Tracey Moffatt

Tracey Moffatt AO (geboren am 12. November 1960) ist eine indigene australische Künstlerin, die hauptsächlich mit Fotografie und Video arbeitet. ^{[ 1 ]}

2017 vertrat sie Australien auf der 57. Biennale von Venedig mit ihrer Einzelausstellung „My Horizon“. ^{[ 2 ]} Ihre Werke befinden sich in den Sammlungen der Tate , ^{[ 3 ]} des Museum of Contemporary Art, Los Angeles , ^{[ 4 ]} der National Gallery of Australia , ^{[ 5 ]} der Art Gallery of South Australia ^{[ 6 ]} und der Art Gallery of New South Wales . ^{[ 7 ]}

Sie lebt in Sydney und hat zuvor in New York City gewohnt .

Obwohl sie vor allem für ihre fotografischen Arbeiten bekannt ist, hat Moffatt zahlreiche Filme, Dokumentationen und Videos geschaffen. Ihr Werk konzentriert sich häufig auf die australischen Aborigines und deren kulturelles und soziales Verständnis. ^{[ 8 ]}

Moffatt wurde 1960 in Brisbane als Tochter eines weißen Vaters und einer Aborigine- Mutter geboren . Im Alter von drei Jahren wurde sie aus ihrer Familie genommen und wuchs als älteste von drei Töchtern in einer weißen Familie auf, wobei sie oft mit der Betreuung ihrer Pflegeschwestern betraut war. ^{[ 9 ]}

Im Jahr 2020 wurde Moffatt die Ehrenmitgliedschaft der Royal Photographic Society verliehen . ^{[ 10 ]}

Moffatts erster Kurzfilm war „Nice Coloured Girls“ aus dem Jahr 1987. ^{[ 11 ]} Der 16-minütige Film erzählt die Geschichte dreier junger Aborigine-Frauen, die im Vergnügungsviertel King’s Cross in Sydney nach Vergnügen suchen. Er wird im Kontext der historischen Unterdrückung indigener Frauen durch weiße Männer präsentiert. Gail Mabo spielte in diesem Film mit und wirkte auch als Tänzerin und Choreografin in einem weiteren Kurzfilm Moffatts mit: „ Watch Out “ (1987). ^{[ 11 ]} „Something More“ (1989) , ein Auftragswerk des Murray Art Museum Albury und gedreht in den Link Studios in Wodonga, ist eine Fotoserie aus sechs farbintensiven Cibachrome-Abzügen und drei Schwarz-Weiß-Abzügen. Es handelt sich um eine mittlerweile ikonische Fotoserie ^{[ 12 ] , die Moffatt erstmals breite öffentliche Aufmerksamkeit verschaffte. [ 13 ]} Jede einzelne dieser Fotografien bedient sich filmischer Mittel, um eine, wie es heißt, „rätselhafte Erzählung einer jungen Frau zu konstruieren, die mehr vom Leben erwartet als die Umstände ihrer gewalttätigen Kindheit auf dem Land.“ ^{[ 14 ]} „Night Cries “ (1989) ^{[ 15 ]} ist einer von Moffatts bekanntesten Filmen. Inspiriert vom australischen Filmklassiker „ Jedda“ (1955) und mit ähnlicher Ästhetik wie „Something More“ erzählt er die Geschichte einer Aborigine-Frau, die gezwungen ist, ihre alternde weiße Mutter zu pflegen.

Moffatts Fotoserien „Pet Thang“ (1991) und „Laudanum“ (1998) ^{[ 16 ]} griffen die Themen von „Something More“ wieder auf und erkundeten vielschichtige und teils schwer verständliche Bezüge zu Fragen der Sexualität, Geschichte, Repräsentation und Ethnizität. Andere Bilderserien, insbesondere „ Scarred for Life“ (1994) ^{[ 17 ]} und „Scarred for Life II “ (1999) ^{[ 18 ]} , thematisierten diese Aspekte erneut, bezogen sich dabei aber auf den Fotojournalismus und die Fotoessays des Magazins „Life“ und versahen diese mit Bildunterschriften. Obwohl die Texte eindringlich sind, erklären sie die Bilder nicht; vielmehr tragen sie eher zu deren rätselhaftem Charakter bei, als ob weitere Informationen in eine Sackgasse führen würden. ^{[ 19 ]}

Im Laufe des folgenden Jahrzehnts wandte sich Moffatt in ihren Arbeiten zunehmend düsteren, gotischen Erzählungen zu. In „ Up in the Sky “ (1998) ^{[ 20 ]} nutzte die Künstlerin erneut eine sequentielle Erzählstruktur, doch anstatt Fantasy-Szenarien zu verwenden, wurde die Geschichte der australischen „ gestohlenen Generation “ – indigener Kinder, die im Rahmen einer Regierungspolitik ihren Familien entrissen und zwangsumgesiedelt wurden – im Outback von Queensland inszeniert und aufgeführt. Wie schon „Something More“ thematisiert auch „Up in the Sky“ Rassismus und Gewalt und präsentiert eine lose Erzählung vor dem Hintergrund einer abgelegenen Stadt, eines Ortes der Verwüstung und Zerstörung, bevölkert von Außenseitern und Randfiguren. Es handelt sich um eine von Moffatts größeren Fotoserien, deren visuelle Ideen von Pier Paolo Pasolinis italienischem Film „Accattone “ (1961) inspiriert sind . ^{[ 21 ]} Die Geschichte basiert auf einer Dreiecksbeziehung zwischen Menschen unterschiedlicher Herkunft. Über dieses Werk sagte Moffatt: „Meine Arbeit ist voller Emotionen und Dramatik, diese Dramatik kann man durch eine Erzählung erreichen, und meine Erzählungen sind normalerweise sehr einfach, aber ich verändere sie ... es gibt zwar eine Handlung, aber ... es gibt keinen traditionellen Anfang, keine traditionelle Mitte und kein traditionelles Ende.“ ^{[ 21 ]}

1997 veranstaltete Moffatt ihre „bis dato erste bedeutende Ausstellung“, die ihren künstlerischen Ruf international begründete, ^{[ 22 ]} in der Dia Art Foundation in den Vereinigten Staaten. Zu sehen waren zahlreiche Werke, darunter Up in the Sky (1997) und Heaven (1997).

Im Jahr 2000 zählte Moffatts Werk zu den Arbeiten von acht einzelnen oder kollaborativen indigenen australischen Künstlern, die in einer großen Ausstellung australischer indigener Kunst im renommierten Nikolaussaal der Eremitage in Russland gezeigt wurden. Die Ausstellung wurde von russischen Kritikern positiv aufgenommen; einer von ihnen schrieb:

Es handelt sich hier um eine Ausstellung zeitgenössischer Kunst, nicht im Sinne von kürzlich entstanden, sondern weil sie die Mentalität, Technologie und Philosophie radikaler Kunst der jüngsten Zeit widerspiegelt. Niemand außer den Aborigines Australiens hat es bisher geschafft, derartige Kunst in der Eremitage auszustellen. ^{[ 23 ]}

Moffatts Werk seit 2000 hat sich von konkreten Orten und Themen entfernt und beschäftigt sich zunehmend mit Ruhm und Prominenz. Ihre Serie „ Fourth“ (2001) zeigt Bilder von Sportlern der Olympischen Sommerspiele 2000, die in ihren jeweiligen Wettbewerben den vierten Platz belegten. Um ihren Außenseiterstatus zu unterstreichen, werden die Bilder so bearbeitet, dass nur der unrühmliche Viertplatzierte hervorgehoben wird.

Im Jahr 2003 wurde Moffatt vom Magazin Australian Art Collector zu einem der 50 begehrtesten Künstler des Landes gekürt. ^{[ 24 ]}

Die Adventure Series (2004) ist Moffatts freizügigste Fantasy-Serie. Sie nutzt gemalte Kulissen, Kostüme und Modelle (darunter die Künstlerin selbst), um ein seifenopernartiges Drama um Ärzte, Krankenschwestern und Piloten in tropischer Umgebung zu inszenieren. Under The Sign of Scorpio (2005) ist eine Serie von 40 Bildern, in denen die Künstlerin in die Rolle berühmter Frauen schlüpft, die – wie sie selbst – im Sternzeichen Skorpion geboren sind. Die Serie unterstreicht Moffatts anhaltendes Interesse an Prominenz, alternativen Persönlichkeiten und konstruierten Realitäten. In ihrer Portraits- Serie von 2007 untersucht Moffatt den Begriff der „Prominenz“ anhand von Personen aus ihrem unmittelbaren sozialen Umfeld – Familienmitgliedern, Künstlerkollegen, ihrem Galeristen – durch „glamouröse“ Darstellungen ihrer Gesichter mithilfe von Computertechnologie, sich wiederholenden Bildausschnitten und leuchtenden Farben.

2017 wurde Moffatt ausgewählt, Australien auf der Biennale in Venedig mit ihrer von Natalie King kuratierten Einzelausstellung „My Horizon“ zu vertreten . Die Ausstellung umfasste zwei Videos, „The White Ghosts Sailed In“ und „Vigil“ , sowie zwei Fotoserien, „ Body Remembers“ und „Passage“ . „My Horizon“ thematisiert Kolonialismus und Imperialismus in Australien und deren Auswirkungen auf die indigene Bevölkerung. Diese Biennale ist die erste seit 1997, auf der Australien durch eine indigene Künstlerin vertreten ist. ^{[ 25 ]}

Vom 28. Mai bis zum 24. Juli 2022 ist in der Galerie Ngununggula (was so viel wie „Zugehörigkeit“ bedeutet) in den Southern Highlands von New South Wales die Ausstellung „ Land Abounds “ zu sehen, die Werke der Brüder Abdul Abdullah und Abdul-Rahman Abdullah sowie Videoarbeiten von Moffatt zeigt . ^{[ 26 ] [ 27 ] [ 28 ]} Abdul-Rahman sagte:

Tracey Moffatt ist für uns beide eine Ikone. Sie hält uns einen Spiegel vor, der die uns allen vertraute gesellschaftliche Landschaft widerspiegelt und die Machtdynamiken offenlegt, die wir konsumieren und ausüben. Die Art und Weise, wie unsere Werke miteinander interagieren und aufeinander reagieren, schafft einen vielschichtigen Dialog, der immer wieder um die Themen Wahrnehmung und Macht kreist: Was bestimmt unsere Weltwahrnehmung, wie werden wir wahrgenommen und wie können wir selbstbestimmt an diesem Gefüge teilhaben?

Im Jahr 2024 schuf Moffatt die gotische Fotoserie „ The Burning “ aus acht Bildern, die erstmals in der Roslyn Oxley9 Gallery in Sydney, Australien, präsentiert wurde.

Moffatts Arbeiten im Bereich Film und Video umfassen Kurzfilme, experimentelle Videos und einen Spielfilm. Die Kurzfilme bedienen sich der stilistischen Merkmale des experimentellen Kinos – meist nicht-realistische Erzählszenarien, die oft in Studios gedreht werden und an ihre Fotografien erinnern. Frühe Werke wie „Nice Coloured Girls“ und „Night Cries“ verwenden zudem Soundmixe, die die Künstlichkeit der Settings verstärken, und greifen auf altbekannte Mittel des experimentellen Kinos zurück, wie etwa Feldaufnahmen und tiefe Töne, um Atmosphäre zu erzeugen. Ihre Montage-Videoarbeiten, die in Zusammenarbeit mit Gary Hillberg entstanden sind, darunter „ Lip“ (1999), „Artist“ (2000), „Love“ (2003), „DOOMED“ (2007) und „REVOLUTION“ (2008), nutzen die Cut-up- Technik, bei der Bilder aus bereits existierenden Quellen entnommen und zu ironischen Kommentaren über das Material neu zusammengeschnitten werden. „Artist“ beispielsweise kommentiert die klischeehafte Rolle des Künstlers im Hollywood-Kino, und „DOOMED“ remixt eine Sammlung von Zerstörungsszenen aus Katastrophenfilmen.

„Night Cries“ konzentriert sich vorwiegend auf eine Reihe beinahe statischer Vignetten und greift viele von Moffatts visuellen Motiven aus ihren Fotografien auf – Kulissen, nonverbale Darstellungen, ein eindringlicher Einsatz von Klang und Musik. In „Night Cries“ versucht Moffatt, den Bildern und Erzählungen ironische oder romantische Konnotationen gegenüberzustellen, beispielsweise durch die Verwendung von Jimmy Little . Sie verweist zudem explizit auf die australische Kunstgeschichte und zieht Parallelen zwischen der Geschichte der indigenen Bevölkerung und der Landschaftsdarstellung durch nicht-indigene Künstler, indem sie unter anderem Frederick McCubbins „ The Pioneer“ zitiert .

In dem Film erinnert Moffatt an die koloniale Vergangenheit der Aborigines und stellt sie dar. Der Film stellt Verbindungen zwischen den Aborigines und ihren Kolonisatoren her, indem er Systeme thematisiert, die von den Kolonisatoren genutzt wurden, um die Aborigines zu schädigen und zu benachteiligen. Im Film herrscht eine deutliche Spannung und es bestehen ambivalente Gefühle zwischen den Figuren – einer weißen Frau und einer Aborigine-Frau –, die Adoptivmutter und -tochter verkörpern. ^{[ 8 ]}

Moffatt nutzt verschiedene Aspekte der Kolonisierung der Aborigines, um den angerichteten Schaden und die schmerzhaften Ereignisse zu veranschaulichen und die Zuschauer an die koloniale Vergangenheit zu erinnern. ^{[ 29 ]}

Der Film „Bedevil“, der 1993 bei den Filmfestspielen von Cannes gezeigt wurde ^{[ 30 ]} , besteht aus drei in sich abgeschlossenen Erzählungen mit visuellen Motiven. In der ersten Geschichte schlüpft Mister Chuck Moffatt in die Rolle eines amerikanischen Soldaten, im zweiten Teil verbinden Eisenbahnschienen eine Reihe von Ereignissen, und im letzten Teil, „Lovin' the Spin“, verkörpert er einen Vermieter, der eine Familie aus ihrem Haus vertreibt. Die Bilder wurden teilweise von Erinnerungen an ihre Kindheit inspiriert.

In „Lip“ stellt Moffatt Ausschnitte aus Hollywoodfilmen zusammen, in denen schwarze Hausangestellte ihren Vorgesetzten widersprechen, um die im Mainstream-Kino oft anzutreffenden rassistischen Vorurteile aufzudecken. Der Film erzählt die Geschichte zweier Frauen, einer weißen und einer schwarzen. Die Handlung verdeutlicht den Konflikt zwischen der weißen Frau und ihrer schwarzen Hausangestellten und thematisiert die damit verbundenen rassistischen Spannungen. ^{[ 31 ]}

„Moffatt’s Artist“ ist eine Sammlung von Film- und Fernsehausschnitten, die Künstler bei der Arbeit, in der Freizeit und beim Schaffensprozess zeigen. Indem der Film die spezifische Voreingenommenheit von Fernsehen und Kino gegenüber der Rolle des Künstlers in der modernen Gesellschaft aufzeigt, spiegelt er die mitunter uninformierte, mitunter humorvolle Sichtweise der Gesellschaft auf Künstler wider.

Im Auftrag der 16. Biennale von Sydney im Jahr 2008 entstanden.

Moffatt wurde 2001 in die Victorian Honour Roll of Women aufgenommen. ^{[ 32 ]} Sie wurde 2016 im Rahmen der Australia Day Honours zum Officer of the Order of Australia ernannt . ^{[ 33 ]}

• Nette farbige Mädchen (1987)
• Vorsicht (1987)
• Moodeitj Yorgas (1988)
• Ein Gesichtswechsel (1988)
• Es liegt an dir (1989)
• Nachtschreie: Eine ländliche Tragödie (1990)
• Bedevil (1993)
• INXS: The Messenger (1993)
• Himmel (1997)
• Künstler (1999)
• Lippe (1999)
• Liebe (2003)
• VERDAMMT (2007)
• REVOLUTION (2008)
• Mutter (2009)
• Sonstige (2009)
• Die weißen Geister segelten herein (2017)
• Vigil (2017)

• Tracey Moffatt bei IMDb 
• Night Cries bei Oz Movies
• Tracey Moffatt in der Art Gallery of New South Wales
• Moffatt, Tracey in der Enzyklopädie der Frauen und Führung im Australien des 20. Jahrhunderts