Tragbare Kunst

Tragbare Kunst , auch bekannt als Artwear oder „Kunst zum Anziehen“ , bezeichnet Kunstwerke in Form von Kleidung oder Schmuck . ^{[ 1 ] : 12} Diese Stücke sind in der Regel handgefertigt und werden nur einmal oder in sehr kleinen Serien produziert. Kleidungsstücke werden oft aus Fasermaterialien und mit traditionellen Techniken wie Häkeln, Stricken und Quilten hergestellt, können aber auch Kunststofffolien, Metalle, Papier und andere Materialien enthalten. Obwohl die Herstellung von Kleidungsstücken oder anderen tragbaren Objekten in der Regel ästhetische Überlegungen mit sich bringt, impliziert der Begriff „ tragbare Kunst“ , dass das Werk als künstlerische Schöpfung oder Aussage wahrgenommen werden soll. Tragbare Kunst soll Aufmerksamkeit erregen, wenn sie ausgestellt, präsentiert oder in Performances verwendet wird . ^{[ 2 ]} Die Stücke können verkauft und ausgestellt werden.

Tragbare Kunst bewegt sich an der Schnittstelle von Handwerk, Mode und Kunst. ^{[ 1 ] : 12} Die moderne Idee der tragbaren Kunst scheint in verschiedenen Formen mehrfach aufgetaucht zu sein. Schmuckhistoriker identifizieren eine Bewegung tragbarer Kunst, die sich etwa von 1930 bis 1960 erstreckte. ^{[ 3 ]} Textil- und Kostümhistoriker sehen die Bewegung tragbarer Kunst in den 1960er Jahren aufblühen ^{[ 4 ]} und sie von der Arts-and-Crafts-Bewegung der 1850er Jahre ableiten . ^{[ 1 ]}

In den 1970er Jahren gewann die Bewegung an Bedeutung, angetrieben von der Hippie- und Mod -Subkultur sowie parallel zu Craftivism , Textilkunst und feministischer Kunst . Künstlerinnen und Künstler, die sich dieser Bewegung zugehörig fühlen, sind überwiegend Frauen. ^{[ 1 ] : 8} Ende der 1990er Jahre verschwamm die Grenze zwischen tragbarer Kunst und Mode, ^{[ 5 ] : 142} und in den 2000er und 2010er Jahren wurden neue Materialien wie Elektronik integriert. ^{[ 6 ]}

Die Bewegung der tragbaren Kunst knüpft an die Arts-and-Crafts-Bewegung an, die Kunst in den Alltag und in Gebrauchsgegenstände integrieren wollte. Sorgfältig handgefertigte Kleidung galt als Mittel zur Selbstdarstellung und darüber hinaus als Strategie, um der Entmachtung von Modekonsumenten und -designern durch Massenproduktion entgegenzuwirken.

Der Begriff „tragbare Kunst“ entstand um 1975, um tragbare Kunstwerke von Körperkunst und Performancekunst abzugrenzen. Er wurde neben den Begriffen „Artwear“ und „Kunst zum Tragen“ verwendet. ^{[ 1 ] : 22} Diese Kunstbewegung, die vorwiegend in den Vereinigten Staaten aufgrund finanzieller und bildungspolitischer Förderung entstand, fand weltweit Resonanz in der Textilkunst und der feministischen Kunst.

In den Vereinigten Staaten lassen sich die Wurzeln der Wearable-Art-Bewegung bis zur amerikanischen Kunsthandwerks-Renaissance des frühen 20. Jahrhunderts zurückverfolgen . Diese knüpfte an verschiedene Strömungen an, die Kunst und Handwerk vereinen und Kunsthandwerker und Künstler stärken wollten, wie beispielsweise den Japonismus , den Jugendstil , die Wiener Secession und später das Bauhaus . ^{[ 5 ] : 173} Während und kurz nach dem Zweiten Weltkrieg gründeten wohlhabende Mäzene Bildungs- und Museumseinrichtungen, insbesondere den American Craft Council und das Museum of Contemporary Crafts , um die Erneuerung der Kunsthandwerksausbildung zu fördern. Dies ermöglichte es Kunsthandwerkern, ihren Lebensunterhalt zu verdienen und neue Generationen auszubilden. So lehrte beispielsweise die berühmte Bauhaus-Weberin Anni Albers ab 1938 Weberei am Black Mountain College , bevor sie von 1960 bis 1976 den Fachbereich Kunsthandwerk am California College of Arts and Crafts leitete. ^{[ 5 ] : 173}

Kunsthochschulen spielten eine entscheidende Rolle in der Entwicklung der Art-to-Wear-Bewegung. Ende der 1960er-Jahre begann eine Gruppe von Studierenden der Cranbrook Academy of Art und des Pratt Institute ^{[ 5 ] :2,} Textiltechniken in ihre Designprojekte zu integrieren. Zu ihnen zählten mehrere wichtige Persönlichkeiten der Art-to-Wear-Bewegung, darunter die Designerin Jean Cacicedo . ^{[ 7 ]} Die bekanntesten Galerien, die tragbare Kunst förderten, waren Obiko (1972 von Sandra Sakata ^{[ 8 ]} gegründet ) in San Francisco und Julie: Artisans' Gallery (1973 von Julie Schafler-Dale gegründet ) in New York. ^{[ 5 ]}

Da Kunsthandwerk und Kunstausbildung außerhalb der Vereinigten Staaten stärker voneinander getrennt sind, ist es schwieriger, tragbare Kunst als eigenständige Kunstrichtung zu identifizieren. Das erneute Interesse an traditionellen Textilhandwerken wie der Shibori-Färbetechnik weckte jedoch das Interesse von Künstlern weltweit. ^{[ 1 ]}

Japan spielte in den 1970er und 1980er Jahren durch die Arbeiten von Designern wie Rei Kawakubo, Issey Miyake und Yohji Yamamoto eine bedeutende Rolle bei der Definition tragbarer Kunst. ^{[ 9 ]} Wissenschaftler beschreiben diese Designer als Teil einer „Anti-Mode“-Bewegung, die Kleidungsstücke in konzeptuelle und skulpturale Formen verwandelte. ^{[ 10 ] [ 11 ]}

In ganz Afrika vereinen tragbare Kunsttraditionen seit jeher ästhetische, zeremonielle, spirituelle und politische Funktionen. Perlenstickerei, Textilkunst und Körperschmuck vermitteln oft Identität, sozialen Status, Abstammung und religiöse Bedeutung. ^{[ 12 ]}

Europäische Designer leisteten im späten 20. und frühen 21. Jahrhundert einen bedeutenden Beitrag zur Entwicklung konzeptioneller und tragbarer Mode. Designerinnen wie Iris van Herpen wurden für ihre skulpturalen Kleidungsstücke bekannt, die 3D-Druck, digitale Fertigung und unkonventionelle Materialien einbezogen. Museumsausstellungen beschrieben ihre Arbeit als Verschmelzung von „künstlerischem Ausdruck, Handwerkskunst und Kreativität“. ^{[ 13 ]} Der Designer Alexander McQueen entwickelte theatralische Laufstegpräsentationen, die häufig als Formen der Performancekunst beschrieben werden. Das Metropolitan Museum of Art stellte fest, dass seine Arbeit die Mode „über den reinen Nutzen hinaus zu einem konzeptionellen Ausdruck von Kultur, Politik und Identität“ erweiterte. ^{[ 14 ]}

Tragbare Kunst verlor Ende der 1990er-Jahre als eigenständige Bewegung an Bedeutung. Gründe hierfür waren die Konkurrenz der Industrie, die Massenproduktion von Individualisierungen ermöglichte, die Abwanderung von Künstlern hin zur Haute Couture oder zur Produktion von Kleinserien sowie die weltweite Verfügbarkeit handgefertigter Kleidung. ^{[ 5 ]} Zeitgenössische Ansätze tragbarer Kunst konzentrieren sich mitunter auf die Integration von Technologien in Kleidungsstücke ^{[ 15 ]} , die Nutzung neuer Fertigungstechniken zur Erweiterung möglicher Silhouetten, wie beispielsweise bei Iris Van Herpen ^{[ 16 ]} und Damselfrau , die Wiederentdeckung von Motiven aus der Kunstwelt in der Haute Couture, wie etwa in der Herbstkollektion 2015 von Viktor & Rolf ^{[ 17 ]} , oder die Verwendung von Werken in der Performancekunst, wie beispielsweise Nick Caves Soundsuits. ^{[ 18 ]} Darüber hinaus hinterfragen Werke aus der Modewelt mit provokanten Stücken die Alltagskleidung. Ein Beispiel hierfür ist „Trashion“ , bei dem Künstler aus Müll extravagante Kunstkleidungsstücke kreieren. ^{[ 19 ] [ 20 ]}

Obwohl tragbare Kunst alle möglichen Materialien und Formen verwenden kann, die man trägt, gibt es Trends bei den Techniken und Arten der hergestellten Stücke, die auf deren Möglichkeiten für Künstler zurückzuführen sind.

Häkeln, Sticken, Stricken, Spitzenklöppeln, Quilten und Filzen sind gängige Techniken für tragbare Kunstwerke. Häkeln blieb bis Ende der 1960er-Jahre eine Kunstform, die vorwiegend von Hausfrauen ausgeübt wurde. Dann begannen neue Künstlerinnen und Künstler, mit freihändigem Häkeln zu experimentieren. Diese Technik erlaubte es ihnen, beliebige Formen zu gestalten und Farben frei einzusetzen, ohne sich an eine Vorlage halten zu müssen. ^{[ 21 ]} Die Arbeiten von Janet Lipkin aus den 1970er- und 1980er-Jahren sind ein gutes Beispiel für diese Technik. ^{[ 22 ] [ 23 ]} Auch maschinelles Stricken erfreute sich aufgrund der Möglichkeit, komplexe Strickmuster schnell herzustellen, großer Beliebtheit, wie die Arbeiten von Susanna Lewis belegen .

Mit der Weiterentwicklung tragbarer Computertechnologie verschmelzen immer miniaturisierte und stilisierte Geräte zunehmend mit der Ästhetik tragbarer Kunst. Energiesparende mobile Computer ermöglichen den komplexen und subtilen Einsatz von lichtemittierenden und farbwechselnden flexiblen Materialien sowie Hightech-Geweben. Einige Vertreter der Steampunk- Bewegung haben aufwendige Kostüme und Accessoires geschaffen, die einen pseudo-viktorianischen Stil mit moderner Technologie und Materialien verbinden.

Zwei wiederkehrende Formen der Art-to-Wear-Bewegung waren der Kimono und der Umhang. ^{[ 1 ]} Der Kimono ermöglicht es, ein Stück Stoff schnell in ein Kleidungsstück zu verwandeln. Der Umhang ist ähnlich einfach herzustellen und bietet vielfältige Möglichkeiten für Performances. Das Buch „Cut my cote“, das Schnittmuster historischer Volkskleidung präsentiert, hatte einen starken Einfluss auf die Art-to-Wear-Bewegung der 1970er Jahre.

Einige moderne Künstler und Architekten des 20. Jahrhunderts strebten danach, Körperschmuck – also Schmuck – auf die Ebene der bildenden Kunst und des originellen Designs zu erheben, anstatt ihn lediglich als Dekoration, handwerkliche Fertigung traditioneller Designs oder konventionelle Fassungen zur Zurschaustellung teurer Steine ​​oder Edelmetalle zu betrachten. Schmuck wurde von Surrealisten, Kubisten, abstrakten Expressionisten und anderen modernistischen Künstlern der mittleren Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts verwendet. ^{[ 3 ]}

Tragbare Kunstwerke können getragen oder für Aufführungen entworfen werden, und auch Künstler und Bildhauer, die mit Fasern oder anderen Materialien arbeiten, können tragbare Stücke kreieren. Die Grenzen tragbarer Kunst sind daher fließend, abgesehen von der Selbstidentifikation der Künstler innerhalb einer bestimmten Bewegung oder Künstlergemeinschaft.

Das „Elektrische Kleid“ beispielsweise ist ein zeremonielles, kimonoartiges Hochzeitskostüm, das hauptsächlich aus verschiedenfarbigen, elektrifizierten und bemalten Glühbirnen besteht, die in einem Gewirr von Drähten verwoben sind. Es wurde 1956 von der japanischen Gutai- Künstlerin Atsuko Tanaka geschaffen . Dieses extreme Kleidungsstück ähnelte einem Bühnenkostüm und war ausschließlich für Aufführungen konzipiert. ^{[ 24 ]} Ähnlich verhielt es sich mit Nam June Paiks Performance „ TV Bra for Living Sculpture“ von 1969 , bei der Charlotte Moorman Cello spielte und dabei einen BH trug , der aus zwei kleinen, betriebsbereiten Fernsehgeräten bestand.

• Das Museum für Kunst und Design veranstaltet seit 1965 Ausstellungen zum Thema tragbare Kunst.
• Kunst zum Tragen, 1979, San Francisco Museum of Modern Art
• Art to Wear, 1987, Museum of Contemporary Art Cleveland
• Artwear: Fashion and Anti-fashion, 2005, De Young Memorial Museum in San Francisco
• Off the Wall: Amerikanische Kunst zum Anziehen, 2019-2020, Philadelphia Museum of Art

• Die World of Wearable Art Awards finden seit 1987 jährlich statt und werden von Suzie Moncrieff geleitet . ^{[ 25 ]}
• Australian Wearable Art Festival, das seit 2019 jährlich stattfindet.

• Das Fiberworks Art Center for Textile Arts, gegründet 1973, wurde 1987 in Berkeley geschlossen.
• Welt-Shibori-Netzwerk
• Welttextilkunst

• Modeaccessoires
• Steampunk
• Tragbare Computer

• World of WearableArt Awards Show – internationaler Designwettbewerb, der jährlich in Wellington, Neuseeland, stattfindet.
• Die Wearable Art Awards – ein jährlich in Port Moody, Kanada, stattfindender Wettbewerb für tragbare Kunst.
• Der Wettbewerb für tragbare Kunst findet jährlich in Alice Springs im Rahmen des Alice Desert Festivals statt.