Musik aus Puerto Rico

Die Musik Puerto Ricos hat sich als heterogenes und dynamisches Produkt vielfältiger kultureller Einflüsse entwickelt. Zu den prägendsten musikalischen Quellen zählen vor allem afrikanische , indigene Taíno- und europäische Einflüsse. Die puertoricanische Musikkultur umfasst heute eine breite und reiche Vielfalt an Genres, von traditionellen Musikrichtungen wie Bomba , Jíbaro , Seis , Danza und Plena bis hin zu neueren Hybridgenres wie Salsa , Latin Trap und Reggaeton . Im weitesten Sinne schließt der Begriff „puertoricanische Musik“ die Musikkultur der Millionen von Menschen puertoricanischer Abstammung ein, die in den Vereinigten Staaten, insbesondere in New York City, leben. Ihre Musik, von Salsa bis zu den Boleros von Rafael Hernández , ist untrennbar mit der Musikkultur Puerto Ricos selbst verbunden.

Die Musikkultur Puerto Ricos im 16., 17. und 18. Jahrhundert ist nur unzureichend dokumentiert. Sie umfasste zweifellos spanische Troubadoure, Kirchenmusik, Militärmusik und verschiedene Tanzmusikstile, die von den Jíbaros , versklavten Afrikanern und ihren Nachkommen gepflegt wurden. Obwohl diese später nie mehr als 11 % der Inselbevölkerung ausmachten, trugen sie maßgeblich dazu bei, dass einige der dynamischsten und unverwechselbarsten musikalischen Facetten der Insel zu einem unvergesslichen Erlebnis wurden.

Am 19. September 1512 verzeichnete das Zollamt Casa de la Contratación die erste bekannte Einfuhr eines europäischen Musikinstruments nach Puerto Rico: eine kleine Vihuela im Besitz von Alonso de Buenaño. ^{[ 1 ]} Diese Instrumente waren bei den frühen Siedlern beliebt, und bereits im November 1513 importierte der Kaufmann Juan de Vizcaínos achtzehn Rollen für sie. Am 3. Januar 1516 brachte Catalina Ortiz ein Tamburin mit. ^{[ 2 ]} Im Laufe des Jahres trafen weiterhin Vihuelas aus verschiedenen Quellen ein. ^{[ 1 ]} Die erste nachweislich eingeführte Gitarre erreichte Puerto Rico am 11. Dezember 1516; sie gehörte Juan Martín. ^{[ 1 ]} Mit der Ankunft dieser Instrumente und des Villancico etablierten sich Weihnachtstraditionen. ^{[ 2 ]} Schließlich wurde die Vihuela von den Einheimischen weiterentwickelt, woraus die puertoricanische Cuatro entstand . Im Laufe der Zeit wurden das spanische Hackbrett und die Atabes durch die Mbira und die Conga ersetzt, da die afrikanische Kultur assimiliert wurde. ^{[ 2 ]}

Die niederländische Invasion von San Juan im Jahr 1625 beschädigte die Aufzeichnungen der katholischen Kirche und damit auch jegliches Material mit Bezug zur Musik. Es ist bekannt, dass die Kathedrale spätestens 1660 einen Organisten und einen Gregorianischen Choral hatte. ^{[ 3 ]} 1672 wurde ein Maestro eingeführt. Am 23. Juni 1684 bat Bischof Francisco de Padilla um zwei bis vier Hornpipe-Spieler. ^{[ 3 ]} Der Baile de los Seis erfreute sich in Puerto Rico großer Beliebtheit; dabei wurden Kinder von einer Harfe und Mulattinnen von zwei Gitarren begleitet. ^{[ 3 ]} Der Bischof missbilligte diese Praxis und bat den König um Hilfe. ^{[ 3 ]} Ab 1698 blieben die musikalischen Ämter der Kirche unbesetzt, unter anderem weil schwarze und mulattische Künstler Interesse an deren Besetzung zeigten. ^{[ 3 ]} 1749 ordnete Ferdinand VI. die gleichberechtigte Teilhabe an, und bis 1756 waren diese Ämter wieder besetzt. ^{[ 3 ]} Zu den Musikern, die diese Rollen ausfüllten, gehörte José Campeche , der später als Maler Berühmtheit erlangte und als Maestro des Convento de las Carmelitas wirkte. Diese religiösen Einrichtungen bildeten zu Beginn des 18. Jahrhunderts das Zentrum der europäischen Musik. ^{[ 4 ]} Volksmusik und -instrumente waren in der Volkskultur präsent und wurden in Tänze integriert. ^{[ 4 ]}

Im 19. Jahrhundert rückte die puertoricanische Musik in den Fokus der Geschichtsschreibung. Notierte Genres wie Danza waren naturgemäß besser dokumentiert als Volksmusikrichtungen wie Jíbaro und Bomba y Plena . Das 19. Jahrhundert und der Ausbruch der Bolívarischen Kriege in Südamerika führten zu einer verstärkten Befestigung Puerto Ricos, wodurch wiederum Militärkapellen die Oper populär machten. ^{[ 4 ]} Die Sociedad de Amigos del País (gegr. 1813), die Sociedad Filarmónica (1823) und das Ateneo Puertorriqueño (1876) initiierten kulturelle Projekte. ^{[ 5 ]} Ebenso die Gründung eines neuen Stadttheaters. ^{[ 5 ]} Opern wie El barbero de Sevilla (Uraufführung 1835) gelangten früher nach Puerto Rico als in die Vereinigten Staaten. ^{[ 5 ]} Und 1842 wurden Marino Faliero , Beatrice di Tenda und Gemma de Vergy von der Busatti Company präsentiert und von lokalen Musikern harmonisiert. ^{[ 5 ]} Sechs Jahre später stellte diese Gruppe Lucrecia Borgia und Lucia di Lammermoor vor , in denen Félix Astol (vermutlich der Autor von La Borinqueña) mitwirkte.

Parallel dazu feierten befreite Schwarze Feste wie Epiphanias mit Marimbas und Pauken und belebten so ihre traditionellen Rhythmen. ^{[ 6 ]} Die afrikanischen Bewohner der Insel benutzten Trommeln aus geschnitztem Hartholz, die einseitig mit unbehandeltem Rohleder, meist Ziegenhaut, bespannt waren. Ein gängiges kreolisches Wort für diese Trommel war „Shukbwa“ , was so viel wie „Baumstamm“ bedeutet. Nach der Ankunft afrikanischer Sklaven wurde die Bomba zur Musik der Bevölkerung.

1875 beschloss die Provinzdeputation, die musikalische Ausbildung der Waisen im Asilo de Beneficiencia zu fördern. ^{[ 7 ]} Rosario Arturi übernahm die Leitung des Unterrichts und blieb bis zu seinem Tod 1878 Lehrer. ^{[ 8 ]} Sein Nachfolger, Sandalio Callejo, führte Saiteninstrumente und ein Kirchenorchester ein. Die Absolventen schlossen sich Militärkapellen und anderen lokalen Gruppen an. Callejo wurde von Jaime Bastard Tizol abgelöst. ^{[ 8 ]} Auch die Kirche baute ihre musikalische Präsenz aus und unterstellte drei Orchester Felipe Gutiérrez Espinosa (Kathedrale), Sandalio Callejo (San Francisco) und Gregorio Ledesma (San José). ^{[ 9 ]} 1887 gründete José Gotós eine Klavierschule in Mayagüez. Andere wie der Komponist Rosario Aruti, Carlos Allard (Flöte), Juan Inés Ramos & José Álvarez (Klarinette) und José Cabrizas (Klavier) taten das Gleiche in ihrem jeweiligen Fachwissen. ^{[ 4 ]}

Im März 1898 setzten sich Fernando Callejo und andere Musiker für eine Bildungsinitiative im Schulsystem ein, die Harmonium, Orgel und Saxophon umfassen sollte. ^{[ 9 ]} Stipendien sollten an Studenten vergeben werden, die ihr Studium im Ausland fortsetzen wollten. ^{[ 9 ]} Nach dem Spanisch-Amerikanischen Krieg verlor die Kirche ihre führende Rolle in der lokalen Musikszene. ^{[ 9 ]} Francisco Verar war in dieser Zeit und als letzter Lehrer am Asilo de Beneficiencia tätig. ^{[ 8 ]} Das Stadttheater bot auch unter dem neuen Kolonialregime weiterhin Opernaufführungen an, bei denen Ensembles wie die von Augusto Azzali und Adolfo Bracales zu Beginn des 20. Jahrhunderts gastierten. ^{[ 10 ]} Auch Militärkapellen rekrutierten ihre Mitglieder vor Ort; so trat Rafael Hernández 1917 den Hellfighters des 369. Infanterieregiments bei. ^{[ 10 ]}

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts erlebte die „Musica Jíbara“ einen Aufschwung, und Dichter und Troubadoure im Jíbaro-Stil nahmen sowohl in Puerto Rico als auch in New York Musik auf. Namen wie Florencio Morales Ramos („Ramito“) (1915–1989), Odilio Gonzalez („El Jibarito de Lares“) (geb. 1937), Alfonso Vélez („Jíbaro de Añasco“) (geb. 1939) ^{[ 11 ]} und Nito Mendez (1941–2011) ^{[ 12 ]} verbrachten viel Zeit im Studio und prägten so neue Klänge in der Karibik.

Am 8. März 1913 wurden Anstrengungen unternommen, ein Musikkonservatorium, die Academia de Música, Canto y Declamación, zu gründen. Die Leitung der Initiative wurde der Universidad de Puerto Rico (UPR) und dem Sprecher des Repräsentantenhauses von Puerto Rico übertragen . ^{[ 13 ]} Das Projekt wurde jedoch nicht verabschiedet. 1914 dienten die Boys Charity School und ihre Schwesterschule Girls Charity School mehreren Musikern als Ausbildungsstätte, die später städtischen und anderen Orchestern und Bands beitraten. ^{[ 14 ]} Unter ihnen war Rafael Bracero López. ^{[ 15 ]} Während Orte wie der Victory Garden weiterhin erfolgreich Opernaufführungen beherbergten, beschloss Julio C. Arteaga 1920, eine Akademie zu gründen. ^{[ 16 ]}

Während der Amtszeit von Gouverneur Theodore Roosevelt Jr. leitete Arístides Chavier eine Gruppe, die ein Musikkonservatorium gründen wollte. Der Gouverneur bevorzugte jedoch die Volksmusik gegenüber dem von ihnen favorisierten europäischen Stil. Roosevelt erkannte später den Dreikönigstag als Feiertag an. ^{[ 6 ]} In den 1930er Jahren gründete Antonio Paoli das Conservatorio Paoli, das später eine beeindruckende Aufführung der Cavalleria rusticana organisierte, um die Wirksamkeit seiner Lehrmethoden zu beweisen. ^{[ 6 ]} Pro Arte Musical debütierte am 16. Juli 1932, gab anschließend weitere Konzerte und bildete mehrere Musiker aus. ^{[ 17 ]} Am 27. August 1933 stellte Augusto Rodríguez sein Philharmonisches Orchester vor. ^{[ 17 ]} In den 1940er Jahren lud die Kulturabteilung der UPR zahlreiche lokale und internationale Künstler zu Auftritten ein, darunter die Uraufführung von Rafael Hernández’ Zarzuela Cofresí . ^{[ 18 ]}

1946 wurde das Programm der Escuela Libre de Música gegründet, das sich zu einem Eckpfeiler der Musikerziehung im restlichen Jahrhundert entwickelte. ^{[ 18 ]} In den 1950er Jahren gründete der Bürgermeister von Guayama, Obdulia Velázquez, eine Stadtkapelle; in den folgenden Jahrzehnten sollten weitere folgen. ^{[ 19 ]} 1952 setzte sich Ernesto Ramos Antonini für die Gründung eines Musikkonservatoriums ein. ^{[ 18 ]} Dies fiel mit der Ankunft mehrerer europäischer Opernensembles und der Organisation von fünf Opernfestivals zusammen, von denen die ersten beiden (1954–55) von der UPR unterstützt wurden. ^{[ 20 ]} Der Universitätschor sang zusammen mit lokalen Größen wie Flavia Acosta, Graciela Rivera, Félix Caballero und María Esther Robles. ^{[ 21 ]} Anschließend förderte Ángel Ramos das Festival 1956–57 über die Zeitung El Mundo . ^{[ 20 ]}

Versteht man unter „Volksmusik“ Musikrichtungen, die ohne Unterstützung der Eliten entstanden und sich unabhängig von den kommerziellen Massenmedien entwickelt haben, so umfasst die puertoricanische Volksmusik die vorwiegend hispanisch geprägte Jíbaro-Musik, die afro-puertoricanische Bomba und die im Wesentlichen kreolische Plena. Da diese drei Genres in Puerto Rico entstanden und einzigartig für die Insel sind, genießen sie einen hohen Stellenwert in der Inselkultur, auch wenn sie aktuell nicht so populär sind wie zeitgenössische Musikrichtungen wie Salsa oder Reggaeton.

Die Jíbaros sind Kleinbauern gemischter Abstammung, die bis Mitte des 20. Jahrhunderts die überwiegende Mehrheit der puertoricanischen Bevölkerung bildeten. ^{[ 22 ]} Traditionell gelten sie als romantische Ikonen der Landwirtschaft, fleißig, autark, gastfreundlich und mit einer angeborenen Liebe zu Gesang und Tanz. Ihre Instrumente ^{[ 23 ]} waren mit der spanischen Vihuela verwandt, insbesondere die Cuatro – die sich von vier einzelnen Saiten zu fünf Doppelsaitenpaaren entwickelte – ^{[ 24 ]} und die weniger bekannte Tiple. ^{[ 25 ]} Eine typische Jíbaro-Gruppe besteht heutzutage aus einer Cuatro, einer Gitarre und einem Schlaginstrument wie dem Güiro- Schaber und/oder Bongos. Die Texte der Jíbaro-Musik sind in der Regel in der Décima-Form verfasst und bestehen aus zehn achtsilbigen Zeilen im Reimschema ABBA ACCDDC. Die Décima-Form stammt aus dem Spanien des 16. Jahrhunderts. Obwohl die Décima in Kuba (mit Ausnahme der Kanarischen Inseln) weitgehend ausgestorben ist, hat sie sich in verschiedenen Teilen Lateinamerikas – insbesondere in Kuba und Puerto Rico – etabliert, wo sie in unterschiedlichen Stilen gesungen wird. Eine gesungene Décima kann vorkomponiert sein, auf einer Veröffentlichung von Literaten basieren oder idealerweise spontan improvisiert werden, insbesondere in Form einer „Controversia“, in der zwei Sänger-Poeten sich geistreiche Sticheleien liefern oder über ein Thema streiten. Zwischen den Décimas können lebhafte Improvisationen auf der Cuatro gespielt werden. Diese Musikform ist auch als „Típica“ oder „Trópica“ bekannt.

Die Décimas werden zu bekannten Melodien mit standardisierten Cuatro-Begleitmustern gesungen. Etwa zwanzig solcher Liedtypen sind gebräuchlich. Sie lassen sich in zwei Hauptkategorien einteilen: Seis (z. B. Seis Fajardeño, Seis Chorreao) und Aguinaldo (z. B. Aguinaldo Orocoveño, Aguinaldo Cayeyano). Traditionell begleiteten die Seis Tänze, doch diese Tradition ist heute weitgehend ausgestorben, außer bei Touristenveranstaltungen und Festivals. Der Aguinaldo wird typischerweise in der Weihnachtszeit gesungen, wenn feiernde Gruppen (Parrandas) von Haus zu Haus ziehen, Jíbaro-Lieder singen und feiern. Die Texte der Aguinaldos handeln in der Regel nicht von Weihnachten, und im Gegensatz zu angloamerikanischen Weihnachtsliedern werden sie meist von einem Solo gesungen, während die anderen Feiernden den Refrain singen. Im Allgemeinen ist die Weihnachtszeit eine Zeit, in der traditionelle Musik – sowohl Seis als auch Aguinaldo – am häufigsten zu hören ist. Glücklicherweise engagieren sich viele Gruppen in Puerto Rico für den Erhalt dieser traditionellen Musik durch kontinuierliches Üben.

Die Musik der Jíbaro-Inseln wurde im 20. Jahrhundert kommerziell vermarktet, und Sänger-Poeten wie Ramito (Flor Morales Ramos, 1915–1990) sind gut dokumentiert. Die Jíbaros selbst gerieten jedoch in Gefahr, da Agrarindustrie und Urbanisierung die Zahl der Kleinbauern auf der Insel drastisch reduzierten. Viele Jíbaro-Lieder thematisierten daher die Schwierigkeiten der Migration nach New York. Die Jíbaro-Musik insgesamt ging dementsprechend zurück, obwohl sie ihren Platz in der lokalen Kultur, insbesondere zur Weihnachtszeit und bei besonderen gesellschaftlichen Anlässen, bewahrt hat. Es gibt viele Cuatro-Spieler, von denen einige eine erstaunliche Virtuosität entwickelt haben.

Historische Quellen belegen, dass Plantagensklaven um 1800 ein Musik- und Tanzgenre namens Bomba entwickelten. Mitte des 20. Jahrhunderts, als Bomba erstmals aufgezeichnet und gefilmt wurde, wurde es in regionalen Varianten in verschiedenen Teilen der Insel aufgeführt, insbesondere in Loíza, Ponce, San Juan und Mayagüez. Die Geschichte der Bomba lässt sich nicht vollständig rekonstruieren; verschiedene Aspekte weisen auf kongolesische Wurzeln hin, obwohl einige Elemente (wie Subgenre-Namen wie Holandés vermuten lassen ) aus anderen Teilen der Karibik stammen. Französisch-karibische Einflüsse sind besonders im Bomba-Stil von Mayagüez deutlich erkennbar, und es lassen sich auffällige choreografische Parallelen zum Bélé von Martinique feststellen . All diese Einflüsse verschmolzen zu einem einzigartigen Klang, der das Leben der Jibaro, der Sklaven, und die Kultur Puerto Ricos widerspiegelt.

Mit ihrem Wechselgesang zu Ostinato-Rhythmen, gespielt auf zwei oder drei kleinen Trommeln ( Barriles ), ähnelt die Bomba anderen neo-afrikanischen Genres der Karibik. Eindeutig afrikanischer Ursprung ist ihr Format: Eine einzelne Person tritt aus einem informellen Sängerkreis hervor, tanzt vor den Trommlern und liefert sich mit dem Lead-Trommler ein spielerisches Duell; nach einer Weile wird sie abgelöst. Obwohl sich verschiedene Elemente auf afrikanische oder andere Ursprünge zurückführen lassen, muss die Bomba als lokale afro-puertoricanische Schöpfung betrachtet werden. Ihre Rhythmen (z. B. Seis Corrido, Yubá, Leró usw.), Tanzbewegungen und Liedtexte, die mitunter Nutztiere imitieren (auf Spanisch, im Osten Puerto Ricos mit einigen französischen Kreolwörtern), bilden zusammen ein einzigartiges puertoricanisches Genre.

In den 1950er Jahren führte das Tanzorchester von Rafael Cortijo und Ismael Rivera mehrere Lieder auf, die sie als „Bombas“ bezeichneten. Obwohl diese einige Ähnlichkeiten mit dem Sicá -Stil der Bomba aufwiesen, entlehnten sie sich in ihren Rhythmen und Bläserarrangements auch deutlich der kubanischen Tanzmusik, die auf der Insel seit Langem populär war. So entstand die Charanga-Musik. Ab den 1980er Jahren ging die Bomba-Musik zurück, obwohl sie von der Familie Cepeda in Santurce, San Juan, in gewisser Weise formalisiert gelehrt wurde und in den Loíza-Orten, der Heimat der damaligen Bombero-Dynastie der Familie Ayala, weiterhin informell, aber mit viel Elan aufgeführt wurde. Die Bomba lebt dort fort und erlebt zudem eine Art Renaissance, gepflegt von Folkloregruppen wie Son Del Batey, Los Rebuleadores de San Juan, Bomba Evolución, Abrane y La Tribu und vielen anderen auf der Insel. In New York City haben Gruppen wie Los Pleneros de la 21 [ ^{26 ] ,} Mitglieder von La Casita de Chema und Alma Moyo die Tradition lebendig gehalten und weiterentwickelt. In Chicago haben Gruppen wie Buya und Afro-Caribe die Kultur gefördert und bewahrt. In Kalifornien haben Bomba Liberte, Grupo Aguacero, Bombalele, La Mixta Criolla, Herencia de los Carrillo und Los Bomberas de la Bahia die Kultur ebenfalls unterstützt und bewahrt. Auch Frauen spielten eine wichtige Rolle bei ihrer Wiederbelebung, beispielsweise in Puerto Rico mit den rein weiblichen Gruppen Yaya, Legacy Woman, Los Bomberas de la Bahia, Grupo Bambula (ursprünglich eine Frauengruppe) und Ausuba.

Auch die Bomba Fusion erfreute sich großer Beliebtheit. Gruppen wie Los Pleneros de la 21 und Viento De Agua trugen maßgeblich zur Verschmelzung von Bomba und Plena mit Jazz und anderen Genres bei. Yerbabuena erlangte breite Popularität. Abrante y La Tribu fusionierten mit Hip-Hop. Tambores Calientes, Machete Movement und Ceiba verschmolzen die Genres mit verschiedenen Formen des Rock ’n’ Roll.

Die afro-puertoricanischen Bombas , die auf den Zuckerrohrplantagen von Loíza, in den nordöstlichen Küstenregionen, in Guayama und im Süden Puerto Ricos entstanden, verwenden Fasstrommeln und Tamburine, während die ländliche Variante Saiteninstrumente nutzt, die den Bongos ähneln. (1) „Die Bomba wird paarweise getanzt, jedoch ohne Körperkontakt. Die Tänzerinnen und Tänzer fordern die Trommeln und Musiker mit ihren Bewegungen heraus, indem sie sich ihnen nähern und eine Reihe schneller Schritte, sogenannte Floretea Piquetes, ausführen, wodurch ein rhythmischer Dialog entsteht. Anders als bei üblichen Tanzchoreografien folgen die Trommler den Tänzerinnen und Tänzern und erzeugen einen Rhythmus, der auf deren Bewegungen basiert. Frauen, die Bomba tanzen, verwenden oft Kleider oder Tücher, um ihre Körperbewegungen zu betonen. ^{“ [ 27 ]} Im Gegensatz zu üblichen Tanzschritten folgen die Instrumente den Tänzerinnen und Tänzern.

Wie andere derartige Traditionen ist auch Bomba mittlerweile gut auf Seiten wie YouTube und in einigen ethnografischen Dokumentarfilmen dokumentiert.

Um 1900 entstand die Plena als einfache, proletarische Volksmusikrichtung in den überwiegend afro-puertoricanischen Stadtvierteln der Unterschicht von San Juan, Ponce und anderen Orten. In der Folgezeit etablierte sie sich als fester Bestandteil der puertoricanischen Musikkultur. In ihrer typischsten Form ist die Plena ein informelles, unprätentiöses und schlichtes Volksliedgenre, in dem Strophen und Refrains abwechselnd gesungen werden. Begleitet wird die Musik von runden, oft selbstgebauten Rahmentrommeln, den sogenannten Panderetas (ähnlich Tamburinen ohne Schellen), die mitunter durch Akkordeon, Gitarre oder andere verfügbare Instrumente ergänzt werden. Ein Vorteil dieser Perkussionsbegleitung ist ihre Mobilität, die dazu beiträgt, dass die Plena spontan bei gesellschaftlichen Zusammenkünften erklingt. Weitere häufig in der Plena-Musik verwendete Instrumente sind die Cuatro , die Maracas und das Akkordeon .

Der Plena-Rhythmus ist ein einfaches Zweiertaktmuster, wobei ein führender Pandereta-Spieler lebhafte Synkopen einfließen lassen kann. Plena-Melodien zeichnen sich durch eine unprätentiöse, volkstümliche Schlichtheit aus. Einige frühe Plena-Strophen kommentierten Anekdoten aus den Barrios, wie etwa „Cortarón a Elena“ (Sie erstachen Elena) oder „Allí vienen las maquinas“ (Da kommen die Feuerwehrwagen). Viele hatten einen ausgesprochen respektlosen und satirischen Charakter, wie beispielsweise „Llegó el obispo“, das einen zu Besuch weilenden Bischof verspottete. Manche Plenas, wie „Cuando las mujeres quieren a los hombres“ und „Santa María“, sind auf der ganzen Insel bekannt. 1935 feierte der Essayist Tomás Blanco die Plena – und nicht die veraltete und elitäre Danza – als Ausdruck des im Wesentlichen kreolischen, taíno- oder mulattischen ethnischen und kulturellen Charakters der Insel. Plenas werden nach wie vor häufig in verschiedenen Kontexten aufgeführt; eine Gruppe von Freunden, die an einer Parade oder einem Fest teilnimmt, bringt vielleicht ein paar Panderetas mit und stimmt spontan ein Lied an, oder protestierende Studenten oder streikende Arbeiter, die seit Langem eine gängige Form des Protests gegen Besatzung und Sklaverei darstellen, versehen die bekannten Melodien mit neuen Texten. Obwohl Liebhaber gelegentlich zu einer Plena tanzen, ist die Plena im Allgemeinen nicht auf Tanz ausgerichtet.

In den 1920er- und 30er-Jahren wurden Plenas kommerziell aufgenommen, insbesondere von Manuel „El Canario“ Jiménez , der alte und neue Lieder interpretierte und die traditionellen Instrumente mit Klavier- und Bläserarrangements ergänzte. In den 1940er-Jahren popularisierte César Concepción eine Big-Band-Version der Plena und verlieh dem Genre neues Prestige, allerdings teilweise auf Kosten seiner proletarischen Kraft und Unverblümtheit. In den 1950er-Jahren erlebte die Plena, gespielt von der kleineren Band um Rafael Cortijo und dem Sänger Ismael „Maelo“ Rivera , eine Renaissance. Sie erlangte beispiellose Popularität, modernisierte die Plena und behielt gleichzeitig ihre ursprüngliche Vitalität bei. Viele von Cortijos Plenas bieten farbenfrohe und eindrucksvolle Einblicke in das Leben im Barrio und trugen dazu bei, den dynamischen Beitrag der Afro-Puertoricaner zur Kultur (und insbesondere zur Musik) der Insel neu zu würdigen. Diese Zeit markierte den Höhepunkt der Popularität von Plena als kommerzieller Popmusik. Leider verbrachte Rivera einen Großteil der 1960er Jahre im Gefängnis, und die Gruppe erlangte nie wieder ihre frühere Stärke zurück. Dennoch spiegelte die außerordentlich große Beteiligung an Cortijos Beerdigung 1981 die anhaltende Popularität des beliebten Sängers wider. Zu diesem Zeitpunkt war Plena jedoch bereits von Salsa abgelöst worden, obwohl einige Revival-Gruppen wie Plena Libre weiterhin in ihrem gewohnt mitreißenden Stil auftreten und auch „Straßenplena“ gelegentlich zu hören ist.

Gegen Ende des 18. Jahrhunderts erfreute sich der Volkstanz (französisch Contredanse, spanisch Contradanza ) in weiten Teilen Europas als beliebter Freizeittanz großer Beliebtheit, sowohl in höfischen als auch in festlichen, volkstümlichen Formen, und verdrängte Tänze wie das Menuett. Um 1800 erlebte eine kreolisierte Form des Genres, die Contradanza genannt wurde, in Kuba einen Aufschwung. Auch in Puerto Rico, Venezuela und anderen Orten scheint das Genre in ähnlichen volkstümlichen Formen existiert zu haben, obwohl die Dokumentation spärlich ist. In den 1850er Jahren erlebte die kubanische Contradanza – zunehmend einfach Danza genannt – eine Blütezeit, sowohl als Salonklavierstück als auch als Tanzmusik zur Begleitung von Gesellschaftstänzen. Ihr Stil entwickelte sich vom kollektiven Figurentanz (ähnlich dem Square Dance) hin zu unabhängigen Paaren, die im Gesellschaftstanzstil tanzten (ähnlich dem Walzer, jedoch im Zweier- statt im Dreiertakt). Laut lokalen Chronisten traf 1845 ein Schiff aus Havanna ein, das unter anderem eine Gruppe junger Leute mitführte, die einen neuen Contradanza-/Danza-Stil populär machten, der fälschlicherweise „Merengue“ genannt wurde. Dieser Stil erfreute sich in Puerto Rico daraufhin großer Beliebtheit, sodass er 1848 vom spießigen spanischen Gouverneur Juan de la Pezuela y Cevallos verboten wurde . Dieses Verbot scheint jedoch keine nachhaltigen Auswirkungen gehabt zu haben, und das neu belebte Genre – nunmehr allgemein als „Danza“ bekannt – blühte in ausgeprägt lokalen Ausprägungen weiter auf. Wie in Kuba umfassten diese Ausprägungen sowohl Musikstücke von Tanzensembles als auch anspruchsvolle, leicht klassische Stücke für Soloklavier (von denen einige später von Tanzkapellen interpretiert wurden). Die Danza als Soloklavierstil erreichte ihren Höhepunkt in der Musik von Manuel Gregorio Tavárez (1843–83), dessen Kompositionen eine Anmut und Erhabenheit aufweisen, die stark an die Musik seines Vorbilds Chopin erinnert. Größere Popularität erlangten die zahlreichen Danzas seines Nachfolgers Juan Morel Campos (1857–96), eines Bandleaders und außerordentlich produktiven Komponisten, der wie Tavárez in jungen Jahren starb (aber nicht, bevor er über 300 Danzas komponiert hatte). Zu Morel Campos ’ Zeit hatte sich die puertoricanische Danza zu einer Form entwickelt, die sich deutlich von ihren kubanischen (und auch europäischen) Pendants unterschied. Besonders charakteristisch war ihre Struktur, bestehend aus einem einleitenden Paseo , gefolgt von zwei oder drei Abschnitten (manchmal auch „Merengues“ genannt), die eine arpeggienreiche „obligato“-Melodie auf dem tubaähnlichen Bombardino ( Euphonium ) enthalten konnten. Viele Tänze erlangten inselweite Popularität, darunter auch das Stück " La Borinqueña ".", das ist die Nationalhymne von Puerto Rico. Wie andere karibische Kreolgen wie der kubanische Danzón zeichneten sich die Danzas durch das eindringliche Ostinato namens "cinquillo" (ungefähr EINS-zwei-DREI-VIER-fünf-SECHS-SIEBEN-acht, wiederholt) aus.

Der Tanz erfreute sich bis in die 1920er Jahre großer Beliebtheit, doch danach beschränkte sich seine Anziehungskraft auf die hispanophile Elite. Die Danzas von Morel Campos , Tavárez , José Quintón und einigen anderen werden noch heute gelegentlich aufgeführt, und einige neuere Komponisten haben ihre ganz eigenen Formen des Tanzes geschaffen. Dennoch ist das Genre kein populärer Gesellschaftstanz mehr. Im ersten Teil des Tanzes schreiten die Paare im gleichmäßigen Tempo der Musik durch den Saal; im zweiten Teil tanzen sie zu einem lebhaften Rhythmus in geschlossener Ballsaalhaltung. Das Orchester leitet die Tänzer zu einem „Paseo“, einem eleganten Schritt durch den Saal, ein, bei dem die Herren die Anmut und Schönheit ihrer Damen präsentieren können. Diese romantische Einleitung endet mit einem Gruß der Herren und einem Knicks der Damen. Anschließend setzt das Orchester ein, und die Paare tanzen frei im Rhythmus der Musik durch den Saal. ^{[ 28 ]}

Viele Musikrichtungen in Puerto Rico fallen nicht in die gängigen Kategorien lateinamerikanischer Musik und werden eher als Varianten des „Latin World Pop“ betrachtet. Zu dieser Kategorie gehören beispielsweise Ricky Martin (der 1999 mit „ Livin' La Vida Loca “ einen Nummer-eins-Hit in den US-amerikanischen Hot 100 landete), die Boyband Menudo (deren Besetzung häufig wechselte und der Martin einst angehörte), Los Chicos , Las Cheris , Salsa Kids und Chayanne . Zu den bekanntesten Sängern zählt auch Luis Fonsi , der Interpret von „Despacito“. Auch der in Lares, Puerto Rico , geborene Sänger und Gitarrenvirtuose José Feliciano wurde 1968 zum Weltstar, als seine Latin-Soul-Version von „ Light My Fire “ und das Album „Feliciano! “ große Erfolge in den amerikanischen und internationalen Charts feierten und ihm im selben Jahr als erstem Puertoricaner einen Grammy einbrachten. Felicianos „ Feliz Navidad “ zählt bis heute zu den beliebtesten Weihnachtsliedern.

Externes Audio
Hier können Sie sich José Felicianos „ Light My Fire “ anhören .

Die Wurzeln des Reggaeton liegen in den 1980er Jahren beim puerto-ricanischen Rapper Vico C. [ ^{29 ] Anfang} der 1990er Jahre etablierte sich Reggaeton als eigenständiges Genre. Er nutzte den „Dem Bow“-Riddim, der von einem gleichnamigen Song der Shabba Ranks stammt, und ähnelte dem jamaikanischen Dancehall durch seine in einfachen Melodien und kraftvollem Gesang vorgetragenen Verse. Der Fokus – in Texten, Videos und durch die Künstlerpersönlichkeiten – lag eher auf Feiern, Tanzen, Prahlerei, „Bling-Bling“ und Sexualität als auf tiefgründigen gesellschaftlichen Kommentaren. Obwohl Reggaeton ursprünglich als spanischsprachige Version des jamaikanischen Dancehall entstanden sein mag, entwickelte er durch Künstler wie Tego Calderón , Daddy Yankee , Don Omar und andere schnell seinen unverwechselbaren Charakter und gilt heute als die populärste Tanzmusik in der spanischen Karibik, die sogar Salsa übertrifft. ^{[ 30 ]}

Reggaeton ist ein Musikgenre, das in Puerto Rico und weltweit enorm an Popularität gewonnen hat und lateinamerikanische Rhythmen, Dancehall sowie Hip-Hop und Rap vereint. Reggaeton wird häufig mit Machismo , einem Ausdruck von starkem oder aggressivem männlichem Stolz, in Verbindung gebracht. Seitdem Frauen in diesem Genre vertreten sind, sind sie unterrepräsentiert und kämpfen darum, dessen Image zu verändern. ^{[ 31 ]} Dies führt unweigerlich zu Kontroversen darüber, was das Genre einst war und was es heute ist. Reggaeton hat sich von einem Musikstil mit jamaikanischen und panamaischen Wurzeln zu „ Dembow “ entwickelt, einem neueren Stil, der die Musikszene revolutioniert hat ^{[ 32 ]} und vor allem in der Dominikanischen Republik gehört wird. Trotz seines Erfolgs wird Reggaetons Ruf weiterhin mit Sexualität in den Tänzen, den expliziten Texten, in denen Frauen im Hintergrund sexualisierte Phrasen schreien, und der Kleidung, in der Frauen dargestellt werden, in Verbindung gebracht. In den 90er-Jahren und den frühen 2000er-Jahren wurde Reggaeton in vielen lateinamerikanischen Ländern aufgrund seiner vulgären und derben Natur zensiert. Zensur kann als Mittel der Regierung gesehen werden, die Bevölkerung zu unterdrücken und die Kommunikation innerhalb der Gemeinschaft zu behindern. Seitdem haben sich viele Frauen dem Reggaeton angeschlossen, in der Hoffnung, Vorurteile abzubauen. Viele von ihnen haben den Weg geebnet und erfolgreiche Karrieren gemacht, wie beispielsweise die Pionierin Ivy Queen selbst sowie Karol G , Becky G und Rosalía . Dembow, stark beeinflusst von Puerto Rico und Jamaika, stammt ursprünglich aus der Dominikanischen Republik . Als Shabba Ranks 1990 den Song „ Dem Bow “ veröffentlichte, etablierte sich der Name, und es dauerte nicht lange, bis sich das Genre Dembow herausbildete. Das Hauptmerkmal von Dembow ist sein repetitiver Rhythmus, der an Reggaeton und Dancehall erinnert , aber schneller ist. Aus diesem Rhythmus wurden Riddims entwickelt, und der Sound wurde zu einem beliebten Bestandteil des Reggaeton . Rhythmus und Melodien in der Dembow-Musik sind tendenziell einfach und repetitiv. ^{[ 33 ] [ 34 ] [ 35 ] [ 36 ]}

Ivy Queen wurde am 4. März 1972 als Martha Ivelisse Pesante in Añasco, Puerto Rico, geboren. Nachdem sie in ihrer Jugend Raptexte geschrieben und in den 90er-Jahren in einem Underground-Nachtclub namens „The Noise“ an Wettbewerben teilgenommen hatte, begann ihre musikalische Karriere. Sie gilt als die „Königin des Reggaeton“. ^{[ 37 ]} Zu Beginn ihrer Karriere war es für sie sehr schwierig, in der Reggaeton-Szene ernst genommen zu werden, da das Genre als frauenfeindlich gilt. Nachdem sie als erste Frau Hits wie „Quiero Bailar“, „Yo Perreo Sola“, „Pa' La Cama Voy“ und „Te He Querido, Te He Llorado“ produziert hatte, erwarb sich Ivy Queen den Respekt von Frauen und Männern gleichermaßen und festigte ihren Status als „Königin des Reggaeton“. In der Vergangenheit gab es jedoch Kontroversen zwischen ihr und dem Reggaeton-Sänger und Rapper Anuel AA bezüglich ihres Status als „Queen of Reggaeton“, da sie seit Jahren keinen Hit mehr hatte. ^{[ 38 ]} Er deutete außerdem an, dass seine Freundin Karol G die eigentliche Königin des Reggaeton sein sollte. Ivy Queen entgegnete, ihre Karriere habe den Weg für Künstlerinnen geebnet, in diesem Genre erfolgreich zu sein. ^{[ 39 ]} Als Reaktion auf die Kommentare ihres Freundes Anuel AA veröffentlichte Karol G ein Video, in dem sie sagte: „An Becky G , Natti Natasha, Anitta , Ivy Queen und all die Frauen, die mir in meinen sozialen Netzwerken und Interviews Respekt entgegengebracht haben: Ich hatte die Ehre, ihnen persönlich zu sagen, wie sehr ich ihre Arbeit und ihre Karrieren bewundere. Wir alle haben das, was wir haben, verdient, denn niemand hat etwas geschenkt bekommen.“ Sie fuhr fort: „Das ist eine Krone, und niemand wird sie ihnen verweigern, für das, was sie geleistet haben. Ich strebe keinen Abschluss an, ich strebe nur nach beruflichem Erfolg, wie jeder andere auch. Ich stehe jeden Tag für meinen Traum auf. Meinem Freund möchte ich einfach nur danken, denn ich weiß, was du sagen wolltest. Ich bin deine Königin und ich bin sehr glücklich, dass du mich so sehr bewunderst, denn du motivierst mich. Wir alle werden das tun, was wir lieben, und dafür arbeiten.“ ^{[ 40 ]} Schließlich versöhnte sich Anuel AA mit Ivy Queen, und nach dem Treffen mit ihr holte Karol sie auf ihr erfolgreiches Album „ KG0516 “ von 2021, genauer gesagt auf den Gastbeitrag „Leyendas“ („Legenden“). Der Track, an dem auch Zion , Nicky Jam und Wisin y Yandel beteiligt sind , beginnt damit, dass Ivy Queen einprägsame Teile ihres bisher größten Hits „Yo Quiero Bailar“ („Ich will tanzen“) singt, bevor Karol einsteigt.

Ivy Queen beeinflusste andere Frauen wie Cardi B und Farina. Sogar Männer wie Bad Bunny [ ^{41 ] nannten sie als Inspiration für ihre Texte. Ihre Fähigkeit, sich gegen die von Männern dominierte Reggaeton-Szene zu behaupten ,} gab anderen Frauen mit ähnlichen Interessen in der Musikindustrie Hoffnung. Ihr Einfluss und ihre Dominanz im Genre ebneten Frauen den Weg in die Reggaeton-Szene. Sie schuf eine Plattform für die Stärkung von Frauen, nicht nur für puertoricanische Frauen, sondern für alle Frauen, die neu in der Musikbranche sind. ^{[ 42 ]}

Karol G ist eine kolumbianische Reggaeton-Sängerin, die bereits mit Künstlern wie Bad Bunny , Anuel AA und den kolumbianischen Reggaeton-Künstlern J Balvin und Maluma zusammengearbeitet hat . ^{[ 43 ]} Im Laufe ihrer Karriere hatte Karol G mit Schwierigkeiten in der Musikindustrie zu kämpfen, da Reggaeton ein männerdominiertes Genre ist. Sie erzählt, dass sie zu Beginn ihrer Karriere feststellte, dass es in diesem Genre nicht viele Möglichkeiten für sie gab, da Reggaeton von männlichen Künstlern dominiert wurde. ^{[ 44 ]} 2018 wurde Karol Gs Single „Mi Cama“ sehr populär, und sie veröffentlichte einen Remix mit J Balvin und Nicky Jam. Der „Mi Cama“-Remix erreichte die Top 10 der Hot Latin Songs und Platz 1 der Latin Airplay Charts. ^{[ 45 ]} In diesem Jahr arbeitete sie mit Maluma an dem Song „Creeme“ und mit ihrem Partner Anuel AA an dem Song „Culpables“ zusammen. Die Single „Culpables“ hielt sich zwei Wochen in Folge in den Top 10 der Hot Latin Songs. ^{[ 43 ]} Am 3. Mai 2019 veröffentlichte Karol G ihr neues Album „Ocean“. ^{[ 46 ]}

Natti Natasha ist eine dominikanische Reggaeton-Sängerin, die sich in der Reggaeton-Szene etabliert hat und Ivy Queen als eine ihrer musikalischen Inspirationen nennt. ^{[ 47 ]} 2017 veröffentlichte sie die Single „Criminal“ mit dem Reggaeton-Künstler Ozuna. Der Song wurde auf YouTube mit über 1,5 Milliarden Aufrufen sehr populär. ^{[ 48 ]} 2018 arbeitete Natti Natasha mit dem puerto-ricanischen Duo RKM und Ken Y an deren Single „Tonta“ zusammen. Später folgte eine Kollaboration mit der mexikanischen Reggaeton-Künstlerin Becky G für den Song „Sin Pijama“, der es in die Top 10 der Hot Latin Songs, Latin Airplay und Latin Pop Airplay Charts schaffte. ^{[ 49 ]} Nach zahlreichen Kollaborationen konnte Natti Natasha am 15. Februar 2019 ihr Album „illumiNatti“ veröffentlichen. ^{[ 50 ]} Im Jahr 2021 verlobte sie sich mit ihrem langjährigen Manager Raphy Pina, dem puerto-ricanischen Gründer von Pina Records, der auch Daddy Yankee managt, und wurde von ihm schwanger. Am 22. Mai 2021 brachte sie ihre gemeinsame Tochter zur Welt. Ihr Verlobter verbüßt ​​derzeit eine Haftstrafe von drei Jahren und fünf Monaten wegen illegalen Waffenbesitzes.

Bachata, ursprünglich aus der Dominikanischen Republik , hat in Puerto Rico aufgrund seiner engen kulturellen Verbindungen zur Dominikanischen Republik, die eine Verschmelzung verschiedener Musikgenres ermöglichen, große Anerkennung gefunden. Zu den Haupteinflüssen der frühen Bachata zählen kubanischer Bolero , kubanischer Son , amerikanischer Rock , Blues , mexikanische Ranchera , Corrido und Merengue . ^{[ 51 ] [ 52 ] [ 53 ]} Das Aufkommen dominikanischer Musikstile wie Bachata und Merengue im Reggaeton fiel zeitlich mit der Ankunft des dominikanischen Produzententeams Luny Tunes in Puerto Rico zusammen – auch wenn ihnen diese Entwicklung nicht allein zugeschrieben wird. ^{[ 54 ]} Im Jahr 2000 erhielten sie die Gelegenheit, im Reggaeton-Studio von DJ Nelson zu arbeiten . Sie begannen, eine Reihe erfolgreicher Veröffentlichungen für Reggaeton-Künstler wie Ivy Queen , Tego Calderón und Daddy Yankee zu produzieren . ^{[ 54 ]} „Pa' Que Retozen“, einer der ersten Songs, der Bachata und Reggaeton kombinierte, erschien auf Tego Calderóns hochgelobtem Album „El Abayarde “ (2002). Er zeichnet sich durch den unverwechselbaren Gitarrensound der dominikanischen Bachata aus – obwohl er nicht von Luny Tunes by DJ Joe produziert wurde. ^{[ 54 ]} Luny Tunes veröffentlichten jedoch auf ihrem Debütalbum „ Mas Flow “ (2003) einen Hit von Calderón, „Métele Sazón“. Dieser Song vereint die charakteristischen Gitarren-Arpeggien der Bachata mit den typischen Klavier-Riffs des Merengue. ^{[ 54 ]} Nach dem anfänglichen Erfolg dieser Songs begannen auch andere Künstler, Bachata mit Reggaeton zu verbinden. Künstlerinnen wie Ivy Queen veröffentlichten Singles, die den typischen Gitarrensound der Bachata, einen langsameren, romantischen Rhythmus und einen übertrieben emotionalen Gesangsstil aufwiesen. ^{[ 54 ]} Dies spiegelt sich in den Hits „ Te He Querido, Te He Llorado “ und „La Mala“ wider. ^{[ 54 ]} Auch Daddy Yankees „ Lo Que Paso, Paso “ und Don Omars „ Dile “ spiegeln dies wider. Eine weitere Verwendung von Bachata erfolgte 2005, als Produzenten begannen, bestehenden Reggaeton mit den charakteristischen Gitarrenklängen der Bachata zu remixen und ihn als Bachatón zu vermarkten, wobei sie ihn als „Bachata“ definierten.„aber im puertoricanischen Stil“.^{[ 54 ]}

Zu den Künstlern aus Puerto Rico und/oder puerto-ricanischer Abstammung, von denen bekannt ist, dass sie mit Bachata und/oder Bachatón experimentieren, gehören Trébol Clan , Daddy Yankee , Ivy Queen , Don Omar , Ozuna , Nicky Jam , Myke Towers , Bad Bunny , Romeo Santos , Toby Love , Alejandra Feliz , Yolandita Monge , Sonya Cortés , Domenic Marte und Tego Calderón , Héctor el Father , Tito el Bambino , Wisin & Yandel , Angel & Khriz , Chayanne , Ricky Martin und viele andere. ^{[ 54 ] [ 55 ] [ 56 ]}

Obwohl der Bolero seinen Ursprung in Kuba hat, erreichte er Puerto Rico bereits im 20. Jahrhundert. Dort wurde er durch die ersten Radiosender im Jahr 1915 populär und von Puertoricanern, darunter so herausragende Persönlichkeiten wie Rafael Hernández , Daniel Santos , Pedro Flores , Johnny Albino , Odilio González , Noel Estrada , José Feliciano , Trio Vegabajeño und Tito Rodríguez , nicht nur von vielen anderen, nicht nur gehört, sondern auch komponiert und aufgeführt. Ähnlich wie in Kuba wird der Bolero in Puerto Rico häufig mit anderen Genres kubanischer und puerto-ricanischer Herkunft kombiniert, wie beispielsweise Bomba , Danza , Plena , Jíbaro , Guaracha , Mambo , Rumba , Cha-Cha-Cha und Salsa .

Obwohl Merengue ein Musik- und Tanzstil ist, der seinen Ursprung in der Dominikanischen Republik hat und eng mit ihr verbunden ist , verbreitete er sich in ganz Lateinamerika und den Vereinigten Staaten , einschließlich Puerto Rico . ^{[ 57 ] [ 58 ]} Die Choreografie des Standard-Merengues basiert auf einem einfachen Seitwärtsschritt, der jedoch durch eine anspruchsvolle Hüftdrehung nach rechts erschwert wird. Die Tanzpartner nehmen eine Vals- oder Walzer-ähnliche Position ein. Anschließend folgt ein Seitwärtsschritt, bekannt als Paso de la empalizada oder „Stockzaunschritt“, gefolgt von einer Drehung im oder gegen den Uhrzeigersinn. Während des gesamten Tanzes bleibt das Paar zusammen. Die zweite Art des Merengues heißt Figurenmerengue oder Merengue de Figura. Hierbei dreht sich das Tanzpaar einzeln, ohne die Hände des Partners loszulassen und im Takt zu bleiben. ^{[ 59 ]} Zu den bekannten Merengue-Künstlern aus Puerto Rico zählen unter anderem Elvis Crespo , Olga Tañón , Gisselle , Manny Manuel , Grupo Mania und Limi-T 21. ^{[ 57 ] [ 58 ]} Merenhouse , ein Subgenre des Merengue, das Rap- Elemente enthält und Einflüsse aus Hip-Hop , Dancehall und Latin House aufweist , entstand Ende der 1980er-Jahre in New York City . Lisa M , die erste bedeutende lateinamerikanische Rapperin, die in San Juan, Puerto Rico, geboren und aufgewachsen ist , gilt oft als Schöpferin des ersten Merenhouse-Songs. Dies wird vor allem ihrem zweiten Album „No Lo Derrumbes“ zugeschrieben, das 1990 erschien. ^{[ 60 ]}

Salsa ist ein weiteres Genre, dessen Form aus der Verschmelzung kubanisch-puertoricanischer Einflüsse, insbesondere der kubanischen Tanzmusik der 1950er Jahre, entstand. In den 1960er und 70er Jahren entwickelte es sich zu einem internationalen Genre, das in Puerto Rico und von Puertoricanern in New York City mit besonderem Eifer und Können gepflegt wurde. Tanzformen wie die Charanga waren bei Puertoricanern und Nuyoricanern äußerst beliebt , die dieses Genre, das in den 1960er Jahren stagniert und auf Kuba beschränkt war, quasi retteten und ihm neues Leben, neue gesellschaftliche Bedeutung und zahlreiche stilistische Neuerungen verliehen. Salsa ist die Bezeichnung für die modernisierte Form kubanisch-puertoricanischer Tanzmusik, die ab den späten 1960er Jahren von Puertoricanern in New York City und später auch in Puerto Rico und anderen Ländern weiterentwickelt und neu interpretiert wurde. Obwohl Salsa bald zu einem internationalen Phänomen wurde und in Kolumbien, Venezuela und anderen Ländern florierte, blieben New York und Puerto Rico ihre beiden Epizentren. Besonders bekannt auf der Insel waren El Gran Combo , Sonora Ponceña und Willie Rosario sowie die eher poporientierten Stars der „ Salsa Romántica “ der 1980er- und 1990er-Jahre. (Weitere Informationen finden Sie im Eintrag „ Salsa-Musik “.)

Weitere beliebte Vertreter dieser Genres aus Nuyori und Puerto Rico waren Tito Puente , Tito Rodríguez (Guaracha- und Bolero-Sänger), die Pianisten Eddie Palmieri , Richie Ray und Papo Lucca , der Conguero Ray Barreto , der Posaunist und Sänger Willie Colón sowie die Sänger La India , Andy Montañez , Bobby Cruz , Cheo Feliciano und Héctor Lavoe , Ismael Miranda , Ismael Rivera , Tito Nieves , Pete El Conde Rodríguez und Gilberto Santa Rosa .

Puerto Rico hat neben dem lokalen Reggaetón- Genre, das sich in Puerto Rico vor allem durch Reggae- und Dancehall-Einflüsse aus Panama und Jamaika entwickelte , auch eine eigene Musikszene für Reggae- und Dancehall- Künstler. ^{[ 61 ] [ 62 ]} Lokale Künstler und Bands wie Cultura Profética , Millo Torres y El Tercer Planeta und Gomba Jahbari erlangten auf der Insel beachtliche Anerkennung, ebenso wie andere Reggae- und Dancehall-Acts. Der Reggae in Puerto Rico unterscheidet sich von anderen Reggae-Stilen, insbesondere vom jamaikanischen Reggae, durch Elemente wie komplexe Bläserarrangements und Akkordfolgen. Er wird hauptsächlich auf Spanisch und/oder Englisch gesungen , kann aber auch in anderen Sprachen vorkommen. Ihre Reggae-Variante wurde auch von anderen Musikgenres wie Salsa und Jazz aus den USA beeinflusst , da lokale Reggae- und Dancehall-Musiker gerne mit anderen Genres experimentieren und diese mit ihrem Reggae-Stil kombinieren. ^{[ 63 ] [ 64 ] [ 65 ] [ 66 ] [ 67 ]}

Die Insel beherbergt zwei Hauptorchester, das Orquesta Sinfónica de Puerto Rico und das Orquesta Filarmónica de Puerto Rico. Das Casals Festival findet jährlich in San Juan statt und lockt klassische Musiker aus der ganzen Welt an. Seit dem 19. Jahrhundert gab es verschiedene puerto-ricanische Komponisten, darunter Felipe Gutierrez Espinosa, Manuel Gregorio Tavárez , Juan Morel Campos , Aristides Chavier , Julio C. Arteaga und Braulio Dueño Colón . Zu Beginn des 20. Jahrhunderts finden wir José Ignacio Quintón , Monsita Ferrer und José Enrique Pedreira . Mitte des 20. Jahrhunderts tauchte eine neue Welle von Komponisten auf, von denen einige einen erheblichen Grad an Nationalismus vertraten. Zu dieser Gruppe gehören Amaury Veray , Héctor Campos Parsi , Jack Delano und Luis Antonio Ramírez . Mit zeitgenössischeren Sprachen kommt die Musikszene von Rafael Aponte-Ledée und Luis Manuel Álvarez. Ab den 1970er-Jahren gesellten sich zahlreiche Musiker hinzu, die trotz ihres unterschiedlichen Stils alle eine beeindruckende internationale Note besaßen. Ernesto Cordero , Carlos Alberto Vázquez, Alfonso Fuentes, Raymond Torres-Santos , Alberto Rodríguez, William Ortiz-Alvarado , José Javier Peña Aguayo, Carlos Carrillo und Roberto Sierra gehören zu dieser Gruppe.

Als sich die sozialen Verhältnisse und der Verfall der Städte in den 1970er Jahren in den Sozialbauten New Yorks immer weiter verschlimmerten, waren Schwarze und Puertoricaner gleichermaßen betroffen. Um mit dem Chaos in New York fertigzuwerden, arbeiteten Puertoricaner und Schwarze gemeinsam an Rapmusik, die ihnen als Ausdruck ihrer Kreativität diente. Wie Deborah Pacini Hernandez in ihrem Artikel „ Oye Como Va! Hybridity and Identity in Latino Popular Music“ schrieb , nutzten Schwarze und Puertoricaner Graffiti, DJing, MCing, Breakdance und Mode – die kulturellen Elemente des Hip-Hop –, um ihre Probleme zu bewältigen. (56) Mit dem Aufstieg des Hip-Hop wurde deutlich, dass Puertoricaner die Hip-Hop-Szene maßgeblich beeinflussten, vom Breakdance bis zum Sound der Musik.

„Über Puertoricaner im Rap zu sprechen bedeutet, sich der scheinbaren Amnesie zu widersetzen, die populäre kulturelle Ausdrucksformen überfällt, sobald sie von der Logik der kommerziellen Repräsentation vereinnahmt werden. Es bedeutet, historische Kontexte und Entwicklungen aufzuzeigen, Traditionen und Vorläufer zu erforschen und Hip-Hop als mehr und anders zu begreifen als die simulierten Bilder, Posen und Formeln, auf die ihn der öffentliche Diskurs der Medienunterhaltung so oft reduziert. Die über zehnjährige Rückschau auf die Beteiligung von Puertoricanern zeigt, dass Rap – anstatt ein neues Musikgenre mit seinen stilistischen Eigenheiten zu sein – einen Raum für die Artikulation sozialer Erfahrungen darstellt. Aus dieser Perspektive entstand das, was als „Latin Rap“ bekannt wurde, zunächst als Ausdruck des kulturellen Raums, den Afroamerikaner und Puertoricaner über Jahrzehnte als Nachbarn, Kollegen und Freunde in den innerstädtischen Vierteln teilten und um den sie kämpften.“ – Juan Flores, Puerto Rocks: Rap, Roots and Amnesia ^{[ 68 ]}

Obwohl Puertoricaner Ende der 1970er-Jahre maßgeblich zum Aufstieg des Hip-Hop beitrugen, wurde ihnen die Anerkennung dafür nur schwer zuteil, da Hip-Hop in den Medien als überwiegend schwarzes Genre dargestellt wurde. Anstatt das Genre zu wechseln, mussten sie andere Wege finden, ihre kulturelle Identität zu verbergen. So war beispielsweise DJ Charlie Chase einer der ersten puertoricanischen Künstler, der mit seiner Gruppe, den Cold Crush Brothers , die Musikszene eroberte , aber er war das einzige nicht-schwarze Mitglied der Originalgruppe. Er sagte, er habe gewusst, dass er seinen Namen ändern musste, denn wäre er als Carlos Mendes aufgetreten, hätte er möglicherweise nicht die Anerkennung und Aufmerksamkeit erhalten, die er verdient hätte.

Rapper wie DJ Charlie Chase alias Bad Bunny ebneten jedoch den Weg für späteren Mainstream-Erfolg. Dank der Entwicklung puertoricanischer Künstler im Hip-Hop konnten Künstler wie Big Pun , Daddy Yankee , Fat Joe , Swizz Beatz , Young MA und Calle 13 größere Erfolge feiern. Lin-Manuel Miranda erntete mit seinem Opernmusical Hamilton , das Rap und klassische Einflüsse vereint, weltweite Anerkennung.

Tanz ist eine darstellende Kunstform, die dazu dient, eigene Ideen und Werte auszudrücken. Aufgrund der für die Ausführung bestimmter Tanzmuster erforderlichen Bewegungen wird Tanz auch mit Bewegung in Verbindung gebracht. In Puerto Rico gilt Tanz als fester Bestandteil der Kultur, der von Generation zu Generation weitergegeben und bei Familien- und Gemeinschaftsfesten sowie Feierlichkeiten praktiziert wird.

Der Tanz wurde von den verschiedenen Kulturen der Taíno-Indianer, der Spanier und der afrikanischen Sklaven beeinflusst. Seit der präkolumbischen Zeit ist Tanz fester Bestandteil der Kultur Puerto Ricos und hat sich im Laufe der Zeit mit sozialen und demografischen Veränderungen weiterentwickelt. Die frühesten von Historikern dokumentierten Tänze waren die Taíno- Areyto -Tänze. Sie wurden von einem Chor gesungen, vertont und von einem Tanzmeister angeleitet. Dabei erzählten die Tänzer Geschichten, während der Tanzmeister die Schritte und Lieder ansagte, die so lange wiederholt werden mussten, bis die Geschichte zu Ende war. Auch Tänze europäischen Ursprungs erfreuten sich großer Beliebtheit bei der Landbevölkerung und den Siedlern im Zentrum der Insel und entwickelten rasch einzigartige Merkmale in Rhythmus, Instrumentierung, Interpretation und sogar Mode.

Mit dem Rückgang der Taíno-Bevölkerung hielten spanische, afrikanische und ab 1898 nordamerikanische Tänze Einzug auf der Insel und fassten in den Bergen, an der Küste und in den Städten Fuß und entwickelten sich weiter. ^{[ 69 ]}

Nach der Übernahme der Insel durch Spanien bestanden Musik und Tanz in Puerto Rico aus einer Kombination harmonischer Musikstile, die spanischen, afrikanischen und anderen europäischen Kulturen entlehnt waren und so den charakteristischen lateinamerikanischen Tanzstil Puerto Ricos prägten. ^{[ 59 ]}

Salsa bezeichnet eine Mischung verschiedener Rhythmen aus lateinamerikanischen, afrikanischen und karibischen Tänzen. Der Tanzstil entstand vermutlich in den 1960er-Jahren und erfreute sich auch außerhalb der lateinamerikanischen Welt großer Beliebtheit. Salsa ähnelt dem Mambo. ^{[ 59 ] [ 70 ]}

Salsa ist ein Tanz, der aus sechs Schritten besteht, die auf acht Taktschlägen der Musik phrasiert werden. Die acht verschiedenen Schritte umfassen sechs Bewegungen mit zwei Pausen. Das Tanzmuster lautet: 1, 2, 3, Pause für 4, Bewegung für 5, 6, 7, Pause für 8. Die Grundschritte sind: (1) Vorwärts und Rückwärts: Dieser Schritt besteht aus zwei Rock-Steps, die in die Bewegung hinein- und wieder herausgeführt werden. Der zweite Schritt ist der grundlegende Seitwärtsschritt. Er ähnelt dem ersten Schritt, nur dass die Bewegungen hier zur Seite erfolgen. Seitwärtsbewegungen und Drehungen sind wesentliche Aspekte des Salsa-Tanzes. ^{[ 71 ]}

Der Cha-Cha-Chá -Tanz stammt aus Kuba . Er basiert auf einem gemeinsamen Takt, der üblicherweise als „Rock Step, Triple Step, dann Rock Step“ oder „1,2,3 Cha Cha Chá“ transkribiert wird. Die zweite Kategorie ist der Cha-Cha-Chá-Seitschritt, die am häufigsten verwendete Grundbewegung des Tanzes. Sie ähnelt dem vorherigen Schritt, nur dass der Triple Step hier zur Seite und nicht auf der Stelle ausgeführt wird. Der dritte Schritt, der sogenannte „Unterarmschritt im Cha-Cha-Chá“, zeigt, wie die Unterarmschritte der Damen nach rechts ausgeführt werden. Aufgrund des vorherigen Schritts haben Männer möglicherweise keine Schwierigkeiten, Frauen müssen jedoch den genauen Drehpunkt kennen. Der Tanz ist nach den schleifenden Geräuschen benannt, die von den Füßen der Tänzer erzeugt werden. ^{[ 72 ]}

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• Lateinamerikanische Musik in den Vereinigten Staaten

Fußnoten

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• La Parranda Puertorriquena: Die Musik, Symbolik und der kulturelle Nationalismus der puerto-ricanischen Weihnachtsserenadentradition
• Aus Liebe zu Puerto Rico: 10 großartige Salsa-Tracks von Boricuas
• Musik aus Puerto Rico, archiviert am 9. Dezember 2012 in der Wayback Machine – Webseite mit Liedern, Künstlern und weiteren Informationen.