Edvard Munch

Edvard Munch ( / m ʊ ŋ k / MUUNK ; ^{[ 1 ]} Norwegisch: [ˈɛ̀dvɑɖ ˈmʊŋk] (12. Dezember 1863 – 23. Januar 1944) war ein norwegischer Maler. Sein Werk „ Der Schrei“ aus dem Jahr 1893 zählt zu den bekanntesten und gefeiertsten Bildern der gesamtenwestlichen Kunst.

Seine Kindheit war von Krankheit, Trauer und der Angst vor einer erblichen psychischen Erkrankung überschattet. Während seines Studiums an der Königlichen Kunsthochschule in Kristiania (Oslo) begann Munch unter dem Einfluss des Nihilisten Hans Jæger ein unkonventionelles Leben zu führen . Jæger drängte ihn, seinen eigenen emotionalen und psychischen Zustand in der Malerei auszudrücken („ Seelenmalerei “); daraus entwickelte sich sein unverwechselbarer Stil.

Reisen eröffneten ihm neue Einflüsse und Ausdrucksmöglichkeiten. In Paris lernte er viel von Paul Gauguin , Vincent van Gogh und Henri de Toulouse-Lautrec , insbesondere deren Umgang mit Farbe. In Berlin begegnete er dem schwedischen Dramatiker August Strindberg , den er porträtierte, während er eine bedeutende Gemäldeserie begann, die er später „Der Lebensfries“ nennen sollte . Darin schildert er eine Reihe tief empfundener Themen wie Liebe, Angst, Eifersucht und Verrat in dicht gewebter Atmosphäre.

Der Schrei entstand in Kristiania. Munch zufolge war er bei Sonnenuntergang spazieren, als er „den gewaltigen, unendlichen Schrei der Natur“ vernahm. Das gequälte Gesicht des Gemäldes wird weithin mit der Angst des modernen Menschen in Verbindung gebracht. Zwischen 1893 und 1910 schuf er zwei gemalte Versionen und zwei Pastellzeichnungen sowie eine Reihe von Drucken. Eines der Pastellbilder erzielte schließlich den vierthöchsten jemals für ein Gemälde auf einer Auktion gezahlten Nominalpreis . ^{[ 2 ]}

Mit wachsendem Ruhm und Reichtum blieb sein seelisches Gleichgewicht instabil. Er dachte kurz an Heirat, konnte sich aber nicht binden. Ein Nervenzusammenbruch im Jahr 1908 zwang ihn, dem Alkohol zu entsagen, und er freute sich über die zunehmende Akzeptanz in Kristiania und die Ausstellung seiner Werke in den städtischen Museen. Seine letzten Jahre verbrachte er in Ruhe und Abgeschiedenheit. Obwohl seine Werke im von den Nazis besetzten Europa verboten waren , überstanden die meisten den Zweiten Weltkrieg und sicherten ihm so sein Vermächtnis.

Edvard Munch zeigte schon früh ein bemerkenswertes Zeichentalent, erhielt aber nur eine minimale formale künstlerische Ausbildung. Einen entscheidenden Einfluss auf seine künstlerische Entwicklung hatte seine Verbindung zur Kristiania Bohème – einem progressiven Kreis von Schriftstellern und Künstlern in Kristiania (dem früheren Namen von Oslo). Die Mitglieder der Gruppe propagierten die freie Liebe und lehnten die engstirnigen Konventionen der bürgerlichen Gesellschaft offen ab. Unter den etablierteren Malern dieses Kreises gab Christian Krohg Munch wertvolle Anregungen und förderte ihn kontinuierlich. ^{[ 3 ]}

Edvard Munch war im Bereich der Grafik und Druckgrafik äußerst aktiv und schuf ein umfangreiches Werk in Tiefdrucktechniken – wie Radierung , Kaltnadelradierung und Aquatinta – auf Kupferplatten. Ab 1894 wandte er sich dem direkten Kupferstich zu und schuf , weitgehend autodidaktisch und ohne formale Ausbildung, zahlreiche Meisterwerke in diesem Medium. ^{[ 4 ] [ 5 ] [ 6 ]}

Edvard Munch wurde 1863 in einem Bauernhaus im Dorf Ådalsbruk in Løten , Norwegen , als Sohn von Laura Catherine Bjølstad und Christian Munch, dem Sohn eines Priesters, geboren. Christian war Arzt und Offizier und heiratete 1861 Laura, die halb so alt war wie er. Edvard hatte eine ältere Schwester, Johanne Sophie, und drei jüngere Geschwister: Peter Andreas, Laura Catherine und Inger Marie. Laura war künstlerisch begabt und förderte möglicherweise Edvard und Sophie. Edvard war mit dem Maler Jacob Munch und dem Historiker Peter Andreas Munch verwandt . ^{[ 7 ]}

Die Familie zog 1864 nach Oslo (damals Christiania, 1877 in Kristiania umbenannt), als Christian Munch zum Arzt der Festung Akershus ernannt wurde . 1868 starb Edvards Mutter an Tuberkulose . Munchs Lieblingsschwester Johanne Sophie starb 1877 im Alter von 15 Jahren ebenfalls an Tuberkulose. ^{[ 8 ]} Nach dem Tod ihrer Mutter wurden die Munch-Geschwister von ihrem Vater und ihrer Tante Karen aufgezogen. Da Edvard oft die Winter über krank war und nicht zur Schule gehen konnte, zeichnete er, um sich zu beschäftigen. Er wurde von seinen Schulkameraden und seiner Tante unterrichtet. Christian Munch unterrichtete seinen Sohn auch in Geschichte und Literatur und unterhielt die Kinder mit lebhaften Geistergeschichten und den Erzählungen des amerikanischen Schriftstellers Edgar Allan Poe . ^{[ 9 ]}

Wie Edvard sich erinnerte, wurde Christians positives Verhalten gegenüber seinen Kindern von seinem krankhaften Pietismus überschattet . Munch schrieb: „Mein Vater war von Natur aus nervös und zwanghaft religiös – bis hin zur Psychoneurose . Von ihm erbte ich den Samen des Wahnsinns. Die Engel der Angst, der Trauer und des Todes standen mir seit meiner Geburt zur Seite.“ ^{[ 10 ]} Christian tadelte seine Kinder, indem er ihnen sagte, ihre Mutter schaue vom Himmel herab und betrauere ihr Fehlverhalten. Die Obsessionen des Vaters, Edvards schlechte Gesundheit und die lebhaften Geistergeschichten trugen zu seinen makabren Visionen und Albträumen bei; er spürte, dass der Tod ständig nahte. ^{[ 11 ]} Eine von Munchs jüngeren Schwestern, Laura, wurde schon früh mit einer psychischen Erkrankung diagnostiziert. Von den fünf Geschwistern heiratete nur Andreas, doch er starb wenige Monate nach der Hochzeit. Munch schrieb später: „Ich habe zwei der schrecklichsten Feinde der Menschheit geerbt – das Erbe der Schwindsucht und des Wahnsinns .“ ^{[ 12 ]}

Christian Munchs Sold beim Militär war sehr niedrig, und seine Versuche, sich nebenbei eine private Praxis aufzubauen, scheiterten, sodass seine Familie in bescheidenen Verhältnissen, aber ständiger Armut lebte. ^{[ 8 ]} Sie zogen häufig von einer billigen Wohnung zur nächsten. Munchs frühe Zeichnungen und Aquarelle zeigten diese Interieurs und einzelne Gegenstände wie Medizinflaschen und Zeichenutensilien sowie einige Landschaften. Bereits als Teenager dominierte die Kunst Munchs Interessen. ^{[ 13 ]} Mit 13 Jahren kam Munch im neu gegründeten Kunstverein zum ersten Mal mit anderen Künstlern in Kontakt, wo er die Werke der norwegischen Landschaftsmaler bewunderte. Er kehrte zurück, um die Gemälde zu kopieren, und begann bald darauf selbst mit Ölfarben zu malen. ^{[ 14 ]}

Teils aufgrund der psychischen Probleme und der Einweisung seiner Schwester Laura Catherine in eine Anstalt, teils aufgrund des damals vorherrschenden Glaubens an erblichen Wahnsinn, äußerte Edvard Munch oft seine Angst, selbst wahnsinnig zu werden. ^{[ 15 ]} Kritiker seiner Kunst warfen ihm ebenfalls Wahnsinn vor und verwendeten diesen Begriff in einem rein abwertenden Sinne. Als sein Gemälde „ Das kranke Kind“ 1886 erstmals in Oslo ausgestellt wurde, umringten Gustav Wentzel und andere junge Realisten Munch und beschimpften ihn als „Wahnsinnigen“. Ein anderer Kritiker, Johan Scharffenberg, erklärte, da Munch aus einer „verrückten Familie“ stamme, sei auch seine Kunst „wahnsinnig“. ^{[ 16 ]} Später in seinem Leben wurden bei ihm eine bipolare Störung , Depressionen und Schizophrenie diagnostiziert . ^{[ 17 ]} Munch zeigte auch Alkoholismus , ein Merkmal, das häufig mit Impulsivität bei Borderline-Persönlichkeitsstörungen einhergeht . ^{[ a ]}

1879 schrieb sich Munch an einer technischen Hochschule ein , um Ingenieurwesen zu studieren, wo er sich in Physik , Chemie und Mathematik auszeichnete . Er erlernte das Zeichnen nach Maßstab und Perspektive, doch häufige Krankheiten unterbrachen sein Studium. ^{[ 18 ]} Im folgenden Jahr verließ Munch, sehr zum Leidwesen seines Vaters, die Hochschule mit dem festen Entschluss, Maler zu werden. Sein Vater betrachtete die Kunst als ein „unheiliges Gewerbe“, und seine Nachbarn reagierten verbittert und schrieben ihm anonyme Briefe. ^{[ 19 ]} Im Gegensatz zum fanatischen Pietismus seines Vaters nahm Munch eine undogmatische Haltung gegenüber der Kunst ein. Er schrieb sein Ziel in sein Tagebuch: „In meiner Kunst versuche ich, mir das Leben und seinen Sinn zu erklären.“ ^{[ 18 ]}

1881 schrieb sich Munch an der Königlichen Kunst- und Designschule in Kristiania ein, deren Gründer unter anderem sein entfernter Verwandter Jacob Munch war . Zu seinen Lehrern zählten der Bildhauer Julius Middelthun und der naturalistische Maler Christian Krohg . ^{[ 20 ]} In diesem Jahr bewies Munch in seinen ersten Porträts, darunter eines seines Vaters und sein erstes Selbstporträt, wie schnell er die Aktzeichnungen an der Akademie erlernte. 1883 nahm Munch an seiner ersten öffentlichen Ausstellung teil und teilte sich ein Atelier mit anderen Studenten. ^{[ 21 ]} Sein Ganzkörperporträt von Karl Jensen-Hjell, einem berüchtigten Lebemann, rief die vernichtende Kritik eines Experten hervor: „Das ist Impressionismus bis zum Äußersten. Das ist eine Travestie der Kunst.“ ^{[ 22 ]} Munchs Aktgemälde aus dieser Zeit sind, mit Ausnahme des „ Stehenden Akts“ (1887), nur als Skizzen erhalten. Möglicherweise wurden sie von seinem Vater konfisziert. ^{[ 23 ]}

Der Impressionismus inspirierte Munch schon in jungen Jahren. ^{[ 24 ]} In diesen frühen Jahren experimentierte er mit vielen Stilen, darunter Naturalismus und Impressionismus. Einige seiner frühen Werke erinnern an Manet . Viele dieser Versuche brachten ihm negative Kritik der Presse und ständige Ermahnungen seines Vaters ein, der ihm dennoch regelmäßig kleine Geldbeträge für seinen Lebensunterhalt zukommen ließ. ^{[ 22 ]} Irgendwann jedoch, möglicherweise beeinflusst von der negativen Meinung von Munchs Cousin Edvard Diriks (einem etablierten, traditionellen Maler), zerstörte Munchs Vater mindestens ein Gemälde (wahrscheinlich einen Akt) und verweigerte ihm jegliche weitere finanzielle Unterstützung für Künstlerbedarf. ^{[ 25 ]}

Munch zog sich auch den Zorn seines Vaters zu, wegen seiner Beziehung zu Hans Jæger , dem ortsansässigen Nihilisten, der nach dem Motto „Eine Leidenschaft zu zerstören ist auch eine schöpferische Leidenschaft“ lebte und Selbstmord als ultimativen Weg zur Freiheit propagierte. ^{[ 26 ]} Munch geriet in dessen bösartigen, systemkritischen Bann. „Meine Ideen entwickelten sich unter dem Einfluss der Bohemiens , genauer gesagt unter Hans Jæger. Viele haben fälschlicherweise behauptet, meine Ideen seien unter dem Einfluss von Strindberg und den Deutschen entstanden … aber das ist falsch. Sie waren bereits damals ausgereift.“ ^{[ 27 ]} Im Gegensatz zu vielen anderen Bohemiens war Munch zu dieser Zeit noch respektvoll gegenüber Frauen, zurückhaltend und wohlerzogen, doch er begann, sich dem exzessiven Trinken und den Schlägereien seines Freundeskreises hinzugeben. Die sexuelle Revolution jener Zeit und die unabhängigen Frauen in seinem Umfeld beunruhigten ihn. Später wurde er in Bezug auf sexuelle Angelegenheiten zynisch , was sich nicht nur in seinem Verhalten und seiner Kunst, sondern auch in seinen Schriften ausdrückte, beispielsweise in einem langen Gedicht mit dem Titel „ Die Stadt der freien Liebe“ . ^{[ 28 ]}

Nach zahlreichen Experimenten kam Munch zu dem Schluss, dass die impressionistische Bildsprache nicht genügend Ausdrucksmöglichkeiten bot. Er empfand sie als oberflächlich und zu sehr an wissenschaftliche Experimente angelehnt. Er verspürte das Bedürfnis, tiefer zu gehen und Situationen voller emotionaler Intensität und Ausdruckskraft zu erforschen. Auf Jægers Aufforderung hin, „sein Leben zu schreiben“, womit er meinte, seinen eigenen emotionalen und psychischen Zustand zu erforschen, begann der junge Künstler eine Phase der Reflexion und Selbstprüfung und hielt seine Gedanken in seinem „Seelentagebuch“ fest. ^{[ 29 ]} Diese tiefere Perspektive trug dazu bei, dass er seine Kunst neu betrachtete. Er schrieb, dass sein Gemälde „ Das kranke Kind “ (1886), das auf dem Tod seiner Schwester basiert, sein erstes „Seelengemälde“ und sein erster Bruch mit dem Impressionismus war. Das Gemälde stieß bei Kritikern und seiner Familie auf Ablehnung und löste einen weiteren „heftigen Ausbruch moralischer Empörung“ in der Öffentlichkeit aus. ^{[ 30 ]}

Nur sein Freund Christian Krohg verteidigte ihn:

Er malt, oder besser gesagt, betrachtet die Dinge anders als andere Künstler. Er sieht nur das Wesentliche, und das ist natürlich auch alles, was er malt. Deshalb sind Munchs Bilder in der Regel „nicht vollendet“, wie die Leute so gerne selbst feststellen. Oh doch, sie sind vollendet. Sein vollendetes Werk. Kunst ist vollendet, wenn der Künstler wirklich alles gesagt hat, was ihn bewegt hat, und genau darin liegt Munchs Vorteil gegenüber Malern der anderen Generation: Er versteht es, uns zu zeigen, was er gefühlt und was ihn bewegt hat, und dem ordnet er alles andere unter. ^{[ 31 ]}

Munch verwendete in den 1880er und frühen 1890er Jahren weiterhin verschiedene Pinseltechniken und Farbpaletten, während er um die Definition seines Stils rang. ^{[ 32 ]} Seine Bildsprache schwankte weiterhin zwischen naturalistischen Elementen , wie im Porträt des Hans Jæger , und impressionistischen , wie in Rue Lafayette . Sein Gemälde Inger am Strand (1889), das erneut für Aufsehen und Kontroversen sorgte, deutet bereits die vereinfachten Formen, die kräftigen Konturen, die scharfen Kontraste und die emotionale Tiefe seines späteren, reifen Stils an. ^{[ 33 ]} Er begann, seine Kompositionen sorgfältig zu kalkulieren, um Spannung und Emotionen zu erzeugen. Obwohl er stilistisch von den Postimpressionisten beeinflusst war , entwickelte sich ein Sujet mit symbolistischem Inhalt, das eher einen Geisteszustand als die äußere Realität darstellte. 1889 präsentierte Munch seine erste Einzelausstellung mit nahezu all seinen bis dahin entstandenen Werken. Die dadurch erlangte Anerkennung führte zu einem zweijährigen staatlichen Stipendium für ein Studium in Paris bei dem französischen Maler Léon Bonnat . ^{[ 34 ]}

Munch scheint einer der ersten Kritiker der Fotografie als Kunstform gewesen zu sein und bemerkte, dass sie „niemals mit Pinsel und Palette konkurrieren wird, bis man im Himmel oder in der Hölle fotografieren kann!“ ^{[ 35 ]}

Munchs jüngere Schwester Laura war das Thema seines 1899 entstandenen Gemäldes „Melancholie: Laura“ . Amanda O’Neill sagt über das Werk: „In dieser beklemmenden, klaustrophobischen Szene schildert Munch nicht nur Lauras Tragödie, sondern auch seine eigene Angst vor dem Wahnsinn, den er möglicherweise geerbt hat.“ ^{[ 36 ]}

Munch kam während der Feierlichkeiten zur Weltausstellung 1889 nach Paris und teilte sich ein Zimmer mit zwei norwegischen Künstlerkollegen. Sein Gemälde „ Morgen“ (1884) wurde im norwegischen Pavillon ausgestellt. ^{[ 37 ]} Er verbrachte seine Vormittage in Bonnats geschäftigem Atelier (in dem auch weibliche Modelle arbeiteten) und seine Nachmittage auf der Ausstellung, in Galerien und Museen (wo von den Studenten erwartet wurde, dass sie Kopien anfertigten, um Technik und Beobachtungsgabe zu erlernen). ^{[ 38 ]} Munch zeigte sich wenig begeistert von Bonnats Zeichenunterricht – „Es ermüdet und langweilt mich – es ist betäubend“ –, genoss aber die Kommentare des Meisters während der Museumsbesuche. ^{[ 39 ] [ 40 ]}

Munch war fasziniert von der Fülle moderner europäischer Kunst, darunter die Werke dreier Künstler, die ihn maßgeblich beeinflussen sollten: Paul Gauguin , Vincent van Gogh und Henri de Toulouse-Lautrec – allesamt bekannt für ihren ausdrucksstarken Umgang mit Farbe. ^{[ 40 ]} Besonders Gauguins „Reaktion gegen den Realismus“ und sein Credo, dass „Kunst menschliches Werk und keine Nachahmung der Natur“ sei, inspirierten Munch. Diese Ansicht hatte bereits Whistler vertreten . ^{[ 41 ]} Ein Berliner Freund sagte später über Munch: „Er muss nicht nach Tahiti reisen, um das Ursprüngliche der menschlichen Natur zu sehen und zu erfahren. Er trägt sein eigenes Tahiti in sich.“ ^{[ 42 ]} Beeinflusst von Gauguin sowie den Radierungen des deutschen Künstlers Max Klinger experimentierte Munch mit dem Druckgrafikverfahren, um grafische Versionen seiner Werke zu schaffen. 1896 fertigte er seine ersten Holzschnitte an – ein Medium, das sich als ideal für Munchs symbolische Bildsprache erwies. ^{[ 43 ]} Zusammen mit seinem Zeitgenossen Nikolai Astrup gilt Munch als ein Innovator der Holzschnitttechnik in Norwegen. ^{[ 44 ]}

Im Dezember 1889 starb sein Vater und hinterließ Munchs Familie mittellos. Er kehrte nach Hause zurück und arrangierte einen großzügigen Kredit von einem wohlhabenden norwegischen Sammler, nachdem ihm reiche Verwandte nicht helfen konnten. Fortan übernahm er die finanzielle Verantwortung für seine Familie. ^{[ 45 ]} Christians Tod deprimierte ihn, und er wurde von Selbstmordgedanken geplagt: „Ich lebe mit den Toten – meiner Mutter, meiner Schwester, meinem Großvater, meinem Vater … Bring dich um, dann ist alles vorbei. Wozu leben?“ ^{[ 46 ]} Munchs Gemälde des folgenden Jahres umfassten skizzenhafte Wirtshausszenen und eine Reihe farbenfroher Stadtansichten, in denen er mit dem pointillistischen Stil von Georges Seurat experimentierte . ^{[ 47 ]}

Bis 1892 hatte Munch seinen charakteristischen und originellen synthetistischen Stil entwickelt, wie er in „Melancholie “ (1891) zum Ausdruck kommt, in dem die Farbe das symbolträchtige Element ist. „Melancholie“, das vom Künstler und Journalisten Christian Krohg als erstes symbolistisches Gemälde eines norwegischen Künstlers angesehen wurde, wurde 1891 auf der Herbstausstellung in Oslo gezeigt. ^{[ 48 ]} 1892 lud Adelsteen Normann im Namen des Berliner Künstlerverbands Munch zu dessen Novemberausstellung ein ^{[ 49 ] –} der ersten Einzelausstellung des Verbands. Seine Gemälde lösten jedoch heftige Kontroversen aus (die als „Munch-Affäre“ bekannt wurden), und die Ausstellung wurde nach einer Woche geschlossen. ^{[ 49 ]} Munch war über den „großen Wirbel“ erfreut und schrieb in einem Brief: „Nie habe ich mich so amüsiert – es ist unglaublich, dass etwas so Unschuldiges wie die Malerei solchen Aufruhr auslösen konnte.“ ^{[ 50 ]}

In Berlin knüpfte Munch Kontakte zu einem internationalen Kreis von Schriftstellern, Künstlern und Kritikern, darunter der schwedische Dramatiker und Intellektuelle August Strindberg , den er 1892 porträtierte. ^{[ 51 ]} Er lernte auch den dänischen Schriftsteller und Maler Holger Drachmann kennen, den er 1898 malte . Drachmann war 17 Jahre älter als Munch und 1893/94 ein Trinkkumpan im Gasthaus „Zum schwarzen Ferkel “. ^{[ 52 ]} 1894 schrieb Drachmann über Munch: „Er kämpft hart. Viel Glück bei deinen Kämpfen, einsamer Norweger.“ ^{[ 53 ]}

Während seiner vier Jahre in Berlin skizzierte Munch die meisten Ideen für sein Hauptwerk, den Lebensfries , der ursprünglich als Buchillustration gedacht war, später aber in Gemälden umgesetzt wurde. ^{[ 54 ]} Er verkaufte nur wenige seiner Werke, verdiente aber einiges durch Eintrittsgelder für die Besichtigung seiner kontroversen Gemälde. ^{[ 55 ]} Munch begann, Farbtropfen in seinen Bildern zuzulassen, wie erstmals subtil in der gemalten Version von „Am Sterbebett“ (1895) zu sehen war. Dieser Effekt entstand durch die Verwendung stark verdünnter Farbe und das bewusste Hinzufügen von Tropfen. ^{[ 56 ]} Anfangs war dieser Effekt nur an den Rändern seiner Werke sichtbar, später rückten die Tropfen jedoch stärker in die Mitte, wie in „Am Sterbebett“ (1915) zu sehen ist. Der Effekt verlaufender Farbe wurde später von vielen Künstlern übernommen.

Seine anderen Gemälde, darunter Casinoszenen, zeigen eine Vereinfachung von Form und Detail, die seinen frühen reifen Stil prägte. ^{[ 57 ]} Munch begann auch, einen flachen Bildraum und einen minimalistischen Hintergrund für seine frontalen Figuren zu bevorzugen. Da die Posen so gewählt wurden, dass sie die überzeugendsten Darstellungen von Gemütszuständen und psychischen Zuständen erzeugten, wie in „ Die Asche“ , verleihen die Figuren eine monumentale, statische Qualität. Munchs Figuren scheinen Rollen auf einer Theaterbühne zu spielen ( Tod im Krankenzimmer ), deren Pantomime aus starren Haltungen verschiedene Emotionen symbolisiert; da jede Figur eine einzige psychologische Dimension verkörpert, wie in „Der Schrei“ , begannen Munchs Männer und Frauen symbolischer als realistisch zu wirken. Er schrieb: „Es sollten keine Interieurs mehr gemalt werden, Menschen, die lesen, und Frauen, die stricken: Es sollten lebende Menschen sein, die atmen und fühlen, leiden und lieben.“ ^{[ 58 ]}

Der Schrei existiert in vier Versionen: zwei Pastellen (1893 und 1895) und zwei Gemälde (1893 und 1910). Außerdem existieren mehrere Lithografien des Schreis (ab 1895). ^{[ 59 ]}

Das Pastellgemälde von 1895 wurde am 2. Mai 2012 für 119.922.500 US-Dollar (einschließlich Provision ) versteigert . Es ist die farbenprächtigste der Versionen ^{[ 60 ]} und zeichnet sich durch die nach unten blickende Haltung einer Figur im Hintergrund aus. Es ist zudem die einzige Version, die sich nicht in der Sammlung eines norwegischen Museums befindet. ^{[ 61 ]}

Die Version von 1893 wurde 1994 aus der Nationalgalerie in Oslo gestohlen und wiedergefunden. Das Gemälde von 1910 wurde 2004 aus dem Munch-Museum in Oslo entwendet, aber 2006 mit geringen Schäden wiedergefunden. ^{[ 62 ]}

Der Schrei ist Munchs berühmtestes Werk und eines der bekanntesten Gemälde der gesamten Kunstgeschichte. Es wurde vielfach als Ausdruck der universellen Angst des modernen Menschen interpretiert. ^{[ 58 ]} Gemalt mit breiten Streifen greller Farben und stark vereinfachten Formen und aus einer erhöhten Perspektive, reduziert es die gequälte Figur auf einen bekleideten Schädel im Würgegriff einer emotionalen Krise.

Mit diesem Gemälde erreichte Munch sein erklärtes Ziel, „die Seele zu erforschen, das heißt, mich selbst zu erforschen“. ^{[ 63 ]} Munch schrieb über die Entstehung des Gemäldes: „Ich ging mit zwei Freunden die Straße entlang, als die Sonne unterging; plötzlich färbte sich der Himmel blutrot. Ich blieb stehen und lehnte mich an den Zaun, unsagbar erschöpft. Feuer- und Blutzungen zogen sich über den blauschwarzen Fjord. Meine Freunde gingen weiter, während ich zitternd vor Angst zurückblieb. Da hörte ich den gewaltigen, unendlichen Schrei der Natur.“ ^{[ 64 ]} Später beschrieb er die persönliche Qual, die hinter dem Gemälde steckte: „Mehrere Jahre lang war ich fast wahnsinnig … Kennen Sie mein Bild ‚Der Schrei‘? Ich war am Ende meiner Kräfte – die Natur schrie in meinem Blut … Danach gab ich die Hoffnung auf, jemals wieder lieben zu können.“ ^{[ 65 ]}

Im Jahr 2003 schrieb die Kunsthistorikerin Martha Tedeschi im Vergleich des Gemäldes mit anderen großen Werken:

Whistlers „Mutter“ , Woods „ American Gothic“ , Leonardo da Vincis „ Mona Lisa“ und Edvard Munchs „ Der Schrei“ haben etwas erreicht, was den meisten Gemälden – ungeachtet ihrer kunsthistorischen Bedeutung, Schönheit oder ihres monetären Wertes – nicht gelingt: Sie vermitteln fast jedem Betrachter unmittelbar eine spezifische Bedeutung. Diese wenigen Werke haben den Übergang vom elitären Kreis der Museumsbesucher zum breiten Publikum der Popkultur erfolgreich geschafft. ^{[ 66 ]}

Im Dezember 1893 fand in der Galerie Unter den Linden in Berlin eine Ausstellung von Munchs Werken statt, die unter anderem sechs Gemälde mit dem Titel „ Studie für eine Serie: Liebe“ zeigte . Dies war der Beginn eines Zyklus, den er später „ Lebensfries – Ein Gedicht über Leben, Liebe und Tod“ nannte . Motive des Lebensfrieses , wie etwa „Sturm und Mondschein“ , sind von tiefer Atmosphäre durchdrungen. Andere Motive beleuchten die nächtliche Seite der Liebe, wie beispielsweise „Rose und Amélie“ und „Liebe und Schmerz“ . In „Tod im Krankenzimmer“ thematisiert er den Tod seiner Schwester Sophie, ein Motiv, das er in zahlreichen späteren Variationen wieder aufgriff. Der dramatische Fokus des Gemäldes, das seine gesamte Familie darstellt, wird durch die einzelnen, voneinander getrennten Figuren der Trauer aufgelöst. 1894 erweiterte er das Spektrum der Motive um „Angst“ , „Asche“ , „Madonna“ und „Frauen in drei Stadien (von der Unschuld bis zum Alter)“. ^{[ 69 ]}

Um die Jahrhundertwende zum 20. Jahrhundert arbeitete Munch an der Fertigstellung des „Frieses“. Er malte mehrere Bilder, einige davon in größerem Format und teilweise im Stil des Jugendstils . Für das große Gemälde „Metabolismus “ (1898), ursprünglich „Adam und Eva“ genannt, fertigte er einen Holzrahmen mit geschnitzten Reliefs an . Dieses Werk offenbart Munchs Auseinandersetzung mit dem Sündenfall und seine pessimistische Liebesphilosophie. Motive wie „ Das leere Kreuz “ und „Golgatha“ (beide um 1900 ) zeugen von einer metaphysischen Ausrichtung und spiegeln Munchs pietistische Erziehung wider. Der gesamte Fries wurde erstmals 1902 auf der Secessionsausstellung in Berlin gezeigt . ^{[ 70 ]}

Die Motive des „Lebensfrieses“ kehren in Munchs Werk immer wieder, doch konzentrierte er sich besonders Mitte der 1890er Jahre darauf. In Skizzen, Gemälden, Pastellen und Drucken schöpfte er aus den Tiefen seiner Gefühle, um seine zentralen Motive zu untersuchen: die Lebensabschnitte, die Femme fatale, die Hoffnungslosigkeit der Liebe, Angst, Untreue, Eifersucht, sexuelle Demütigung und die Trennung in Leben und Tod. ^{[ 71 ]} Diese Themen finden Ausdruck in Gemälden wie „Das kranke Kind “ (1885), „Liebe und Schmerz“ (umbenannt in „Vampir“ , 1893–94), „Asche“ (1894) und „Die Brücke“ . Letzteres zeigt schlaffe Gestalten mit gesichtslosen oder verborgenen Gesichtern, über denen sich die bedrohlichen Umrisse schwerer Bäume und düsterer Häuser erheben. Munch porträtierte Frauen entweder als gebrechliche, unschuldige Leidende (siehe Pubertät und Liebe und Schmerz ) oder als Ursache großer Sehnsucht, Eifersucht und Verzweiflung (siehe Trennung , Eifersucht und Asche ).

Munch nutzte häufig Schatten und Farbringe um seine Figuren, um eine Aura der Furcht, Bedrohung, Angst oder sexuellen Intensität zu erzeugen. ^{[ 72 ]} Diese Gemälde wurden als Spiegelbild der sexuellen Ängste des Künstlers interpretiert, obwohl man auch argumentieren könnte, dass sie sein turbulentes Verhältnis zur Liebe selbst und seinen allgemeinen Pessimismus hinsichtlich der menschlichen Existenz widerspiegeln. ^{[ 73 ]} Viele dieser Skizzen und Gemälde entstanden in mehreren Versionen, wie beispielsweise „Madonna“ , „Hände“ und „Pubertät“ , und wurden auch als Holzschnitte und Lithografien reproduziert. Munch trennte sich nur ungern von seinen Gemälden, da er sein Werk als einheitliches Ausdrucksmittel betrachtete. Um seine Produktion zu vermarkten und Einnahmen zu erzielen, wandte er sich daher der Grafik zu, um viele seiner Gemälde, darunter auch jene dieser Serie, zu reproduzieren. ^{[ 74 ]} Munch räumte zwar die persönlichen Ziele seiner Arbeit ein, stellte seine Kunst aber auch in den Dienst eines höheren Zwecks: „Meine Kunst ist eigentlich ein freiwilliges Bekenntnis und der Versuch, mir selbst meine Beziehung zum Leben zu erklären – sie ist daher tatsächlich eine Art Egoismus, aber ich hoffe ständig, dass ich dadurch anderen helfen kann, Klarheit zu erlangen.“ ^{[ 75 ]}

Obwohl Munch zunächst auf heftige Ablehnung stieß, begann man in den 1890er Jahren, seine künstlerischen Ziele etwas zu verstehen. Ein Kritiker schrieb: „Mit rücksichtsloser Verachtung für Form, Klarheit, Eleganz, Vollständigkeit und Realismus malt er mit intuitiver Talentkraft die subtilsten Visionen der Seele.“ ^{[ 76 ]} Einer seiner größten Förderer in Berlin war Walther Rathenau , der spätere deutsche Außenminister , der maßgeblich zu seinem Erfolg beitrug.

Obwohl mehr als die Hälfte seiner Gemälde Landschaften darstellen, wird Munch selten als Landschaftsmaler wahrgenommen. Dabei war er von einigen Naturelementen fasziniert, was zu wiederkehrenden Motiven in seinem Werk führte. Sowohl die Küste als auch der Wald sind wichtige Schauplätze in Munchs Schaffen. Die Ausstellung „ Edvard Munch: Bebende Erde“ im Clark Art Institute widmet sich Munchs Verwendung der Natur zur Vermittlung von Emotionen .

1896 zog Munch nach Paris, wo er sich der grafischen Darstellung seiner Lebensfries- Themen widmete. Er entwickelte seine Holzschnitt- und Lithografietechnik weiter. Munchs Selbstporträt mit Skelettarm (1895) entstand in der von Paul Klee angewandten Radierungstechnik mit Nadel und Tusche . ^{[ 77 ]} Munch schuf außerdem mehrfarbige Versionen von „Das kranke Kind“ , das sich mit Tuberkulose auseinandersetzt und sich gut verkaufte, sowie mehrere Akte und verschiedene Versionen von „Der Kuss “ (1892). ^{[ 77 ]} Im Mai 1896 veranstaltete Siegfried Bing in seinem Maison de l’Art Nouveau eine Ausstellung von Munchs Werken . Die Ausstellung umfasste 60 Arbeiten, darunter „Der Kuss“, „Der Schrei“, „Madonna“, „Das kranke Kind“, „Die Todeskammer“ und „Der Tag danach“. Bings Ausstellung trug dazu bei, Munch dem französischen Publikum vorzustellen. ^{[ 78 ]} Trotzdem hielten viele Pariser Kritiker Munchs Werk weiterhin für „gewalttätig und brutal“, obwohl seine Ausstellungen große Beachtung fanden und gut besucht waren. ^{[ 79 ]} Seine finanzielle Lage verbesserte sich deutlich, und 1897 kaufte sich Munch ein Sommerhaus mit Blick auf die Fjorde von Kristiania, eine kleine Fischerhütte aus dem späten 18. Jahrhundert, in der norwegischen Kleinstadt Åsgårdstrand . Er nannte dieses Haus sein „Glückliches Haus“ und kehrte in den folgenden 20 Jahren fast jeden Sommer dorthin zurück. ^{[ 80 ]} Diesen Ort vermisste er, wenn er im Ausland war und sich niedergeschlagen und erschöpft fühlte. „In Åsgårdstrand zu spazieren ist wie zwischen meinen Gemälden zu wandeln – ich werde hier so inspiriert zum Malen.“

1897 kehrte Munch nach Kristiania zurück, wo er ebenfalls nur widerwillig Anerkennung fand – ein Kritiker schrieb: „Viele dieser Bilder wurden schon früher ausgestellt. Meiner Meinung nach gewinnen sie mit der Zeit an Wirkung.“ ^{[ 80 ]} 1899 begann Munch eine intime Beziehung mit Tulla Larsen, einer emanzipierten Frau aus der Oberschicht. Sie reisten gemeinsam nach Italien, und nach ihrer Rückkehr begann für Munch eine weitere produktive Schaffensperiode, die Landschaften und sein letztes Gemälde der Serie „Der Lebensfries“, „ Der Tanz des Lebens“ (1899), umfasste. ^{[ 82 ]} Larsen wünschte sich eine Heirat, Munch jedoch nicht. Sein Alkoholkonsum und sein schlechter Gesundheitszustand verstärkten seine Ängste, wie er in der dritten Person schrieb: „Seit seiner Kindheit hatte er die Ehe gehasst. Sein krankes und von Unruhe geprägtes Elternhaus hatte ihm das Gefühl gegeben, kein Recht zu haben zu heiraten.“ ^{[ 83 ]} Munch wäre beinahe Tulla nachgegeben, floh aber 1900 vor ihr, wandte sich auch von ihrem beträchtlichen Vermögen ab und zog nach Berlin. ^{[ 83 ]} Sein Gemälde „Mädchen am Steg“ , das in 18 verschiedenen Versionen entstand, thematisierte die weibliche Jugend ohne negative Konnotationen. ^{[ 74 ]} 1902 stellte er seine Werke thematisch in der Halle der Berliner Secession aus und erzielte damit „eine symphonische Wirkung – es sorgte für großes Aufsehen – viel Ablehnung – und viel Zustimmung“. ^{[ 84 ]} Die Berliner Kritiker begannen Munchs Werk zu schätzen, obwohl es dem Publikum weiterhin fremd und seltsam erschien.

Die positive Berichterstattung brachte Munch die Aufmerksamkeit der einflussreichen Förderer Albert Kollmann und Max Linde ein . In seinem Tagebuch beschrieb er die Wendung der Ereignisse: „Nach 20 Jahren des Kampfes und des Elends eilen mir in Deutschland endlich gute Kräfte zu Hilfe – und eine helle Tür öffnet sich für mich.“ ^{[ 85 ]} Trotz dieser positiven Wendung führten Munchs selbstzerstörerisches und unberechenbares Verhalten ihn zunächst in einen heftigen Streit mit einem anderen Künstler und dann zu einem versehentlichen Schuss in Gegenwart von Tulla Larsen, die zu einer kurzen Versöhnung zurückgekehrt war. Dabei verletzte er sich an zwei Fingern. Als Folge des Schusses und der darauffolgenden Ereignisse zersägte Munch später ein Selbstporträt, das ihn und Larsen zeigte, in zwei Hälften. ^{[ 86 ]} Schließlich verließ sie ihn und heiratete einen jüngeren Kollegen Munchs. Munch empfand dies als Verrat und grübelte noch einige Zeit über die Demütigung nach. Einen Teil der Bitterkeit verarbeitete er in neuen Gemälden. ^{[ 87 ]} Seine Gemälde Stillleben (Die Mörderin) und Der Tod von Marat I. , entstanden 1906–07, nehmen eindeutig Bezug auf den Schusswaffenvorfall und dessen emotionale Nachwirkungen. ^{[ 88 ]}

1903/04 stellte Munch in Paris aus, wo die aufstrebenden Fauvisten , berühmt für ihre kühnen, künstlichen Farben, seine Werke vermutlich sahen und sich davon inspirieren ließen. Als die Fauves 1906 ihre eigene Ausstellung veranstalteten, wurde Munch eingeladen und stellte seine Werke zusammen mit ihren aus. ^{[ 89 ]} Nach dem Studium der Skulpturen Rodins experimentierte Munch möglicherweise mit Plastilin als Gestaltungsmittel, schuf aber nur wenige Skulpturen. ^{[ 90 ]} In dieser Zeit erhielt Munch zahlreiche Aufträge für Porträts und Druckgrafiken, die seine sonst prekäre finanzielle Lage verbesserten. ^{[ 91 ]} 1906 malte er die Bühnenwand für ein Ibsen- Stück im kleinen Kammerspiele-Theater im Berliner Deutschen Theater , in dem der Lebensfries hing. Der Theaterdirektor Max Reinhardt verkaufte ihn später; er befindet sich heute in der Berliner Nationalgalerie . ^{[ 92 ]} Nach einer früheren Phase der Landschaftsmalerei wandte er sich 1907 wieder menschlichen Figuren und Situationen zu. ^{[ 93 ]}

Im Herbst 1908 verschlimmerte sich Munchs Angstzustand, verstärkt durch übermäßigen Alkoholkonsum und Schlägereien. Wie er später schrieb: „Mein Zustand grenzte an Wahnsinn – es stand Spitz auf Knopf.“ ^{[ 94 ]} Geplagt von Halluzinationen und Verfolgungswahn, begab er sich in die Klinik von Daniel Jacobson. Die Therapie , die Munch in den folgenden acht Monaten erhielt, umfasste Diät und „Elektrisierung“ (eine damals gängige Behandlungsmethode bei Nervenleiden, nicht zu verwechseln mit der Elektrokrampftherapie ). ^{[ 95 ]} Munchs Klinikaufenthalt stabilisierte seine Persönlichkeit, und nach seiner Rückkehr nach Norwegen im Jahr 1909 wurden seine Werke farbenfroher und weniger pessimistisch. Zu seiner weiteren Aufhellung fand die Bevölkerung von Kristiania schließlich Gefallen an seinen Werken, und Museen begannen, seine Gemälde zu erwerben. Er wurde für seine Verdienste um die Kunst zum Ritter des Königlichen St.-Olav-Ordens geschlagen. ^{[ 96 ]} Seine erste amerikanische Ausstellung fand 1912 in New York statt. ^{[ 97 ]}

Im Rahmen seiner Genesung riet Jacobson Munch, sich nur mit engen Freunden zu treffen und in der Öffentlichkeit keinen Alkohol zu trinken . Munch befolgte diesen Rat und schuf in der Folge mehrere qualitativ hochwertige Ganzkörperporträts von Freunden und Gönnern – ehrliche Darstellungen ohne Schmeichelei. ^{[ 98 ]} Er malte auch Landschaften und Szenen von Menschen bei der Arbeit und in der Freizeit in einem neuen, optimistischen Stil: breite, lockere Pinselstriche in leuchtenden Farben, häufige Verwendung von Weißraum und selten Schwarz – mit nur gelegentlichen Anspielungen auf seine morbiden Themen. Mit dem gestiegenen Einkommen konnte Munch mehrere Grundstücke erwerben, die ihm neue Perspektiven für seine Kunst eröffneten, und er war endlich in der Lage, für seine Familie zu sorgen. ^{[ 99 ]}

Der Ausbruch des Ersten Weltkriegs traf Munch in einen Loyalitätskonflikt. Er sagte: „Alle meine Freunde sind Deutsche, aber ich liebe Frankreich.“ ^{[ 100 ]} Angesichts seiner angeschlagenen Gesundheit empfand Munch es 1918 als Glück, die Spanische Grippe , die weltweite Pandemie jenes Jahres, überlebt zu haben. ^{[ 101 ]} In den 1930er Jahren verloren seine deutschen Gönner, viele von ihnen Juden, im Zuge des Aufstiegs der Nationalsozialisten ihr Vermögen und einige sogar ihr Leben. ^{[ 102 ]} Munch fand norwegische Drucker, die die deutschen Drucker, die seine Grafiken gedruckt hatten, ersetzen konnten. ^{[ 103 ]}

Munch verbrachte die letzten zwei Jahrzehnte seines Lebens größtenteils zurückgezogen auf seinem nahezu autarken Landgut in Ekely bei Skøyen , Oslo. ^{[ 104 ]} Viele seiner späten Gemälde zelebrieren das Landleben, darunter auch einige, in denen er sein Arbeitspferd „Rousseau“ als Modell verwendete. ^{[ 105 ]} Mühelos zog Munch eine stetige Schar weiblicher Modelle an, die er in zahlreichen Aktgemälden porträtierte. Wahrscheinlich hatte er mit einigen von ihnen sexuelle Beziehungen. ^{[ 106 ]} Gelegentlich verließ Munch sein Haus, um im Auftrag Wandmalereien anzufertigen, unter anderem für die Schokoladenfabrik Freia . ^{[ 107 ]}

Bis zu seinem Lebensende malte Munch unerbittlich Selbstporträts und setzte damit seinen selbstreflexiven Lebenszyklus sowie seine schonungslose Auseinandersetzung mit seinen emotionalen und physischen Zuständen fort. In den 1930er und 1940er Jahren brandmarkten die Nationalsozialisten Munchs Werk (ebenso wie das von Picasso , Klee , Matisse , Gauguin und vielen anderen modernen Künstlern) als „ entartete Kunst “ und entfernten seine 82 Werke aus deutschen Museen. ^{[ 108 ]} Adolf Hitler erklärte 1937: „Von uns aus können diese prähistorischen Steinzeit-Barbaren und Kunststotterer in die Höhlen ihrer Vorfahren zurückkehren und dort ihre primitiven internationalen Kratzereien anbringen.“ ^{[ 109 ]}

1940 marschierten die Deutschen in Norwegen ein , und die NSDAP übernahm die Regierung. Munch war 76 Jahre alt. Fast seine gesamte Kunstsammlung befand sich im zweiten Stock seines Hauses, und er lebte in ständiger Angst vor der Beschlagnahmung durch die Nazis. 71 der zuvor von den Nazis beschlagnahmten Gemälde waren durch Ankäufe von Sammlern nach Norwegen zurückgekehrt (die übrigen elf blieben verschollen), darunter „ Der Schrei“ und „Das kranke Kind“ . Auch diese wurden vor den Nazis versteckt. ^{[ 110 ]} Obwohl Munchs Werke während der Besatzungszeit aus norwegischen Museen entfernt wurden , wurde sein Schaffen in der NS-Propaganda nicht ausschließlich negativ dargestellt. Es gab sogar regelmäßige Versuche von Teilen der nationalsozialistisch gesinnten deutschen und norwegischen Presse, sein Werk zu rehabilitieren und sein Leben als beispielhaft für nordische Eigenschaften darzustellen. ^{[ 111 ]} Trotz dieser massiven Anwerbungsversuche weigerte sich Munch, an diesen oder anderen Versuchen teilzunehmen, ihn für das Dritte Reich und seine Verbündeten zu gewinnen. ^{[ 111 ]}

Am Nachmittag des 19. Dezember 1943 löste ein Brand in einem Munitionslager in Filipstad eine Reihe von Explosionen in Oslo aus , bei denen etwa 115 Menschen ums Leben kamen und 400 Gebäude schwer beschädigt wurden. Munch, dessen Haus durch die Explosionen teilweise beschädigt wurde, beobachtete, wie der daraus resultierende Feuersturm den Nachthimmel ungewöhnlich erleuchtete, was er in seinem Gemälde „ Explosion“ festhielt . Während er die Szene in einer kalten, nassen Nacht beobachtete und malte, erkrankte der 80-jährige Künstler an einer Atemwegserkrankung, an der er am 23. Januar 1944 in seinem Haus in Ekely starb. ^{[ 112 ]}

Kurz nach Munchs Tod erschienen mehrere Männer, darunter Fritz Jenssen , der NS-Bürgermeister von Oslo, in seinem Haus in Ekely, um seiner Familie ein Staatsbegräbnis anzubieten. Die Familie lehnte dieses Angebot ab, jedoch vergeblich – die Nazis bestanden darauf. ^{[ 113 ]} Obwohl Munch sich eine private Einäscherung ohne Anwesenheit von Trauergästen gewünscht hatte, wurde seine Beerdigung von den Nazis instrumentalisiert und zu einer Propagandaveranstaltung umfunktioniert. ^{[ 114 ] [ 115 ]}

Zu Munchs Lebzeiten bemühten sich die Nationalsozialisten, ihn als Heldenfigur innerhalb der germanischen Kultur zu vereinnahmen. ^{[ 116 ]} Nach seinem Tod wurde er jedoch zur leichten Beute für Josef Terboven und die NS . ^{[ 113 ]} Zwei Tage nach Munchs Tod veröffentlichte die NS-Zeitung „Fritt Folk“ auf der Titelseite ein Nachrufgedicht von Knut Hamsun und widmete Munch fast die gesamte zweite Seite. Sie instrumentalisierten Munch, um die NS-Ideologie zu verbreiten, und verkündeten unter anderem: „Edvard Munch war ein Sternschnuppen der nordischen Rasse, ein Repräsentant der besten Eigenschaften unseres Volkes.“ ^{[ 117 ]} Drei Tage nach Munchs Tod konnte Vidkun Quisling im Namen des Staates in den Zeitungen verkünden, dass die Kosten für Edvard Munchs Beerdigung übernommen würden. ^{[ 118 ]}

Munchs Beerdigung fand am 31. Januar 1944 in Oslo statt. Sein Sarg war von einem Meer aus Blumen und Kränzen umgeben, wobei zwei riesige, mit Hakenkreuzen verzierte Kränze prominent zu beiden Seiten des Sarges platziert waren. Diese Kränze waren persönlich von Terboven, Quisling und dem NS-Leiter für Öffentlichkeitsarbeit und Propaganda, Georg Wilhelm Müller , unterzeichnet . ^{[ 119 ]} Durch die Berichterstattung über Edvard Munchs Tod in den Zeitungen und sein von den Nazis inszeniertes Staatsbegräbnis gelang es den Nationalsozialisten, den Eindruck zu erwecken, Munch habe nationalsozialistische Ideologien und Methoden unterstützt. Dies veranlasste viele Norweger, zu hinterfragen, ob Munch tatsächlich nationalsozialistische Sympathien hegte. ^{[ 114 ]}

Die Stadt Oslo kaufte Edvard Munchs Anwesen Ekely 1946 von seinen Erben; das Haus wurde im Mai 1960 abgerissen. ^{[ 120 ]}

Nach Munchs Tod wurden seine übrigen Werke der Stadt Oslo vermacht, die darauf das Munch-Museum auf Tøyen errichtete (Eröffnung 1963). Das Museum beherbergt eine Sammlung von rund 1.100 Gemälden, 4.500 Zeichnungen und 18.000 Drucken – die weltweit umfangreichste Sammlung seiner Werke. ^{[ 122 ]} Das Munch-Museum dient als offizielle Nachlassverwaltung Munchs; ^{[ 122 ]} es engagiert sich aktiv im Kampf gegen Urheberrechtsverletzungen und bei der Klärung von Urheberrechten, beispielsweise im Fall der Verwendung von Munchs „ Der Schrei“ in einer M&M’s -Werbekampagne im Jahr 2006. ^{[ 123 ]} Die Artists Rights Society ist die US-amerikanische Urheberrechtsvertretung für das Munch-Museum und den Nachlass von Edvard Munch . ^{[ 124 ]}

Munchs Kunst war höchst persönlich, und er unterrichtete wenig. Sein „privater“ Symbolismus war weitaus persönlicher als der anderer Symbolisten wie Gustave Moreau und James Ensor . Munch übte dennoch großen Einfluss aus, insbesondere auf die deutschen Expressionisten , die seiner Philosophie folgten: „Ich glaube nicht an Kunst, die nicht das zwanghafte Ergebnis des menschlichen Drangs ist, sein Herz zu öffnen.“ ^{[ 58 ]} Viele seiner Gemälde, darunter „Der Schrei“ , besitzen neben ihrer sehr persönlichen Bedeutung auch eine universelle Anziehungskraft.

Munchs Werke sind heute in zahlreichen bedeutenden Museen und Galerien in Norwegen und im Ausland vertreten. Seine Hütte, das „Glückliche Haus“, wurde 1944 der Gemeinde Åsgårdstrand geschenkt und dient heute als kleines Munch-Museum. Das Inventar wurde originalgetreu erhalten.

Eine Version von „Der Schrei“ wurde 1994 aus der National Gallery gestohlen. 2004 wurde eine weitere Version von „Der Schrei“ zusammen mit einer Version von „Madonna “ bei einem dreisten Raubüberfall am helllichten Tag aus dem Munch-Museum entwendet. Alle Gemälde konnten schließlich wiedergefunden werden, waren aber stark beschädigt. Sie wurden sorgfältig restauriert und sind wieder ausgestellt. Drei Munch-Werke wurden 2005 aus dem Hotel Refsnes Gods gestohlen ; sie wurden kurz darauf wiedergefunden, obwohl eines der Werke bei dem Raub beschädigt worden war. ^{[ 125 ]}

Im Oktober 2006 erzielte der Farbholzschnitt von Munchs Motiv „ Zwei Menschen. Die Einsamen“ ( To mennesker. De ensomme ) bei einer Auktion in Oslo einen neuen Rekordpreis für seine Druckgrafiken: 8,1 Millionen Kronen (umgerechnet 1,27 Millionen US-Dollar, was 2025 etwa 2 Millionen US-Dollar entspricht). Gleichzeitig stellte er einen neuen Auktionsrekord für ein Werk in Norwegen auf. ^{[ 126 ]} Am 3. November 2008 erzielte das Gemälde „Vampir“ bei Sotheby’s in New York einen neuen Rekordpreis für seine Gemälde: 38.162.000 US-Dollar (umgerechnet 57.100.000 US-Dollar, was 2025 etwa 57.100.000 US-Dollar entspricht) .

Munchs Bildnis war auf der Vorderseite der norwegischen 1000-Kronen-Note (Serie VII; gültig von 2001 bis 2020) abgebildet. Die Rückseite zeigt eine stilisierte Version von Munchs Solen (der Sonne). ^{[ 127 ]}

Vom 31. Juli bis 28. November 2010 zeigte die National Gallery of Art Munchs Druckgrafiken in der Ausstellung „Edvard Munch: Meisterdrucke“ . ^{[ 128 ]} Der Katalog wurde von Elizabeth Prelinger herausgegeben. ISBN 978-3791350592

Im Februar 2012 wurde in der Schirn Kunsthalle Frankfurt eine große Munch-Ausstellung mit dem Titel „ Edvard Munch. Das moderne Auge“ eröffnet; die Ausstellung wurde von Kronprinzessin Mette-Marit von Norwegen eröffnet . ^{[ 129 ] [ 130 ]}

Im Mai 2012 wurde „Der Schrei“ für 119,9 Millionen US-Dollar (entspricht 168,1 Millionen US-Dollar im Jahr 2025) versteigert und ist damit das zweitteuerste Kunstwerk, das jemals auf einer öffentlichen Auktion verkauft wurde . (Es wurde im November 2013 von „Drei Studien von Lucian Freud“ übertroffen , die für 142,4 Millionen US-Dollar verkauft wurden.) ^{[ 131 ]}

Im Jahr 2013 wurden vier Gemälde von Munch auf einer Briefmarkenserie der norwegischen Post abgebildet , um 2014 an seinen 150. Geburtstag zu erinnern. ^{[ 132 ]}

Vom 19. Mai bis 11. August 2013 zeigte die National Gallery of Art die Ausstellung „Edvard Munch: Eine Hommage zum 150. Jahrestag“ . ^{[ 133 ]}

Im Jahr 2016 veranstaltete die Neue Galerie in New York die Ausstellung Munch und der Expressionismus , die „…Edvard Munchs Einfluss auf seine deutschen und österreichischen Zeitgenossen untersuchte.“ ^{[ 134 ]}

Am 14. November 2016 wurde eine Version von Munchs „ Die Mädchen auf der Brücke“ bei Sotheby’s in New York für 54,5 Millionen US-Dollar (entspricht 73,1 Millionen US-Dollar im Jahr 2025) versteigert und erzielte damit den zweithöchsten Preis, der jemals für eines seiner Gemälde erzielt wurde. ^{[ 135 ]}

2017 fand die Ausstellung „Edvard Munch: Zwischen Uhr und Bett“ statt, die Munchs gesamtes Schaffen, darunter 16 Selbstporträts, präsentierte. Sie wurde vom San Francisco Museum of Modern Art ^{[ 136 ]} (24. Juni bis 9. Oktober 2017), dem Met Breuer [ ^{137 ] in New York (15. November} 2017 bis 4. Februar 2018) und dem Munch Museum [ ^{138 ] in Oslo (12. Mai bis} 9. September 2018) organisiert. Der gleichnamige Katalog wurde von Gary Garrels, Jon-Ove Steihaug und Sheena Wagstaff herausgegeben.   ISBN 978-1-588-39623-5

Vom 3. September 2017 bis zum 28. Januar 2018 zeigte die National Gallery of Art Munchs Druckgrafiken in der Ausstellung „ Edvard Munch: Farbe im Kontext “. ^{[ 139 ]}

Im April 2019 zeigte das British Museum die Ausstellung „ Edvard Munch: Liebe und Angst“ , die 83 Kunstwerke umfasste, darunter einen seltenen Originaldruck von „Der Schrei“ . ^{[ 140 ]}

Im Mai 2022 veranstaltete die Courtauld Gallery die Ausstellung „ Edvard Munch. Meisterwerke aus Bergen“ , in der 18 Gemälde aus der Sammlung des norwegischen Industriellen Rasmus Meyer gezeigt wurden. ^{[ 141 ]}

Im Juni 2023 präsentierte das Clark Art Institute die Ausstellung „ Edvard Munch: Bebende Erde“ . Es war die erste Ausstellung in den Vereinigten Staaten, die sich darauf konzentrierte, wie Munch die Natur nutzte, um in seinen Gemälden eine tiefere Bedeutung zu vermitteln. „ Bebende Erde“ umfasste mehr als 75 Werke, viele davon aus der Sammlung des Munch-Museums, sowie über 40 Gemälde und Drucke aus selten gezeigten Privatsammlungen. ^{[ 142 ]}

Im September 2023 präsentierte die Berlinische Galerie Museum für Moderne Kunst in Zusammenarbeit mit dem Munch Museum die Ausstellung „ Edvard Munch. Magie des Nordens“ . Die Ausstellung umfasste rund 80 Werke von Edvard Munch, ergänzt durch Arbeiten anderer Künstler, die die Vorstellung vom Norden und die moderne Kunstszene an der Spree in Berlin Ende des 19. Jahrhunderts prägten. ^{[ 143 ]}

Im November 2023 präsentierte das Museum Barberini in Potsdam in Zusammenarbeit mit dem Munch Museum die Ausstellung „Edvard Munch: Bebende Erde“ . Die Ausstellung überschnitt sich acht Wochen lang mit der Ausstellung in der Berlinischen Galerie; beide Ausstellungen standen unter der gemeinsamen Schirmherrschaft von Bundespräsident Frank-Walter Steinmeier und König Harald V. von Norwegen. Die Ausstellung umfasste über 110 Leihgaben anderer Institutionen. ^{[ 144 ]}

Im Jahr 2024 präsentierte die Yale University Art Gallery die Ausstellung „Munch und Kirchner: Angst und Ausdruck“ , die die Druckgrafiken beider Künstler untersuchte und beleuchtete, „…wie diese Künstler unter den Ängsten ihrer Zeit litten und mit ihnen umzugehen versuchten.“ ^{[ 145 ]}   Die Ausstellung wurde von Freyda Spira begleitet, mit Beiträgen von Allison Morehead, Catherine Woodard und Nelson Blitz. ISBN 978-0-300-27585-8

Im Mai 2025 präsentierte das Harvard Art Museum die Ausstellung „Edvard Munch: Technisch gesehen“ . ^{[ 146 ] [ 147 ]} Die Ausstellung umfasste Gemälde und Druckgrafiken, von denen viele von Philip A. und Lynn G. Strauss gestiftet wurden. ^{[ 148 ]} Dank dieser Schenkung besitzt Harvard die größte Sammlung von Munchs Werken in den Vereinigten Staaten.

1911 fand der finale Wettbewerb um die Gestaltung der großen Wände der Aula der Universität Oslo zwischen Munch und Emanuel Vigeland statt . Diese Auseinandersetzung ist als „Aula-Streit“ bekannt. 1914 erhielt Munch schließlich den Auftrag zur Gestaltung der Aula, die 1916 abgeschlossen wurde. Dieses bedeutende Werk norwegischer Monumentalmalerei umfasst elf Gemälde auf einer Fläche von 223 m² ^. Die Gemälde „Die Sonne“ , „Geschichte“ und „Alma Mater“ sind die Schlüsselwerke dieser Sequenz. Munch erklärte: „Ich wollte, dass die Dekorationen eine in sich geschlossene und eigenständige Ideenwelt bilden, und ich wollte, dass ihr visueller Ausdruck sowohl unverwechselbar norwegisch als auch universell menschlich ist.“ 2014 wurde der Wert der Aula-Gemälde auf mindestens 500 Millionen Kronen (ca. 111 Millionen US-Dollar im Jahr 2025) geschätzt. ^{[ 149 ] [ 150 ]}

2007 wurde Munchs „ Sommernacht am Strand“ an die Enkelin von Alma Mahler zurückgegeben , die im März 1938 nach Hitlers Annexion Österreichs mit ihrem jüdischen Ehemann vor den Nazis fliehen musste. ^{[ 151 ] [ 152 ]} 2008 wies das Kunstmuseum Basel einen Anspruch der Erben des jüdischen Sammlers Curt Glaser auf Munchs „Madonna“, eine Lithografie eines Aktes in Schwarz, Rot und Blau , zurück . ^{[ 153 ]} 2012 restituierte das Berliner Kupferstichkabinett drei Zeichnungen von Munch an die Erben von Glaser, einem jüdischen Sammler, der von den Nazis ins Exil getrieben worden war. ^{[ 154 ]} Ebenfalls 2012 wurde ein Anspruch der Erben von Hugo Simon auf „Der Schrei“ im Zuge der geplanten Versteigerung abgewiesen. ^{[ 155 ]} Im Jahr 2023 wurde Munchs „ Tanz am Strand“ Gegenstand einer Vereinbarung zwischen den Erben der Familie Glaser und den Erben von Thomas Olsen, einem norwegischen Reeder und Munchs Nachbarn und Sammler. ^{[ 156 ] [ 157 ]}

• 1885–1886: Das kranke Kind
• 1892: Abend auf Karl Johan
• 1893: Der Schrei
• 1894: Asche
• 1894: Verzweiflung
• 1894: Die Frau in drei Stadien. Sphinx
• 1894–1895: Madonna
• 1894–1896: Melancholie
• 1895: Pubertät
• 1895: Selbstporträt mit Zigarette
• 1895: Tod im Krankenzimmer
• 1899–1900: Der Tanz des Lebens
• 1899–1900: Die tote Mutter
• 1903: Dorf im Mondschein
• 1940–1942: Selbstporträt. Zwischen Uhr und Bett.

• 
  Abend auf Karl Johan , 1892, Öl auf Leinwand,84,5 cm × 121 cm ( 33+1/4 Zoll  ×  47​+3 ⁄ 4  Zoll). Kode-Museum, Bergen
• 
  Melancholie , 1892, Öl auf Leinwand,64 cm × 96 cm ( 25+1/4 Zoll  ×  37​+3⁄4 Zoll  ). Nationalmuseum von Norwegen , Oslo
• 
  Asche , 1894, Öl auf Leinwand,120,5 cm × 141 cm ( 47+1 ⁄ 2  Zoll ×  55+1/2 Zoll  ). Nationalmuseum von Norwegen , Oslo
• 
  Der Tanz des Lebens , 1899–1900, Öl auf Leinwand,126 cm × 191 cm ( 49+1/2 Zoll  × 75 Zoll), Nationalmuseum von Norwegen , Oslo
• 
  Am Roulettetisch in Monte Carlo , 1892, 74,5 cm × 116 cm ( 29+1/4 Zoll  ×  45​+3 ⁄ 4  Zoll), Munch Museum , Oslo
• 
  Tod im Krankenzimmer , 1893, 134 cm × 160 cm ( 52+( 3/4 Zoll  × 63 Zoll), Munch-Museum , Oslo
• 
  Sternennacht , 1893,135,6 cm × 140 cm ( 53+1/2 Zoll  × 55 Zoll), J. Paul Getty Museum
• 
  Angst , 1894,94 cm × 74 cm (37 Zoll ×  29 Zoll)+1 ⁄ 4  Zoll), Munch Museum , Oslo
• 
  Verzweiflung , 1894, 92 cm × 72,5 cm ( 36+1/4 Zoll  ×  28​+1 ⁄ 2  Zoll), Munch Museum , Oslo
• 
  Liebe und Schmerz (Vampir) , 1895,91 cm × 109 cm ( 35+( 3/4 Zoll  × 43 Zoll), Munch-Museum , Oslo
• 
  Tod im Krankenzimmer , um 1895 , Öl auf Leinwand, 150 cm × 168 cm (59 in × 66 in), Nationalmuseum von Norwegen , Oslo
• 
  Trennung , 1896, 96 cm × 127 cm ( 37+( 3/4 Zoll  × 50 Zoll), Munch-Museum , Oslo
• 
  Die Stimme / Sommernacht , 1896, 90 cm × 119 cm ( 35+1 ⁄ 2  Zoll ×  46+3 ⁄ 4  Zoll), Munch Museum , Oslo
• 
  Rot und Weiß , 1899–1900, 93 cm × 129 cm ( 36+1/2 Zoll  ×  50​+3 ⁄ 4  Zoll), Munch Museum , Oslo
• 
  Golgatha , 1900, Öl auf Leinwand, Munch-Museum , Oslo
• 
  Kiss IV , 1902, Holzschnitt auf Holz, 47 cm × 47 cm ( 18+1 ⁄ 2  Zoll ×  18+1 ⁄ 2  Zoll), Munch Museum , Oslo
• 
  Vier Mädchen in Åsgårdstrand , 1903, 87 cm × 111 cm ( 34+1/4 Zoll  ×  43​+3 ⁄ 4  Zoll), Munch Museum , Oslo
• 
  Zwei Menschen. Die Einsamen , 1905, Öl auf Leinwand, 81,3 cm × 111,5 cm (32 in × 44 in), Busch-Reisinger Museum , Cambridge, Massachusetts
• 
  Die Brosche, Eva Mudocci , 1903, Lithografie auf Papier, 76 cm × 53,2 cm (30 in × 21 in), Munch-Museum , Oslo
• 
  Porträt von Friedrich Nietzsche , 1906, Thiel Gallery , Stockholm
• 
  Eifersucht , 1907, 75 cm × 98 cm ( 29+1 ⁄ 2  Zoll ×  38+1 ⁄ 2  Zoll), Munch Museum , Oslo
• 
  Die Sonne , 1910–1911, 450 cm × 772 cm ( 177+1/4 Zoll  × 304 Zoll), Munch - Museum , Oslo
• 
  Galoppierendes Pferd , 1910–12, 148 cm × 120 cm ( 58+1/4 Zoll  ×  47​+1 ⁄ 4  Zoll), Munch Museum , Oslo
• 
  Der gelbe Baumstamm , 1912, 129,5 cm × 159,5 cm (51 Zoll ×  62 Zoll)+3 ⁄ 4  Zoll), Munch Museum , Oslo
• 
  Arbeiter auf dem Heimweg , 1913–14, 227 cm × 201 cm ( 89+1/4 Zoll  ×  79​+1 ⁄ 4  Zoll), Munch Museum , Oslo

• 
  Die Hände , 1893, Öl auf Leinwand, 91 × 77 cm, Munch-Museum , Oslo
• 
  Pubertät , 1894–1895, Öl auf Leinwand, 151,5 x 110 cm, National Gallery (Norwegen)
• 
  Meerjungfrau (Detail), 1896, Öl auf Leinwand. 100 cm × 320 cm ( 39+1 ⁄ 2  Zoll × 126 Zoll)
• 
  Metabolismus , 1898–1899, 172 cm × 142 cm ( 67+( 3/4 Zoll  × 56 Zoll), Munch-Museum , Oslo
• 
  Der Tod des Marat, 1907, 150 x 199 cm, Munch-Museum , Oslo
• 
  Badende Männer , 1907–1908, Öl auf Leinwand, 206 × 227,5 cm, Ateneum , Helsinki
• 
  Weinende Frau , 1907–1909, Öl auf Leinwand, Privatsammlung
• 
  Morgengähnen , 1913, Öl auf Leinwand, 108 × 98 cm, Kunstmuseen von Bergen
• 
  Weinender Akt , 1913–1914, 110 cm × 135 cm ( 43+1/4 Zoll  ×  53​+1 ⁄ 4  Zoll), Munch Museum , Oslo
• 
  Modell am Korbstuhl , 1919–1921, Öl auf Leinwand, 122,5 × 100 cm, Munch-Museum , Oslo

• 
  Selbstporträt , 1882, 26 cm × 19 cm ( 10+1/4 Zoll  ×  7​+1 ⁄ 2  Zoll), Munch Museum , Oslo
• 
  Selbstporträt in der Hölle , 1903, 82 cm × 66 cm ( 32+1/4 Zoll  × 26 Zoll), Munch - Museum , Oslo
• 
  Selbstporträt mit Pinseln , 1904, 197 cm × 91 cm ( 77+1 ⁄ 2  Zoll ×  35+3 ⁄ 4  Zoll), Munch Museum , Oslo
• 
  Selbstporträt mit einer Flasche Wein , 1906, 110 cm × 120 cm ( 43+1/4 Zoll  ×  47​+1 ⁄ 4  Zoll), Munch Museum , Oslo
• 
  Selbstporträt mit der Spanischen Grippe , 1919, Öl auf Leinwand, 150 x 131 cm, Nationalgalerie (Norwegen)
• 
  Selbstporträt. Zwischen Uhr und Bett. Um 1940–1943, Munch-Museum , Oslo

• 
  Kleiner See mit Boot , 1880, Öl auf Papier auf Karton, 12 x 18 cm, Munch-Museum , Oslo
• 
  Aus Sandviken , ca. 1882 , Öl auf Karton, 20 x 25 cm, Flaten Art Museum
• 
  Aus Saxegårdsgate , ca. 1882 , Öl auf Leinwand, Kunstmuseum Lillehammer , Lillehammer
• 
  Skizze für „Ashes“ , 1894, Öl auf Leinwand, Bergen Kunstmuseum
• 
  Zugrauch , 1900, 84 cm × 109 cm (33 in × 43 in), Munch-Museum , Oslo
• 
  Ufer mit rotem Haus , 1904, Öl auf Leinwand, 69 × 109 cm, Munch-Museum , Oslo
• 
  Landschaft am Meer , 1918, Öl auf Leinwand, 120,9 x 160 cm, Kunstmuseum Basel
• 
  Sternennacht , 1922–1924, Öl auf Leinwand, 120,5 × 100 cm, Munch-Museum , Oslo
• 
  Winternacht, Ekely , 1930–1931, Öl auf Leinwand

• 
  Selbstporträt am 53 Am Strom in Warnemünde , 1907, Munch Museum , Oslo
• 
  Edvard Munch am Strand in Warnemünde , 1907, Munch-Museum , Oslo. Das Gemälde, an dem er arbeitet, ist Badende Männer (1907-08).
• 
  Selbstporträt „à la Marat“ , 1908–09, Munch-Museum , Oslo
• 
  Selbstporträt irgendwo auf dem Kontinent I , 1906, Munch-Museum , Oslo
• 
  Porträt im Alter von 26 Jahren
• 
  Porträt von Edvard Munch 1902
• 
  Porträt von Edvard Munch
• 
  Munch im Jahr 1912
• 
  Rosa Meissner im Hotel Rohn in Warnemünde , 1907, Foto, Munch Museum , Oslo

• Liste der Gemälde von Edvard Munch
• Edvard Munch , ein biografischer Film aus dem Jahr 1974
• Liste der Ansprüche auf Restitution für von den Nazis geraubte Kunstwerke

• Edvard Munch im Museum of Modern Art
• Oslo ist total auf Old Munch fixiert
• Munch in Olgas Galerie , archiviert am 31. August 2007 in der Wayback Machine – große Online-Sammlung von Munchs Werken (über 200 Gemälde)
• Munch bei Artcyclopedia
• Edvard Munch bei WikiGallery.org
• Ausstellung „Edvard Munch L’oeil moderne“ – Centre Pompidou, Paris 2011. Archiviert am 20. April 2021 im Internet Archive (Wayback Machine).
• Edvard Munch im Nationalen Museum für Kunst, Architektur und Design Norwegens ( Archiviert am 25. März 2019 in der Wayback Machine)
• Edvard Munch im Harvard Art Museum
• Edvard Munch in der National Gallery of Art
• Edvard Munch im Metropolitan Museum of Art
• Edvard Munch und die Schokoladenfabrik im Munch Museum , 21.05.2026 – 11.10.2026. Apollo Museum