Komponist

Ein Komponist ist eine Person, die Musik schreibt . ^{[ 1 ]} Der Begriff wird insbesondere für Komponisten westlicher klassischer Musik verwendet [ ^{2 ]} oder für diejenigen, die von Beruf Komponisten sind. ^{[ 3 ] Viele} Komponisten sind oder waren auch versierte Interpreten.

Der Begriff stammt vom lateinischen „ compōnō “ ab ; wörtlich „jemand, der zusammenfügt“. ^{[ 4 ]} Die früheste Verwendung des Begriffs in einem musikalischen Kontext findet sich laut Oxford English Dictionary in Thomas Morleys „ A Plain and Easy Introduction to Practical Music“ von 1597 , wo er sagt: „Some wil [ sic ] be good descanters [...] and yet wil be but bad composers“. ^{[ 1 ]}

Der Begriff „Komponist“ ist weit gefasst und bezeichnet allgemein jede Person, die Musik schreibt. ^{[ 1 ]} Genauer gesagt, wird er häufig für Personen verwendet, die von Beruf Komponisten sind, ^{[ 3 ]} oder für solche, die in der Tradition der westlichen klassischen Musik arbeiten . ^{[ 2 ]} Auch Autoren, die ausschließlich oder hauptsächlich Lieder schreiben, können als Komponisten bezeichnet werden, doch seit dem 20. Jahrhundert werden häufiger die Begriffe „ Songwriter “ oder „ Singer-Songwriter “ verwendet, insbesondere in der Popmusik . ^{[ 5 ]} In anderen Kontexten kann der Begriff „Komponist“ einen Schriftsteller bezeichnen, ^{[ 6 ]} oder, seltener und allgemeiner, jemanden, der einzelne Stücke zu einem Ganzen zusammenfügt. ^{[ 7 ]}

In verschiedenen Kulturen und Traditionen können Komponisten Musik auf vielfältige Weise schreiben und weitergeben. In der populären Musik verfasst der Komponist ein Werk , das dann mündlich überliefert wird. Umgekehrt kann Musik in einigen westlichen klassischen Traditionen auditiv – also „im Kopf des Musikers“ – komponiert und anschließend schriftlich festgehalten und weitergegeben werden . ^{[ 8 ]}

In der Entwicklung der europäischen klassischen Musik spielte die Komposition zunächst keine wesentlich größere Rolle als die Aufführung. Der Bewahrung einzelner Kompositionen wurde keine große Bedeutung beigemessen, und Musiker hatten im Allgemeinen keine Bedenken, Kompositionen für die Aufführung zu verändern.

In der westlichen Welt vor der Romantik des 19. Jahrhunderts ging das Komponieren fast immer mit einer Kombination aus Gesang, Unterricht und Theoretisierung einher . ^{[ 9 ]}

Selbst in einem traditionellen westlichen Instrumentalstück, in dem alle Melodien , Akkorde und Basslinien in Notenschrift festgehalten sind, hat der Interpret einen gewissen Spielraum für künstlerische Interpretation. Dies geschieht beispielsweise durch Variation von Artikulation und Phrasierung , durch die Wahl der Länge von Fermaten (gehaltenen Noten) oder Pausen und – bei Streich-, Holz- oder Blechblasinstrumenten – durch den Einsatz von Ausdrucksmitteln wie Vibrato oder Portamento . Für Sänger und Instrumentalisten bezeichnet man den Prozess der Interpretation eines bereits komponierten und notierten Musikstücks als „Interpretation“. Die Interpretationen desselben Musikstücks können je nach Interpret stark variieren, sowohl hinsichtlich des gewählten Tempos als auch des Spiel- oder Gesangsstils und der Phrasierung der Melodien. Komponisten und Liedermacher, die ihre eigene Musik präsentieren, interpretieren ebenso wie diejenigen, die die Musik anderer aufführen. Die zu einem bestimmten Zeitpunkt und an einem bestimmten Ort vorhandenen Standardauswahlmöglichkeiten und -techniken werden als Aufführungspraxis bezeichnet , während Interpretation im Allgemeinen die individuellen Entscheidungen eines Interpreten meint.

Obwohl ein Musikstück oft nur einen einzigen Autor hat, ist dies nicht immer der Fall. Ein Musikwerk kann mehrere Komponisten haben, was häufig in der Popmusik vorkommt , wenn eine Band gemeinsam einen Song schreibt, oder im Musiktheater , wo die Lieder von einer Person geschrieben werden, die Orchestrierung der Begleitstimmen und die Komposition der Ouvertüre von einem Arrangeur übernommen werden und die Texte von einer dritten Person verfasst werden.

Ein Musikstück kann auch mit Worten, Bildern oder, im 20. und 21. Jahrhundert, mit Computerprogrammen komponiert werden, die erklären oder notieren, wie der Sänger oder Musiker Klänge erzeugen soll. Beispiele hierfür reichen vom sanften Klingeln eines Windspiels über Avantgarde-Musik des 20. Jahrhunderts mit grafischer Notation bis hin zu Textkompositionen wie „ Aus den Sieben Tagen “ und Computerprogrammen, die Klänge für Musikstücke auswählen. Musik, die stark auf Zufall und Glück setzt, wird als aleatorische Musik bezeichnet und ist mit zeitgenössischen Komponisten des 20. Jahrhunderts wie John Cage , Morton Feldman und Witold Lutosławski verbunden .

Art und Umfang der individuellen musikalischen Variationen sind vielfältig und hängen von der Musikkultur des jeweiligen Landes und der Entstehungszeit ab. So wurde beispielsweise barocke Musik , insbesondere in langsamen Tempi, oft nur in groben Umrissen notiert, wobei erwartet wurde, dass der Interpret die Melodie während der Aufführung improvisiert ergänzte . Diese Freiheit nahm in späteren Epochen tendenziell ab, parallel zum vermehrten Einsatz detaillierterer Partituren in Form von Dynamikangaben, Artikulationen usw. Komponisten formulierten zunehmend präzisere Interpretationsvorstellungen, wobei der Grad der Genauigkeit von Komponist zu Komponist variierte. Aufgrund dieser Tendenz zu immer spezifischeren und detaillierteren Anweisungen entwickelte sich schließlich eine Kultur, in der die Treue zur komponierten Intention hoch geschätzt wurde (siehe z. B. Urtextausgabe ). Diese Musikkultur steht mit ziemlicher Sicherheit in Zusammenhang mit der hohen Wertschätzung (die an Verehrung grenzt), die den führenden klassischen Komponisten oft entgegengebracht wird.

Die historisch informierte Aufführungspraxis hat die Möglichkeit, Musikstücke gemäß Partitur ernsthaft zu interpretieren, insbesondere Barockmusik und Musik der frühen Klassik, wiederbelebt . Diese Bewegung kann als ein Weg zu größerer Werktreue in Werken betrachtet werden, die aus einer Zeit stammen, in der Improvisation von den Interpreten erwartet wurde . In anderen Genres als der klassischen Musik genießt der Interpret in der Regel mehr Freiheit; so wird beispielsweise bei einer Coverversion eines älteren Liedes im Bereich der westlichen Popmusik kaum eine exakte Wiedergabe des Originals erwartet; auch wird absolute Werktreue nicht unbedingt hoch geschätzt (mit der möglichen Ausnahme notengetreuer Transkriptionen berühmter Gitarrensoli ).

In der westlichen Kunstmusik orchestriert der Komponist seine Werke üblicherweise selbst, während im Musical und in der Popmusik Songwriter oft einen Arrangeur mit der Orchestrierung beauftragen. Manchmal verzichten Pop-Songwriter sogar ganz auf Noten und komponieren das Lied stattdessen im Kopf, um es dann aus dem Gedächtnis zu spielen oder aufzunehmen. Im Jazz und in der Popmusik genießen bemerkenswerte Aufnahmen einflussreicher Interpreten ein ähnliches Gewicht wie Partituren in der klassischen Musik. Die Kompositionslehre konzentrierte sich traditionell auf die Methoden und Praktiken der westlichen klassischen Musik, doch der Begriff der Komposition ist weit genug gefasst, um sowohl populäre und traditionelle Musikstücke und Instrumentalstücke als auch spontan improvisierte Werke wie die von Free-Jazz- Musikern und afrikanischen Perkussionisten wie den Ewe-Trommlern einzuschließen .

Im Mittelalter arbeiteten die meisten Komponisten für die katholische Kirche und komponierten Musik für Gottesdienste, darunter auch gregorianische Gesänge. In der Renaissance waren Komponisten typischerweise im Dienste des Adels tätig. Während der Adel von ihnen in der Regel die Komposition einer beträchtlichen Menge an religiöser Musik, wie Messen , verlangte , verfassten Komponisten auch viele nicht-religiöse Lieder über die höfische Liebe : die respektvolle, ehrfürchtige Liebe zu einer bedeutenden Frau aus der Ferne. Liebeslieder über die höfische Liebe waren in der Renaissance sehr beliebt. Im Barock waren viele Komponisten im Dienst des Adels oder der Kirche. In der Klassik begannen Komponisten vermehrt öffentliche Konzerte zu veranstalten, um damit Geld zu verdienen, wodurch sie weniger abhängig von Aufträgen des Adels oder der Kirche wurden. Dieser Trend setzte sich in der Romantik des 19. Jahrhunderts fort. Im 20. Jahrhundert suchten Komponisten vermehrt nach Anstellungen als Professoren an Universitäten und Konservatorien. Im 20. Jahrhundert verdienten Komponisten auch Geld mit dem Verkauf ihrer Werke, beispielsweise mit Notenveröffentlichungen ihrer Lieder oder Stücke oder mit Tonaufnahmen ihrer Werke.

1993 fragte die amerikanische Musikwissenschaftlerin Marcia Citron : „Warum spielt die Musik von Komponistinnen im klassischen Standardrepertoire eine so untergeordnete Rolle?“ ^{[ 10 ]} Citron untersucht die Praktiken und Einstellungen, die zum Ausschluss von Komponistinnen aus dem etablierten Kanon aufgeführter Musikwerke geführt haben. Sie argumentiert, dass Komponistinnen im 19. Jahrhundert typischerweise Kunstlieder für kleine Konzerte schrieben, anstatt Sinfonien für die Aufführung mit Orchester in großen Sälen. Letztere galten als das wichtigste Genre für Komponistinnen; da Komponistinnen nur wenige Sinfonien schrieben, wurden sie als Komponistinnen nicht als bemerkenswert angesehen. ^{[ 10 ]}

Laut Abbey Philips hatten Musikerinnen es sehr schwer, sich durchzusetzen und die ihnen gebührende Anerkennung zu erhalten. ^{[ 11 ]} Im Mittelalter wurde die Kunstmusik größtenteils für liturgische (religiöse) Zwecke komponiert. Aufgrund der Ansichten religiöser Führer über die Rolle der Frau komponierten nur wenige Frauen diese Art von Musik; die Nonne Hildegard von Bingen bildete eine der Ausnahmen. Die meisten Universitätslehrbücher zur Musikgeschichte behandeln fast ausschließlich die Rolle männlicher Komponisten. Auch gehören nur sehr wenige Werke von Komponistinnen zum Standardrepertoire der klassischen Musik. In der „ Concise Oxford History of Music “ wird Clara Schumann als eine der wenigen erwähnten Komponistinnen genannt. [ 11 ^{] Zu} den weiteren bedeutenden Komponistinnen der Common-Practice-Periode zählen Fanny Hensel und Cécile Chaminade , und Nadia Boulanger gilt ^als eine der einflussreichsten Komponistinnen der Mitte des 20. Jahrhunderts . Philips stellt fest: „Im 20. Jahrhundert erhielten die Komponistinnen und Musikerinnen weit weniger Aufmerksamkeit als ihre männlichen Kollegen.“ ^{[ 11 ]}

Frauen werden heutzutage im Bereich der Konzertmusik ernster genommen, obwohl die Statistiken zu Anerkennung, Preisen, Beschäftigung und allgemeinen Chancen immer noch zugunsten von Männern verzerrt sind. ^{[ 12 ]}

Professionelle Komponisten klassischer Musik haben oft schon in ihrer Kindheit und Jugend klassische Musik gespielt, sei es als Sänger im Chor , als Musiker in einem Jugendorchester oder als Soloinstrumentalist (z. B. Klavier , Orgel oder Violine ). Jugendliche, die Komponist werden möchten, können ihre Ausbildung an verschiedenen Hochschulen, Konservatorien und Universitäten fortsetzen . Konservatorien , die in Ländern wie Frankreich und Kanada das Standardsystem der musikalischen Ausbildung darstellen, bieten Kompositionsstudenten Unterricht und die Möglichkeit, in Orchestern und Chören mitzuwirken. Universitäten bieten eine Reihe von Kompositionsstudiengängen an, darunter Bachelor-, Master- und Doktorgrade . Darüber hinaus gibt es verschiedene andere Ausbildungsprogramme wie klassische Sommercamps und Festivals, die Studierenden die Möglichkeit bieten, von Komponisten gecoacht zu werden.

Bachelorstudiengänge in Komposition ( B.Mus. oder BM) sind vierjährige Programme, die Einzelunterricht in Komposition, Erfahrung im Amateurorchester/Chor sowie Kurse in Musikgeschichte, Musiktheorie und Geisteswissenschaften (z. B. Anglistik) umfassen und den Studierenden eine umfassendere Ausbildung ermöglichen. In der Regel müssen Kompositionsstudierende vor ihrem Abschluss bedeutende Werke oder Lieder fertigstellen. Nicht alle Komponisten besitzen einen B.Mus. in Komposition; sie können auch einen B.Mus. in Musikperformance oder Musiktheorie haben.

Ein Master-Abschluss in Komposition (M.Mus.) umfasst Einzelunterricht bei einem Kompositionsprofessor , Ensembleerfahrung und Kurse in Musikgeschichte und Musiktheorie sowie ein bis zwei Konzerte mit Kompositionswerken des Studierenden. Ein Master-Abschluss in Musik (M.Mus. oder MM) ist oft die Mindestvoraussetzung für eine Lehrtätigkeit im Bereich Komposition an einer Universität oder einem Konservatorium. Komponisten mit einem M.Mus. können als Lehrbeauftragte oder Dozenten an einer Universität tätig sein, jedoch war es in den 2010er Jahren schwierig, mit diesem Abschluss eine unbefristete Professur zu erhalten.

Um eine unbefristete Professur zu erhalten, ist an vielen Universitäten ein Doktortitel erforderlich . Im Bereich Komposition ist der wichtigste Doktortitel der Doctor of Musical Arts ( DMA ) und nicht der PhD ; der PhD wird zwar auch im Bereich Musik verliehen, jedoch typischerweise für Fächer wie Musikwissenschaft und Musiktheorie .

Der Doktorgrad in Musik (DMA, D.Mus.A. oder A.Mus.D.) im Fach Komposition bietet die Möglichkeit zu einem fortgeschrittenen Studium auf höchstem künstlerischem und pädagogischem Niveau und erfordert in der Regel mindestens 54 zusätzliche Leistungspunkte über den Masterabschluss hinaus (der wiederum etwa 30 zusätzliche Leistungspunkte über den Bachelorabschluss hinaus umfasst). Aus diesem Grund ist die Zulassung sehr selektiv. Studierende müssen Kompositionsproben einreichen. Einige Hochschulen akzeptieren, sofern vorhanden, auch Video- oder Audioaufnahmen von Aufführungen der Stücke. Prüfungen in Musikgeschichte, Musiktheorie, Gehörbildung/Diktat sowie eine Aufnahmeprüfung sind erforderlich.

Studierende müssen unter der Anleitung von Professoren der Kompositionsfakultät umfangreiche Kompositionen anfertigen. Einige Hochschulen verlangen von ihren Doktoranden im Fach Komposition die Aufführung ihrer Werke in Konzerten, die in der Regel von Sängern oder Musikern der Hochschule aufgeführt werden. Der erfolgreiche Abschluss fortgeschrittener Kurse und ein Notendurchschnitt von mindestens 2,0 (B) sind weitere typische Voraussetzungen für ein DMA-Programm. Während ihres Studiums können Kompositionsstudierende auch Unterrichtserfahrung mit Musikstudenten im Bachelorbereich sammeln.

Einige Komponisten absolvierten kein Kompositionsstudium, sondern konzentrierten sich auf das Singen oder Spielen eines Instruments oder auf Musiktheorie und entwickelten ihre kompositorischen Fähigkeiten im Laufe einer Karriere in einem anderen musikalischen Beruf.

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