Die Mona Lisa von Leonardo da Vinci ist ein weltberühmtes Meisterwerk der italienischen Kunst. Sie gilt als archetypisches Meisterwerk der italienischen Renaissance [ 1 ] [ 2 ] und wird normalerweise seit 1797 im Louvre in Paris ausgestellt . [ 3 ]
Mädchen vom Amselfeld ; von Uroš Predić ; 1919; Öl auf Leinwand; 1,95 x 2,64 m; Nationalmuseum Serbiens ( Belgrad , Serbien )
Die Kunst der Malerei ; von Johannes Vermeer ; 1666–1668; Öl auf Leinwand; 1,3 x 1,1 m; Kunsthistorisches Museum ( Wien , Österreich )

Die europäische Kunst , auch bekannt als westliche Kunst , umfasst die Geschichte der bildenden Kunst in Europa . Die europäische prähistorische Kunst begann mit mobilen Fels- und Höhlenmalereien sowie Petroglyphen des Jungpaläolithikums und war charakteristisch für die Zeit zwischen Altsteinzeit und Eisenzeit . [ 4 ] Schriftliche Darstellungen der europäischen Kunstgeschichte beginnen oft mit den ägäischen Zivilisationen des 3. Jahrtausends v. Chr. Ein einheitliches Muster künstlerischer Entwicklung in Europa wird jedoch erst mit der altgriechischen Kunst deutlich, die von Rom übernommen und weiterentwickelt wurde und sich mit dem Römischen Reich über weite Teile Europas, Nordafrikas und Westasiens verbreitete . [ 5 ]

Der Einfluss der Kunst der Antike schwankte in den folgenden zweitausend Jahren, schien in Teilen des Mittelalters in Vergessenheit zu geraten , um in der Renaissance wieder aufzutauchen , durchlebte während des Barock eine Phase des von einigen frühen Kunsthistorikern als „Verfall“ bezeichneten Zustands [6], um im Neoklassizismus in verfeinerter Form wiederzukehren [ 7 ] und in der Postmoderne eine Wiedergeburt zu erleben . [ 8 ]

Vor dem 19. Jahrhundert übte die christliche Kirche einen maßgeblichen Einfluss auf die europäische Kunst aus, und Aufträge der Kirche stellten die wichtigste Einnahmequelle für Künstler dar. In derselben Zeit erwachte auch das Interesse an klassischer Mythologie, großen Kriegen, Helden und Heldinnen sowie an Themen, die nicht mit Religion in Verbindung standen. [ 9 ] Die meisten Kunstwerke der letzten 200 Jahre entstanden ohne Bezug zur Religion und oft ohne jegliche Ideologie . Allerdings wurde die Kunst häufig von politischen Fragen beeinflusst, sei es aufgrund der Anliegen der Auftraggeber oder der Künstler selbst.

Die europäische Kunst lässt sich in zahlreiche Stilepochen unterteilen, die sich historisch gesehen teilweise überschneiden, da in verschiedenen Regionen unterschiedliche Stile blühten. Im Großen und Ganzen lassen sich folgende Epochen unterscheiden: Klassik , Byzanz , Mittelalter , Gotik , Renaissance , Barock , Rokoko , Neoklassizismus , Moderne , Postmoderne und Neue Europäische Malerei . [ 9 ]

Prähistorische Kunst

Die europäische prähistorische Kunst ist ein wichtiger Bestandteil des europäischen Kulturerbes. [ 10 ] Die prähistorische Kunstgeschichte wird üblicherweise in vier Hauptperioden unterteilt: Steinzeit , Jungsteinzeit , Bronzezeit und Eisenzeit . Die meisten erhaltenen Artefakte aus dieser Zeit sind kleine Skulpturen und Höhlenmalereien.

Venus von Willendorf ; ca. 26.000 v. Chr. (Gravettien); Kalkstein mit ockerfarbener Färbung; Naturhistorisches Museum ( Wien , Österreich)

Ein Großteil der erhaltenen prähistorischen Kunst besteht aus kleinen, tragbaren Skulpturen. Eine kleine Gruppe weiblicher Venusfigurinen , wie die Venus von Willendorf (24.000–22.000 v. Chr.), wurde in ganz Mitteleuropa gefunden. [ 11 ] Von der etwa 30.000 v. Chr. entstandenen, 30 cm hohen Löwenmensch-Figur sind kaum vergleichbare Fundstücke erhalten. Das schwimmende Rentier aus der Zeit um 11.000 v. Chr. zählt zu den schönsten der magdalénienischen Tierdarstellungen aus Knochen oder Geweih in der Kunst des Jungpaläolithikums , obwohl diese von gravierten Stücken, die mitunter ebenfalls als Skulpturen klassifiziert werden, zahlenmäßig übertroffen werden. [ 12 ] Mit Beginn des Mesolithikums in Europa ging die figürliche Skulptur stark zurück [ 13 ] und blieb bis zur Römerzeit ein weniger verbreitetes Kunstelement als die Reliefverzierung von Gebrauchsgegenständen, trotz einiger Funde wie dem Gundestrup-Kessel aus der europäischen Eisenzeit und dem bronzezeitlichen Sonnenwagen von Trundholm . [ 14 ]

Die ältesten europäischen Höhlenmalereien stammen aus der Zeit vor 40.800 Jahren und befinden sich in der Höhle von El Castillo in Spanien. [ 15 ] Weitere Fundstätten von Höhlenmalereien sind Lascaux , die Höhle von Altamira , die Grotte de Cussac , Pech Merle , die Höhle von Niaux , die Chauvet-Höhle , Font-de-Gaume , Creswell Crags in Nottinghamshire, England (Höhlenritzungen und Flachreliefs, entdeckt 2003), die Höhle von Coliboaia in Rumänien (die als älteste Höhlenmalerei Mitteleuropas gilt ) [ 16 ] und Magura [ 4 ] in Belogradtschik, Bulgarien. [ 17 ] Auch Felswände wurden bemalt, doch sind aufgrund von Erosion nur wenige erhalten geblieben. Ein bekanntes Beispiel sind die Felsmalereien von Astuvansalmi in der Saimaa-Region Finnlands. Als Marcelino Sanz de Sautuola 1879 die magdalénienischen Höhlenmalereien von Altamira in Kantabrien, Spanien, entdeckte, hielten die damaligen Wissenschaftler sie für Fälschungen. Neuere Untersuchungen und zahlreiche weitere Entdeckungen haben seither ihre Echtheit bewiesen und gleichzeitig das Interesse an der Kunst der Völker des Jungpaläolithikums neu entfacht. Höhlenmalereien, die mit einfachsten Werkzeugen angefertigt wurden, liefern zudem wertvolle Einblicke in die Kultur und die Glaubensvorstellungen jener Zeit.

Die Felskunst des iberischen Mittelmeerraums zeichnet sich durch einen ganz anderen Stil aus. Im Mittelpunkt steht die menschliche Figur, oft in großen Gruppen dargestellt. Schlachten, Tänze und Jagdszenen werden ebenso gezeigt wie andere Aktivitäten und Details wie Kleidung. Die Figuren sind meist eher skizzenhaft mit dünner Farbe gemalt, wobei die Beziehungen zwischen den Menschen- und Tiergruppen sorgfältiger wiedergegeben werden als die einzelnen Figuren. Andere, weniger zahlreiche Felskunstgruppen, viele davon graviert statt gemalt, weisen ähnliche Merkmale auf. Man geht davon aus, dass die iberischen Beispiele aus einem langen Zeitraum stammen, der möglicherweise das Jungpaläolithikum, Mesolithikum und frühe Neolithikum umfasst.

Die prähistorische keltische Kunst datiert aus weiten Teilen des eisenzeitlichen Europas und ist hauptsächlich in Form hochwertiger Metallarbeiten erhalten, die kunstvoll mit komplexen, eleganten und meist abstrakten Mustern verziert sind, oft mit geschwungenen und spiralförmigen Elementen. Es gibt Darstellungen von Menschenköpfen und einigen vollständig abgebildeten Tieren, doch sind lebensgroße menschliche Figuren jeglicher Größe so selten, dass ihr Fehlen möglicherweise ein religiöses Tabu darstellte. Mit der Eroberung keltischer Gebiete durch die Römer verschwand sie fast vollständig. Dennoch blieb der Stil in begrenztem Umfang auf den Britischen Inseln erhalten und erlebte dort mit der Christianisierung im insularen Stil des Frühmittelalters eine Wiederbelebung.

Uralt

Minoisch

Die minoische Kultur Kretas gilt als die älteste Zivilisation Europas. [ 18 ] Die minoische Kunst zeichnet sich durch fantasievolle Darstellungen und außergewöhnliche Kunstfertigkeit aus. Sinclair Hood beschrieb eine „wesentliche Qualität der feinsten minoischen Kunst: die Fähigkeit, trotz streng formaler Konventionen eine Atmosphäre von Bewegung und Leben zu schaffen“. [ 19 ] Sie ist Teil der umfassenderen ägäischen Kunst und übte in späteren Epochen zeitweise einen dominierenden Einfluss auf die kykladische Kunst aus . Da Holz und Textilien verrottet sind, bestehen die meisten erhaltenen Beispiele minoischer Kunst aus Keramik , kunstvoll geschnitzten minoischen Siegeln , Palastfresken ( darunter Landschaftsdarstellungen), kleinen Skulpturen aus verschiedenen Materialien, Schmuck und Metallarbeiten.

Das Verhältnis der minoischen Kunst zu anderen zeitgenössischen Kulturen und der späteren altgriechischen Kunst wurde vielfach diskutiert. Sie dominierte eindeutig die mykenische und kykladische Kunst derselben Epochen [ 20 ] , selbst nachdem die Mykener Kreta besetzt hatten, doch überlebten nur einige Aspekte dieser Tradition das griechische Dunkle Zeitalter nach dem Untergang des mykenischen Reiches . [ 21 ]

Die minoische Kunst umfasst eine Vielzahl von Motiven, die sich in verschiedenen Medien wiederfinden, obwohl nur einige Keramikstile figürliche Szenen beinhalten. Der Stiersprung erscheint in der Malerei und verschiedenen Skulpturenarten und wird als religiös bedeutsam angesehen; Stierköpfe sind ebenfalls ein beliebtes Motiv in Terrakotta und anderen Skulpturenmaterialien. Es gibt keine Figuren, die als Porträts von Einzelpersonen oder eindeutig als königliche Persönlichkeiten erkennbar sind, und die Identität religiöser Figuren ist oft unsicher [ 22 ] , da die Forschung nicht eindeutig geklärt hat, ob es sich um Gottheiten, Geistliche oder Gläubige handelt [ 23 ] . Ebenso unklar ist, ob bemalte Räume Schreine oder profane Räume waren; ein Raum in Akrotiri wurde als Schlafzimmer mit Bettresten oder als Schrein interpretiert [ 24 ] .

Tiere, darunter eine ungewöhnliche Vielfalt an Meerestieren, werden häufig dargestellt; der „ Marinestil “ ist eine Art bemalter Palastkeramik aus der MM III und LM IA, die Meerestiere, darunter Oktopusse, zeigt , die sich über das gesamte Gefäß ausbreiten, und entstand wahrscheinlich aus ähnlichen Freskenszenen; [ 25 ] manchmal finden sich diese auch in anderen Medien. Szenen der Jagd und des Krieges sowie von Pferden und Reitern finden sich hauptsächlich in späteren Perioden, in Werken, die möglicherweise von Kretern für einen mykenischen Markt oder für mykenische Herrscher Kretas angefertigt wurden.

Während minoische Figuren, ob Menschen oder Tiere, eine große Lebendigkeit und Dynamik ausstrahlen, sind sie oft nicht sehr präzise, ​​und die Art lässt sich mitunter nicht bestimmen. Im Vergleich zur altägyptischen Kunst wirken sie oft lebendiger, aber weniger naturalistisch. [ 26 ] Im Vergleich zur Kunst anderer antiker Kulturen ist der Anteil weiblicher Figuren hoch. Die Annahme, die Minoer hätten nur Göttinnen und keine Götter verehrt, gilt heute jedoch als widerlegt. Die meisten menschlichen Figuren sind im Profil oder in einer Variante der ägyptischen Konvention dargestellt, bei der Kopf und Beine im Profil und der Oberkörper frontal zu sehen sind. Dennoch übertreiben die minoischen Figuren Merkmale wie schmale männliche Taillen und große weibliche Brüste. [ 27 ]

Klassisches Griechenland und Hellenismus

Das antike Griechenland brachte bedeutende Maler, Bildhauer und Architekten hervor. Der Parthenon ist ein Beispiel ihrer Architektur, die bis in die heutige Zeit erhalten geblieben ist. Griechische Marmorskulpturen gelten oft als die höchste Form klassischer Kunst. Die Malerei auf Keramik und anderen Gefäßen des antiken Griechenlands bietet einen besonders aufschlussreichen Einblick in die damalige Gesellschaft. Schwarzfigurige und rotfigurige Vasenmalerei liefern zahlreiche Beispiele für die griechische Malerei. Zu den berühmten griechischen Holztafelmalern, die in Texten erwähnt werden, zählen Apelles , Zeuxis und Parrhasius . Es sind keine Originale antiker griechischer Tafelmalerei erhalten, nur schriftliche Beschreibungen ihrer Zeitgenossen oder späterer Römer. Zeuxis lebte 5–6 v. Chr. und soll als Erster die Sfumato-Technik angewendet haben . Laut Plinius dem Älteren war der Realismus seiner Gemälde so groß, dass Vögel versuchten, die gemalten Trauben zu fressen. Apelles wird aufgrund seiner perfekten Zeichentechnik, der leuchtenden Farben und der meisterhaften Modellierung als der größte Maler der Antike beschrieben .

römisch

Die römische Kunst wurde von Griechenland beeinflusst und kann teilweise als Nachfolgerin der antiken griechischen Malerei und Bildhauerei betrachtet werden, war aber auch stark von der etruskischen Kunst Italiens geprägt. Die römische Bildhauerei besteht vorwiegend aus Porträts der Oberschicht sowie Darstellungen der Götter. Die römische Malerei weist jedoch wichtige, einzigartige Merkmale auf. Zu den erhaltenen römischen Gemälden zählen Wandmalereien, viele davon aus Villen in Kampanien ( Süditalien), insbesondere in Pompeji und Herkulaneum . Diese Malerei lässt sich in vier Hauptstile oder -epochen einteilen [ 29 ] und enthält möglicherweise die ersten Beispiele für Trompe-l’œil , Pseudo-Perspektive und reine Landschaftsmalerei. [ 30 ]

Fast alle erhaltenen gemalten Porträts der Antike sind zahlreiche Sargporträts in Büstenform, die im spätantiken Gräberfeld von Al-Fayum gefunden wurden . Sie vermitteln einen Eindruck von der Qualität, die die feinsten antiken Werke besessen haben müssen. Auch einige wenige Miniaturen aus spätantiken illustrierten Büchern sind erhalten, sowie eine deutlich größere Anzahl von Kopien aus dem frühen Mittelalter. Die frühchristliche Kunst entwickelte sich aus der römischen Volkskunst und später der römischen Kaiserzeit und übernahm deren Ikonographie .

  • Bronzestatuette eines Philosophen auf einem Lampenständer; spätes 1. Jahrhundert v. Chr.; Bronze; Gesamthöhe: 27,3 cm; Gewicht: 2,9 kg; Metropolitan Museum of Art (New York City)
    Bronzestatuette eines Philosophen auf einem Lampenständer; spätes 1. Jahrhundert v. Chr.; Bronze; Gesamthöhe: 27,3 cm; Gewicht: 2,9 kg; Metropolitan Museum of Art (New York City)
  • Augustus von Prima Porta; um 20 v. Chr.; weißer Marmor; Höhe: 2,06 m; Vatikanische Museen (Vatikanstadt)
    Augustus von Prima Porta ; um 20 v. Chr.; weißer Marmor ; Höhe: 2,06 m; Vatikanische Museen ( Vatikanstadt )
  • Restaurierung eines Freskos aus einem antiken Villenschlafzimmer; 50-40 v. Chr.; Raummaße: 265,4 x 334 x 583,9 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)
    Restaurierung eines Freskos aus einem antiken Villenschlafzimmer; 50-40 v. Chr.; Raummaße: 265,4 x 334 x 583,9 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)
  • Altar mit Girlanden; um 50 n. Chr.; Marmor; Höhe: 99,5 cm, Breite: 61,5 cm, Tiefe: 47 cm; Louvre
    Altar mit Girlanden ; um 50 n. Chr.; Marmor; Höhe: 99,5 cm, Breite: 61,5 cm, Tiefe: 47 cm; Louvre
  • Kelchkrater mit Reliefs von Jungfrauen und tanzenden Mänaden; 1. Jahrhundert n. Chr.; pentelischer Marmor; Höhe: 80,7 cm; Metropolitan Museum of Art
    Kelchkrater mit Reliefs von Jungfrauen und tanzenden Mänaden; 1. Jahrhundert n. Chr.; pentelischer Marmor ; Höhe: 80,7 cm; Metropolitan Museum of Art
  • Panoramablick auf das Pantheon (Rom), erbaut zwischen 113 und 125 n. Chr.
    Panoramablick auf das Pantheon (Rom), erbaut zwischen 113 und 125 n. Chr.
  • Kopf einer Göttin mit Diadem; 1.–2. Jahrhundert; Marmor; Höhe: 23 cm; Metropolitan Museum of Art
    Kopf einer Göttin mit Diadem; 1.–2. Jahrhundert; Marmor; Höhe: 23 cm; Metropolitan Museum of Art
  • Couch und Fußhocker; 1.–2. Jahrhundert n. Chr.; Holz, Knochen und Glas; Couch: 105,4 × 76,2 × 214,6 cm; Metropolitan Museum of Art
    Couch und Fußhocker; 1.–2. Jahrhundert n. Chr.; Holz, Knochen und Glas; Couch: 105,4 × 76,2 × 214,6 cm; Metropolitan Museum of Art
  • Sarkophag mit Apollo, Minerva und den Musen; um 200 n. Chr.; von der Via Appia; Antikensammlung Berlin (Berlin)
    Sarkophag mit Apollo , Minerva und den Musen ; um 200 n. Chr.; von der Via Appia ; Antikensammlung Berlin (Berlin)
  • Sarkophag mit Girlanden; 200–225 n. Chr.; Marmor; 134,6 × 223,5 cm; Metropolitan Museum of Art
    Sarkophag mit Girlanden ; 200–225; Marmor; 134,6 × 223,5 cm; Metropolitan Museum of Art
  • Triumph des Neptun auf einem von zwei Seepferdchen gezogenen Streitwagen; Mitte des 3. Jahrhunderts; Archäologisches Museum von Sousse (Tunesien)
    Triumph des Neptun auf einem von zwei Seepferdchen gezogenen Streitwagen; Mitte des 3. Jahrhunderts; Archäologisches Museum von Sousse (Tunesien)
  • Das Theseus-Mosaik; 300–400 n. Chr.; Marmor und Kalksteinkiesel; 4,1 x 4,2 m; Kunsthistorisches Museum (Wien, Österreich)
    Das Theseus-Mosaik ; 300–400 n. Chr.; Marmor und Kalksteinkiesel; 4,1 x 4,2 m; Kunsthistorisches Museum ( Wien , Österreich)

Mittelalter

Die meisten erhaltenen Kunstwerke aus dem Mittelalter waren religiös geprägt und wurden häufig von der Kirche , einflussreichen Kirchenvertretern wie Bischöfen , Gemeinschaften wie Abteien oder wohlhabenden weltlichen Gönnern finanziert . Viele hatten spezifische liturgische Funktionen – beispielsweise Prozessionskreuze und Altarbilder .

Eine der zentralen Fragen zur mittelalterlichen Kunst betrifft ihren Mangel an Realismus. Mit dem Untergang Roms ging viel Wissen über Perspektive in der Kunst und das Verständnis der menschlichen Figur verloren . Doch Realismus war nicht das Hauptanliegen mittelalterlicher Künstler. Sie versuchten, eine religiöse Botschaft zu vermitteln – eine Aufgabe, die klare, ikonische Bilder erfordert, nicht präzise Darstellungen.

Zeitraum : 6. Jahrhundert bis 15. Jahrhundert

Frühmittelalterliche Kunst

Die Kunst der Völkerwanderungszeit ist ein Sammelbegriff für die Kunst der Völker, die in ehemals römische Gebiete einwanderten. Auf den Britischen Inseln verschmolz die keltische Kunst im 7. und 8. Jahrhundert durch den Kontakt mit den Angelsachsen mit germanischen Traditionen . So entstand der hiberno-sächsische Stil oder die insulare Kunst , die das übrige Mittelalter maßgeblich prägte. Die Franken entwickelten die merowingische Kunst bis etwa 800 n. Chr., als die karolingische Kunst insulare Einflüsse mit einer bewussten Wiederbelebung der Klassik verband und sich zur ottonischen Kunst entwickelte . Die angelsächsische Kunst bezeichnet die Kunst Englands nach der insularen Periode. Illuminierte Handschriften enthalten fast alle erhaltenen Gemälde dieser Epoche, aber auch Architektur, Metallarbeiten und kleine Schnitzereien aus Holz oder Elfenbein waren wichtige Ausdrucksformen.

  • Gürtelschnalle von Sutton Hoo; 580–620; Gold und Niello; Länge: 13,1 cm; British Museum (London)
    Gürtelschnalle von Sutton Hoo ; 580–620; Gold und Niello; Länge: 13,1 cm; British Museum (London)
  • Der Helm von Sutton Hoo; frühes 7. Jahrhundert n. Chr.; Kupferlegierung, Eisen, Gold und Granat; Höhe: 31,8 cm; British Museum
    Der Helm von Sutton Hoo ; frühes 7. Jahrhundert n. Chr.; Kupferlegierung, Eisen, Gold und Granat ; Höhe: 31,8 cm; Britisches Museum
  • Schulterspange aus Sutton Hoo; frühes 7. Jahrhundert; Gold, Glas und Granat; Länge: 12,7 cm; British Museum
    Schulterspange aus Sutton Hoo ; frühes 7. Jahrhundert; Gold, Glas und Granat ; Länge: 12,7 cm; British Museum
  • Incipit zum Matthäusevangelium aus dem Buch von Lindisfarne; spätes 7. Jahrhundert; Tinte und Pigmente auf Pergament; 34 x 25 cm; British Library (London)
    Incipit zum Matthäusevangelium aus dem Buch von Lindisfarne ; spätes 7. Jahrhundert; Tinte und Pigmente auf Pergament; 34 x 25 cm; British Library (London)

Byzantinisch

Die byzantinische Kunst überschneidet sich bis zum Bilderstreit (730–843) mit der sogenannten frühchristlichen Kunst oder verschmilzt mit ihr. In dieser Zeit wurde der Großteil der figürlichen Kunstwerke zerstört; so wenig ist erhalten geblieben, dass jede Entdeckung heute neue Erkenntnisse liefert. Von 843 bis 1453 lässt sich eine eigenständige byzantinische Kunsttradition nachweisen. Sie zählt hinsichtlich Materialqualität und künstlerischer Ausführung oft zu den herausragendsten Kunstformen des Mittelalters und hatte ihren Produktionsschwerpunkt in Konstantinopel. Die monumentalen Fresken und Mosaiken in Kuppelkirchen bildeten den Höhepunkt der byzantinischen Kunst, von denen die meisten durch Naturkatastrophen und die Umwandlung von Kirchen in Moscheen verloren gingen.

Romanik

Die romanische Kunst bezeichnet die Zeit von etwa 1000 bis zum Aufstieg der Gotik im 12. Jahrhundert. Es war eine Epoche zunehmenden Wohlstands, in der sich erstmals ein einheitlicher Stil in ganz Europa, von Skandinavien bis Sizilien, durchsetzte. Romanische Kunst ist dynamisch und direkt, war ursprünglich farbenprächtig und oft sehr raffiniert. Buntglas und Emaille auf Metallarbeiten wurden zu wichtigen Ausdrucksformen, und es entstanden größere, vollplastische Skulpturen, wobei das Hochrelief die vorherrschende Technik blieb. Ihre Architektur ist geprägt von dicken Mauern, Rundbogenfenstern und -fenstern sowie reich verzierten Schnitzereien.

gotisch

Der Begriff „gotische Kunst“ ist je nach Kunstform, Ort und Epoche variabel. Er entstand um 1140 im Zusammenhang mit der gotischen Architektur, doch die gotische Malerei entwickelte sich erst um 1200 (diese Datierung ist umstritten) und spaltete sich vom romanischen Stil ab. Die gotische Skulptur entstand 1144 in Frankreich mit der Renovierung der Abteikirche Saint-Denis und verbreitete sich in ganz Europa. Im 13. Jahrhundert wurde sie zum Internationalen Stil und löste die Romanik ab. Die Internationale Gotik beschreibt die gotische Kunst von etwa 1360 bis 1430, danach verschmolz sie zu unterschiedlichen Zeiten und an verschiedenen Orten mit der Kunst der Renaissance. In dieser Zeit gewannen Kunstformen wie die Fresko- und Tafelmalerei an Bedeutung, und die Epoche endete mit neuen Medien wie dem Druckgrafik.

  • Teil des königlichen Portals; 1145–1155; Kalkstein; Kathedrale von Chartres (Chartres, Frankreich)
    Teil des königlichen Portals; 1145–1155; Kalkstein; Kathedrale von Chartres ( Chartres , Frankreich)
  • Fenster des nördlichen Querschiffs; um 1230–1235; Buntglas; Durchmesser (Rosenfenster): 10,2 m; Kathedrale von Chartres
    Fenster des nördlichen Querschiffs; um 1230–1235; Buntglas; Durchmesser (Rosenfenster): 10,2 m; Kathedrale von Chartres
  • Szenen aus der Legende des Heiligen Vinzenz von Saragossa; 1245–1247; Gussglas, Glasmalerei und Blei; Gesamtmaße: 373,4 x 110,5 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)
    Szenen aus der Legende des Heiligen Vinzenz von Saragossa; 1245–1247; Gussglas, Glasmalerei und Blei; Gesamtmaße: 373,4 x 110,5 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)
  • Französisches Diptychon mit der Krönung Mariens und dem Jüngsten Gericht; 1260–1270; Elefantenelfenbein mit Metallbeschlägen; Gesamtmaße: 12,7 x 13 x 1,9 cm; Metropolitan Museum of Art
    Französisches Diptychon mit der Krönung Mariens und dem Jüngsten Gericht; 1260–1270; Elefantenelfenbein mit Metallbeschlägen; Gesamtmaße: 12,7 x 13 x 1,9 cm; Metropolitan Museum of Art
  • Thronende Madonna mit Kind; 1260–1280; Elefantenelfenbein mit Farb- und Vergoldungsspuren; Gesamtmaße: 18,4 x 7,6 x 7,3 cm; Metropolitan Museum of Art
    Thronende Madonna mit Kind; 1260–1280; Elefantenelfenbein mit Farb- und Vergoldungsspuren; Gesamtmaße: 18,4 x 7,6 x 7,3 cm; Metropolitan Museum of Art
  • Bifolium mit den Dekretalen von Gratian; um 1290; Tempera und Gold auf Pergament, braune Tinte, moderner Ledereinband; Gesamtmaße: 48,3 x 29,2 x 1,3 cm, geöffnet: 47,2 cm; Metropolitan Museum of Art
    Bifolium mit den Dekretalen von Gratian ; um 1290; Tempera und Gold auf Pergament, braune Tinte, moderner Ledereinband; Gesamtmaße: 48,3 x 29,2 x 1,3 cm, geöffnet: 47,2 cm; Metropolitan Museum of Art
  • Deutsches Diptychon mit religiösen Szenen; 1300–1325; vergoldetes Silber mit durchscheinenden und opaken Emailfarben; Gesamtmaße (geöffnet): 6,1 x 8,6 x 0,8 cm; Metropolitan Museum of Art
    Deutsches Diptychon mit religiösen Szenen; 1300–1325; vergoldetes Silber mit durchscheinenden und opaken Emailfarben; Gesamtmaße (geöffnet): 6,1 x 8,6 x 0,8 cm; Metropolitan Museum of Art
  • Seite aus Très Riches Heures du Duc de Berry mit Darstellung der Beisetzung von Raimund Diocrès; 1411–1416 und 1485–1486; Tempera auf Pergament; Höhe: 29 cm, Breite: 21 cm; Condé Museum (Chantilly, Frankreich)
    Seite aus Très Riches Heures du Duc de Berry mit Darstellung der Beisetzung von Raimund Diocrès; 1411–1416 und 1485–1486; Tempera auf Pergament ; Höhe: 29 cm, Breite: 21 cm; Condé-Museum ( Chantilly, Frankreich )
  • Die Dame und das Einhorn, der Titel einer Serie von sechs in Flandern gewebten Wandteppichen, dieser hier trägt den Namen À Mon Seul Désir; spätes 15. Jahrhundert; Wolle und Seide; 377 x 473 cm; Musée de Cluny (Paris)
    Die Dame und das Einhorn , der Titel einer Serie von sechsin Flandern gewebten Wandteppichen , dieser hier trägt den Namen À Mon Seul Désir ; spätes 15. Jahrhundert; Wolle und Seide; 377 x 473 cm; Musée de Cluny (Paris)
  • Österreichische Statue der thronenden Madonna; 1490–1500; Kalkstein mit Gesso, bemalt und vergoldet; 80,3 × 59,1 × 23,5 cm; Metropolitan Museum of Art
    Österreichische Statue der thronenden Madonna; 1490–1500; Kalkstein mit Gesso , bemalt und vergoldet; 80,3 × 59,1 × 23,5 cm; Metropolitan Museum of Art
  • Eingang in Jerusalem; um 1500; Gemälde; Museum der Schönen Künste von Lyon (Lyon, Frankreich)
    Eingang in Jerusalem ; um 1500; Gemälde; Museum der Schönen Künste von Lyon ( Lyon , Frankreich)
  • Flamboyante gotische Kreuzfenster des Hôtel de Sens (Paris)
    Flamboyante gotische Kreuzfenster des Hôtel de Sens (Paris)

Renaissance

Leonardo da Vincis Vitruvianischer Mensch ( Uomo Vitruviano ) (um 1490) ist ein wegweisendes Werk der Renaissance. Die Zeichnung ist inspiriert von dem römischen Architekten und Autor Vitruv (1. Jahrhundert v. Chr.) und dessen Vorstellungen von den „idealen“ Proportionen des menschlichen Körpers , die er in seinem Werk „De architectura“ darlegte . [ 31 ] [ 32 ] Die Zeichnung verdeutlicht die Faszination der Renaissance für die griechisch-römische Zivilisation und die Aneignung klassischer Kunst sowie das Streben nach einem Zusammenhang zwischen Körperbau und Natur. [ 32 ]

Die Renaissance zeichnet sich durch die Hinwendung zu den Künsten des antiken Griechenlands und Roms aus , was zu zahlreichen Veränderungen sowohl in den technischen Aspekten der Malerei und Bildhauerei als auch in ihren Sujets führte. Sie begann in Italien , einem Land reich an römischem Erbe und materiellem Wohlstand, der Künstler finanziell unterstützte. Während der Renaissance steigerten Maler den Realismus ihrer Werke durch neue Perspektivtechniken und stellten so die Dreidimensionalität authentischer dar. Künstler wandten auch neue Techniken zur Licht- und Schattengestaltung an, wie den in vielen Porträts Tizians sichtbaren Tonwertkontrast und die Entwicklung von Sfumato und Chiaroscuro durch Leonardo da Vinci . Auch Bildhauer entdeckten viele antike Techniken wie den Kontrapost wieder . Im humanistischen Geist der Zeit wandte sich die Kunst weltlicheren Themen zu und stellte neben christlichen Motiven auch antike Mythologie dar . Diese Kunstrichtung wird oft als Renaissance-Klassizismus bezeichnet . Im Norden war die wichtigste Neuerung der Renaissance die weitverbreitete Verwendung von Ölfarben , die eine größere Farbkraft und Intensität ermöglichte.

Von der Gotik zur Renaissance

Im späten 13. und frühen 14. Jahrhundert war die Malerei in Italien größtenteils byzantinisch geprägt, insbesondere die von Duccio von Siena und Cimabue von Florenz, während Pietro Cavallini in Rom eher dem gotischen Stil folgte. Im 13. Jahrhundert begannen italienische Bildhauer, sich nicht nur von mittelalterlichen Vorbildern, sondern auch von antiken Werken inspirieren zu lassen. [ 33 ]

Im Jahr 1290 begann Giotto , in einer weniger traditionellen und stärker auf Naturbeobachtung basierenden Weise zu malen. Sein berühmter Zyklus in der Scrovegni-Kapelle in Padua gilt als Beginn des Renaissancestils .

Andere Maler des 14. Jahrhunderts führten den gotischen Stil zu großer Ausarbeitung und Detailgenauigkeit. Zu den bedeutendsten dieser Maler zählen Simone Martini und Gentile da Fabriano .

In den Niederlanden ermöglichte die Ölmalerei im Gegensatz zur Temperamalerei eine detailreiche Darstellungsweise , die nicht auf Blattgold und Reliefs, sondern auf der präzisen Wiedergabe der Natur beruhte. In dieser Zeit entwickelte sich die Kunst, Texturen mit großem Realismus zu malen. Niederländische Maler wie Jan van Eyck und Hugo van der Goes übten einen bedeutenden Einfluss auf die Malerei der Spätgotik und der Frührenaissance aus.

Frührenaissance

Die Ideen der Renaissance entstanden zuerst im italienischen Stadtstaat Florenz . Der Bildhauer Donatello griff auf klassische Techniken wie den Kontrapost und klassische Sujets wie den freistehenden Akt zurück – seine zweite David -Skulptur war der erste freistehende Bronzeakt, der seit dem Römischen Reich in Europa geschaffen wurde. Der Bildhauer und Architekt Brunelleschi studierte die architektonischen Ideen antiker römischer Bauten, um sich inspirieren zu lassen. Masaccio perfektionierte Elemente wie Komposition, individuellen Ausdruck und die menschliche Gestalt, um Fresken von überraschender Eleganz, Dramatik und Ausdruckskraft zu malen, insbesondere jene in der Brancacci-Kapelle .

Eine bemerkenswerte Anzahl dieser bedeutenden Künstler wirkte an verschiedenen Teilen des Florentiner Doms mit . Brunelleschis Kuppel war eine der ersten wirklich revolutionären architektonischen Neuerungen seit dem gotischen Strebebogen. Donatello schuf viele der Skulpturen. Auch Giotto und Lorenzo Ghiberti trugen zum Dom bei.

Hochrenaissance

Zu den Künstlern der Hochrenaissance zählen Persönlichkeiten wie Leonardo da Vinci , Michelangelo Buonarroti und Raffaello Sanzio .

Die künstlerischen Entwicklungen des 15. Jahrhunderts in Italien (beispielsweise das Interesse an Perspektive, Anatomie und der klassischen Kultur) erreichten im 16. Jahrhundert ihren Höhepunkt, was die Bezeichnungen „Frührenaissance“ für das 15. und „Hochrenaissance“ für das 16. Jahrhundert erklärt. Obwohl die Hochrenaissance keinen einheitlichen Stil aufweist, zeugt die Kunst derjenigen, die am engsten mit dieser Epoche verbunden sind – Leonardo da Vinci, Raffael, Michelangelo und Tizian – von einer erstaunlichen Meisterschaft, sowohl in technischer als auch in ästhetischer Hinsicht. Künstler der Hochrenaissance schufen Werke von solcher Autorität, dass Generationen nachfolgender Künstler sich an ihnen orientierten. Diese beispielhaften Kunstwerke steigerten das Ansehen der Künstler zusätzlich. Sie konnten göttliche Inspiration für sich beanspruchen und die bildende Kunst damit auf eine Stufe erheben, die zuvor der Poesie vorbehalten war. So erlangten Maler, Bildhauer und Architekten ihre volle Bedeutung und sicherten sich einen hohen Platz in der bildenden Kunst. In gewisser Hinsicht schufen die Meister des 16. Jahrhunderts einen neuen Berufsstand mit eigenen Ausdrucksrechten und eigenem ehrwürdigen Charakter.

Nordische Kunst bis zur Renaissance

Die frühe niederländische Malerei entwickelte (aber erfand nicht genau) die Technik der Ölmalerei , um eine größere Kontrolle beim Malen kleinster Details mit Realismus zu ermöglichen – Jan van Eyck  (1366–1441) war eine Figur in der Bewegung von illuminierten Handschriften zu Tafelbildern .

Hieronymus Bosch (1450?–1516), ein niederländischer Maler, ist eine weitere bedeutende Persönlichkeit der nördlichen Renaissance . Er verwendete religiöse Themen, verband sie jedoch mit grotesken Fantasien, farbenprächtigen Darstellungen und bäuerlichen Volkssagen. Seine Gemälde spiegeln oft die Verwirrung und die Angst wider, die mit dem Ende des Mittelalters einhergingen.

Albrecht Dürer führte Ende des 15. Jahrhunderts den italienischen Renaissancestil in Deutschland ein und prägte die deutsche Renaissancekunst maßgeblich .

Zeitraum :

  • Italienische Renaissance: Vom späten 14. bis zum frühen 16. Jahrhundert
  • Nordische Renaissance: 16. Jahrhundert

Manierismus, Barock und Rokoko

Unterschiede zwischen Barock- und Rokokokunst
Die Barockkunst war geprägt von stark religiösen und politischen Themen; zu ihren typischen Merkmalen zählten leuchtende Farben mit einem ausgeprägten Hell-Dunkel-Kontrast. Die Gemälde waren detailreich, emotional und dramatisch. (Beispiel: Caravaggios Christus an der Säule ( Cristo alla colonna ))
Die Rokokokunst zeichnete sich durch heitere, oft heitere Themen aus; typische Merkmale waren blasse, cremige Farben, üppige Verzierungen und eine Vorliebe für idyllische Landschaften. Die Gemälde waren aufwendiger gestaltet als ihre barocken Pendants und in der Regel anmutig, verspielt und unbeschwert.

In der europäischen Kunst brachte die Renaissance zwei Strömungen hervor: den Manierismus und den Barock . Der Manierismus, eine Reaktion auf die idealistische Perfektion des Klassizismus, nutzte Verzerrungen von Licht und Raum, um den emotionalen Gehalt eines Gemäldes und die Gefühle des Malers hervorzuheben. Das Werk El Grecos ist ein besonders deutliches Beispiel für den Manierismus in der Malerei des späten 16. und frühen 17. Jahrhunderts. Der nordische Manierismus entwickelte sich langsamer und war im Wesentlichen eine Bewegung der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Die Barockkunst führte den Repräsentationalismus der Renaissance zu neuen Höhen und betonte in ihrem Streben nach Schönheit Detail, Bewegung, Licht und Dramatik. Zu den bekanntesten Barockmalern zählen Caravaggio , Rembrandt , Peter Paul Rubens und Diego Velázquez .

Im Goldenen Zeitalter der niederländischen Malerei des 17. Jahrhunderts entwickelte sich aus den realistischen Traditionen des Nordens eine ganz andere Kunstform. Religiöse Kunst und Historienmalerei spielten dabei kaum eine Rolle; stattdessen trugen sie maßgeblich zur Entwicklung weltlicher Genres wie Stillleben , Genrebilder mit Alltagsszenen und Landschaftsmalerei bei . Während der barocke Charakter von Rembrandts Kunst unverkennbar ist, trifft diese Bezeichnung auf Vermeer und viele andere niederländische Künstler weniger zu. Die flämische Barockmalerei war Teil dieser Entwicklung und führte gleichzeitig die traditionellen Kategorien fort.

Die Barockkunst wird oft als Teil der Gegenreformation betrachtet – als künstlerischer Ausdruck der spirituellen Erneuerung in der römisch-katholischen Kirche . Darüber hinaus wird die Betonung von Pracht und Erhabenheit in der Barockkunst als absolutistisch angesehen . Religiöse und politische Themen wurden im barocken Kunstkontext umfassend behandelt, und ein starkes Element von Dramatik, Emotionalität und Theatralik prägte sowohl Gemälde als auch Skulpturen. Zu den berühmten Barockkünstlern zählen Caravaggio und Rubens . [ 37 ] Artemisia Gentileschi war eine weitere bedeutende Künstlerin, die von Caravaggios Stil inspiriert war. Die Barockkunst war besonders reichhaltig und aufwendig, oft in satten, warmen Farben mit dunklen Untertönen. Pomp und Erhabenheit waren wichtige Elemente der barocken Kunstbewegung im Allgemeinen, wie man an Ludwig XIV.s Ausspruch „Ich bin die Verkörperung von Größe“ erkennen kann; viele Barockkünstler dienten Königen, die dieses Ziel verwirklichten wollten. Die Barockkunst wies in vielerlei Hinsicht Ähnlichkeiten mit der Renaissancekunst auf. Tatsächlich wurde der Begriff ursprünglich abwertend verwendet, um übermäßig aufwendige Kunst und Architektur der Nachrenaissance zu beschreiben. [ 37 ] Die Barockkunst kann als eine aufwendigere und dramatischere Weiterentwicklung der Kunst der Spätrenaissance betrachtet werden.

Im 18. Jahrhundert geriet die Barockkunst jedoch aus der Mode, da sie vielen als zu melodramatisch und düster erschien, und machte Platz für das Rokoko , das in Frankreich entstand. Die Rokokokunst war noch aufwendiger als der Barock, aber weniger ernst und verspielter. [ 38 ] Während der Barock kräftige, satte Farben verwendete, bevorzugte das Rokoko blasse, cremige Töne. Die Kunstrichtung legte keinen Wert mehr auf Politik und Religion, sondern konzentrierte sich auf leichtere Themen wie Romantik, Feste und die Wertschätzung der Natur. Die Rokokokunst unterschied sich auch vom Barock, da sie oft die Symmetrie zugunsten asymmetrischer Designs ablehnte. Darüber hinaus ließ sie sich von den Kunstformen und Ornamenten Ostasiens inspirieren , was zu einer Zunahme der Beliebtheit von Porzellanfiguren und der Chinoiserie im Allgemeinen führte . [ 39 ] Der Stil des 18. Jahrhunderts erlebte eine kurze Blütezeit; Dennoch geriet der Rokokostil bald in Ungnade, da er von vielen als prunkvolle und oberflächliche Bewegung angesehen wurde, die die Ästhetik über den Inhalt stellte. Der Neoklassizismus entwickelte sich in vielerlei Hinsicht als Gegenbewegung zum Rokoko, angetrieben von einem Gefühl des Ekels gegenüber dessen verschnörkelten Zügen.

Manierismus (16. Jahrhundert)

Barock (frühes 17. bis Mitte des frühen 18. Jahrhunderts)

Rokoko (frühes bis mittleres 18. Jahrhundert)

Neoklassizismus, Romantik, Akademismus und Realismus

Die neoklassizistische Kunst, inspiriert von verschiedenen klassischen Themen, zeichnete sich durch die Betonung von Einfachheit, Ordnung und Idealismus aus. Das Bild „ Psyche, vom Kuss des Amor wiedererweckt “ von Antonio Canova (1787–1793) veranschaulicht dies.

Im Laufe des 18. Jahrhunderts entstand in verschiedenen Teilen Europas eine Gegenbewegung zum Rokoko, der Neoklassizismus . Er verachtete die vermeintliche Oberflächlichkeit und Frivolität der Rokokokunst und strebte nach einer Rückkehr zur Schlichtheit, Ordnung und zum „Purismus“ der klassischen Antike, insbesondere des antiken Griechenlands und Roms. Die Bewegung wurde auch teilweise von der Renaissance beeinflusst, die ihrerseits stark von der klassischen Kunst geprägt war. Der Neoklassizismus war die künstlerische Komponente der intellektuellen Bewegung der Aufklärung ; die Aufklärung war idealistisch und legte Wert auf Objektivität, Vernunft und empirische Wahrheit. Der Neoklassizismus verbreitete sich im 18. Jahrhundert in Europa, insbesondere in Großbritannien , wo in dieser Zeit bedeutende Werke neoklassizistischer Architektur entstanden. Die Faszination des Neoklassizismus für die klassische Antike zeigt sich in der Popularität der Grand Tour in diesem Jahrzehnt, bei der wohlhabende Aristokraten die antiken Ruinen Italiens und Griechenlands bereisten. Dennoch markierte die Französische Revolution im späten 18. Jahrhundert einen Wendepunkt für den Neoklassizismus . In Frankreich wurde die Rokokokunst durch den bevorzugten Neoklassizismus ersetzt, der als seriöser galt. In vielerlei Hinsicht kann der Neoklassizismus sowohl als politische als auch als künstlerische und kulturelle Bewegung verstanden werden. [ 40 ] Die neoklassizistische Kunst betont Ordnung, Symmetrie und klassische Schlichtheit; zu ihren häufigsten Themen zählen Mut und Krieg, die bereits in der antiken griechischen und römischen Kunst häufig thematisiert wurden. Ingres , Canova und Jacques-Louis David gehören zu den bekanntesten Neoklassizisten. [ 41 ]

Eugène Delacroix , Die Freiheit führt das Volk, 1830, Romantische Kunst .

So wie der Manierismus den Klassizismus ablehnte, so verwarf die Romantik die Ideen der Aufklärung und die Ästhetik des Neoklassizismus. Sie wandte sich gegen die streng objektive und geordnete Natur des Neoklassizismus und bevorzugte einen individuelleren und emotionaleren Zugang zur Kunst. [ 42 ] Die Romantik betonte die Natur, insbesondere wenn es darum ging, die Kraft und Schönheit der natürlichen Welt sowie Emotionen darzustellen, und strebte nach einem sehr persönlichen Zugang zur Kunst. Im Gegensatz zum Neoklassizismus ging es in der romantischen Kunst um individuelle Gefühle, nicht um allgemeine Themen; so nutzte die romantische Kunst häufig Farbe, um Gefühle und Emotionen auszudrücken. [ 42 ] Ähnlich wie der Neoklassizismus schöpfte die romantische Kunst viel Inspiration aus der antiken griechischen und römischen Kunst und Mythologie, doch im Gegensatz zum Neoklassizismus diente diese Inspiration primär der Schaffung von Symbolik und Bildsprache. Die romantische Kunst entlehnte ihre ästhetischen Qualitäten auch dem Mittelalter und der Gotik sowie der Mythologie und Folklore . Zu den bedeutendsten Künstlern der Romantik zählten Eugène Delacroix , Francisco Goya , J. M. W. Turner , John Constable , Caspar David Friedrich , Thomas Cole und William Blake . [ 41 ]

Die meisten Künstler verfolgten einen zentristischen Ansatz und integrierten Elemente des Neoklassizismus und der Romantik zu einer Synthese. Die verschiedenen Versuche fanden innerhalb der Französischen Akademie statt und werden zusammenfassend als Akademische Kunst bezeichnet . Adolphe William Bouguereau gilt als ein Hauptvertreter dieser Kunstrichtung.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts veränderte die Industrialisierung das Gesicht Europas jedoch radikal . Armut, Elend und Verzweiflung sollten das Schicksal der neuen, durch die „Revolution“ entstandenen Arbeiterklasse bestimmen . Als Reaktion auf diese gesellschaftlichen Veränderungen entstand der Realismus . Er strebte danach, die Lebensbedingungen und das Leid der Armen realistisch darzustellen, um so einen gesellschaftlichen Wandel herbeizuführen. Im Gegensatz zur Romantik, die im Wesentlichen optimistisch in Bezug auf die Menschheit war, bot der Realismus ein schonungsloses Bild von Armut und Verzweiflung. Während die Romantik die Natur verherrlichte, schilderte der Realismus das Leben in den Tiefen urbaner Ödnis. Wie die Romantik war auch der Realismus eine literarische und künstlerische Bewegung. Zu den großen realistischen Malern zählen unter anderem Jean-Baptiste-Siméon Chardin , Gustave Courbet , Jean-François Millet , Camille Corot , Honoré Daumier , Édouard Manet , Edgar Degas (beide gelten als Impressionisten ) und Thomas Eakins .

Die Reaktion der Architektur auf die Industrialisierung, im deutlichen Gegensatz zu den anderen Künsten, war eine Hinwendung zum Historismus. Obwohl die in dieser Zeit errichteten Bahnhöfe oft als die authentischsten Spiegelbilder ihres Geistes gelten – sie werden mitunter als „Kathedralen ihrer Zeit“ bezeichnet –, waren die wichtigsten architektonischen Strömungen des Industriezeitalters Wiederbelebungen von Stilen aus der fernen Vergangenheit, wie beispielsweise die Neugotik . Verwandte Bewegungen waren die Präraffaelitische Bruderschaft , die die Kunst zu ihrer „Reinheit“ vor Raffael zurückführen wollte , und die Arts-and-Crafts-Bewegung , die sich gegen die Unpersönlichkeit massenproduzierter Waren wandte und eine Rückkehr zum mittelalterlichen Handwerk forderte.

Zeitraum :

  • Neoklassizismus : Mitte bis Anfang des 18. Jahrhunderts bis zum Beginn des 19. Jahrhunderts
  • Romantik : vom späten 18. bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts
  • Realismus : 19. Jahrhundert

Moderne Kunst

Der Impressionismus war bekannt für die Verwendung von Licht und Bewegung in seinen Gemälden, wie beispielsweise in Claude Monets „ Houses of Parliament, Sunset“ von 1902.
Art & Language sind bekannt für ihren bedeutenden Beitrag zur Konzeptkunst.

Aus der naturalistischen Ethik des Realismus erwuchs eine bedeutende Kunstrichtung: der Impressionismus . Die Impressionisten waren Pioniere im Umgang mit Licht in der Malerei und versuchten, es so einzufangen, wie es das menschliche Auge wahrnimmt. Edgar Degas , Édouard Manet , Claude Monet , Camille Pissarro und Pierre-Auguste Renoir gehörten alle zur impressionistischen Bewegung. Als direkte Weiterentwicklung des Impressionismus entstand der Postimpressionismus . Paul Cézanne , Vincent van Gogh , Paul Gauguin und Georges Seurat zählen zu den bekanntesten Postimpressionisten.

Nach den Impressionisten und Postimpressionisten folgte der Fauvismus , der oft als erste „moderne“ Kunstrichtung gilt. So wie die Impressionisten das Licht revolutionierten, so überdachten die Fauvisten die Farbe und malten ihre Leinwände in leuchtenden, wilden Farbtönen. Nach den Fauvisten entwickelte sich die moderne Kunst in all ihren Formen, vom Expressionismus , der durch objektive Kunstwerke Emotionen hervorrufen wollte, über den Kubismus , die Kunst, eine vierdimensionale Realität auf eine flache Leinwand zu übertragen, bis hin zur abstrakten Kunst . Diese neuen Kunstformen erweiterten die Grenzen traditioneller Kunstvorstellungen und spiegelten die rasanten Veränderungen in Gesellschaft, Technologie und Denken wider.

Der Surrealismus wird oft als eine Form der modernen Kunst eingeordnet. Die Surrealisten selbst haben sich jedoch gegen die Betrachtung des Surrealismus als kunsthistorische Epoche ausgesprochen. Sie argumentieren, dass dies die Komplexität der Bewegung (die ihrer Ansicht nach keine künstlerische Bewegung ist) zu stark vereinfacht, das Verhältnis des Surrealismus zur Ästhetik falsch darstellt und den fortwährenden Surrealismus fälschlicherweise als abgeschlossene, historisch in sich geschlossene Epoche charakterisiert. Weitere Formen der modernen Kunst (von denen einige an die zeitgenössische Kunst angrenzen ) sind:

Zeitraum :

  • Impressionismus: Ende des 19. Jahrhunderts
  • Andere: Erste Hälfte des 20. Jahrhunderts

Zeitgenössische Kunst und postmoderne Kunst

Charles Thomson . Sir Nicholas Serota trifft eine Akquisitionsentscheidung , 2000, Stuckism .

Die moderne Kunst nahm bereits einige Merkmale dessen vorweg, was später als postmoderne Kunst definiert werden sollte; tatsächlich lassen sich einige moderne Kunstrichtungen, wie beispielsweise die Pop Art , sowohl der modernen als auch der postmodernen Kunst zuordnen . Die postmoderne Kunst legt beispielsweise großen Wert auf Ironie, Parodie und Humor; die moderne Kunst begann, einen ironischeren Ansatz zu entwickeln, der später im postmodernen Kontext weiterentwickelt wurde. Die postmoderne Kunst verwischt die Grenzen zwischen Hoch- und bildender Kunst sowie zwischen Populär- und Gebrauchskunst; die moderne Kunst begann, mit dieser Verwischung zu experimentieren. [ 42 ] Jüngste Entwicklungen in der Kunst sind durch eine signifikante Erweiterung dessen gekennzeichnet, was heute als Kunst gelten kann, in Bezug auf Materialien, Medien, Aktivitäten und Konzepte. Insbesondere die Konzeptkunst hat einen großen Einfluss ausgeübt. Sie begann buchstäblich als Ersatz eines fertigen Objekts durch ein Konzept, wobei eine ihrer Intentionen darin bestand, die Kommerzialisierung der Kunst zu widerlegen. Heute bezieht sie sich jedoch meist auf ein Kunstwerk, bei dem zwar ein Objekt vorhanden ist, der Hauptanspruch des Werkes aber auf dem ihm zugrunde liegenden Denkprozess liegt. Der Aspekt des Kommerzialismus ist somit in die Kunst zurückgekehrt.

Zudem hat die Zahl der Kunstwerke zugenommen, die sich auf frühere Kunstrichtungen und Künstler beziehen und durch diese Bezugnahme an Gültigkeit gewinnen.

Der Postmodernismus in der Kunst, der seit den 1960er Jahren an Bedeutung gewonnen hat, unterscheidet sich vom Modernismus dadurch, dass die modernen Kunstströmungen primär auf ihre eigenen Aktivitäten und Werte fokussiert waren. Der Postmodernismus hingegen greift auf die gesamte Bandbreite vorangegangener Bewegungen als Bezugspunkt zurück. Dies hat definitionsgemäß eine relativistische Weltsicht hervorgebracht, begleitet von Ironie und einer gewissen Skepsis gegenüber Werten, da diese als austauschbar gelten. Eine weitere Folge davon ist der Aufstieg von Kommerzialisierung und Prominentenkultur. Die postmoderne Kunst hat gängige Regeln und Richtlinien dessen, was als „ schöne Kunst “ gilt, in Frage gestellt und die bildende Kunst mit der Populärkultur verschmolzen, bis keine mehr klar zu unterscheiden ist. [ 43 ] [ 44 ] Vor dem Aufkommen des Postmodernismus zeichnete sich die bildende Kunst durch eine Form ästhetischer Qualität, Eleganz, handwerklicher Perfektion, Finesse und intellektueller Anregung aus, die sich an die Oberschicht oder gebildete Gesellschaft richtete . Dies unterschied die hohe Kunst von der niedrigen Kunst, die wiederum als geschmacklos, kitschig , leicht herzustellen und intellektuell wenig anregend galt – Kunst, die die breite Masse ansprechen sollte. Die postmoderne Kunst verwischte diese Unterscheidungen und brachte ein starkes Element von Kitsch, Kommerz und Camp in die zeitgenössische bildende Kunst ein; [ 42 ] was heute als bildende Kunst gilt, mag vor der postmodernen Revolutionierung des Kunstbegriffs als niedrige Kunst angesehen worden sein. [ 42 ] Darüber hinaus bietet der postmoderne Charakter der zeitgenössischen Kunst viel Raum für Individualismus in der Kunstszene; so lässt sich die postmoderne Kunst beispielsweise oft von vergangenen Kunstrichtungen wie der Gotik oder dem Barock inspirieren und stellt Stile dieser Epochen in einem anderen Kontext gegenüber und recycelt sie. [ 42 ]

Einige Surrealisten , insbesondere Joan Miró , der den „Mord an der Malerei“ forderte (In zahlreichen Interviews ab den 1930er Jahren äußerte Miró Verachtung für konventionelle Malmethoden und den Wunsch, diese zugunsten zeitgenössischerer Ausdrucksmittel zu „töten“, zu „ermorden“ oder zu „vergewaltigen“) [ 45 ] , haben die Malerei angeprangert oder versucht, sie zu „ersetzen“. Auch andere Kunstrichtungen wie Dada und Konzeptkunst verfolgten eine gegen die Malerei gerichtete Bewegung . Dem Trend weg von der Malerei im späten 20. Jahrhundert begegneten verschiedene Strömungen, darunter die Fortführung der Minimal Art , der Lyrischen Abstraktion , der Pop Art , der Op Art , des Neuen Realismus , des Fotorealismus , des Neo Geo , des Neoexpressionismus , der Neuen Europäischen Malerei , des Stuckismus , des Exzessivismus und diverser anderer wichtiger und einflussreicher Malerrichtungen.

Siehe auch

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