Henri Rousseaus Gemälde „ Das Mahl des Löwen“ (um 1907, Metropolitan Museum of Art ) ist ein Beispiel für naive Kunst.

Naive Kunst wird üblicherweise als visuelle Kunst definiert , die von einer Person geschaffen wird, der die formale Ausbildung und das Training eines professionellen Künstlers (in Anatomie, Kunstgeschichte , Technik, Perspektive , Sehweisen) fehlt. [ 1 ] Wenn diese Ästhetik von einem ausgebildeten Künstler nachgeahmt wird, spricht man mitunter von Primitivismus , Pseudo-Naïve-Kunst [ 2 ] oder Pseudo -Naïve-Kunst . [ 3 ]

Anders als Volkskunst entstammt naive Kunst nicht zwangsläufig einem bestimmten populärkulturellen Kontext oder einer bestimmten Tradition; [ 1 ] tatsächlich war, zumindest in den fortgeschrittenen Volkswirtschaften und seit der Buchdruckrevolution , das Bewusstsein für die lokale Tradition der bildenden Kunst allgegenwärtig, da sie sich durch populäre Drucke und andere Medien verbreitete. Naive Künstler kennen zwar Konventionen der bildenden Kunst wie grafische Perspektive und Kompositionsregeln, können diese aber nicht vollständig anwenden oder entscheiden sich bewusst dagegen. Im Gegensatz dazu bezeichnet Outsider Art ( Art brut ) Werke aus einem ähnlichen Kontext, die jedoch nur minimalen Kontakt zur etablierten Kunstwelt haben.

Die naive Kunst ist für ihre kindliche Einfachheit und Offenheit bekannt und wird oft imitiert. [ 4 ] Gemälde dieser Art zeichnen sich typischerweise durch einen flächigen Malstil mit rudimentärer Perspektive aus. [ 5 ] Ein besonders einflussreicher Maler der naiven Kunst war Henri Rousseau (1844–1910), ein französischer Postimpressionist, der von Pablo Picasso entdeckt wurde .

Die Definition des Begriffs und seine Abgrenzung zu verwandten Begriffen wie Volkskunst und Outsider Art sind Gegenstand einiger Kontroversen. Naive Kunst bezeichnet üblicherweise Formen der bildenden Kunst wie Gemälde und Skulpturen, die von Autodidakten geschaffen wurden, während Gebrauchsgegenstände unter Volkskunst fallen . Diese Unterscheidung ist jedoch umstritten. [ 6 ] Ein weiterer Begriff, der insbesondere für Gemälde und Architektur verwendet wird, ist „provinziell“. Er bezeichnet im Wesentlichen Werke von Künstlern, die eine konventionelle Ausbildung genossen haben, deren Arbeiten aber unbeabsichtigt hinter den Standards der Metropole oder des Hofes zurückbleiben.

Eigenschaften

Alfred Wallis , 1942, vor der Arche Noah , Sammlung Zander
Niko Pirosmani , Hirsch , 1901

Während naive Kunst [ 7 ] (vor dem zwanzigsten Jahrhundert) oft als Außenseiterkunst von Leuten ohne formale (oder nur geringe) Ausbildung oder akademische Abschlüsse angesehen wurde, ist sie heute ein voll anerkanntes Kunstgenre, das in Kunstgalerien und Akademien weltweit vertreten ist.

Die Merkmale der naiven Kunst stehen in einem schwierigen Verhältnis zu den formalen Qualitäten der Malerei, insbesondere werden die drei Regeln der Perspektive (wie sie von den progressiven Malern der Renaissance definiert wurden ) nicht beachtet:

  1. Die Größe von Objekten nimmt proportional mit der Entfernung ab,
  2. Abschwächung der Farben mit zunehmender Entfernung
  3. Abnahme der Detailgenauigkeit mit zunehmender Entfernung,

Die Ergebnisse lauten:

  1. Auswirkungen der geometrisch fehlerhaften Perspektive (ungelenker Aspekt der Werke, Aussehen wie Kinderzeichnungen oder mittelalterliche Malerei, aber der Vergleich endet hier)
  2. Starker Einsatz von Mustern, unverfälschte Farben auf allen Ebenen der Komposition, ohne Abschwächung im Hintergrund,
  3. Die gleiche Sorgfalt wurde auch den Details gewidmet, einschließlich derjenigen des Hintergrunds, die schattiert werden sollten.

Einfachheit statt Subtilität gelten als vermeintliche Kennzeichen naiver Kunst. Sie hat sich jedoch zu einem so populären und wiedererkennbaren Stil entwickelt, dass viele Beispiele als pseudo-naiv bezeichnet werden könnten .

Während naive Kunst im Idealfall das Werk eines Künstlers beschreibt, der keine formale Ausbildung an einer Kunstschule oder Akademie erhalten hat , wie beispielsweise Henri Rousseau oder Alfred Wallis , beschreibt „pseudo-naive“ oder „falsch-naive“ Kunst das Werk eines Künstlers, der eher imitativ oder selbstbewusst arbeitet und dessen Werk eher als imitativ denn als originell angesehen werden kann.

Strenge Naivität ist bei zeitgenössischen Künstlern angesichts der zunehmenden Verbreitung des Autodidaktismus als Bildungsform in der Moderne unwahrscheinlich . Kategorisierungen in naive Kunst sind bei lebenden Künstlern nicht immer willkommen [ 8 ] [ 9 ] , doch dürfte sich dies ändern, sobald würdigende Merkmale bekannter werden. Museen, die sich der naiven Kunst widmen, gibt es mittlerweile in Kecskemét (Ungarn), Kovačica (Serbien), Riga (Lettland), Jaén (Spanien), Rio de Janeiro (Brasilien), Vicq und Paris (Frankreich).

Der Begriff „primitive Kunst“ wird oft für Kunst von Laien verwendet, historisch gesehen aber häufiger für Werke bestimmter Kulturen, die von der westlichen Wissenschaft als sozial oder technologisch „primitiv“ eingestuft wurden, wie beispielsweise die Kunst der indigenen Bevölkerung Nordamerikas, Subsahara-Afrikas oder der Pazifikinseln (siehe Stammeskunst ). Dies ist zu unterscheiden von der selbstreflexiven, vom „Primitiven“ inspirierten Bewegung des Primitivismus . Ein weiterer Begriff, der mit naiver Kunst verwandt, aber nicht völlig synonym ist, ist Volkskunst .

Es gibt auch die Begriffe „Naivismus“ und „Primitivismus“, die üblicherweise für professionelle Maler verwendet werden, die im Stil der naiven Kunst arbeiten (wie Paul Gauguin , Michail Larionow und Paul Klee ). [ 10 ]

Begriff und Kritik

In seinem Gedicht Au Cabaret-Vert, 5 heures du soir aus dem Jahr 1870 verwendet Arthur Rimbaud das Wort naïf , um „ungeschickte“ bildliche Darstellungen zu bezeichnen: „Ich betrachtete die sehr naiven Sujets des Wandteppichs“ , was vielleicht der Ursprung des naiven Gebrauchs durch Guillaume Apollinaire einige Zeit später ist.

In den letzten Jahren hat sich eine zunehmend kritische Sichtweise auf die verschiedenen, oft diskriminierenden Begriffe (z. B. „naive Kunst“, „ Outsider Art “, „primitive Kunst“) und die Trennung zwischen nicht-akademischer und akademischer Kunst entwickelt. Laut der Kunsthistorikerin und Kuratorin Susanne Pfeffer ist Künstlersein keine Wahl, sondern Schicksal; allein Herkunft, Geschlecht oder Klasse bestimmen, ob jemand Kunst studieren und somit gesellschaftlich als Künstler anerkannt werden kann. Kunst, die sich daher nicht innerhalb des etablierten Systems bewegt, wird von diesem in der Regel abgelehnt. Aufgrund der Definitionsmacht des Systems, die stets beim System und nicht bei den Künstlern selbst liegt, werden ausgrenzende Begriffe verwendet, die niemals inklusiv gemeint sind. [ 11 ]

Der Kunstkritiker Jerry Saltz plädiert für die Aufhebung der Trennung zwischen „Outsider Art“ und institutionalisierter, offizieller Kunst und für die Einbeziehung nicht-akademischer Kunst in die Präsentation ständiger Sammlungen großer Museen. Er fordert die Kanonisierung von Künstlern wie Hilma af Klint , Bill Traylor , Adolf Wölfli und John Kane , da ihre Diskriminierung ein falsches und unwahres Bild der Kunstgeschichte zeichnet . [ 12 ]

Roberta Smith , Kunstkritikerin der New York Times , plädiert ebenfalls für die Aufhebung der Trennung zwischen nicht-akademischer und akademischer Kunst und fordert Museen auf, nicht-akademische Kunst gleichberechtigt in ihre Sammlungspräsentationen zu integrieren. Smith verweist auf die herausragende künstlerische Qualität von Werken autodidaktischer Künstler, die eine Neubewertung des Kunstkanons des 20. Jahrhunderts erfordern. [ 13 ]

2023 und 2024 präsentierten das Sprengel Museum Hannover und die Kunstsammlungen Chemnitz die Ausstellung „Welche Moderne? In- und Outsider der Avantgarde“ , um die Sichtweise „naiver“ Künstler als „Außenseiter“ zu korrigieren und ihre enge Verbindung zur Avantgarde aufzuzeigen. [ 14 ] Die Ausstellung beschrieb „naive Kunst“ als Teil der Moderne und als ein stilistisches Phänomen von gleichem Status. „Naive“ Künstler folgten ihrem eigenen Stil, beeinflussten andere Künstler und wurden von ihnen beeinflusst. [ 15 ]

Bewegungen

Die Maler des Heiligen Herzens

Der deutsche Kunstsammler und -kritiker Wilhelm Uhde ist als Hauptorganisator der ersten Ausstellung naiver Kunst bekannt, die 1928 in Paris stattfand. Zu den Teilnehmern gehörten Henri Rousseau , André Bauchant , Camille Bombois , Séraphine Louis und Louis Vivin , die gemeinsam als die Maler des Heiligen Herzens bekannt sind.

Hlebine Schule

Der Begriff bezeichnet kroatische naive Maler, die ab etwa 1930 in und um das Dorf Hlebine nahe der ungarischen Grenze arbeiteten. Laut der World Encyclopedia of Naive Art (1984) bestand das Dorf zu dieser Zeit aus kaum mehr als „ein paar schlammigen, gewundenen Gassen und einstöckigen Häusern“, brachte aber eine so bemerkenswerte Anzahl von Künstlern hervor, dass es praktisch zum Synonym für jugoslawische naive Malerei wurde. [ 16 ]

Hlebine ist eine kleine, malerische Gemeinde im Norden Kroatiens, die in den 1920er Jahren zum Schauplatz für eine Gruppe autodidaktischer Bauern wurde, die einen einzigartigen und in gewisser Weise revolutionären Malstil entwickelten. Angestoßen wurde dies von führenden Intellektuellen der Zeit, wie dem Dichter Antun Gustav Matoš und dem bedeutendsten Namen der kroatischen Literatur, Miroslav Krleža , die einen eigenständigen, von westlichen Einflüssen unabhängigen nationalen Kunststil forderten. Diese Ideen wurden von dem bekannten Künstler Krsto Hegedušić aus Hlebine aufgegriffen , der 1930 die Kunstschule von Hlebine gründete, um einen nationalen „ländlichen künstlerischen Ausdruck“ zu finden. [ 17 ]

Ivan Generalić war der erste Meister der Hlebine-Schule und der erste, der einen unverwechselbaren persönlichen Stil entwickelte und in seiner Kunst ein hohes Niveau erreichte. [ 18 ]

Nach dem Zweiten Weltkrieg konzentrierte sich die nächste Generation der Hlebine-Maler vermehrt auf stilisierte, der Fantasie entsprungene Darstellungen des ländlichen Lebens. Generalić blieb die prägende Figur und förderte jüngere Künstler, darunter auch seinen Sohn Josip Generalić .

Die Hlebine-Schule erlangte mit der Biennale von Venedig 1952 und Ausstellungen in Brasilien und Brüssel weltweite Bekanntheit . [ 19 ]

Zu den bekanntesten naiven Künstlern zählen Dragan Gaži , Ivan Generalić , Maria Prymachenko , Josip Generalić , Krsto Hegedušić , Mijo Kovačić , Ivan Lacković-Croata , Franjo Mraz , Ivan Večenaj und Mirko Virius .

In der jüdischen Kunst

Im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert ließen sich mehrere jüdische Künstler in Israel von der antiken Kunst des Nahen Ostens beeinflussen und malten in einem Stil, der an die naive Kunst erinnerte. Moshe Mizrahi Shah , ein Rabbiner aus Teheran , der sich Ende des 19. Jahrhunderts in Safed niederließ , malte biblische Szenen, die sowohl von der antiken Kunst als auch von der Darstellung osteuropäischer Juden inspiriert waren. In den 1920er Jahren, als der Künstler Yitzhak Frenkel von der École de Paris nach Safed kam, wurde er von Shah beeinflusst und schuf Werke mit biblischen Szenen und Figuren, wie beispielsweise die Opferung Isaaks. Frenkels Werk wurde vom israelischen Kunsthistoriker Gideon Ofrat als eine „historische Begegnung zwischen Volkskunst und sogenannter ‚hoher‘ Kunst in Eretz Israel“ beschrieben. [ 20 ] [ 21 ] [ 22 ]

Künstler

Museen und Galerien

Siehe auch

Referenzen

  1. ^ a b Benedetti, Joan M. (19. April 2008). „Folk Art Terminology Revisited: Why It (Still) Matters“ . In: Roberto, KR (Hrsg.). Radical Cataloging: Essays at the Front . McFarland. S. 113. ISBN 978-1-4766-0512-8Die
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Weiterführende Literatur

  • Walker, John. „Naive Kunst“ . Glossar der Kunst, Architektur und des Designs seit 1945 , 3. Auflage. (Archivierter Link, 11. April 2012)
  • Bihalji-Merin, Oto (1959). Moderne Primitive: Meister der naiven Malerei . Übersetzt von Norbert Guterman. New York: Harry N. Abrams.
  • Fine, Gary Alan (2004). Alltagsgenie: Autodidaktisches Talent und die Kultur der Authentizität . Chicago, IL: University of Chicago Press. ISBN 978-0-226-24950-6Die