landrausches spielt und in Jackson Hole , Wyoming, und in der Mojave-Wüste gedreht wurde. Dreizehn Jahre später , 1939, drehte er seinen nächsten Western, „ Stagecoach“ .

In den 1920er Jahren war Ford auch Präsident der Motion Picture Directors Association , einer Vorläuferorganisation der heutigen Directors Guild of America .

Ford war einer der Pioniere des Tonfilms; er drehte Fox' erstes Lied, das vor der Kamera gesungen wurde, für seinen Film „Mother Machree“ (1928), von dem nur noch vier der ursprünglich sieben Filmrollen erhalten sind. Dieser Film ist auch deshalb bemerkenswert, weil er der erste Ford-Film mit dem jungen John Wayne (als nicht im Abspann erwähnter Statist) ist, und er trat in den folgenden zwei Jahren in mehreren Filmen Fords als Statist auf. Darüber hinaus ist „Hangman's House “ (1928) bemerkenswert, da er John Waynes ersten bestätigten Auftritt vor der Kamera in einem Ford-Film zeigt, wo er einen aufgeregten Zuschauer während der Pferderennen-Szene spielt. [2]

Kurz bevor das Studio auf Tonfilm umstellte, gab Fox dem deutschen Regisseur F. W. Murnau einen Vertrag , und sein Film „Sonnenaufgang – Lied zweier Menschen“ (1927), der von Kritikern bis heute hoch geschätzt wird, hatte einen starken Einfluss auf Ford. ^{[ 2 ] : 49–61} Murnaus Einfluss ist in vielen von Fords Filmen der späten 1920er und frühen 1930er Jahre erkennbar – „ Vier Söhne “ (1928) wurde in einigen der aufwendigen Kulissen gedreht, die von Murnaus Produktion übrig geblieben waren.

Im November desselben Jahres führte Ford Regie bei Fox’ erstem Tonfilm, dem dramatischen Kurzfilm „Napoleons Barbier “ (1928), einem Dreiakter, der heute als verschollen gilt. ^{[ 25 ]} Auf „Napoleons Barbier“ folgten seine beiden letzten Stummfilme „Riley der Polizist“ (1928) und „Strong Boy “ (1929) mit Victor McLaglen in der Hauptrolle . Beide Filme wurden mit synchronisierter Musik und Toneffekten veröffentlicht, wobei letzterer heute verschollen ist (obwohl Tag Gallaghers Buch berichtet, dass sich die einzige erhaltene Kopie von „Strong Boy“ , eine 35-mm-Nitratkopie, Gerüchten zufolge in einer Privatsammlung in Australien befand). ^{[ 2 ] : 519} „Die Schwarze Wache“ (1929), ein Abenteuerfilm über die Kolonialarmee im Khyber-Pass mit Victor McLaglen und Myrna Loy in den Hauptrollen , ist Fords erster Tonfilm; er wurde 1954 von Henry King unter dem Titel „ König der Khyber-Schützen“ neu verfilmt .

Fords Filmproduktion war von 1928 bis zum Beginn des Zweiten Weltkriegs relativ konstant. 1928 drehte er fünf Spielfilme und anschließend von 1929 bis einschließlich 1942 jährlich zwei bis drei Filme. 1929 erschienen drei Filme: „ Strong Boy“ , „The Black Watch“ und „Salute“ . Seine drei Filme von 1930 waren „Men Without Women“ , „Born Reckless“ und „Up the River“ . Letzterer ist bemerkenswert, da er das Filmdebüt von Spencer Tracy und Humphrey Bogart markierte, die beide auf Fords Empfehlung hin bei Fox unter Vertrag genommen, später aber wieder entlassen wurden. 1931 folgten Fords Filme „Seas Beneath“ , „The Brat“ und „Arrowsmith“ . Letzterer, eine Adaption des Romans von Sinclair Lewis mit Ronald Colman und Helen Hayes in den Hauptrollen , brachte Ford seine erste Oscar- Nominierung ein, darunter fünf Nominierungen, darunter für den Besten Film.

Fords Effizienz und sein Talent, Filme zu schaffen, die künstlerischen Anspruch mit hohem kommerziellen Erfolg verbanden, brachten ihm zunehmenden Ruhm ein. 1940 galt er als einer der weltweit führenden Filmregisseure. Sein wachsendes Prestige spiegelte sich in seiner Gage wider: 1920, als er zu Fox wechselte, verdiente er 300 bis 600 Dollar pro Woche. Mit dem Beginn seiner Karriere Mitte der 1920er-Jahre stieg sein Jahreseinkommen deutlich an. 1929 verdiente er fast 134.000 Dollar und von 1934 bis 1941 jährlich über 100.000 Dollar . 1938 erreichte sein Einkommen die schwindelerregende Summe von 220.068 Dollar – mehr als das Doppelte des damaligen Gehalts des US-Präsidenten (obwohl dies immer noch weniger als die Hälfte des Einkommens von Carole Lombard war , Hollywoods bestbezahltem Star der 1930er-Jahre, die damals rund 500.000 Dollar jährlich verdiente). ^{[ 2 ] : 498f}

Da die Filmproduktion unter der Weltwirtschaftskrise litt, drehte Ford 1932 und 1933 jeweils zwei Filme: „Air Mail“ (für Universal) mit dem jungen Ralph Bellamy und „Flesh“ (für MGM) mit Wallace Beery . 1933 kehrte er zu Fox zurück und drehte „Pilgrimage “ und „Doctor Bull“ , den ersten seiner drei Filme mit Will Rogers .

Das Wüstendrama „ Die verlorene Patrouille “ (1934), basierend auf dem Roman „ Patrol“ von Philip MacDonald , war eine gelungene Neuverfilmung des Stummfilms „ Die verlorene Patrouille“ von 1929. Victor McLaglen spielte die Rolle des Sergeanten – dieselbe Rolle, die in der Originalversion sein Bruder Cyril McLaglen verkörpert hatte – an der Seite von Boris Karloff , Wallace Ford , Alan Hale und Reginald Denny (der später im Zweiten Weltkrieg ein Unternehmen gründete, das funkgesteuerte Zielflugzeuge herstellte). Der Film zählte zu Fords ersten großen Erfolgen im Tonfilmzeitalter und wurde sowohl vom National Board of Review als auch von der New York Times zu einem der zehn besten Filme des Jahres gekürt. Für die mitreißende Filmmusik von Max Steiner erhielt er eine Oscar-Nominierung . ^{[ 2 ] : 97} Später im selben Jahr folgte The World Moves On mit Madeleine Carroll und Franchot Tone sowie der äußerst erfolgreiche Judge Priest , sein zweiter Film mit Will Rogers, der zu einem der umsatzstärksten Filme des Jahres wurde.

Fords erster Film des Jahres 1935 (für Columbia ) war die Verwechslungskomödie „The Whole Town's Talking“ mit Edward G. Robinson und Jean Arthur , die in Großbritannien unter dem Titel „Passport to Fame“ erschien und von der Kritik hoch gelobt wurde. „Steamboat Round the Bend“ war sein dritter und letzter Film mit Will Rogers; vermutlich hätten sie weiterhin zusammengearbeitet, doch Rogers' tragischer Tod bei einem Flugzeugabsturz im Mai 1935, der Ford zutiefst erschütterte, beendete ihre Zusammenarbeit jäh.

Mit dem von Murnau beeinflussten Drama „Der Verräter “ (1935) über die Irisch-Republikanische Armee , in dem Victor McLaglen die Hauptrolle spielte, festigte Ford seinen Platz in der Riege der amerikanischen Regisseure. Der Film erhielt großes Kritikerlob, wurde für den Oscar als Bester Film nominiert, brachte Ford seinen ersten Oscar für die Beste Regie ein und wurde seinerzeit als einer der besten Filme aller Zeiten gefeiert, obwohl sein Ruf im Vergleich zu anderen Konkurrenten wie „ Citizen Kane“ oder Fords eigenem späteren Film „Der Schwarze Falke “ (1956) deutlich gelitten hat.

Der politisch brisante Film „Der Gefangene von Shark Island“ (1936) – der das Debüt des langjährigen „Stock Company“-Schauspielers John Carradine bei Ford markierte – erzählte die wenig bekannte Geschichte von Samuel Mudd , einem Arzt, der in die Verschwörung um das Attentat auf Abraham Lincoln verwickelt und wegen der Behandlung des verletzten John Wilkes Booth in ein Gefängnis auf einer vorgelagerten Insel verbannt wurde . Weitere Filme dieser Zeit sind das Südsee-Melodram „ Der Hurrikan “ (1937) und die heitere Komödie „Wee Willie Winkie“ (1937) mit Shirley Temple , die beide im ersten Jahr in den USA über eine Million Dollar einspielten. Während der Dreharbeiten zu Wee Willie Winkie ließ Ford auf der Iverson Movie Ranch in Chatsworth, Kalifornien, aufwendige Kulissen errichten. Die Ranch war ein häufig genutzter Drehort und wurde vor allem mit Serien und B-Western in Verbindung gebracht. Zusammen mit Monument Valley sollte sie zu einem der bevorzugten Drehorte des Regisseurs werden, und Ford kehrte in den nächsten Jahren für Stagecoach und Früchte des Zorns dorthin zurück .

Die längere, überarbeitete Fassung von „Directed by John Ford“ , die im November 2006 auf Turner Classic Movies gezeigt wurde, enthält Aussagen der Regisseure Steven Spielberg , Clint Eastwood und Martin Scorsese , die nahelegen, dass die Reihe von Klassikern, die Ford zwischen 1936 und 1941 drehte, zum Teil auf eine intensive sechsmonatige außereheliche Affäre mit Katharine Hepburn , dem Star von „Maria von Schottland “ (1936), einem Kostümdrama aus der elisabethanischen Zeit, zurückzuführen war.

Stagecoach (1939) war Fords erster Western seit 3 ​​Bad Men (1926) und sein erster mit Ton. Orson Welles behauptete, Stagecoach vierzig Mal gesehen zu haben, um sich auf Citizen Kane vorzubereiten. Der Film zählt bis heute zu den meistbewunderten und -imitierten Hollywood-Filmen, nicht zuletzt wegen der packenden Postkutschenjagd und der atemberaubenden Reitszene, die vom Stuntman Yakima Canutt ausgeführt wurde .

Das Drehbuch von Dudley Nichols und Ben Hecht basierte auf einer Geschichte von Ernest Haycox , die Ford im Magazin Collier’s entdeckt hatte . Er erwarb die Filmrechte für lediglich 2500 Dollar. Produktionschef Walter Wanger drängte Ford, Gary Cooper und Marlene Dietrich für die Hauptrollen zu engagieren , akzeptierte aber schließlich Fords Entscheidung, Claire Trevor als Dallas und seinen Freund John Wayne , einen nahezu unbekannten Schauspieler, als Ringo zu besetzen. Berichten zufolge hatte Wanger danach kaum noch Einfluss auf die Produktion. ^{[ 2 ] : 146}

Bei der Produktion von „Stagecoach“ stieß Ford auf tief verwurzelte Vorurteile der Filmindustrie gegenüber dem mittlerweile abgedroschenen Genre, zu dessen Popularität er selbst beigetragen hatte. Obwohl Western-Filme und -Serien mit niedrigem Budget von den sogenannten „ Poverty Row “-Studios weiterhin in großer Zahl produziert wurden, war das Genre in den 1930er-Jahren bei den großen Studios in Ungnade gefallen und galt bestenfalls als zweitklassige Schundfilme. Daher bot Ford das Projekt fast ein Jahr lang in Hollywood an, zunächst Joseph Kennedy und später David O. Selznick, bevor er schließlich mit Walter Wanger, einem unabhängigen Produzenten von United Artists , zusammenarbeitete – allerdings ohne Erfolg .

Stagecoach ist aus mehreren Gründen bedeutsam: Der Film sprengte die Vorurteile der Filmindustrie, indem er sowohl bei Kritikern als auch beim Publikum ein Riesenerfolg wurde und im ersten Jahr über eine Million US-Dollar einspielte (bei einem Budget von knapp 400.000 US-Dollar). Sein Erfolg (zusammen mit den Western „ Destry Rides Again“ mit James Stewart und Marlene Dietrich , Cecil B. DeMilles „Union Pacific“ mit Joel McCrea und Michael Curtiz’ „Dodge City“ mit Errol Flynn aus dem Jahr 1939) belebte das Genre neu und bewies, dass Western „intelligent, kunstvoll, großartige Unterhaltung – und profitabel“ sein konnten. ^{[ 2 ] : 145} Der Film wurde für sieben Oscars nominiert, darunter Bester Film und Beste Regie, und gewann zwei Oscars für den Besten Nebendarsteller (Thomas Mitchell) und die Beste Filmmusik. „Stagecoach“ war der erste von sieben klassischen Ford-Western, die in Monument Valley gedreht wurden ^{[ 26 ].} Zusätzliches Material entstand an einem weiteren von Fords Lieblingsdrehorten, der Iverson Movie Ranch in Chatsworth, Kalifornien , wo er zwei Jahre zuvor bereits einen Großteil von „Wee Willie Winkie“ gedreht hatte . Ford verband gekonnt die Kulissen von Iverson und Monument Valley und schuf so die ikonischen Bilder des amerikanischen Westens für den Film.

John Wayne hatte allen Grund, Ford für dessen Unterstützung dankbar zu sein; „Stagecoach“ verhalf dem Schauspieler zum Durchbruch und machte ihn zu internationalem Ruhm. Über 35 Jahre hinweg wirkte Wayne in 24 Filmen und drei Fernsehfolgen von Ford mit. Ford wird eine maßgebliche Rolle bei der Entwicklung von Waynes Leinwandimage zugeschrieben. Die Schauspielerin Louise Platt zitierte in einem Brief, in dem sie die Dreharbeiten schilderte, Ford mit den Worten über Waynes Zukunft im Filmgeschäft: „Er wird der größte Star aller Zeiten sein, weil er der perfekte Jedermann ist.“ ^{[ 27 ]}

Stagecoach markierte den Beginn der erfolgreichsten Phase in Fords Karriere – in nur zwei Jahren, zwischen 1939 und 1941, schuf er eine Reihe von Filmklassikern, die zahlreiche Oscars gewannen. Fords nächster Film, die Filmbiografie Young Mr. Lincoln (1939) mit Henry Fonda in der Hauptrolle , war weniger erfolgreich als Stagecoach , fand wenig Beachtung bei der Kritik und gewann keine Preise. Obwohl er im ersten Jahr in den USA respektable 750.000 Dollar einspielte, war er kein großer Kassenschlager. Der Ford-Experte Tag Gallagher beschreibt ihn jedoch als „ein tiefgründigeres, vielschichtigeres Werk als Stagecoach … (das) rückblickend als einer der besten Vorkriegsfilme gilt“. ^{[ 2 ] : 162}

„Trommeln am Mohawk “ (1939) war ein aufwendiges Western-Drama mit Henry Fonda, Claudette Colbert und John Carradine in den Hauptrollen. Es war Fords erster Farbfilm und enthielt ungenannte Drehbuchbeiträge von William Faulkner . Der Film war ein großer Kassenerfolg und spielte im ersten Jahr in den USA 1,25 Millionen Dollar ein. Edna May Oliver erhielt für ihre Leistung eine Oscar-Nominierung als Beste Nebendarstellerin.

Trotz seiner kompromisslosen humanistischen und politischen Haltung war Fords Verfilmung von John Steinbecks „ Früchte des Zorns“ (Drehbuch: Nunnally Johnson , Kamera: Gregg Toland ) sowohl ein großer Kassenerfolg als auch ein Kritikerliebling und gilt bis heute als einer der besten Hollywood-Filme seiner Zeit. Der bekannte Kritiker Andrew Sarris beschrieb ihn als den Film, der Ford vom „Geschichtenerzähler der Leinwand zum amerikanischen Filmpoeten“ machte. ^{[ 28 ]} Fords dritter Film innerhalb eines Jahres und sein dritter Film in Folge mit Fonda spielte im ersten Jahr in den USA 1,1 Millionen Dollar ein und gewann zwei Oscars: Fords zweiten Oscar für die „Beste Regie“ und den Oscar für die „Beste Nebendarstellerin“ für Jane Darwells brillante Darstellung der Ma Joad. ^{[ 2 ] : 499} Während der Dreharbeiten kehrte Ford zur Iverson Movie Ranch in Chatsworth, Kalifornien, zurück , um eine Reihe wichtiger Aufnahmen zu drehen, darunter das zentrale Bild, das den ersten vollständigen Blick der Migrantenfamilie auf das fruchtbare Ackerland Kaliforniens zeigt, das durch das San Fernando Valley, gesehen von der Iverson Ranch aus, dargestellt wurde .

Nach „Früchte des Zorns“ folgten zwei weniger erfolgreiche und weniger bekannte Filme. „ Der lange Heimweg“ (1940) entstand, wie „Stagecoach“ , in Zusammenarbeit mit Walter Wanger und United Artists. Das Drehbuch, basierend auf vier Theaterstücken von Eugene O’Neill , stammte von Dudley Nichols und Ford in Absprache mit O’Neill. Obwohl der Film an den Kinokassen kein großer Erfolg war (er spielte im ersten Jahr nur 600.000 US-Dollar ein), wurde er von der Kritik hochgelobt und für sieben Oscars nominiert: Bester Film, Bestes Drehbuch (Nichols), Beste Filmmusik ( Richard Hageman ), Beste Kamera ( Gregg Toland ), Bester Schnitt (Sherman Todd), Beste Spezialeffekte (Ray Binger & R.T. Layton) und Bester Ton ( Robert Parrish ). Er zählte zu Fords persönlichen Lieblingsfilmen; Standbilder daraus schmückten sein Haus, und auch O’Neill soll den Film sehr geschätzt und ihn regelmäßig vorgeführt haben. ^{[ 2 ] : 182}

„Tobacco Road“ (1941) war eine ländliche Komödie, deren Drehbuch von Nunnally Johnson stammte und die auf der langjährigen Bühnenfassung von Jack Kirkland nach dem Roman von Erskine Caldwell basierte . In der Hauptrolle war der erfahrene Schauspieler Charley Grapewin zu sehen , in den Nebenrollen spielten die Ford-Stammgäste Ward Bond und Mae Marsh , Francis Ford hatte eine kleine, nicht im Abspann erwähnte Nebenrolle. Der Film ist außerdem bemerkenswert für die frühen Filmauftritte der späteren Stars Gene Tierney und Dana Andrews . Obwohl er von einigen Kritikern nicht hoch gelobt wurde, war er an den Kinokassen recht erfolgreich und spielte im ersten Jahr 900.000 Dollar ein. In Australien wurde der Film verboten. ^{[ 29 ]}

Fords letzter Spielfilm vor dem Eintritt der USA in den Zweiten Weltkrieg war seine Verfilmung von „Schlagende Wetter“ (1941) mit Walter Pidgeon , Maureen O'Hara und Roddy McDowall in seiner Paraderolle als Huw. Das Drehbuch stammte von Philip Dunne und basierte auf dem Bestsellerroman von Richard Llewellyn . Ursprünglich war ein vierstündiges Epos geplant, das mit „Vom Winde verweht“ konkurrieren sollte – allein die Filmrechte kosteten Fox 300.000 Dollar – und sollte in Wales gedreht werden. Aufgrund der schweren deutschen Bombenangriffe auf Großbritannien wurde dieses Vorhaben jedoch verworfen. Die Suche nach Drehorten in Südkalifornien führte schließlich dazu, dass das Dorf auf dem Gelände des Crags Country Club (später die Fox Ranch, heute das Herzstück des Malibu Creek State Park) errichtet wurde. ^{[ 30 ]} Ein weiterer Grund soll die Nervosität der Fox-Manager hinsichtlich des gewerkschaftsfreundlichen Tons der Geschichte gewesen sein. William Wyler war ursprünglich als Regisseur vorgesehen, verließ das Projekt jedoch, als Fox beschloss, in Kalifornien zu drehen. Ford wurde an seiner Stelle engagiert, und die Produktion wurde um mehrere Monate verschoben, bis er verfügbar war. Produzent Darryl F. Zanuck hatte großen Einfluss auf den Film und traf mehrere wichtige Entscheidungen, darunter die Idee, die Figur Huw den Film als Voice-over erzählen zu lassen (damals ein neuartiges Konzept), und die Entscheidung, dass Huws Figur nicht altern sollte ( Tyrone Power war ursprünglich für die Rolle des erwachsenen Huw vorgesehen). ^{[ 2 ] : 184f}

„Schlagende Wetter“ wurde einer der größten Filme des Jahres 1941. Er wurde für zehn Oscars nominiert, darunter Beste Nebendarstellerin ( Sara Allgood ), Bester Schnitt, Bestes Drehbuch, Beste Musik und Bester Ton, und gewann fünf Oscars: Beste Regie, Bester Film, Bester Nebendarsteller ( Donald Crisp ), Beste Schwarzweiß-Kamera ( Arthur C. Miller ) und Bestes Szenenbild. Der Film war ein Riesenerfolg beim Publikum und belegte hinter „Sergeant York“ den zweiten Platz der erfolgreichsten Filme des Jahres in den USA. Bei einem Budget von 1,25 Millionen US-Dollar spielte er fast 3 Millionen US-Dollar ein. ^{[ 2 ] : 499} Ford wurde von den New Yorker Filmkritikern außerdem als Bester Regisseur ausgezeichnet. Dies war eine der wenigen Auszeichnungen seiner Karriere, die er persönlich entgegennahm (er mied die Oscar-Verleihung im Allgemeinen). ^{[ 2 ] : 184}

Während des Zweiten Weltkriegs leitete Ford die Fotoeinheit des Office of Strategic Services (OSS) und drehte Dokumentarfilme für das Marineministerium. Er wurde zum Fregattenkapitän der Reserve der US-Marine ernannt . Laut „Searching for John Ford “ konzentrierten sich Ford und seine Männer hauptsächlich auf geheime Fotomissionen für das OSS. ^{[ 31 ]} 1961 sagte Ford in einem Magazin: „Unsere Aufgabe war es, die Arbeit von Guerillas, Saboteuren und Widerstandsgruppen sowohl für die Akten als auch für unsere Geheimdiensterkenntnisse zu fotografieren.“ ^{[ 31 ]} In dieser Zeit gewann er zwei weitere Oscars: einen für den halbdokumentarischen Film „ Die Schlacht um Midway“ (1942) und einen für den Propagandafilm „ December 7: The Movie “ (1943). Ford filmte den japanischen Angriff auf Midway vom Kraftwerk auf Sand Island aus und wurde dabei am linken Arm durch eine Maschinengewehrkugel verwundet . ^{[ 32 ] [ 33 ] [ 34 ]}

Ford war am D-Day auch am Omaha Beach anwesend . Er überquerte den Ärmelkanal mit der USS  Plunkett  (DD-431) , die um 6:00 Uhr vor Omaha Beach ankerte. Vom Schiff aus beobachtete er die Landung der ersten Welle und landete später selbst mit einem Team von Kameraleuten der Küstenwache am Strand . Diese filmten die Schlacht hinter den Strandhindernissen, wobei Ford die Operationen leitete. Der Film wurde in London bearbeitet, aber nur sehr wenig davon wurde veröffentlicht. Ford erklärte in einem Interview von 1964, die US-Regierung habe sich „vor der Veröffentlichung so vieler amerikanischer Opfer fürchtet“ und fügte hinzu, dass der gesamte D-Day-Film „noch immer in Farbe in einem Archiv in Anacostia bei Washington, D.C.“ existiert. ^{[ 35 ]} Dreißig Jahre später berichtete der Historiker Stephen E. Ambrose , dass das Eisenhower Center den Film nicht finden konnte. ^{[ 36 ]} Ein Film, der teilweise mit Fords Beschreibung übereinstimmt, wurde 2014 vom US-Nationalarchiv entdeckt. ^{[ 37 ]} Andere Forscher behaupten, dass Ford am D-Day nicht persönlich am Omaha Beach landete (sondern erst ein oder zwei Tage später) und dass John Fords D-Day-Aufnahmen größtenteils eine „Seemannsgarn“ seien. ^{[ 38 ]}

Ford stieg schließlich zu einem der wichtigsten Berater des OSS-Chefs William Joseph Donovan auf . Laut 2008 veröffentlichten Akten wurde Ford von seinen Vorgesetzten für seinen Mut gelobt, da er bei einer Mission, die ein „offensichtliches und klares Ziel“ darstellte, eine Position einnahm, um diese zu filmen. Er überlebte einen „anhaltenden Angriff und wurde verwundet“, während er weiterfilmte, wie es in einer Belobigung in seiner Akte heißt. ^{[ 39 ]} 1945 gab Ford eidesstattliche Erklärungen ab, in denen er die Integrität von Filmen bezeugte, die die Zustände in nationalsozialistischen Konzentrationslagern dokumentierten . ^{[ 40 ]}

Sein letzter Kriegsfilm war „They Were Expendable“ (MGM, 1945), ein Bericht über Amerikas verheerende Niederlage auf den Philippinen aus der Perspektive eines PT-Boot -Geschwaders und seines Kommandanten. Ford schuf eine Rolle für den genesenden Ward Bond , der Geld brauchte. Obwohl er im gesamten Film zu sehen war, konnte er erst laufen, als ihm in einer Szene ins Bein geschossen wurde. Im restlichen Film konnte er auf dem Schlussmarsch eine Krücke benutzen. Ford erklärte wiederholt, dass er den Film nicht mochte und ihn nie gesehen hatte. Er beklagte sich darüber, dass er zur Produktion gezwungen worden sei ^{[ 41 ]} , obwohl er von dem Filmemacher Lindsay Anderson stark unterstützt wurde ^{[ 42 ]} . Der Film, der einige Monate nach Kriegsende in die Kinos kam, gehörte zu den 20 erfolgreichsten Filmen des Jahres, obwohl Tag Gallagher anmerkt, dass viele Kritiker fälschlicherweise behauptet haben, er sei ein Verlustgeschäft gewesen ^{[ 2 ] : 225}

Nach dem Krieg blieb Ford Offizier in der Reserve der US-Marine . Während des Koreakriegs kehrte er in den aktiven Dienst zurück und wurde am Tag seines Ausscheidens aus dem Dienst zum Konteradmiral befördert .

Zwischen 1946 und 1956 führte Ford bei sechzehn Spielfilmen und mehreren Dokumentarfilmen Regie. Wie schon in seiner Vorkriegskarriere wechselten sich seine Filme zwischen (relativen) Kassenschlagern und großen Erfolgen ab, doch die meisten seiner späteren Filme erzielten einen soliden Gewinn, und „ Fort Apache“ , „Der Sieger “ , „Mogambo“ und „Der Schwarze Falke“ zählten allesamt zu den 20 erfolgreichsten Filmen ihrer jeweiligen Jahre. ^{[ 2 ] : 499f}

Fords erster Nachkriegsfilm „My Darling Clementine“ (Fox, 1946) war eine romantisierte Nacherzählung der Westernlegende von Wyatt Earp und der Schießerei am OK Corral . Die Außenaufnahmen entstanden im visuell spektakulären (aber geografisch unpassenden) Monument Valley . Der Film brachte Ford wieder mit Henry Fonda (als Earp) zusammen. Victor Mature spielte eine seiner besten Rollen als der an Tuberkulose erkrankte, Shakespeare liebende Doc Holliday . Ward Bond und Tim Holt verkörperten die Earp-Brüder, Linda Darnell die laszive Saloon-Kellnerin Chihuahua, Walter Brennan lieferte eine starke Leistung als der bösartige Old Man Clanton (in einer seiner seltenen Schurkenrollen), Jane Darwell war ebenfalls mit von der Partie und John Ireland hatte einen seiner ersten Leinwandauftritte als Billy Clanton. Im Gegensatz zu den Erfolgen der Jahre 1939–1941 gewann der Film keine bedeutenden amerikanischen Auszeichnungen, obwohl er 1948 vom italienischen Nationalen Verband der Filmjournalisten mit dem Silbernen Band als bester ausländischer Film ausgezeichnet wurde. Er war ein solider finanzieller Erfolg und spielte im ersten Jahr nach Veröffentlichung in den USA 2,75 Millionen US-Dollar und international 1,75 Millionen US-Dollar ein. ^{[ 2 ] : 499}

Ford lehnte einen lukrativen Vertrag von Zanuck bei 20th Century Fox ab, der ihm 600.000 US-Dollar pro Jahr garantiert hätte, und machte sich als unabhängiger Regisseur und Produzent selbstständig. Viele seiner Filme in dieser Zeit entstanden in Zusammenarbeit mit der Argosy Pictures Corporation, einer Partnerschaft zwischen Ford und seinem alten Freund und Kollegen Merian C. Cooper . ^{[ 2 ] : 454} Ford und Cooper hatten zuvor bereits für die eigenständige Argosy Corporation gearbeitet, die nach dem Erfolg von „Stagecoach “ (1939) gegründet worden war. Die Argosy Corporation produzierte vor dem Zweiten Weltkrieg den Film „ The Long Voyage Home“ (1940). ^{[ 43 ] [ 44 ]} „The Fugitive“ (1947), erneut mit Fonda in der Hauptrolle, war das erste Projekt von Argosy Pictures. Es handelte sich um eine freie Adaption von Graham Greenes „ The Power and the Glory“ , die Ford ursprünglich vor dem Krieg für Fox mit Thomas Mitchell in der Rolle des Priesters drehen wollte . Gedreht wurde der Film in Mexiko, die Kameraführung übernahm der renommierte mexikanische Kameramann Gabriel Figueroa (der später mit Luis Buñuel zusammenarbeitete ). Zur Besetzung gehörten Dolores del Río , J. Carrol Naish , Ward Bond , Leo Carrillo und Mel Ferrer (in seinem Filmdebüt) sowie überwiegend mexikanische Statisten. Ford hielt diesen Film angeblich für seinen besten ^{[ 45 ]} , doch er floppte im Vergleich zu seinem Vorgänger und spielte im ersten Jahr nur 750.000 US-Dollar ein. Zudem führte er zu einem Zerwürfnis zwischen Ford und Drehbuchautor Dudley Nichols, das das Ende ihrer äußerst erfolgreichen Zusammenarbeit besiegelte. Greene selbst hegte eine besondere Abneigung gegen diese Verfilmung seines Werkes. ^{[ 2 ] : 234}

Fort Apache (Argosy/RKO, 1948) war der erste Teil von Fords sogenannter „Kavallerie-Trilogie“, die allesamt auf Geschichten von James Warner Bellah basierten . Viele seiner Stammschauspieler wirkten mit, darunter John Wayne, Henry Fonda, Ward Bond, Victor McLaglen, Mae Marsh, Francis Ford (als Barkeeper), Frank Baker, Ben Johnson und Shirley Temple , die hier ihren letzten Auftritt für Ford und einen ihrer letzten Filmauftritte hatte. Der Film markierte außerdem den Beginn der langen Zusammenarbeit zwischen Ford und dem Drehbuchautor Frank S. Nugent , einem ehemaligen Filmkritiker der New York Times, der (wie Dudley Nichols) bis zu seiner Anstellung bei Ford noch kein Drehbuch geschrieben hatte. ^{[ 2 ] : 247} Der Film war ein großer kommerzieller Erfolg und spielte im ersten Jahr weltweit fast 5 Millionen Dollar ein. Er zählte zu den 20 erfolgreichsten Filmen des Jahres 1948. ^{[ 2 ] :} 499

Im selben Jahr unterstützte Ford auch seinen Freund und Kollegen Howard Hawks , der Probleme mit seinem aktuellen Film „Red River“ (mit John Wayne in der Hauptrolle) hatte. Ford soll zahlreiche Änderungsvorschläge gemacht haben, darunter den Einsatz eines Erzählers. ^{[ 2 ] : 531} Fort Apache folgte ein weiterer Western, „ Die drei Paten“ , ein Remake eines Stummfilms von 1916 mit Harry Carey (dem Fords Version gewidmet war). Ford hatte diesen Film bereits 1919 selbst unter dem Titel „ Marked Men“ neu verfilmt , ebenfalls mit Carey, der jedoch als verschollen galt. In „Die drei Paten“ spielten John Wayne, Pedro Armendáriz und Harry „Dobe“ Carey Jr. (in einer seiner ersten großen Rollen) drei Gesetzlose, die ein Baby retten, nachdem dessen Mutter ( Mildred Natwick ) bei der Geburt gestorben ist. Ward Bond verkörperte den Sheriff, der sie verfolgt. ^{[ 46 ] [ 47 ]} Das wiederkehrende Thema des Opfers findet sich auch in „ Die Ausgestoßenen von Poker Flat“ , „Drei Paten“ , „ Der Schlag“ , „Verzweifelte Wege“ , „Herzen aus Eiche“ , „Böse Männer “ und „Männer ohne Frauen“ . ^{[ 48 ]}

1949 kehrte Ford kurzzeitig zu Fox zurück, um bei „Pinky“ Regie zu führen . Er bereitete das Projekt vor, arbeitete aber nur einen Tag, bevor er erkrankte, angeblich an Gürtelrose , und Elia Kazan ersetzte ihn (obwohl Tag Gallagher vermutet, dass Fords Krankheit nur ein Vorwand war, um das Projekt zu verlassen, was Ford missfiel). ^{[ 2 ] : 346}

Sein einziger in diesem Jahr fertiggestellter Film war der zweite Teil seiner Kavallerie-Trilogie, „ She Wore a Yellow Ribbon“ (Argosy/RKO, 1949), mit John Wayne und Joanne Dru in den Hauptrollen sowie Victor McLaglen, John Agar , Ben Johnson , Mildred Natwick und Harry Carey Jr. Erneut in Monument Valley gedreht, wurde er für seine atemberaubende Technicolor-Kameraführung (darunter die berühmte Kavallerieszene vor einem aufziehenden Sturm) hochgelobt. Winton Hoch erhielt dafür 1950 den Oscar für die beste Farbkamera, und der Film war bei seinem Kinostart ein großer Erfolg mit einem weltweiten Einspielergebnis von über 5 Millionen Dollar. John Wayne, damals 41 Jahre alt, wurde für seine Darstellung des 60-jährigen Captain Nathan Brittles ebenfalls hoch gelobt.

Fords erster Film des Jahres 1950 war die ungewöhnliche Militärkomödie „ When Willie Comes Marching Home“ mit Dan Dailey und Corinne Calvet in den Hauptrollen sowie William Demarest aus Preston Sturges ' Stammensemble. Alan Hale Jr. und Vera Miles hatten frühe (nicht im Abspann erwähnte) Auftritte . Darauf folgte „Wagon Master“ mit Ben Johnson und Harry Carey Jr., der besonders bemerkenswert ist, da er der einzige Ford-Film seit 1930 ist, für den er selbst das Drehbuch schrieb. Er wurde später zur langjährigen Fernsehserie „Wagon Train“ adaptiert (in der Ward Bond bis zu seinem plötzlichen Tod 1960 die Titelrolle verkörperte). Obwohl „Wagon Master“ deutlich weniger einspielte als die meisten seiner anderen Filme dieser Zeit, bezeichnete Ford ihn als seinen persönlichen Lieblingsfilm und sagte Peter Bogdanovich , er sei „dem, was ich erreichen wollte, am nächsten gekommen“. ^{[ 49 ]}

Rio Grande (Republic, 1950), der dritte Teil der „Kavallerie-Trilogie“, mit John Wayne und Maureen O’Hara in den Hauptrollen , war ein Western, in dem Waynes Sohn Patrick Wayne sein Filmdebüt gab (er wirkte in mehreren späteren Ford-Filmen mit, darunter „ Der Schwarze Falke “). Der Film entstand auf Drängen von Republic Pictures , die einen erfolgreichen Western als Bedingung für die Finanzierung von Fords nächstem Projekt, „Der Sieger“, forderten. Rio Grande, ein Beweis für Fords legendäre Effizienz,wurde in nur 32 Tagen gedreht, mit lediglich 352 Takes aus 335 Kameraeinstellungen, und war ein großer Erfolg mit einem Einspielergebnis von 2,25 Millionen Dollar im ersten Jahr.

Die Sorgen von Republic wurden durch den überwältigenden Erfolg von „Der Sieger“ (Republic, 1952) zerstreut , einem Herzensprojekt, das Ford seit den 1930er-Jahren realisieren wollte (und 1937 beinahe mit einer unabhängigen Kooperative namens Renowned Artists Company umgesetzt hätte). Der Film wurde sein bis dato erfolgreichster und spielte allein im ersten Jahr in den USA fast vier Millionen Dollar ein. Er zählte zu den zehn erfolgreichsten Filmen des Jahres. Ford wurde für sieben Oscars nominiert und gewann seinen vierten Oscar für die Beste Regie sowie einen zweiten Oscar für die Beste Kamera für Winton Hoch . Es folgte „ Was kostet Ruhm?“ (1952), ein Drama über den Ersten Weltkrieg, der erste von zwei Filmen, die Ford mit James Cagney drehte ( der andere war „Mister Roberts“ ), der ebenfalls ein Kassenschlager wurde (zwei Millionen Dollar).

„Die Sonne scheint hell “ (1953), Fords erster Beitrag bei den Filmfestspielen von Cannes , war eine Westernkomödie mit Charles Winninger in der Rolle des Richters Priest, die Will Rogers in den 1930er-Jahren berühmt gemacht hatte. Ford bezeichnete den Film später als einen seiner Lieblingsfilme, doch er wurde schlecht aufgenommen und kurz nach Kinostart von Republic drastisch gekürzt (von 90 auf 65 Minuten). Einige der herausgeschnittenen Szenen gelten heute als verloren. Der Film floppte an den Kinokassen, und sein Misserfolg trug zum späteren Zusammenbruch von Argosy Pictures bei.

Fords nächster Film war das romantische Abenteuer „Mogambo“ (MGM, 1953), eine lose Neuverfilmung des gefeierten Films „ Roter Staub “ von 1932. Gedreht wurde der Film in Afrika, die Kamera führte der britische Kameramann Freddie Young. In den Hauptrollen waren Fords alter Freund Clark Gable , Ava Gardner , Grace Kelly (die die erkrankte Gene Tierney ersetzte ) und Donald Sinden zu sehen . Obwohl die Produktion schwierig war (verschärft durch die lästige Anwesenheit von Gardners damaligem Ehemann Frank Sinatra ), wurde „Mogambo“ einer der größten kommerziellen Erfolge in Fords Karriere. Mit 5,2 Millionen Dollar spielte er im ersten Jahr in den USA das höchste Einspielergebnis aller seiner Filme ein. Der Film belebte zudem Gables ins Stocken geratene Karriere neu und brachte Gardner und Kelly Oscar-Nominierungen als Beste Hauptdarstellerin bzw. Beste Nebendarstellerin ein (Grace Kelly soll während der Dreharbeiten eine kurze Affäre mit Gable gehabt haben).

1955 drehte Ford für Columbia Pictures das weniger bekannte West-Point -Drama „The Long Gray Line“ . Es war der erste von zwei Ford-Filmen mit Tyrone Power , der ursprünglich 1941 die Rolle des erwachsenen Huw in „Schlagende Wetter“ spielen sollte . Später im selben Jahr engagierte Warner Bros. Ford für die Regie der Marinekomödie „ Mister Roberts“ mit Henry Fonda , Jack Lemmon , William Powell und James Cagney . Es kam jedoch zu Konflikten zwischen Ford und Fonda, der die Hauptrolle seit sieben Jahren am Broadway spielte und Fords Regiearbeit kritisch gegenüberstand. Während eines Dreiergesprächs mit Produzent Leland Hayward , das die Probleme lösen sollte, geriet Ford in Rage und schlug Fonda mit voller Wucht ins Gesicht, sodass dieser durch den Raum stürzte. Diese Tat führte zu einem dauerhaften Bruch zwischen den beiden. Nach dem Vorfall verfiel Ford zunehmend in Trübsinn, trank exzessiv und zog sich schließlich auf seine Yacht „ Araner“ zurück . Er verweigerte jeglichen Kontakt zu anderen Menschen. Die Produktion wurde für fünf Tage eingestellt und Ford nüchterne sich aus, doch kurz darauf erlitt er einen Gallenblasenriss, der eine Notoperation erforderlich machte, und wurde durch Mervyn LeRoy ersetzt .

1955 wagte Ford auch seine ersten Schritte im Fernsehgeschäft und inszenierte zwei halbstündige Dramen für das Network-Fernsehen. Im Sommer desselben Jahres drehte er „Rookie of the Year “ (Hal Roach Studios) für die Fernsehreihe „Studio Directors Playhouse“ . Das Drehbuch stammte von Frank S. Nugent, und in dem Stück wirkten Fords Stammgäste John und Pat Wayne, Vera Miles und Ward Bond mit; Ford selbst hatte einen Auftritt in der Einleitung. Im November desselben Jahres drehte er „The Bamboo Cross“ (Lewman Ltd-Revue, 1955) für die Reihe „Fireside Theater“ . In der Hauptrolle war Jane Wyman zu sehen , neben einem asiatisch-amerikanischen Ensemble sowie den Stock-Company-Veteranen Frank Baker und Pat O'Malley in Nebenrollen.

Mit „Der Schwarze Falke“ (Warner Bros., 1956) kehrte Ford auf die Leinwand zurück. Es war sein einziger Western zwischen 1950 und 1959 und gilt heute nicht nur als einer seiner besten Filme, sondern von vielen auch als einer der größten Western überhaupt und als eine der besten schauspielerischen Leistungen in John Waynes Karriere. Der Film spielt im Texas des Jahres 1868, wurde aber in Monument Valley, Utah/Arizona, gedreht. Er erzählt die Geschichte des verbitterten Bürgerkriegsveteranen Ethan Edwards, der jahrelang nach seiner Nichte sucht, die als junges Mädchen von Comanchen entführt wurde . Zur Besetzung gehörten Jeffrey Hunter , Ward Bond , Vera Miles und der aufstrebende Star Natalie Wood . Für Hunter war es der erste Film unter Ford. „Der Schwarze Falke“ war bei seinem Kinostart ein großer Erfolg und zählte mit einem Einspielergebnis von 4,45 Millionen Dollar zu den 20 erfolgreichsten Filmen des Jahres, obwohl er keine Oscar- Nominierung erhielt. Sein Ruf hat sich jedoch in den vergangenen Jahren enorm gesteigert – 2008 wurde er vom American Film Institute zum besten Western aller Zeiten gekürt und belegte 2007 Platz 12 auf dessen Liste der 100 besten Filme aller Zeiten. ^{[ 50 ]} „Der Schwarze Falke “ hatte einen weitreichenden Einfluss auf Film und Popkultur – er inspirierte zahlreiche Filmemacher, darunter David Lean und George Lucas , und wurde von ihnen direkt zitiert. Waynes Filmfigur „That’ll be the day“ inspirierte die Texaner Buddy Holly und seinen Schlagzeuger Jerry Allison zu ihrem gleichnamigen Hit, und auch die britische Popgruppe The Searchers benannte sich nach dem Film.

Der Film „The Searchers“ wurde von einer der ersten Making-of-Dokumentationen begleitet, einem vierteiligen Werbeprogramm, das für das Segment „Behind the Camera“ der wöchentlichen Fernsehsendung „Warner Bros. Presents “ (dem ersten Fernsehprojekt des Studios) produziert wurde und 1955/56 auf dem Sender ABC ausgestrahlt wurde. Die von Gig Young präsentierten vier Teile enthielten Interviews mit Jeffrey Hunter und Natalie Wood sowie Aufnahmen hinter den Kulissen der Dreharbeiten.

„Die Flügel des Adlers “ (MGM, 1957) war eine fiktionalisierte Biografie von Fords altem Freund, dem Piloten und Drehbuchautor Frank „Spig“ Wead , der bereits mehrere Drehbücher für Fords frühe Tonfilme verfasst hatte. In den Hauptrollen spielten John Wayne und Maureen O’Hara , Ward Bond verkörperte John Dodge (eine Figur, die auf Ford selbst basierte). Darauf folgte einer von Fords weniger bekannten Filmen, „ Die Growler-Story“ , ein 29-minütiger, dramatisierter Dokumentarfilm über die USS Growler . Der Film wurde für die US Navy produziert und von der Combat Camera Group des Pacific Fleet Command gedreht. Neben Ward Bond und Ken Curtis wirkten auch Angehörige der Navy und deren Familien mit.

Fords nächste beiden Filme unterscheiden sich in produktionstechnischer Hinsicht deutlich von seinen übrigen Werken, und bemerkenswerterweise verzichtete er für beide auf ein Gehalt. „ The Rising of the Moon“ (Warner Bros., 1957) war ein dreiteiliger Episodenfilm, der in Irland gedreht wurde und auf irischen Kurzgeschichten basierte. Produziert wurde er von Four Province Productions, einer Firma des irischen Tycoons Lord Killanin , der kurz zuvor Vorsitzender des Internationalen Olympischen Komitees geworden war und mit dem Ford entfernt verwandt war. Killanin war auch der eigentliche (wenn auch nicht im Abspann erwähnte) Produzent von „The Quiet Man“ . Der Film spielte seine Kosten nicht ein und erzielte weniger als die Hälfte (100.000 US-Dollar) seiner Produktionskosten von gut 256.000 US-Dollar, die Verluste verursachten. Er sorgte in Irland für Kontroversen.

Beide Filme von Ford aus dem Jahr 1958 entstanden für Columbia Pictures und stellten eine deutliche Abkehr von Fords üblichem Stil dar. „Gideon’s Day“ (in den USA unter dem Titel „Gideon of Scotland Yard “ erschienen ) basiert auf dem Roman des britischen Schriftstellers John Creasey . Es ist Fords einziger Polizeifilm und einer der wenigen Ford-Filme, die in der Gegenwart der 1950er-Jahre spielen. Gedreht wurde in England mit einer britischen Besetzung unter der Leitung von Jack Hawkins , den Ford (ungewöhnlicherweise) als „den besten dramatischen Schauspieler, mit dem ich je gearbeitet habe“ lobte. Columbia vermarktete den Film schlecht und brachte ihn, obwohl in Farbe gedreht, nur in Schwarzweiß heraus. ^{[ 2 ] : 359} Im ersten Jahr erzielte er zudem keinen Gewinn und spielte bei einem Budget von 453.000 US-Dollar lediglich 400.000 US-Dollar ein.

„The Last Hurrah“ (Columbia, 1958), der ebenfalls in den 1950er-Jahren spielt, hatte Spencer Tracy in der Hauptrolle, der 1930 in Fords „Up the River“ sein Filmdebüt gegeben hatte. Tracy verkörpert einen alternden Politiker in seinem letzten Wahlkampf, Jeffrey Hunter spielt seinen Neffen. Katharine Hepburn soll die beiden Männer versöhnt und eine langjährige Fehde beendet haben. Sie überzeugte Tracy, die Hauptrolle zu übernehmen, die ursprünglich Orson Welles angeboten worden war (die aber von Welles’ Agenten ohne sein Wissen abgelehnt wurde, sehr zu seinem Ärger). Der Film war deutlich erfolgreicher als Fords zwei Vorgängerfilme und spielte im ersten Jahr 950.000 US-Dollar ein. ^{[ 2 ] : 500} Anna Lee gab an, Ford sei „von dem Film enttäuscht“ gewesen und Columbia habe ihm die Aufsicht über den Schnitt verweigert.

Korea: Battleground for Liberty (1959), Fords zweiter Dokumentarfilm über den Koreakrieg , wurde im Auftrag des US-Verteidigungsministeriums als Orientierungsfilm für dort stationierte US-Soldaten gedreht .

Es folgte sein letzter Film des Jahrzehnts, „ Die Kavallerie“ (Mirisch Company-United Artists, 1959), eine stark fiktionalisierte Bürgerkriegsgeschichte mit John Wayne, William Holden und Constance Towers in den Hauptrollen . Obwohl Ford seine Unzufriedenheit mit dem Projekt öffentlich bekundete, wurde der Film ein kommerzieller Erfolg, startete auf Platz 1 der Kinocharts und zählte zu den 20 erfolgreichsten Filmen des Jahres. Er spielte im ersten Jahr 3,6 Millionen Dollar ein und brachte Ford seine bis dahin höchste Gage ein – 375.000 Dollar plus 10 % der Bruttoeinnahmen. ^{[ 2 ] : 500} Die Produktion soll für Regisseur und Schauspieler schwierig gewesen sein und erhebliche Kostenüberschreitungen verursacht haben, die durch die beispiellosen Gagen für Holden und Wayne (jeweils 750.000 Dollar plus 20 % des Gesamtgewinns) noch verschärft wurden. Entsprechend den Spannungen zwischen Waynes und Holdens Figuren auf der Leinwand stritten die beiden Schauspieler ständig. Wayne kämpfte zudem damit, seiner Frau Pilar bei der Überwindung ihrer Barbituratabhängigkeit zu helfen, die in ihrem Selbstmordversuch gipfelte, während sich das Paar gemeinsam am Drehort in Louisiana aufhielt. Fords Probleme erreichten ihren Höhepunkt mit dem tragischen Tod des Stuntmans Fred Kennedy, der sich bei einem Sturz vom Pferd während der finalen Schlachtszene einen tödlichen Genickbruch zuzog. Ford war von dem Unfall zutiefst erschüttert, verlor das Interesse an dem Film und verlegte die Produktion zurück nach Hollywood. Er verwarf auch das geplante Ende, das Marlowes triumphalen Einzug in Baton Rouge zeigen sollte, und beendete den Film stattdessen mit John Marlowes Abschied von Hannah Hunter sowie der Überquerung und dem Abriss der Brücke.

In seinen letzten Jahren litt Ford unter zunehmenden gesundheitlichen Problemen, die größtenteils auf jahrzehntelangen starken Alkohol- und Nikotinkonsum zurückzuführen waren und durch die in der Schlacht um Midway erlittenen Verletzungen noch verschlimmert wurden. Insbesondere sein Sehvermögen verschlechterte sich rapide, und zeitweise erblindete er vollständig; auch sein außergewöhnliches Gedächtnis ließ nach, sodass er immer stärker auf die Hilfe von Assistenten angewiesen war. Seine Arbeit wurde zudem durch die neuen Verhältnisse in Hollywood eingeschränkt, und es fiel ihm schwer, viele Projekte zu realisieren. In den 1960er Jahren war er auf Western-Regisseure festgelegt worden und beklagte sich darüber, dass es ihm nun fast unmöglich sei, Finanzierung für Projekte anderer Genres zu erhalten.

„Sergeant Rutledge“ (Ford Productions-Warner Bros., 1960) war Fords letzter Kavalleriefilm. Er spielt in den 1880er-Jahren und erzählt die Geschichte eines afroamerikanischen Kavalleristen (gespielt von Woody Strode ), der fälschlicherweise beschuldigt wird, ein weißes Mädchen vergewaltigt und ermordet zu haben. Warner Bros. vermarktete den Film irrtümlicherweise als Thriller, was ihm jedoch kommerziell nicht zum Erfolg verhalf. Im selben Jahr produzierte Ford seine dritte Fernsehfolge, „ The Colter Craven Story“ , eine einstündige Episode der Fernsehserie „Wagon Train“ . Diese enthielt auch Material aus Fords Film „Wagon Master“ , auf dem die Serie basierte. Außerdem besuchte er das Set von „The Alamo“ , produziert, inszeniert und mit John Wayne in der Hauptrolle. Durch seine Einmischung veranlasste Wayne ihn, Szenen der zweiten Dreheinheit zu drehen, die jedoch nie im Film verwendet wurden (und auch nicht verwendet werden sollten). ^{[ 51 ]}

„Two Rode Together“ (Ford Productions-Columbia, 1961) mit James Stewart und Richard Widmark in den Hauptrollen sowie Shirley Jones und den Stammbesetzungsschauspielern Andy Devine , Henry Brandon , Harry Carey Jr., Anna Lee, Woody Strode, Mae Marsh und Frank Baker, bot einen frühen Auftritt von Linda Cristal , die später in der Western-Fernsehserie „The High Chaparral“ die Hauptrolle spielte . Der Film war ein mäßiger kommerzieller Erfolg und spielte im ersten Jahr 1,6 Millionen Dollar ein.

Pressefotos aus „Der Mann, der Liberty Valance erschoss“

John Wayne und James Stewart

Vera Miles und Stewart

„Der Mann, der Liberty Valance erschoss“ (Ford Productions-Paramount, 1962) gilt oft als der letzte große Film in Fords Karriere. In den Hauptrollen spielen John Wayne und James Stewart . Zum Ensemble gehören außerdem Vera Miles , Edmond O’Brien als geschwätziger Zeitungsverleger, Andy Devine als unfähiger Marshal Appleyard, Denver Pyle , John Carradine und Lee Marvin in einer wichtigen Rolle als der brutale Valance, während Lee Van Cleef und Strother Martin seine Handlanger verkörpern. Der Film ist auch deshalb bemerkenswert, weil Wayne hier am häufigsten seinen Markenzeichen-Ausdruck „Pilgrim“ (sein Spitzname für James Stewarts Figur) verwendete. Er war sehr erfolgreich und spielte im ersten Jahr über 3 Millionen Dollar ein, obwohl die Besetzung der Hauptrollen etwas unglaubwürdig wirkte – die von Stewart (damals 53) und Wayne (damals 54) gespielten Figuren hätten angesichts der Umstände auf Anfang 20 geschätzt werden können. Ford erwog angeblich sogar, Stewarts Rolle mit einem jüngeren Schauspieler zu besetzen, befürchtete aber, Waynes Alter dadurch zu sehr zu betonen. Obwohl oft behauptet wird, Budgetbeschränkungen hätten die Dreharbeiten des Großteils des Films in den Studios von Paramount notwendig gemacht, belegen die Buchhaltungsunterlagen des Studios laut Ford-Biograf Joseph McBride, dass dies Teil des ursprünglichen künstlerischen Konzepts war. Lee Marvin erklärte in einem gefilmten Interview, Ford habe sich vehement dafür eingesetzt, den Film in Schwarz-Weiß zu drehen , um seinen Einsatz von Schatten zu betonen. Dennoch zählte er mit Produktionskosten von 3,2 Millionen US-Dollar zu Fords teuersten Filmen.

Nach Abschluss von „Liberty Valance“ wurde Ford engagiert, um den Bürgerkriegsteil von MGMs Epos „ How the West Was Won“ zu inszenieren , dem ersten Spielfilm, der im Cinerama -Breitbildverfahren gedreht wurde. In Fords Segment spielten George Peppard , Andy Devine , Russ Tamblyn , Harry Morgan als Ulysses S. Grant und John Wayne als William Tecumseh Sherman . Wayne hatte Sherman bereits 1960 in einer Folge der Fernsehserie „Wagon Train“ verkörpert , die Ford als Nebenprojekt für Serienstar Ward Bond inszenierte : „ The Coulter Craven Story “. Für diese Folge engagierte er fast seine gesamte Stammbesetzung. Ebenfalls im Jahr 1962 inszenierte Ford seine vierte und letzte Fernsehproduktion, Flashing Spikes , eine Baseballgeschichte, die für die Alcoa Premiere- Serie produziert wurde und in der James Stewart, Jack Warden , Patrick Wayne und Tige Andrews mitwirkten , sowie Harry Carey Jr. und ein längerer Überraschungsauftritt von John Wayne, der im Abspann als „Michael Morris“ aufgeführt wurde, wie auch schon in der von Ford inszenierten Wagon Train- Episode.

„Donovan’s Reef“ (Paramount, 1963) war Fords letzter Film mit John Wayne. Gedreht auf der hawaiianischen Insel Kauai (die als Kulisse für eine fiktive Insel in Französisch-Polynesien diente ), war es ein moralisches Lehrstück im Gewand einer Actionkomödie, das sich subtil, aber eindringlich mit Themen wie Rassismus, Korruption in Konzernen, Gier und dem amerikanischen Glauben an die gesellschaftliche Überlegenheit auseinandersetzte. Zur Besetzung gehörten Lee Marvin , Elizabeth Allen , Jack Warden , Dorothy Lamour und Cesar Romero . Es war auch Fords letzter kommerzieller Erfolg mit einem Einspielergebnis von 3,3 Millionen Dollar bei einem Budget von 2,6 Millionen Dollar.

„Cheyenne Autumn“ (Warner Bros., 1964) war Fords episches Abschiedswerk vom Westen, das er öffentlich als Elegie auf die Ureinwohner Amerikas bezeichnete. Es war sein letzter Western, sein längster Film und der teuerste seiner Karriere (4,2 Millionen Dollar), doch er spielte an den Kinokassen seine Kosten nicht ein und verlor bei seiner Erstveröffentlichung rund eine Million Dollar. Die hochkarätige Besetzung wurde von Richard Widmark angeführt , mit Carroll Baker , Karl Malden , Dolores del Río , Ricardo Montalbán , Gilbert Roland , Sal Mineo , James Stewart als Wyatt Earp, Arthur Kennedy als Doc Holliday, Edward G. Robinson , Patrick Wayne , Elizabeth Allen , Mike Mazurki und vielen von Fords treuen Stammschauspielern, darunter John Carradine , Ken Curtis , Willis Bouchey , James Flavin , Danny Borzage, Harry Carey Jr. , Chuck Hayward , Ben Johnson , Mae Marsh und Denver Pyle . William Clothier wurde für den Oscar in der Kategorie „Beste Kamera“ nominiert, und Gilbert Roland erhielt eine Golden-Globe -Nominierung als „Bester Nebendarsteller“ für seine Darstellung des Cheyenne-Ältesten Dull Knife .

Im Jahr 1965 begann Ford mit der Arbeit an Young Cassidy (MGM), einem biografischen Drama über das Leben des irischen Dramatikers Seán O'Casey , erkrankte jedoch früh in der Produktion und wurde durch Jack Cardiff ersetzt .

Fords letzter vollendeter Spielfilm war „7 Frauen“ (MGM, 1966), ein Drama, das um 1935 spielt und von Missionarinnen in China handelt, die sich gegen die Übergriffe eines barbarischen mongolischen Warlords verteidigen. Anne Bancroft übernahm die Hauptrolle von Patricia Neal , die zwei Tage nach Drehbeginn einen beinahe tödlichen Schlaganfall erlitt. Zum Ensemble gehörten Margaret Leighton , Flora Robson , Sue Lyon , Mildred Dunnock , Anna Lee , Eddie Albert , Mike Mazurki und Woody Strode ; die Musik stammte von Elmer Bernstein . Leider floppte der Film an den Kinokassen und spielte nur etwa die Hälfte seines Budgets von 2,3 Millionen Dollar ein. Ungewöhnlich für Ford wurde der Film in Continuity gedreht, um die schauspielerischen Leistungen zu verbessern, wodurch er etwa viermal so viel Filmmaterial verwendete wie sonst. Anna Lee erinnerte sich, dass Ford zu allen „absolut charmant“ gewesen sei und dass der einzige größere Streitpunkt darin bestand, dass Flora Robson sich darüber beschwerte, dass auf dem Schild an ihrer Garderobentür ihr Titel („Dame“) nicht stand, woraufhin Robson von Ford vor der gesamten Besetzung und Crew „völlig fertiggemacht“ wurde.

Fords nächstes Projekt, „Das Wunder von Merriford“ , wurde von MGM weniger als eine Woche vor Drehbeginn eingestellt. Sein letztes vollendetes Werk war „Chesty: Eine Hommage an eine Legende“ , ein Dokumentarfilm über den höchstdekorierten US-Marine, General Lewis B. Puller , mit John Wayne als Sprecher. Der Film wurde 1970 gedreht, aber erst 1976, drei Jahre nach Fords Tod, veröffentlicht.

Anfang der 1970er-Jahre verschlechterte sich Fords Gesundheitszustand rapide. 1970 erlitt er einen Hüftbruch, der ihn an den Rollstuhl fesselte. Er musste von seinem Haus in Bel Air in ein ebenerdiges Haus in Palm Desert, Kalifornien , in der Nähe des Eisenhower Medical Center , umziehen, wo er wegen Magenkrebs behandelt wurde. Die Screen Directors Guild veranstaltete im Oktober 1972 eine Gedenkveranstaltung für Ford, und im März 1973 verlieh ihm das American Film Institute im Rahmen einer landesweit im Fernsehen übertragenen Zeremonie seinen ersten Lifetime Achievement Award. Präsident Richard Nixon beförderte Ford dabei zum Admiral und überreichte ihm die Presidential Medal of Freedom .

Laut Fords langjährigem Partner und Freund John Wayne hätte Ford weiterhin Filme drehen können. Er sagte 1976 zu Roger Ebert :

Bis in seine letzten Lebensjahre hätte Pappy noch einen Film drehen können, und zwar einen verdammt guten. Aber man sagte, Pappy sei zu alt. Verdammt, er war nie zu alt. Heutzutage hält Hollywood nichts mehr zu einem Kerl. Lieber machen sie eine verdammte Legende aus ihm und dann ist er Geschichte. ^{[ 52 ]}

Ford starb am 31. August 1973 in Palm Desert ^{[ 9 ]} und seine Beerdigung fand am 5. September in der Church of the Blessed Sacrament in Hollywood statt. Er wurde auf dem Holy Cross Cemetery in Culver City, Kalifornien, beigesetzt . ^{[ 53 ]}

Ford war eine energische Persönlichkeit mit vielen Eigenheiten und Exzentrizitäten. Ab den 1930er Jahren trug er oft eine dunkle Brille oder eine Augenklappe über seinem lichtempfindlichen linken Auge. ^{[ 2 ] : 347} Er war ein eingefleischter Pfeifenraucher und kaute während der Dreharbeiten auf einem Leinentaschentuch herum – jeden Morgen gab ihm seine Frau ein Dutzend frische Taschentücher, doch am Ende eines Drehtages waren die Ecken aller Taschentücher zerkaut. Er ließ am Set stets Musik laufen und machte während der Dreharbeiten jeden Nachmittag eine Teepause ( Earl Grey ). Er missbilligte Geschwätz und verabscheute Fluchen am Set; wer fluchte, insbesondere in Gegenwart einer Frau, wurde in der Regel von der Produktion ausgeschlossen. Während der Dreharbeiten trank er selten, doch nach Drehschluss zog er sich oft nur in ein Laken gehüllt in sein Arbeitszimmer zurück und verfiel tagelang dem Alkoholrausch, gefolgt von regelmäßiger Reue und dem Schwur, nie wieder zu trinken. Er reagierte äußerst empfindlich auf Kritik und war besonders verärgert über jeden Vergleich seiner Arbeit mit der seines älteren Bruders Francis. Premieren und Preisverleihungen besuchte er nur selten, obwohl seine Oscars und andere Auszeichnungen stolz auf dem Kaminsims seines Hauses ausgestellt waren.

Es gab gelegentlich Gerüchte über seine sexuellen Vorlieben. ^{[ 2 ] : 381} In ihrer 2004 erschienenen Autobiografie „Tis Herself“ erinnerte sich Maureen O’Hara daran , Ford in seinem Büro in den Columbia Studios einen berühmten männlichen Schauspieler (dessen Namen sie nicht nannte) küssen gesehen zu haben. ^{[ 54 ]}

Er war unordentlich, und sein Arbeitszimmer war stets mit Büchern, Papieren und Kleidung übersät. In den 1930er-Jahren kaufte er sich einen brandneuen Rolls-Royce , fuhr aber nie damit, weil seine Frau Mary ihm das Rauchen darin verbot. Sein eigenes Auto, ein ramponierter Ford Roadster, war so heruntergekommen und unordentlich, dass er einmal zu spät zu einer Studiobesprechung kam, weil der Wachmann am Studiotor nicht glaubte, dass der echte John Ford so ein Auto fahren würde, und ihm den Zutritt verweigerte.

Ford hegte eine tiefe Abneigung gegen Studiobosse. Bei einem seiner frühen Filme für Fox soll er einen Wachmann angewiesen haben, Studioboss Darryl F. Zanuck vom Set fernzuhalten. Ein anderes Mal führte er einen Manager vor die Crew, stellte ihn im Profil auf und verkündete: „Das ist ein Produktionsassistent – ​​seht ihn euch gut an, denn ihr werdet ihn in diesem Film nicht wiedersehen.“ Während der Dreharbeiten zu „ Rio Grande “ im Jahr 1950 besuchten Produzent Herbert Yates und Republic-Manager Rudy Ralston den Drehort. Als Yates auf die Uhrzeit (es war 10 Uhr morgens) hinwies und fragte, wann Ford mit den Dreharbeiten beginnen wolle, bellte Ford: „Sobald ihr verdammt noch mal von meinem Set verschwindet!“ Beim Abendessen soll Ford den Schauspieler Alberto Morin rekrutiert haben, der sich als ungeschickter französischer Kellner ausgab. Dieser verschüttete daraufhin Suppe über die beiden, zerbrach Teller und sorgte für allgemeines Chaos. Die beiden Manager merkten offenbar nicht, dass sie Opfer eines von Fords Streichen geworden waren.

Er genoss es sehr, Zeit auf seiner Yacht Araner zu verbringen , die er 1934 kaufte und in die er im Laufe der Jahre Hunderttausende von Dollar für Reparaturen und Verbesserungen investierte; sie wurde zu seinem wichtigsten Rückzugsort zwischen den Filmen und zu einem Treffpunkt für seinen engen Freundeskreis, darunter John Wayne und Ward Bond.

Ford war hochintelligent, gebildet, sensibel und sentimental, doch um sich in der gnadenlosen Atmosphäre Hollywoods zu schützen, pflegte er das Image eines „harten, schlagkräftigen, trinkfesten irischen Mistkerls“. ^{[ 2 ] : 381} Ein berühmtes Ereignis, das Fords Freund, der Schauspieler Frank Baker, miterlebte, verdeutlicht eindrücklich die Spannung zwischen seinem öffentlichen Image und dem Privatleben. Während der Weltwirtschaftskrise wurde Ford – damals bereits ein sehr wohlhabender Mann – vor seinem Büro von einem ehemaligen Universal-Schauspieler angesprochen, der mittellos war und 200 Dollar für eine Operation seiner Frau benötigte. Als der Mann von seinem Unglück erzählte, schien Ford in Wut zu geraten, und dann, zum Entsetzen der Umstehenden, stürzte er sich auf den Mann, schlug ihn zu Boden und schrie: „Wie können Sie es wagen, so hierherzukommen? Was bilden Sie sich ein, dass Sie so mit mir reden?“, bevor er wütend aus dem Zimmer stürmte. Als der erschütterte alte Mann das Gebäude verließ, sah Frank Baker, wie Fords Geschäftsführer Fred Totman ihn an der Tür empfing. Totman überreichte dem Mann einen Scheck über 1.000 Dollar und wies Fords Chauffeur an, ihn nach Hause zu fahren. Dort wartete bereits ein Krankenwagen, um die Frau des Mannes ins Krankenhaus zu bringen. Ein Spezialist, der auf Fords Kosten aus San Francisco eingeflogen worden war, führte die Operation durch. Einige Zeit später kaufte Ford dem Paar ein Haus und gewährte ihnen eine lebenslange Rente. Als Baker Francis Ford die Geschichte erzählte, erklärte dieser, der Vorfall verdeutliche den Charakter seines Bruders sehr gut.

Hätte der alte Schauspieler weitergeredet, wäre den Leuten jeden Moment klar geworden, was für ein weicher Kern Jack hat. Er hätte diese traurige Geschichte unmöglich durchstehen können, ohne in Tränen auszubrechen. Er hat sich diese ganze Legende der Härte aufgebaut, um seine Sanftmut zu verbergen. ^{[ 2 ] : 40f}

In ihrem Buch „ Wayne and Ford, The Films, the Friendship, and the Forging of an American Hero“ analysiert Nancy Schoenberger die kulturelle Wirkung der in Fords Filmen dargestellten Männlichkeit. In einem Interview ^{[ 55 ]} mit dem Portland Magazine erklärt Schoenberger: „Was Ford und Wayne betrifft, die die Konventionen dessen, was einen ‚Mann‘ ausmacht, neu definierten, denke ich, dass Ford, der mit Brüdern aufwuchs, die er verehrte, in einer rauen Welt von Boxern, Trinkern und Hilfsarbeitern, sein tiefstes Thema in der Kameradschaft unter Männern fand, insbesondere beim Militär, einem der wenigen Orte, an denen Männer ihre Liebe zu anderen Männern ausdrücken können. Ihm ging es aber auch um Männer, die heldenhaft handeln, daher war der Macho-Typ nicht immer der Held. McLaglen präsentierte oft die komische Seite der prahlerischen Männlichkeit. Ford brachte Waynes Zärtlichkeit ebenso wie seine Härte zum Ausdruck, insbesondere in Stagecoach .“ ^{[ 56 ]}

Ford besaß viele unverwechselbare Stilmerkmale, und eine Reihe thematischer Schwerpunkte sowie visueller und auditiver Motive kehren in seinem Regiewerk immer wieder. Der Filmjournalist Ephraim Katz fasste einige der wichtigsten Merkmale von Fords Werk in seinem Eintrag in der Collins Film Encyclopedia zusammen:

Von allen amerikanischen Regisseuren besaß Ford wohl die klarste persönliche Vision und den konsequentesten visuellen Stil. Seine Ideen und Charaktere wirken, wie so vieles, was als „amerikanisch“ gilt, trügerisch einfach. Seine Helden scheinen auf den ersten Blick Einzelgänger zu sein, Außenseiter der etablierten Gesellschaft, die eher durch Taten als durch Worte sprechen. Doch ihr Konflikt mit der Gesellschaft verkörpert größere Themen der amerikanischen Erfahrung.

Fords Filme, insbesondere die Western, zeugen von einer tiefen ästhetischen Sensibilität für die amerikanische Vergangenheit und den Geist des Wilden Westens. Seine Kompositionen bestechen durch eine klassische Stärke, in der Menschenmassen und ihre natürliche Umgebung kunstvoll gegenübergestellt werden, oft in atemberaubenden Weitwinkelaufnahmen. Die Bewegungen von Mensch und Pferd in seinen Western sind in ihrer erhabenen Ruhe und Ausdruckskraft kaum zu übertreffen. Die Filmmusik, oft Variationen von Volksmelodien, spielt in vielen Ford-Filmen eine wichtigere Rolle als der Dialog.

Ford betonte auch den Wert und die Stärke der Gruppe, wie seine zahlreichen Militärdramen belegen ... [er] brachte ein ähnliches Gefühl der Kameradschaft durch die wiederholte Besetzung bestimmter Schauspieler in Haupt- und Nebenrollen zum Ausdruck ... er fühlte sich auch Orten verbunden ... ^{[ 57 ]}

Im Gegensatz zu seinem Zeitgenossen Alfred Hitchcock verwendete Ford nie Storyboards. Er komponierte seine Bilder vollständig im Kopf, ohne schriftliche oder grafische Vorgaben für die einzelnen Einstellungen. ^{[ 2 ] : 464} Die Drehbuchentwicklung konnte intensiv sein, doch einmal genehmigt, wurden seine Drehbücher selten überarbeitet. Er war auch einer der ersten Filmemacher, der seine Autoren und Schauspieler dazu anhielt, eine ausführliche Hintergrundgeschichte für ihre Figuren zu entwickeln. Er verabscheute lange Erklärungsszenen und war berüchtigt dafür, Seiten aus dem Drehbuch zu reißen, um Dialoge zu streichen. Als Ford während der Dreharbeiten zu „Mogambo“ vom Produzenten Sam Zimbalist darauf angesprochen wurde , dass die Dreharbeiten drei Tage im Verzug waren, riss er drei Seiten aus dem Drehbuch und erklärte: „Wir liegen im Zeitplan.“ Tatsächlich wurden diese Seiten nie verfilmt. ^{[ 58 ]} Während der Dreharbeiten zu Drums Along the Mohawk umging Ford geschickt die Herausforderung, eine große und teure Schlachtszene zu drehen – er ließ Henry Fonda einen Monolog improvisieren, während er von hinter der Kamera Fragen zum Verlauf der Schlacht stellte (ein Thema, mit dem Fonda bestens vertraut war), und schnitt die Fragen dann einfach heraus.

Er setzte Kamerabewegungen und Nahaufnahmen eher sparsam ein und bevorzugte statische Halb- oder Totaleinstellungen, in denen seine Schauspieler vor dramatischen Panoramen oder expressionistisch beleuchteten Innenräumen in Szene gesetzt wurden. Allerdings nutzte er häufig Schwenks und gelegentlich auch dramatische Dollyfahrten (z. B. bei John Waynes erstem Auftritt in „Stagecoach “). Ford ist berühmt für seine packenden Kamerafahrten, wie etwa die Apache-Verfolgungsjagd in „Stagecoach“ oder den Angriff auf das Comanche-Lager in „The Searchers“ .

Wiederkehrende visuelle Motive sind Züge und Wagen – viele Ford-Filme beginnen und enden mit einem verbindenden Fahrzeug wie einem ankommenden und abfahrenden Zug oder Wagen –, Türen, Straßen, Blumen, Flüsse und Versammlungen (Paraden, Tänze, Treffen, Barszenen usw.). Er verwendete in vielen Filmen auch gestische Motive, insbesondere das Werfen von Gegenständen und das Anzünden von Lampen, Streichhölzern oder Zigaretten. ^{[ 59 ]} Wenn eine dem Tode geweihte Figur beim Pokern gezeigt wurde (wie Liberty Valance oder der Revolverheld Tom Tyler in „Stagecoach “), war die letzte Hand, die sie spielte, die sogenannte „ Todeshand “ – zwei Achten und zwei Asse, eines davon das Pik-Ass –, so genannt, weil Wild Bill Hickok diese Hand angeblich hielt, als er ermordet wurde. Viele seiner Tonfilme enthalten Interpretationen oder Zitate seines Lieblingsliedes „ Shall We Gather at the River? “, wie beispielsweise dessen parodistische Verwendung zur Untermalung der Eröffnungsszenen von „Stagecoach “, als die Prostituierte Dallas von den örtlichen Matronen aus der Stadt gejagt wird. Auch Charakternamen tauchen in vielen Ford-Filmen wieder auf – der Name Quincannon zum Beispiel wird in mehreren Filmen verwendet, darunter The Lost Patrol , Rio Grande , She Wore A Yellow Ribbon und Fort Apache , John Waynes Figur heißt sowohl in Fort Apache als auch in Rio Grande „Kirby Yorke“ , und die Namen Tyree und Boone tauchen ebenfalls in mehreren Ford-Filmen wieder auf.

Neuere Arbeiten zu Fords Darstellungen von Indigenen argumentieren, dass seine Indianerfiguren – entgegen der gängigen Meinung – von feindseligen bis hin zu wohlwollenden Bildern reichten, von „The Iron Horse“ bis „Cheyenne Autumn“ . In „Wagon Master“ lassen seine Figuren die Navajo-Sprache sprechen . Das charakteristische Merkmal von Fords Western mit Indianerthema ist , dass seine indigenen Figuren stets von der weißen Gesellschaft getrennt blieben. ^{[ 60 ]}

Ford war legendär für seine Disziplin und Effizienz am Set. ^{[ 2 ] : 38} Er behandelte Schauspieler extrem hart, verspottete, beschimpfte und schikanierte sie häufig; außerdem war er für seine mitunter sadistischen Streiche berüchtigt. Jeder Schauspieler, der dumm genug war, eine Starbehandlung zu fordern, bekam seine unerbittliche Verachtung und seinen Sarkasmus in voller Wucht zu spüren. Er bezeichnete John Wayne einmal als „großen Idioten“ und schlug sogar Henry Fonda. Henry Brandon (der Chief Scar in „Der Schwarze Falke “ spielte ) bezeichnete Ford einmal als „den einzigen Mann, der John Wayne zum Weinen bringen konnte“. Auch Victor McLaglen wurde von ihm herabgesetzt; einmal soll er durch das Megafon gebrüllt haben: „Weißt du, McLaglen, dass Fox dir 1200 Dollar die Woche zahlt, um Dinge zu tun, die jedes Kind von der Straße besser könnte?“ ^{[ 2 ] : Der 38-jährige} Ward Bond, ein Veteran der Stock Company, war angeblich einer der wenigen Schauspieler, die Fords Sticheleien und Sarkasmus nicht widerstanden. Sir Donald Sinden , damals Vertragsstar der Rank Organisation in den Pinewood Studios, als er in „Mogambo“ mitspielte , war nicht der Einzige, der unter John Fords berüchtigtem Verhalten litt. Er erinnert sich: „Zehn Weiße Jäger wurden unserer Einheit zu unserem Schutz und zur Versorgung mit frischem Fleisch zugeteilt. Unter ihnen war Marcus, Lord Wallscourt, ein liebenswerter Mann, den Ford abscheulich – manchmal sogar sadistisch – behandelte. In Fords Augen konnte der arme Kerl nichts richtig machen und wurde ständig vor der gesamten Einheit angebrüllt (wodurch er mich in gewisser Weise gelegentlich entlastete). Keiner von uns verstand den Grund für diese entsetzliche Behandlung, die der liebe, gütige Mann in keiner Weise verdient hatte. Er selbst war völlig ratlos. Einige Wochen später erfuhren wir den Grund von Fords Schwager: Bevor Fords Großvater nach Amerika auswanderte, hatte er als Arbeiter auf dem Gut des damaligen Lord Wallscourt in Irland gearbeitet . Ford rächte sich nun an seinem Nachkommen. Kein schöner Anblick.“ ^{[ 61 ]} „Wir mussten nun in die MGM-British Studios in London zurückkehren, um alle Innenaufnahmen zu drehen. Jemand muss Ford darauf hingewiesen haben, dass er sich mir gegenüber während der gesamten Dreharbeiten vor Ort äußerst unerträglich verhalten hatte, und als ich zu meinem ersten Arbeitstag ankam, stellte ich fest, dass er einen großen Zettel mit der Aufschrift ‚SEI NETT ZU DONALD WEEK‘ in Großbuchstaben am Eingang unserer Tonhalle hatte anbringen lassen. Er hielt Wort – genau sieben Tage lang. Am achten Tag riss er das Schild ab und verfiel wieder in sein gewohntes tyrannisches Verhalten.“ ^{[ 62 ]}

Ford gab seinen Schauspielern üblicherweise nur wenige explizite Anweisungen. Gelegentlich ging er jedoch selbst beiläufig eine Szene durch, und von den Schauspielern wurde erwartet, dass sie jede noch so subtile Geste und jede Eigenart bemerkten. Falls sie dies nicht taten, ließ Ford sie die Szene so lange wiederholen, bis sie sie richtig spielten. Wer seine gewünschte Leistung nicht erbrachte, wurde von Ford oft beschimpft und herabgesetzt. Bei den Dreharbeiten zu „ Der Mann , der Liberty Valance erschoss“ probte Ford eine Szene mit Edmond O’Brien durch und beendete sie damit, dass O’Brien seine Hand über ein Geländer hängen ließ. O’Brien bemerkte dies, ignorierte es aber absichtlich und legte seine Hand stattdessen auf das Geländer. Ford korrigierte ihn nicht ausdrücklich und ließ O’Brien die Szene angeblich 42 Mal spielen, bevor der Schauspieler schließlich nachgab und sie nach Fords Vorgaben spielte.

Trotz seiner oft schwierigen und fordernden Persönlichkeit bestätigten viele Schauspieler, die mit Ford arbeiteten, dass er das Beste aus ihnen herausholte. John Wayne bemerkte: „Niemand konnte Schauspieler und Crew so gut führen wie Jack.“ ^{[ 63 ]} Dobe Carey erklärte: „Er hatte eine Ausstrahlung, die alle dazu brachte, sich fast aufzuopfern, um ihm zu gefallen. Sobald man ans Set kam, spürte man sofort, dass etwas Besonderes passieren würde. Man fühlte sich plötzlich wie spirituell erwacht.“ ^{[ 64 ]} Carey verdankt Ford die Inspiration für seinen letzten Film, Comanche Stallion ( 2005 ).

Fords bevorzugter Drehort für seine Western war das Monument Valley im Süden Utahs . Obwohl die Gegend geografisch gesehen für seine Handlungen eher ungeeignet schien, ermöglichte ihre ausdrucksstarke Bildsprache Ford, das Bild des amerikanischen Westens mit einigen der schönsten und eindrucksvollsten Kameraeinstellungen der Filmgeschichte zu prägen, etwa in Filmen wie „Stagecoach“ , „The Searchers “ und „Fort Apache“ . Ein bemerkenswertes Beispiel ist die berühmte Szene in „She Wore a Yellow Ribbon“, in der die Kavallerieeinheit vor einem aufziehenden Sturm gefilmt wird. Der Einfluss auf die Filme klassischer Western-Künstler wie Frederic Remington und anderer wurde untersucht. ^{[ 65 ]} Fords eindrucksvolle Nutzung der Region für seine Western hat das Bild des amerikanischen Westens so stark geprägt, dass Orson Welles einmal sagte, andere Filmemacher hätten sich aus Angst vor Plagiaten geweigert, dort zu drehen. ^{[ 66 ]}

Ford drehte in der Regel nur das benötigte Material und filmte oft chronologisch, um die Arbeit seiner Filmeditoren zu minimieren. ^{[ 67 ]} Joseph McBride ist der Ansicht, ^{[ 31 ]} dass Fords Schnitttechnik in der Kamera es ihm ermöglichte, die kreative Kontrolle in einer Zeit zu behalten, in der Regisseure oft wenig Mitspracherecht beim finalen Schnitt ihrer Filme hatten. Ford bemerkte:

Ich gebe ihnen nicht viel Filmmaterial. Eastman beschwerte sich sogar immer, dass ich so wenig Film belichtete. Ich schneide direkt in der Kamera. Sonst, wenn man ihnen viel Film gibt, übernimmt das „Komitee“. Sie fangen an, Szenen hin und her zu schieben, dies zu entfernen und jenes einzufügen. Mit meinen Bildern geht das nicht. Ich schneide direkt in der Kamera, und das war’s. Wenn ich fertig bin, bleibt nicht viel Film auf dem Boden liegen. ^{[ 68 ]}

Ford verabscheute Zoomobjektive und verbot sie grundsätzlich an seinen Sets, ebenso wie Kamerakräne . In seinem letzten Film, Chesty: A Tribute to a Legend , ist jedoch eine Zoomaufnahme zu sehen. ^{[ 69 ]}

Ford gewann insgesamt vier Oscars, alle in der Kategorie „ Beste Regie“ , für die Filme „Der Verräter“ (1935), „Früchte des Zorns“ (1940), „Schlagende Wetter“ (1941) und „Der Sieger“ (1952) – allesamt Western (in den beiden letztgenannten spielte auch Maureen O’Hara , „seine Lieblingsschauspielerin“). Für „Stagecoach “ (1939) war er ebenfalls als Bester Regisseur nominiert. Später führte er bei den Dokumentarfilmen „ Die Schlacht um Midway“ und „ 7. Dezember“ Regie , die beide den Oscar als Bester Dokumentarfilm gewannen , allerdings nicht an Ford selbst. Bis heute hält Ford den Rekord für die meisten Oscars als Bester Regisseur mit vier Auszeichnungen. William Wyler und Frank Capra folgen mit jeweils drei Oscars auf dem zweiten Platz. Ford war der erste Regisseur, der 1940 und 1941 den Oscar für die beste Regie in zwei aufeinanderfolgenden Jahren gewann. Diese Leistung wurde genau zehn Jahre später von Joseph L. Mankiewicz wiederholt , der 1950 und 1951 ebenfalls den Oscar für die beste Regie erhielt. Als Produzent wurde er zudem für seinen Film „Der Sieger “ (The Quiet Man) für den Oscar in der Kategorie „Bester Film“ ^nominiert . 1955 und 1957 wurde Ford vom George Eastman House mit dem George Eastman Award für seinen herausragenden Beitrag zur Filmkunst ausgezeichnet. 1973 erhielt er als Erster den Life Achievement Award des ^American Film Institute. ^Im selben Jahr wurde ihm von Präsident Richard Nixon die Freiheitsmedaille des Präsidenten verliehen .

Ford führte bei zehn verschiedenen Schauspielern Regie, die für einen Oscar nominiert wurden: Victor McLaglen, Thomas Mitchell, Edna May Oliver, Jane Darwell, Henry Fonda, Donald Crisp, Sara Allgood, Ava Gardner, Grace Kelly und Jack Lemmon. McLaglen, Mitchell, Darwell, Crisp und Lemmon gewannen jeweils einen Oscar für eine ihrer Rollen in einem von Fords Filmen.

1998 wurde in Portland, Maine , gegenüber dem ehemaligen Pub seines Vaters eine Statue von Ford enthüllt. Die von dem Künstler George Kelly geschaffene Statue ist von einer Gedenkstätte umgeben, die Fakten über Fords Leben und seine Filme enthält. ^{[ 71 ]}

Am 5. Dezember 1971 wurde auf dem Sender CBS eine Fernsehsendung mit Ford, John Wayne, James Stewart und Henry Fonda ausgestrahlt . Die Sendung trug den Titel „The American West of John Ford“ und enthielt Ausschnitte aus Fords Karriere, die mit Interviews von Wayne, Stewart und Fonda abgewechselt wurden. Die drei übernahmen auch abwechselnd die Moderation der einstündigen Dokumentation .

Im Jahr 2007 veröffentlichte Twentieth Century Fox die DVD-Box „Ford at Fox“ mit 24 Filmen von Ford. Richard Corliss vom Time Magazine kürte sie zu einer der „Top 10 DVDs des Jahres 2007“ und setzte sie auf Platz 1. ^{[ 72 ]}

2019 veröffentlichte Jean-Christophe Klotz den Dokumentarfilm „John Ford, l'homme qui inventa l'Amérique “ („Der Mann, der Amerika erfand“), der Fords Einfluss auf die Legende des amerikanischen Westens in Filmen wie „ Stagecoach “ (1939), „Früchte des Zorns“ (1940), „ Der Mann, der Liberty Valance erschoss“ (1962) und „Cheyenne Autumn “ (1964) beleuchtet. ^{[ 73 ]}

Das Academy Film Archive hat eine Reihe von Filmen von John Ford bewahrt, darunter „ Schlagende Wetter“ , „ Die Schlacht um Midway“ , „Trommeln am Mohawk“ , „Sex Hygiene“ , „Torpedo Squadron 8“ und „Vier Söhne “ . ^{[ 74 ]}

Bis 2024 wurden elf von Ford (mit-)regierte Filme in das National Film Registry aufgenommen , womit er mit Howard Hawks den Rekord für die meisten Einträge hält. ^{[ 75 ]}

In jungen Jahren vertrat Ford konventionelle progressive politische Ansichten; seine Lieblingspräsidenten waren die Demokraten Franklin D. Roosevelt und John F. Kennedy sowie der Republikaner Abraham Lincoln . ^{[ 76 ]} Trotz dieser Neigungen hielten ihn viele ^{[ 77 ] [ 78 ]} aufgrund seiner langjährigen Verbindung zu den Schauspielern John Wayne , James Stewart , Maureen O'Hara und Ward Bond für einen Republikaner .

Fords Haltung zum McCarthyismus in Hollywood wird in einer Geschichte von Joseph L. Mankiewicz deutlich . Eine Fraktion der Directors Guild of America unter der Führung von Cecil B. DeMille hatte versucht, die Unterzeichnung eines Treueeids für jedes Mitglied verpflichtend zu machen . Gegen Mankiewicz, den damaligen Präsidenten der Gilde, wurde eine Verleumdungskampagne geführt, in der ihm kommunistische Sympathien unterstellt wurden. Auf einer entscheidenden Sitzung der Gilde sprach DeMilles Fraktion vier Stunden lang, bis Ford sich gegen DeMille aussprach und ein Vertrauensvotum für Mankiewicz vorschlug, das angenommen wurde. Seine Worte wurden von einem Stenografen protokolliert.

Mein Name ist John Ford. Ich mache Western. Ich glaube, niemand hier im Raum weiß besser, was das amerikanische Publikum will, als Cecil B. DeMille – und er weiß ganz sicher, wie er es ihnen gibt … [blickt zu DeMille] Aber ich mag dich nicht, CB. Ich mag nicht, wofür du stehst, und ich mag nicht, was du heute Abend hier gesagt hast. ^{[ 79 ]}

Mankiewicz' Darstellung der Ereignisse wurde 2016 durch die Entdeckung des Gerichtsprotokolls, das als Teil des Mankiewicz-Archivs veröffentlicht wurde, infrage gestellt. Laut Mankiewicz' Bericht ist allein Ford für DeMilles Niedergang verantwortlich. Der Bericht enthält mehrere Ausschmückungen. DeMilles Entscheidung, Mankiewicz zu entlassen, löste einen Sturm der Entrüstung aus. DeMille sah sich während der gesamten Versammlung einem wahren Angriffssturm ausgesetzt und stand zeitweise kurz davor, aus dem Vorstand der Gilde ausgeschlossen zu werden.

An diesem Punkt erhob sich Ford, um das Wort zu ergreifen. Er begann damit, dass er den Vorstand verteidigen wolle. Er betonte, persönlich an der Vertrauensabstimmung für Joseph Mankiewicz beteiligt gewesen zu sein. Anschließend forderte er, die Politik innerhalb der Gilde zu beenden und sich stattdessen auf die Arbeitsbedingungen zu konzentrieren. Ford erklärte den Anwesenden, die Gilde sei gegründet worden, um sich „gegen Produzenten zu schützen“. Er wandte sich gegen die Verbreitung abfälliger Informationen über einen Regisseur, egal ob dieser Kommunist sei, seine Schwiegermutter schlage oder Hunde quäle. Ford wollte die Debatte und die Versammlung beenden, da ihm die Einheit der Gilde am Herzen liege. Er sagte, Mankiewicz sei verleumdet worden und verdiene eine Entschuldigung. Abschließend sprach er sich für DeMille aus und wehrte sich gegen weitere Rücktrittsforderungen. Fords Worte über DeMille lauteten: „Ich finde, einige der Anschuldigungen, die heute Abend hier erhoben wurden, sind ziemlich unamerikanisch. Eine Gruppe von Männern hat sich wohl den Doyen unseres Berufsstandes herausgepickt. Ich stimme CB DeMille nicht zu. Ich bewundere ihn. Ich mag ihn nicht, aber ich bewundere ihn. Alles, was er heute Abend gesagt hat, hatte er zu Recht. Ich höre nicht gern Anschuldigungen gegen ihn.“ Abschließend appellierte er eindringlich an die Mitglieder, DeMille im Amt zu behalten.

Ford befürchtete, DeMilles Ausscheiden könnte zum Zerfall des Gremiums führen. Daher veranlasste er den Rücktritt des gesamten Vorstands, was DeMille sein Gesicht bewahrte und eine außergerichtliche Einigung ermöglichte. Am nächsten Tag verfasste Ford einen Brief, in dem er DeMille unterstützte, und rief anschließend an. Darin bezeichnete er DeMille als „eine großartige Persönlichkeit“, die weit über diesem „verdammten Rattenrudel“ stehe.

In einer hitzigen und schwierigen Sitzung verteidigte Ford einen Kollegen, der von seinen Kollegen heftig angegriffen wurde. Er erkannte die Gefahren eines Ausschlusses von DeMille. Ford hielt der gesamten Sitzung die Stirn, um sicherzustellen, dass DeMille in der Gilde blieb. Später bot er – im Namen des gesamten Vorstands – seinen eigenen Rücktritt an, um den Zusammenbruch der Gilde zu verhindern und DeMille einen ehrenvollen Austritt zu ermöglichen. ^{[ 80 ]}

Später bekannte sich Ford öffentlich zur Republikanischen Partei und bezeichnete sich 1947 als „Republikaner aus Maine“. Er gab an, bei der US-Präsidentschaftswahl 1964 für Barry Goldwater gestimmt und 1968 Richard Nixon unterstützt zu haben. Zudem befürwortete er den Vietnamkrieg . 1973 wurde ihm von Präsident Nixon, dessen Wahlkampf er öffentlich unterstützt hatte, die Freiheitsmedaille verliehen. ^{[ 81 ]}

1952 hoffte Ford auf ein republikanisches Präsidentschaftsticket mit Robert Taft und Douglas MacArthur . ^{[ 82 ]} Als Dwight Eisenhower die Nominierung gewann, schrieb Ford an Taft, dass er wie „eine Million anderer Amerikaner natürlich bestürzt und verletzt über das Ergebnis des republikanischen Parteitags in Chicago “ sei. ^{[ 83 ]}

1966 unterstützte er Ronald Reagan bei dessen Gouverneurswahl und 1970 erneut bei dessen Wiederwahl . ^{[ 84 ]}

Der Ford-Experte Tag Gallagher behauptet, Ford sei „im Wesentlichen unpolitisch“ gewesen, merkt aber auch an, dass der Regisseur nach seinem ersten Irlandbesuch in den 1920er-Jahren zu einem glühenden Anhänger der Irisch-Republikanischen Armee ( IRA) wurde und diese bis zum Ende seiner Karriere finanziell unterstützte. ^{[ 2 ] : 29, 339}

Ford gilt weithin als einer der einflussreichsten Filmemacher Hollywoods. Flickside listete ihn als sechst einflussreichsten Regisseur aller Zeiten . ^{[ 85 ]} Im Folgenden sind einige Personen aufgeführt, die direkt von Ford beeinflusst wurden oder sein Werk sehr bewunderten:

• Georgi Avenarius – der Filmkritiker war ein sowjetischer Major und Leiter des UFA GmbH- Studios in Babelsberg im sowjetischen Berlin . Er gewährte Budd Schulberg und den Männern der OSS- Feldfotoabteilung Zugang zu Nazi-Wochenschauen und -Propaganda, nachdem er erfahren hatte, dass sie für Ford arbeiteten. ^{[ 86 ]}
• Ingmar Bergman ^{[ 5 ]} – sagte über Ford: „Der beste Regisseur der Welt“.
• Bahram Beyzai schrieb 1961 eine lobende Kritik zu Fords bekannteren Filmen, die in Massoud Farasatis 2014 erschienener Sammlung von Schriften von und über Ford in persischer Sprache enthalten ist ^{[ 87 ].}
• Peter Bogdanovich – Regie: John Ford (1971) ^{[ 5 ]}
• Frank Capra ^{[ 5 ]} – bezeichnete Ford als den „König der Regisseure“
• Michael Cimino ^{[ 88 ]}
• Pedro Costa – „Es lässt mich träumen und es lässt mich immer wieder zurückkehren. Ich habe mich so richtig gefühlt, als ich einen Film von John Ford sah und vor diesen Leuten stand. Es war wie ein Traum. Es war aber auch real.“
• Clint Eastwood
• Federico Fellini ^{[ 7 ]}
• Jean-Luc Godard ^{[ 89 ]} – verglich das Ende von The Searchers einmal mit „Odysseus wird mit Telemach wiedervereint “.
• Howard Hawks ^{[ 7 ]}
• Alfred Hitchcock ^{[ 7 ]} – „Ein John-Ford-Film war ein visueller Genuss“
• Elia Kazan ^{[ 90 ]}
• Satoshi Kon ließ sich für seinen Animationsfilm Tokyo Godfathers von Fords 3 Godfathers inspirieren , einer Variation von Fords Western, die im heutigen Tokio spielt.
• Stanley Kubrick ^{[ 91 ]}
• Akira Kurosawa ^{[ 92 ]} – „Ich habe John Ford von Anfang an respektiert. Selbstverständlich verfolge ich seine Produktionen aufmerksam und denke, dass ich von ihnen beeinflusst bin.“
• David Lean ließ sich für seinen Film Lawrence von Arabien von „ Der Schwarze Falke “ inspirieren.
• Sergio Leone
• George Lucas
• John Milius
• Sam Peckinpah
• Satyajit Ray ^{[ 93 ]} – „Ein Markenzeichen ist nie leicht zu beschreiben, aber die treffendste Beschreibung für Fords Markenzeichen wäre eine Kombination aus Stärke und Einfachheit. Das nächstliegende Äquivalent, das mir einfällt, ist ein musikalisches: Beethovens mittlere Schaffensperiode.“
• Jean Renoir ^{[ 5 ]} – Nachdem er Der Verräter gesehen hatte , soll er George Seaton gesagt haben : „Ich habe heute so viel gelernt ... Ich habe gelernt, wie man die Kamera nicht bewegt.“
• Martin Scorsese ^{[ 7 ]}
• Steven Spielberg ^{[ 5 ]} – Begegnete Ford einmal in den 1960er Jahren auf einem Studiogelände, ein Ereignis, das er in dem 2022 erschienenen Film The Fabelmans dramatisierte , mit David Lynch als Ford und Gabriel LaBelle als Sammy Fabelman , einer Figur, die lose auf Spielberg basiert und Ford in der Schlussszene trifft.
• Jean-Marie Straub lobte Ford als „den brechtischsten aller Filmemacher“.
• Bertrand Tavernier
• Andrei Tarkowski nannte Ford in einem Interview mit dem Kritiker Kazuo Yamada als einen seiner Lieblingsregisseure. ^{[ 94 ]}
• François Truffaut ^{[ 7 ]}
• John Wayne ^{[ 95 ]}
• Orson Welles ^{[ 5 ]} – Auf die Frage nach den Regisseuren, die ihn am meisten ansprachen, antwortete er: „Ich mag die alten Meister, womit ich John Ford, John Ford und John Ford meine.“
• Wim Wenders ^{[ 7 ]}

Ford wurde mit der Legion of Merit mit Combat "V" [ ^{96 ] [ 32 ] [ 97 ] [ 98 ] ,} dem Purple Heart [ ^{32 ] [ 97 ] ,} der Meritorious Service Medal ^{[ 96 ]} , der Air Medal ^{[ 32 ]} , der Navy and Marine Corps Commendation Medal mit Combat "V" ^{[ 96 ]} , dem Navy Combat Action Ribbon ^{[ 96 ], der Presidential Medal of Freedom [99][97][100]} , der China ^{Service Medal [ 96 ] , der American} Defense Service ^{Medal mit Servicestern} [ 96 ] [ 97 ^{] , der American Campaign} Medal [ ^{97 ] ,} der European -African-Middle Eastern Campaign Medal mit drei Kampagnensternen [ ^{96 ] [ 97 ] und} der Asiatic–Pacific Campaign Medal, ^ebenfalls mit drei Kampagnensternen, ^{[ 96 ] [97] ausgezeichnet . 97 ] [ 101 ]} die World War II Victory Medal , ^{[ 97 ]} die Navy Occupation Service Medal , ^{[ 96 ] [ 101 ]} die National Defense Service Medal mit Servicestern, ^{[ 96 ] [ 101 ]} die Korean Service Medal mit einem Kampagnenstern, ^{[ 96 ] [ 101 ]} die Naval Reserve Medal , ^{[ 97 ]} die Order of National Security Merit Samil Medal , ^{[ 96 ]} die United Nations Korea Medal , ^{[ 96 ] [ 101 ]}die Distinguished Pistol Shot Ribbon (1952–1959) , ^{[ 96 ]} und den Belgischen Leopoldsorden . ^{[ 96 ]}

• Liste der Filmkooperationen

• Koszarski, Richard. 1976. Hollywood Directors: 1914–1940 . Oxford University Press. Library of Congress Catalog Number: 76-9262.
• Jean-Loup Bourget, John Ford , Paris, Rivages, 1990.
• Cécile Gornet, L'Ecriture de l'histoire au miroir du cinéma. Les Westerns de John Ford , Paris, Classiques Garnier, Slg. „Recherches cinématographiques“ ( Nr ^. 1), 2017, 195 S.
• Bailey, John (12. August 2013). „Mein Morgen mit John Ford: Durch ein Pilsnerglas betrachtet“ . Johns Zuständigkeitsbereich . American Society of Cinematographers . Archiviert vom Original am 21. März 2015.

Offizielle Websites

• John Ford Irland

Archivmaterialien

• John-Ford-Papiere in der Lilly-Bibliothek der Indiana University Bloomington

Kritik

• „Ford Till '47“ von Tag Gallagher, bei Senses of Cinema
• „John Ford“ von Richard Franklin, auf Senses of Cinema
• Ford's Depth von Miguel Marías bei Rouge (Filmjournal)
• Die Eloquenz der Geste von Shigehiko Hasumi in Rouge (Filmzeitschrift)
• Der Einfluss der Westernmalerei und der Genremalerei auf die Filme von John Ford . Dissertation von William Howze, 1986.

Metadaten

• John Ford im Katalog des American Film Institute
• John Ford bei IMDb
• John Ford in der TCM Movie Database (archiviert)
• Ford-Biografie bei Yahoo! Movies
• John Ford Bibliografie auf Film.Virtual-History.com