Römische Kunst

Römische Kunst

Linkes Bild: Ein römisches Fresko aus Pompeji , das eine Mänade in Seidenkleid zeigt , 1. Jahrhundert n. Chr. Rechtes Bild: Ein Fresko eines jungen Mannes aus der Villa di Arianna, Stabiae , 1. Jahrhundert n. Chr.

Die Kunst des antiken Roms und der Gebiete seiner Republik und später seines Kaiserreichs umfasste Architektur , Malerei , Bildhauerei und Mosaikkunst . Luxusgegenstände aus Metall , Edelsteingravuren , Elfenbeinschnitzereien und Glas werden mitunter als weniger bedeutende Formen römischer Kunst betrachtet ^{[ 1 ]} , obwohl sie zu jener Zeit nicht als solche galten. Die Bildhauerei wurde von den Römern vermutlich als die höchste Kunstform angesehen, aber auch die Figurenmalerei genoss hohes Ansehen. Eine sehr große Anzahl von Skulpturen ist ab etwa dem 1. Jahrhundert v. Chr. erhalten geblieben, während aus der Zeit davor nur sehr wenige erhalten sind. Von der Malerei ist hingegen nur sehr wenig erhalten, und vermutlich nichts, was ein Zeitgenosse als qualitativ hochwertig eingestuft hätte.

Die Keramik des antiken Roms war kein Luxusgut, doch eine große Menge an „Feinwaren“ aus Terra Sigillata wurde mit Reliefs verziert, die dem aktuellen Zeitgeschmack entsprachen und einem breiten Teil der Gesellschaft stilvolle Objekte zu einem offensichtlich erschwinglichen Preis boten. Römische Münzen waren ein wichtiges Propagandamittel und sind in enormer Zahl erhalten geblieben.

Während die traditionelle Ansicht besagt, dass die Künstler des antiken Roms häufig griechische Vorbilder kopierten (viele der heute bekannten griechischen Skulpturen sind römische Marmorkopien), deuten neuere Analysen darauf hin, dass die römische Kunst eine äußerst kreative Mischung darstellt , die sich zwar stark an griechischen Vorbildern orientiert, aber auch etruskische , italische und sogar ägyptische Einflüsse in die Bildkultur einbezieht. Stilistischer Eklektizismus und praktische Anwendbarkeit sind charakteristisch für einen Großteil der römischen Kunst.

Plinius , der bedeutendste Kunsthistoriker des antiken Roms, hielt fest, dass nahezu alle Kunstformen – Bildhauerei, Landschaftsmalerei, Porträtmalerei, selbst Genremalerei – in der griechischen Antike hochentwickelt waren und in manchen Fällen sogar fortschrittlicher als in Rom. Obwohl nur sehr wenig griechische Wandmalerei und Porträtkunst erhalten geblieben ist, belegen griechische Skulpturen und Vasenmalerei dies eindeutig. Es ist unwahrscheinlich, dass römische Künstler diese Kunstformen in Feinheit von Entwurf oder Ausführung übertroffen haben. Als weiteres Beispiel des verlorenen „ Goldenen Zeitalters “ nannte er Peiraikos , „dessen Kunstfertigkeit nur von wenigen übertroffen wird … Er malte Friseursalons und Schuhmacherstände, Esel, Gemüse und dergleichen und wurde deshalb als ‚Maler vulgärer Motive‘ bezeichnet; dennoch sind diese Werke durchweg reizvoll und erzielten höhere Preise als die größten Gemälde vieler anderer Künstler.“ ^{[ 2 ]} Das Adjektiv „vulgär“ wird hier in seiner ursprünglichen Bedeutung verwendet und bedeutet „gewöhnlich“.

Die griechischen Vorbilder der römischen Kunst waren legendär. Mitte des 5. Jahrhunderts v. Chr. waren Polygnotos , bekannt für seine Wandmalereien, und Apollodoros , der Begründer des Helldunkels , die berühmtesten griechischen Künstler . Die Entwicklung der realistischen Technik wird Zeuxis und Parrhasius zugeschrieben, die der altgriechischen Legende zufolge einst in einem bravourösen Wettstreit ihrer Talente wetteiferten – die frühesten überlieferten Beschreibungen der Trompe-l’œil- Malerei. ^{[ 3 ]} In der Bildhauerei waren Skopas , Praxiteles , Phidias und Lysippos die bedeutendsten Bildhauer. Offenbar hatten römische Künstler reichlich antike griechische Kunst als Vorlage, da der Kunsthandel im gesamten Reich florierte und ein Großteil des griechischen Kunsterbes durch Bücher und Lehre Eingang in die römische Kunst fand. Es ist bekannt, dass es in römischer Zeit altgriechische Abhandlungen über die Künste gab, die jedoch heute verloren sind. ^{[ 4 ]} Viele römische Künstler stammten aus griechischen Kolonien und Provinzen. ^{[ 5 ]}

Die hohe Anzahl römischer Kopien griechischer Kunst zeugt von der Wertschätzung, die römische Künstler der griechischen Kunst entgegenbrachten, und möglicherweise auch von ihrer selteneren und höheren Qualität. ^{[ 5 ]} Viele der von den Römern verwendeten Kunstformen und -methoden – wie Hoch- und Flachrelief, freistehende Skulpturen, Bronzeguss, Vasenkunst, Mosaik , Kamee , Münzkunst, Schmuck und Metallarbeiten, Grabskulpturen, Perspektivzeichnung, Karikatur, Genre- und Porträtmalerei , Landschaftsmalerei , Architekturskulptur und Trompe-l’œil- Malerei – wurden allesamt von antiken griechischen Künstlern entwickelt oder verfeinert. ^{[ 6 ]} Eine Ausnahme bildet die römische Büste, die die Schultern nicht darstellte. Die traditionelle Kopf-und-Schultern-Büste könnte eine etruskische oder frührömische Form gewesen sein. ^{[ 7 ]} Nahezu jede künstlerische Technik und Methode, die von Renaissancekünstlern 1900 Jahre später angewendet wurde, war bereits von antiken griechischen Künstlern demonstriert worden, mit den bemerkenswerten Ausnahmen der Ölfarben und der mathematisch exakten Perspektive. ^{[ 8 ]} Während griechische Künstler in ihrer Gesellschaft hohes Ansehen genossen, blieben die meisten römischen Künstler anonym und galten als Handwerker. Anders als im antiken Griechenland gibt es keine Aufzeichnungen über die großen Meister der römischen Kunst und praktisch keine signierten Werke. Während die Griechen die ästhetischen Qualitäten großer Kunstwerke verehrten und ausführlich über Kunsttheorie schrieben, war die römische Kunst eher dekorativ und Ausdruck von Status und Reichtum und offenbar nicht Gegenstand der Beschäftigung von Gelehrten oder Philosophen. ^{[ 9 ]}

Teils weil die römischen Städte im Vergleich zu den griechischen Stadtstaaten bevölkerungsmäßig deutlich größer und im Allgemeinen weniger provinziell waren, nahm die Kunst im antiken Rom einen umfassenderen und mitunter auch praktischeren Zweck an. Die römische Kultur assimilierte viele Kulturen und war größtenteils tolerant gegenüber den Lebensweisen der eroberten Völker. ^{[ 5 ]} Römische Kunst wurde in weit größerem Umfang in Auftrag gegeben, ausgestellt und besessen und für vielfältigere Zwecke eingesetzt als in der griechischen Antike. Wohlhabende Römer waren materialistischer; sie schmückten ihre Wände mit Kunstwerken, ihre Häuser mit Dekorationsgegenständen und sich selbst mit kostbarem Schmuck.

In der christlichen Ära des späten Römischen Reiches (350–500 n. Chr.) erlebten Wandmalerei, Mosaikdecken und -böden sowie Grabskulpturen eine Blütezeit, während vollplastische Skulpturen und Tafelmalerei – höchstwahrscheinlich aus religiösen Gründen – in Vergessenheit gerieten. ^{[ 10 ]} Als Konstantin die Hauptstadt des Reiches nach Byzanz (dem späteren Konstantinopel) verlegte, flossen östliche Einflüsse in die römische Kunst ein und prägten den byzantinischen Stil des späten Reiches. Nach der Plünderung Roms im 5. Jahrhundert zogen viele Kunsthandwerker in die östliche Hauptstadt und fanden dort Arbeit. Die Hagia Sophia in Konstantinopel beschäftigte fast 10.000 Arbeiter und Künstler und markierte einen letzten Höhepunkt römischer Kunst unter Kaiser Justinian (527–565 n. Chr.), der auch die berühmten Mosaiken der Basilika San Vitale in Ravenna in Auftrag gab . ^{[ 11 ]}

Von der riesigen Menge römischer Malerei sind heute nur noch wenige Exemplare erhalten, viele dokumentierte Typen sind entweder gar nicht oder erst ab dem Ende dieser Epoche überliefert.

Die bekannteste und wichtigste Fundgrube sind die Wandmalereien aus Pompeji , Herculaneum und anderen nahegelegenen Orten. Sie zeigen, wie die Bewohner eines wohlhabenden Badeortes ihre Wände im Jahrhundert vor dem verheerenden Ausbruch des Vesuvs im Jahr 79 n. Chr. schmückten. Moderne Kunsthistoriker haben, beginnend mit August Mau , eine Reihe datierter Stile definiert und analysiert, die eine zunehmende Detailverliebtheit aufweisen.

Auch in den Überresten bedeutender Adelshäuser in Rom selbst wurden Wandmalereien aus derselben Zeit gefunden. Ein Großteil von Neros Palast in Rom, der Domus Aurea , erbaut in den 60er Jahren n. Chr., ist als Grotten erhalten geblieben; ihre Malereien inspirierten den in der Renaissance populären grotesken Malstil. Auch in Häusern, die Kaiser Augustus und seiner Gemahlin Livia zugeordnet werden , finden sich Wandmalereien aus dem frühen 1. Jahrhundert n. Chr . Die Casa della Farnesina ist ein weiteres bedeutendes Zeugnis der frühen Kaiserzeit, das zahlreiche Gemälde preisgab.

Außerhalb Italiens wurden im gesamten Römischen Reich zahlreiche Fragmente bemalter Wände gefunden, jedoch nur wenige vollständige Stücke. In den westlichen Provinzen des Reiches stammen die meisten Fragmente aus der Zeit nach 200 n. Chr.

Aus dem römischen Ägypten stammen zahlreiche sogenannte Fayum-Mumienporträts , Büstenporträts auf Holz, die von einer romanisierten Mittelschicht an der Außenseite von Mumien angebracht wurden ; trotz ihres sehr ausgeprägten lokalen Charakters sind sie wahrscheinlich im Großen und Ganzen repräsentativ für den römischen Stil gemalter Porträts, die ansonsten vollständig verloren gegangen sind.

Vom 3. Jahrhundert n. Chr. bis etwa 400 n. Chr. verfügen wir über eine große Anzahl von Gemälden aus den Katakomben Roms , die keineswegs alle christlich sind und die spätere Fortsetzung der häuslichen Dekorationstradition in einer für die Verwendung in Grabkammern angepassten – wahrscheinlich nicht stark angepassten – Version zeigen, in einem vermutlich eher bescheideneren sozialen Milieu als in den größten Häusern Pompejis.

Von den im 4. und 5. Jahrhundert nach Rom importierten griechischen Gemälden sowie von der in dieser Zeit in Italien gefertigten Holzmalerei ist nichts erhalten. ^{[ 4 ] Zusammenfassend lässt sich sagen, dass sich die verfügbaren Beispiele auf lediglich etwa 200 Jahre der rund 900-jährigen römischen Geschichte [ 12 ]} und auf Provinz- und Dekorationsmalerei beschränken .

Die meisten Wandmalereien wurden in der Secco- Technik (trocken) ausgeführt, doch existierten in römischer Zeit auch Fresken . Mosaiken und einige Inschriften belegen, dass manche römischen Gemälde Adaptionen oder Kopien älterer griechischer Werke waren. ^{[ 12 ]} Erschwerend kommt hinzu, dass die Inschriften möglicherweise die Namen eingewanderter griechischer Künstler aus römischer Zeit wiedergeben und nicht die Namen antiker griechischer Originale, die kopiert wurden. ^{[ 8 ]} Den Römern fehlte eine vergleichbare Tradition figurativer Vasenmalerei wie der der alten Griechen, die von den Etruskern nachgeahmt worden war.

Die römische Malerei bietet eine große Themenvielfalt: Tiere, Stillleben, Szenen aus dem Alltag, Porträts und einige mythologische Motive. In der hellenistischen Zeit beschwor sie die Freuden des Landlebens herauf und stellte Szenen mit Hirten, Herden, ländlichen Tempeln, Berglandschaften und Landhäusern dar. ^{[ 8 ]} Auch erotische Szenen sind relativ häufig. In der Spätantike, nach 200 n. Chr., haben sich frühchristliche Motive, vermischt mit heidnischen Darstellungen, an den Wänden der Katakomben erhalten. ^{[ 13 ]}

Die wichtigste Neuerung der römischen Malerei im Vergleich zur griechischen Kunst war die Entwicklung der Landschaftsmalerei, insbesondere die Anwendung von Perspektiven, obwohl die mathematische Perspektive erst 1500 Jahre später entwickelt wurde. Oberflächenstrukturen, Schattierungen und Farbgebung sind gekonnt umgesetzt, doch Maßstab und räumliche Tiefe wurden noch nicht präzise wiedergegeben. Einige Landschaften zeigten reine Naturszenen, vor allem Gärten mit Blumen und Bäumen, während andere Architekturansichten städtischer Gebäude darstellten. Wieder andere Landschaften zeigten Episoden aus der Mythologie, die bekanntesten davon Szenen aus der Odyssee . ^{[ 14 ]}

Aus kultureller Sicht kannte die Kunst des alten Orients die Landschaftsmalerei lediglich als Kulisse für zivile oder militärische Erzählszenen. ^{[ 15 ]} Diese Theorie wird von Franz Wickhoff vertreten , ist aber umstritten. Hinweise auf griechische Kenntnisse der Landschaftsdarstellung finden sich in Platons Kritias (107b–108b):

... und wenn wir die Darstellungen göttlicher und menschlicher Körper durch Maler im Hinblick darauf betrachten, wie leicht oder schwer es ihnen gelingt, ihre Sujets nach Ansicht der Betrachter nachzuahmen, so stellen wir zunächst fest, dass wir uns hinsichtlich der Erde, der Berge, der Flüsse, der Wälder und des gesamten Himmels mit den darin existierenden und sich bewegenden Dingen damit zufriedengeben, wenn ein Mensch sie auch nur mit einer geringen Ähnlichkeit darstellen kann ... ^{[ 16 ]}

Römische Stillleben sind oft in illusionistischen Nischen oder Regalen platziert und zeigen eine Vielzahl von Alltagsgegenständen, darunter Früchte, lebende und tote Tiere, Meeresfrüchte und Muscheln. Beispiele für das Motiv des mit Wasser gefüllten Glasgefäßes wurden gekonnt gemalt und dienten später als Vorbild für dasselbe Motiv, das häufig in der Renaissance und im Barock dargestellt wurde . ^{[ 17 ]}

Plinius beklagte den Niedergang der römischen Porträtkunst: „Die Porträtmalerei, die über die Jahrhunderte hinweg die genauen Abbilder der Menschen vermittelte, ist gänzlich verschwunden … Trägheit hat die Künste zerstört.“ ^{[ 18 ] [ 19 ]}

In Griechenland und Rom galt Wandmalerei nicht als hohe Kunst. Die angesehenste Kunstform neben der Bildhauerei war die Tafelmalerei , also Tempera- oder Enkaustikmalerei auf Holztafeln. Da Holz ein vergängliches Material ist, sind leider nur sehr wenige Beispiele solcher Malereien erhalten geblieben, nämlich das Severische Tondo aus der Zeit um 200 n. Chr. , ein recht routinemäßiges offizielles Porträt aus einem Provinzverwaltungsamt, und die bekannten Fayum-Mumienporträts , beide aus dem römischen Ägypten und mit ziemlicher Sicherheit nicht von höchster zeitgenössischer Qualität. Die Porträts waren an den Gesichtern von Bestattungsmumien angebracht, von denen fast alle inzwischen abgetrennt wurden. Sie zeigen in der Regel eine einzelne Person, wobei der Kopf oder Kopf und Oberkörper frontal dargestellt sind. Der Hintergrund ist stets einfarbig, manchmal mit dekorativen Elementen. ^{[ 20 ]} Hinsichtlich der künstlerischen Tradition sind die Darstellungen eindeutig stärker von der griechisch-römischen als von der ägyptischen Tradition geprägt. Sie sind bemerkenswert realistisch, wenngleich ihre künstlerische Qualität variiert, und könnten darauf hindeuten, dass ähnliche Kunst auch anderswo verbreitet war, aber nicht erhalten geblieben ist. Einige wenige auf Glas und Medaillen gemalte Porträts aus der späteren Kaiserzeit sind erhalten geblieben, ebenso wie Münzporträts, von denen einige ebenfalls als sehr realistisch gelten. ^{[ 21 ]}

Goldglas , auch als Sandwichglas bekannt, war eine Technik, bei der eine Schicht Blattgold mit einem Muster zwischen zwei verschmolzene Glasschichten gelegt wurde. Diese Technik wurde in der hellenistischen Glaskunst entwickelt und im 3. Jahrhundert n. Chr. wiederbelebt. Es gibt nur wenige großformatige Darstellungen, darunter eine sehr feine Gruppe von Porträts aus dem 3. Jahrhundert mit zusätzlicher Bemalung. Die große Mehrheit der rund 500 erhaltenen Stücke sind jedoch Medaillons. Dabei handelt es sich um abgeschnittene Böden von Weinkelchen oder Gläsern, die in den Katakomben Roms zur Kennzeichnung und Verzierung von Gräbern dienten , indem sie in den Mörtel gedrückt wurden. Sie stammen überwiegend aus dem 4. und 5. Jahrhundert. Die meisten sind christlich, es gibt aber auch viele heidnische und einige wenige jüdische Beispiele. Wahrscheinlich wurden sie ursprünglich als Geschenke zu Hochzeiten oder festlichen Anlässen wie Neujahr überreicht. Ihre Ikonographie wurde eingehend untersucht, obwohl sie künstlerisch relativ einfach gehalten sind. ^{[ 23 ]} Ihre Motive ähneln denen der Katakombenmalereien, jedoch mit einer anderen Bildsprache und einem höheren Anteil an Porträts. Im Laufe der Zeit nahm die Darstellung von Heiligen zu. ^{[ 24 ]} Die gleiche Technik wurde ab Mitte des 1. Jahrhunderts in Rom für Gold- Tesserae für Mosaiken verwendet , und im 5. Jahrhundert waren diese zum Standardhintergrund für religiöse Mosaiken geworden.

Die frühere Gruppe zählt zu den lebendigsten Porträts aus frühchristlicher Zeit. Sie blicken uns mit außergewöhnlicher strenger und melancholischer Intensität an ^{[ 25 ]} und stellen die besten erhaltenen Zeugnisse dessen dar, was die römische Porträtmalerei in hoher Qualität leisten konnte. Das Gennadios-Medaillon im Metropolitan Museum of Art in New York ist ein hervorragendes Beispiel für ein alexandrinisches Porträt auf blauem Glas. Es verwendet eine deutlich komplexere Technik und einen naturalistischeren Stil als die meisten spätrömischen Beispiele. So wurde beispielsweise auf das Gold gemalt, um Schattierungen zu erzeugen, und die griechische Inschrift weist Merkmale des lokalen Dialekts auf . Möglicherweise hatte er das Werk zur Feier seines Sieges in einem Musikwettbewerb geschenkt bekommen oder in Auftrag gegeben. ^{[ 26 ]} Eines der berühmtesten Porträtmedaillons im alexandrinischen Stil mit einer Inschrift in ägyptisch-griechischem Englisch wurde später in einem frühmittelalterlichen Kreuz in Brescia angebracht , in dem irrtümlichen Glauben, es zeige die fromme Kaiserin und gotische Königin Galla Placida und ihre Kinder. ^{[ 27 ]} Tatsächlich könnte der Knoten im Gewand der zentralen Figur auf eine Anhängerin der Isis hinweisen . ^{[ 28 ]} Es handelt sich um eines von 14 Stücken aus dem 3. Jahrhundert n. Chr., allesamt hochwertige, individuelle weltliche Porträts. ^{[ 29 ]} Die Inschrift auf dem Medaillon ist im alexandrinischen Dialekt des Griechischen verfasst und zeigt daher höchstwahrscheinlich eine Familie aus dem römischen Ägypten . ^{[ 30 ]} Das Medaillon wurde auch mit anderen Werken zeitgenössischer römisch-ägyptischer Kunst verglichen, wie beispielsweise den Mumienporträts von Fayum . ^{[ 22 ]} Man geht davon aus, dass die feinen Details solcher Stücke nur mithilfe von Linsen erzielt werden konnten . ^{[ 31 ]} Die späteren Linsen aus den Katakomben weisen ein rudimentäres Niveau der Porträtkunst auf; Gesichtszüge, Frisuren und Kleidung folgen stereotypen Stilen. ^{[ 32 ]}

Römische Genreszenen zeigen im Allgemeinen Römer in ihrer Freizeit und beinhalten Glücksspiel, Musik und sexuelle Begegnungen. Einige Szenen zeigen Götter und Göttinnen in ihrer Freizeit. ^{[ 8 ] [ 12 ]}

Ab dem 3. Jahrhundert v. Chr. entstand ein eigenes Genre, die Triumphmalerei , wie Plinius (XXXV, 22) belegt. ^{[ 33 ]} Diese Gemälde zeigten Triumphzüge nach militärischen Siegen, stellten Episoden des Krieges sowie eroberte Regionen und Städte dar. Übersichtskarten hoben die wichtigsten Punkte des Feldzugs hervor. Josephus beschreibt das Gemälde, das anlässlich der Plünderung Jerusalems durch Vespasian und Titus entstand :

Sie waren zudem mit kunstvoll gearbeitetem Gold und Elfenbein verziert; und es gab viele Parallelen zum Krieg, und zwar in vielerlei Hinsicht, sowie eine Vielzahl von Intrigen, die ein äußerst lebendiges Bild des Geschehens zeichneten. Denn man sah ein glückliches Land verwüstet und ganze feindliche Heere niedergemetzelt; einige flohen, andere wurden gefangen genommen; hohe und gewaltige Mauern wurden von Maschinen umgestürzt und zerstört; die stärksten Befestigungen wurden eingenommen, die Mauern der bevölkerungsreichsten Städte auf den Hügelkuppen erobert, und ein Heer strömte in die Mauern; jeder Ort war erfüllt von Gemetzel und den Flehen der Feinde, die nicht mehr imstande waren, Widerstand zu leisten. Auch das Feuer, das auf Tempel herabgesandt wurde, und zerstörte Häuser, die auf ihre Bewohner stürzten, wurden hier dargestellt; ebenso Flüsse, die aus einer großen, trostlosen Wüste hervorkamen und nicht in bebautes Land flossen, weder als Trinkwasser für Menschen noch für Vieh, sondern durch ein Land, das ringsum noch in Flammen stand; denn die Juden berichteten, dass sie während dieses Krieges Ähnliches erlebt hatten. Die Ausführung dieser Darstellungen war so prachtvoll und lebendig, dass sie das Geschehene denen, die es nicht gesehen hatten, so anschaulich vor Augen führte, als wären sie selbst dabei gewesen. Über jedem dieser Schaubilder war der Befehlshaber der eroberten Stadt und die Art und Weise seiner Gefangennahme dargestellt. ^{[ 34 ]}

Diese Gemälde sind verloren gegangen, beeinflussten aber vermutlich die Komposition der historischen Reliefs auf Militärsarkophagen , dem Titusbogen und der Trajanssäule . Diese Funde unterstreichen die Bedeutung der Landschaftsmalerei, die mitunter perspektivische Darstellungen verwendete.

Ranuccio beschreibt auch das älteste Gemälde, das in Rom gefunden wurde, in einem Grab auf dem Esquilin-Hügel :

Das Gemälde zeigt eine historische Szene vor hellem Hintergrund, dargestellt in vier übereinanderliegenden Abschnitten. Mehrere Personen sind identifiziert, darunter Marcus Fannius und Marcus Fabius. Diese sind größer als die anderen Figuren. Im zweiten Abschnitt, links, befindet sich eine von Zinnen umgebene Stadt . Davor steht ein großer Krieger mit ovalem Schild und Federhelm; neben ihm ein Mann in kurzer Tunika, bewaffnet mit einem Speer. Um die beiden herum stehen kleinere Soldaten in kurzen Tuniken, ebenfalls mit Speeren bewaffnet. Im unteren Abschnitt findet eine Schlacht statt, in der ein Krieger mit ovalem Schild und Federhelm größer als die anderen dargestellt ist. Anhand ihrer Waffen lässt sich vermuten, dass es sich um Samniten handelt.

Diese Episode lässt sich schwer datieren. Eine von Ranuccios Hypothesen besagt, dass sie sich auf einen Sieg des Konsuls Fabius Maximus Rullianus im zweiten Krieg gegen die Samniten im Jahr 326 v. Chr. bezieht. Die Darstellung der Figuren in ihrer Bedeutung proportionaler Größe ist typisch römisch und findet sich auch in Reliefs der Plebejer. Dieses Gemälde stammt aus der Frühzeit der Triumphmalerei und wurde vermutlich zu Beginn des 3. Jahrhunderts v. Chr. zur Ausschmückung des Grabmals angefertigt.

Die frühe römische Kunst wurde von der griechischen und der etruskischen Kunst beeinflusst , die ihrerseits stark von ihren griechischen Handelspartnern geprägt war. Eine etruskische Spezialität waren lebensgroße Grabfiguren aus Terrakotta , die meist auf einem Sarkophagdeckel lagen und sich in der für die damalige Zeit typischen Pose eines Essers auf einen Ellbogen stützten. Mit der Expansion der Römischen Republik und der Eroberung griechischen Territoriums, zunächst in Süditalien und später in der gesamten hellenistischen Welt mit Ausnahme des parthischen Fernen Ostens, entwickelte sich die offizielle und patrizische Bildhauerei weitgehend zu einer Fortführung des hellenistischen Stils. Spezifisch römische Elemente sind davon nur schwer zu trennen, zumal so viel griechische Skulptur nur in Kopien aus römischer Zeit erhalten ist. ^{[ 35 ]} Im 2. Jahrhundert v. Chr. waren „die meisten in Rom tätigen Bildhauer“ Griechen ^{[ 36 ]} , oft Sklaven, die bei Eroberungen wie der von Korinth (146 v. Chr.) verschleppt worden waren. Auch weiterhin waren Bildhauer überwiegend Griechen, häufig Sklaven, deren Namen nur sehr selten überliefert sind. Unzählige griechische Statuen wurden nach Rom importiert, sei es als Beute, durch Erpressung oder Handel, und Tempel wurden oft mit wiederverwendeten griechischen Werken geschmückt. ^{[ 37 ]}

Ein eigenständiger italienischer Stil findet sich in den Grabdenkmälern wohlhabender Römer aus dem Bürgertum, die häufig Porträtbüsten zeigten . Die Porträtkunst gilt als eine der größten Stärken der römischen Bildhauerei. Von der Tradition der Ahnenmasken, die bei den Beerdigungen der großen Familien in Prozessionen getragen und ansonsten in den Häusern ausgestellt wurden, sind keine Zeugnisse erhalten. Viele der erhaltenen Büsten stellen jedoch Ahnenfiguren dar, möglicherweise aus den großen Familiengräbern wie dem Grab der Scipionen oder den späteren Mausoleen außerhalb der Stadt. Der berühmte Bronzekopf, der angeblich Lucius Junius Brutus darstellt , ist unterschiedlich datiert, gilt aber als ein sehr seltenes Zeugnis italischen Stils aus der Republikzeit, gefertigt im bevorzugten Material Bronze. ^{[ 38 ]} Ähnlich strenge und kraftvolle Köpfe finden sich auf den Münzen der Konsuln, und in der Kaiserzeit waren Münzen sowie Büsten, die im ganzen Reich in den Basiliken der Provinzstädte aufgestellt wurden, das wichtigste visuelle Mittel der kaiserlichen Propaganda. Sogar in Londinium gab es eine beinahe kolossale Statue Neros , die allerdings weit kleiner war als der 30 Meter hohe Koloss des Nero in Rom, der heute verloren ist. ^{[ 39 ]} Das Grab des Eurysakes des Bäckers , eines erfolgreichen Freigelassenen (ca. 50–20 v. Chr.), besitzt einen Fries , der ein ungewöhnlich großes Beispiel des „plebejischen“ Stils darstellt. ^{[ 40 ]} Die kaiserliche Porträtmalerei war anfangs hellenisiert und stark idealisiert, wie etwa die Blacas-Kamee und andere Porträts des Augustus zeigen .

Die Römer versuchten im Allgemeinen nicht, mit freistehenden griechischen Werken heroischer Taten aus Geschichte oder Mythologie zu konkurrieren, sondern schufen von Anfang an historische Reliefs . Der Höhepunkt dieser Entwicklung waren die großen römischen Triumphsäulen mit ihren umlaufenden, erzählenden Reliefs. Die Reliefs, die Trajan (113 n. Chr.) und Marcus Aurelius (um 193 n. Chr.) gedenken, sind in Rom erhalten. Dort repräsentiert der Ara Pacis („Friedensaltar“, 13 v. Chr.) den offiziellen griechisch-römischen Stil in seiner klassischsten und raffiniertesten Form, während die Skulpturen von Sperlonga ihn in seiner barocksten Ausprägung zeigen. Einige spätrömische öffentliche Skulpturen entwickelten einen massiven, vereinfachten Stil, der mitunter den sowjetischen sozialistischen Realismus vorwegnimmt . Zu den wichtigsten Beispielen zählen die wiederverwendeten Reliefs am Konstantinsbogen und am Sockel der Antoninus-Pius-Säule (161 n. Chr.). ^{[ 41 ]} Campana-Reliefs waren preisgünstigere Keramikversionen von Marmorreliefs, und die Vorliebe für Reliefs dehnte sich seit der Kaiserzeit auch auf Sarkophage aus.

Alle Formen luxuriöser Kleinskulpturen erfreuten sich weiterhin großer Beliebtheit, und die Qualität konnte äußerst hoch sein, wie etwa beim silbernen Warren-Pokal , dem gläsernen Lykurgus-Pokal und großen Kameen wie der Gemma-Augustea- Kamee , der Gonzaga-Kamee und der „ Großen Kamee Frankreichs “. ^{[ 42 ]} Für einen weitaus größeren Teil der Bevölkerung wurden Reliefverzierungen auf Keramikgefäßen und kleine Figuren in großer Menge und oft von beachtlicher Qualität hergestellt. ^{[ 43 ]}

Nach einer „barocken“ Phase im späten 2. Jahrhundert ^{[ 44 ]} gab die römische Kunst im 3. Jahrhundert die Skulptur in der klassischen Tradition weitgehend auf oder war schlichtweg nicht mehr in der Lage, sie hervorzubringen – ein Wandel, dessen Ursachen bis heute viel diskutiert werden. Selbst die bedeutendsten kaiserlichen Monumente zeigten nun gedrungene Figuren mit großen Augen in einem strengen Frontalstil, in einfachen Kompositionen, die Macht auf Kosten der Anmut betonten. Berühmt veranschaulicht wird dieser Kontrast am Konstantinsbogen von 315 in Rom, der Elemente des neuen Stils mit Medaillons im älteren, vollständig griechisch-römischen Stil kombiniert, die von anderen Orten übernommen wurden, sowie an den Vier Tetrarchen (um 305) aus der neuen Hauptstadt Konstantinopel , dem heutigen Venedig . Ernst Kitzinger fand in beiden Monumenten dieselben „gedrungenen Proportionen, kantigen Bewegungen, eine Ordnung der Teile durch Symmetrie und Wiederholung sowie eine Wiedergabe von Gesichtszügen und Faltenwürfen durch Einschnitte statt durch Modellierung… Das Kennzeichen des Stils, wo immer er auftritt, besteht in einer betonten Härte, Schwere und Kantigkeit – kurzum, in einer fast vollständigen Ablehnung der klassischen Tradition.“ ^{[ 45 ]}

Diese Stilwende ging der Zeit voraus, in der das Christentum vom römischen Staat und der großen Mehrheit der Bevölkerung angenommen wurde. Dies führte zum Ende der großen religiösen Skulpturenproduktion; große Statuen wurden nun ausschließlich für Kaiser angefertigt, wie etwa die berühmten Fragmente einer kolossalen Akrolithenstatue Konstantins und der Koloss von Barletta aus dem 4. oder 5. Jahrhundert . Wohlhabende Christen gaben jedoch weiterhin Reliefs für Sarkophage in Auftrag, wie beispielsweise den Sarkophag des Junius Bassus , und sehr kleine Skulpturen, insbesondere aus Elfenbein, wurden von Christen weiterhin geschaffen, wobei sie den Stil des Konsulardiptychons aufgriffen . ^{[ 46 ]}

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  Etruskischer Sarkophag , 3. Jahrhundert v. Chr.
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  Der „ Kapitolinische Brutus “, datiert auf das 4. bis 3. Jahrhundert v. Chr.
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  Eine römische Schiffsbireme , dargestellt auf einem Relief aus dem Tempel der Fortuna Primigenia in Praeneste ( Palastrina ), ^{[ 47 ]} der um 120 v. Chr. erbaut wurde; ^{[ 48 ]} ausgestellt im Museo Pio- Clementino Pius Clementino in den Vatikanischen Museen .
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  Der Redner , ca. 100 v. Chr., eine etruskisch-römische Bronzestatue, die Aule Metele (lateinisch: Aulus Metellus), einen Etrusker in römischer Toga , beim Reden darstellt ; die Statue trägt eine Inschrift in etruskischem Alphabet
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  Das Grabrelief des Publius Aiedius und der Aiedia , 30 v. Chr., Pergamonmuseum (Berlin)
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  Augustus von Prima Porta , Statue des Kaisers Augustus , 1. Jahrhundert n. Chr., Vatikanische Museen
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  Grabrelief der Decii, 98–117 n. Chr.
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  Büste des Kaisers Claudius , um 50 n. Chr. (umgearbeitet nach einer Büste des Kaisers Caligula ), Vatikanische Museen
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  Commodus als Herkules verkleidet , um 191 n. Chr., im spätkaiserlichen "Barock"-Stil; Kapitolinische Museen , Rom.
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  Die vier Tetrarchen , um 305 n. Chr., im neuen antiklassischen Stil, aus Porphyr , heute San Marco, Venedig
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  Das als „ Große Kamee von Frankreich “ bekannte Juwel , ca. 23 n. Chr., mit einer Allegorie von Augustus und seiner Familie
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  Statue der Göttin Nike aus Philippi .
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  Porträtbüste eines Mannes, Antikes Rom, 60 v. Chr.
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  Die römische Porträtmalerei zeichnet sich durch ihren ungeschönten Realismus aus.
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  Veristische Porträtbüste eines alten Mannes mit bedecktem Kopf ( capite velato ) , entweder eines Priesters oder Familienoberhaupts (Marmor, Mitte des 1. Jahrhunderts v. Chr.)

Die traditionelle römische Skulptur lässt sich in fünf Kategorien unterteilen: Porträts, historische Reliefs, Grabreliefs, Sarkophage und Kopien antiker griechischer Werke. ^{[ 49 ]} Entgegen der Annahme früherer Archäologen handelte es sich bei vielen dieser Skulpturen um große , polychrome Terrakottafiguren , wie beispielsweise den Apollo von Veii (Villa Givlia, Rom), deren bemalte Oberfläche jedoch im Laufe der Zeit verblasst ist.

Während griechische Bildhauer militärische Heldentaten traditionell mithilfe mythologischer Allegorien darstellten, wählten die Römer einen eher dokumentarischen Stil. Römische Reliefs von Schlachtszenen, wie jene auf der Trajanssäule , dienten der Verherrlichung der römischen Macht, bieten aber auch eine authentische Darstellung von Militäruniformen und -ausrüstung. Die Trajanssäule dokumentiert die verschiedenen Dakerkriege, die Trajan im heutigen Rumänien führte . Sie ist das bedeutendste Beispiel römischer Historienreliefkunst und einer der größten Kunstschätze der Antike. Dieses beispiellose, über 200 Meter lange spiralförmige Bauwerk präsentiert nicht nur realistisch dargestellte Personen (über 2.500), sondern auch Landschaften, Tiere, Schiffe und andere Elemente in einer fortlaufenden visuellen Geschichte – gewissermaßen ein antiker Vorläufer des Dokumentarfilms. Sie überstand die Zerstörung, als sie als Sockel für christliche Skulpturen verwendet wurde. ^{[ 50 ]} In der christlichen Ära nach 300 n. Chr. wurde die Verzierung von Türpaneelen und Sarkophagen fortgesetzt, aber lebensgroße Skulpturen verschwanden und scheinen in den frühen Kirchen kein wichtiges Element gewesen zu sein. ^{[ 10 ]}

Die Römer erbten eine Tradition der sogenannten „kleinen Künste“ oder dekorativen Kunst . Diese erblühten vor allem im Luxussegment, doch wurden weiterhin zahlreiche Terrakottafiguren, sowohl religiöse als auch weltliche, sowie einige größere Campana-Reliefs aus Terrakotta in geringer Stückzahl und zu geringen Kosten hergestellt . ^{[ 51 ]} Die römische Kunst verwendete keine Vasenmalerei wie die alten Griechen, aber Gefäße der antiken römischen Keramik waren oft stilvoll mit Reliefs verziert. ^{[ 52 ]} Die Hersteller der Millionen verkauften kleinen Öllampen scheinen auf attraktive Dekorationen gesetzt zu haben, um sich gegen die Konkurrenz durchzusetzen, und jedes Sujet der römischen Kunst außer Landschafts- und Porträtmalerei findet sich in Miniaturform auf ihnen. ^{[ 53 ]}

Zu den luxuriösen Kunstgegenständen zählte kunstvolles römisches Glas in einer Vielzahl von Techniken. Viele kleinere Ausführungen davon waren vermutlich für einen Großteil der römischen Bevölkerung erschwinglich. Dies galt jedoch nicht für die extravagantesten Glasobjekte, wie etwa die Käfigbecher oder Diatreta . Der Lykurgos-Becher im Britischen Museum ist ein nahezu einzigartiges figürliches Beispiel aus Glas, das seine Farbe ändert, wenn Licht hindurchscheint. Die augusteische Portlandvase gilt als Meisterwerk römischer Kameoglaskunst ^{[ 54 ]} und ahmte den Stil der großen gravierten Edelsteine ​​( Blacas-Kamee , Gemma Augustea , Große Kamee von Frankreich ) und anderer Hartsteinskulpturen nach , die zu dieser Zeit ebenfalls sehr beliebt waren. ^{[ 55 ]}

Die römische Mosaikkunst war bis zum Ende der römischen Epoche eine eher unbedeutende Kunstform, obwohl sie oft in sehr großem Format ausgeführt wurde. Erst im späten 4. Jahrhundert begannen Christen, sie für große religiöse Darstellungen an den Wänden ihrer neuen Kirchen zu verwenden. In der früheren römischen Kunst diente Mosaik hauptsächlich der Gestaltung von Fußböden, gewölbten Decken sowie Innen- und Außenwänden, die Feuchtigkeit ausgesetzt waren. Die berühmte Kopie eines hellenistischen Gemäldes im Alexandermosaik in Neapel befand sich ursprünglich in einem Fußboden in Pompeji . Sie ist qualitativ deutlich hochwertiger als die meisten römischen Mosaiken, obwohl auch sehr feine Tafeln, oft mit Stilllebenmotiven aus kleinen oder mikromosaikartigen Tesserae, erhalten geblieben sind. Die Römer unterschieden zwischen dem normalen Opus tessellatum mit Tesserae von meist über 4 mm Durchmesser, das vor Ort verlegt wurde, und dem feineren Opus vermiculatum für kleinere Tafeln. Letzteres wurde vermutlich in einer Werkstatt außerhalb der Stätte gefertigt und als fertige Tafel dorthin gebracht. Letzteres war eine hellenistische Gattung, die in Italien zwischen etwa 100 v. Chr. und 100 n. Chr. nachweisbar ist. Die meisten signierten Mosaiken tragen griechische Namen, was darauf hindeutet, dass die Künstler überwiegend Griechen waren, vermutlich aber oft Sklaven, die in Werkstätten ausgebildet wurden. Das Nilmosaik von Palestrina aus dem späten 2. Jahrhundert v. Chr. ist ein sehr großes Beispiel für das beliebte Genre der nilotischen Landschaftsmalerei , während das Gladiatorenmosaik aus dem 4. Jahrhundert in Rom mehrere große Figuren im Kampf zeigt. ^{[ 56 ]} Orpheus-Mosaike , oft sehr großformatig, waren ein weiteres beliebtes Motiv für Villen. Sie zeigen mehrere wilde Tiere, die durch Orpheus ' Musik gezähmt werden . Im Übergang zur byzantinischen Kunst traten Jagdszenen tendenziell an die Stelle von Tierdarstellungen.

Die Metallverarbeitung war hoch entwickelt und offensichtlich ein wesentlicher Bestandteil der Häuser der Reichen, die von Silberbesteck speisten, oft aus Glas tranken und deren Möbel, Schmuck und kleine Figuren mit aufwendigen Gussbeschlägen verziert waren. Zahlreiche bedeutende Hortfunde der letzten 200 Jahre, vorwiegend aus den gewalttätigen Randgebieten des späten Römischen Reiches, haben uns ein wesentlich klareres Bild von römischem Silbergeschirr vermittelt. Der Schatz von Mildenhall und der Hort von Hoxne stammen beide aus East Anglia in England. ^{[ 57 ]} Es gibt nur wenige erhaltene Beispiele für hochwertige antike römische Möbel , doch diese zeugen von raffiniertem und elegantem Design und handwerklicher Perfektion.

Nur wenige römische Münzen erreichen die künstlerische Qualität der besten griechischen Münzen, doch sie sind in großer Zahl erhalten geblieben. Ihre Ikonografie und Inschriften bilden eine wichtige Quelle für das Studium der römischen Geschichte und der Entwicklung der kaiserlichen Ikonografie und enthalten zudem viele hervorragende Beispiele der Porträtmalerei. Sie verbreiteten sich bis in die ländliche Bevölkerung des gesamten Reiches und darüber hinaus; selbst Barbaren an den Rändern des Reiches fertigten eigene Kopien an. Im Kaiserreich wurden Medaillen aus Edelmetallen in kleinen Auflagen als kaiserliche Geschenke geprägt. Diese ähneln Münzen, sind jedoch größer und in der Regel feiner ausgeführt. Die Bildmotive auf den Münzen folgten zunächst griechischen Vorbildern mit Göttern und Symbolen. Doch in den letzten Zügen der Republik erschienen erst Pompeius und dann Julius Caesar auf den Münzen, und Porträts des Kaisers oder seiner Familie wurden zum Standard auf den kaiserlichen Münzen. Die Inschriften dienten der Propaganda, und im späteren Kaiserreich profitierte neben dem Kaiser auch das Heer davon.

Im Bereich der Architektur brachte die römische Kunst ihre größten Innovationen hervor. Da sich das Römische Reich über ein so riesiges Gebiet erstreckte und so viele urbanisierte Gebiete umfasste, entwickelten römische Ingenieure Methoden für den Städtebau im großen Stil, darunter die Verwendung von Beton . Massive Bauwerke wie das Pantheon und das Kolosseum wären mit den bis dahin verwendeten Materialien und Methoden niemals errichtet worden. Obwohl Beton bereits tausend Jahre zuvor im Nahen Osten erfunden worden war, weiteten die Römer seine Anwendung von Befestigungsanlagen auf ihre beeindruckendsten Gebäude und Monumente aus und nutzten dabei die Festigkeit und die geringen Kosten des Materials. ^{[ 58 ]} Der Betonkern wurde mit Gips, Ziegeln, Stein oder Marmor verkleidet, und dekorative polychrome und vergoldete Skulpturen wurden oft hinzugefügt, um einen schillernden Eindruck von Macht und Reichtum zu erzeugen. ^{[ 58 ]}

Dank dieser Methoden ist die römische Architektur für die Langlebigkeit ihrer Konstruktionen legendär; viele Gebäude stehen noch heute, einige werden sogar noch genutzt, zumeist Gebäude, die während der christlichen Ära zu Kirchen umgebaut wurden. Viele Ruinen wurden jedoch ihrer Marmorverkleidung beraubt, sodass ihr Betonkern freiliegt und sie dadurch im Vergleich zu ihrem ursprünglichen Erscheinungsbild etwas kleiner und weniger prachtvoll wirken, wie beispielsweise die Konstantinbasilika. ^{[ 59 ]}

In der Republikzeit verband die römische Architektur griechische und etruskische Elemente und brachte Innovationen wie den Rundtempel und den Bogen hervor. ^{[ 60 ]} Mit dem Machtzuwachs Roms im frühen Kaiserreich begannen die ersten Kaiser mit der umfassenden Zerstörung von Slums, um auf dem Palatin und in der Umgebung prächtige Paläste zu errichten. Dies erforderte Fortschritte in der Ingenieurskunst und im Großmaßstab. Römische Gebäude entstanden in den sogenannten Foren, einem kommerziellen, politischen und sozialen Zentrum. Das Forum Romanum von Julius Caesar war das erste, später folgten weitere, wobei das Forum Romanum das berühmteste ist. Die größte Arena der römischen Welt, das Kolosseum , wurde um 80 n. Chr. am Ende dieses Forums fertiggestellt. Es bot Platz für über 50.000 Zuschauer, verfügte über einziehbare Stoffdächer zum Beschatten und ermöglichte die Inszenierung gigantischer Spektakel wie Gladiatorenkämpfe und nachgestellter Seeschlachten. Dieses Meisterwerk römischer Architektur verkörpert die Effizienz römischer Ingenieurskunst und vereint alle drei Säulenordnungen – die dorische, die ionische und die korinthische. ^{[ 61 ]} Weniger bekannt, aber für die meisten römischen Bürger mindestens genauso wichtig, wenn nicht sogar wichtiger, war die fünfstöckige Insula oder der Stadtblock, das römische Äquivalent eines Mietshauses, in dem Zehntausende von Römern wohnten. ^{[ 62 ]}

Unter den Kaisern Trajan (98–117 n. Chr.) und Hadrian (117–138 n. Chr.) erreichte das Römische Reich seine größte Ausdehnung, und Rom selbst erlebte die Blütezeit seiner Kunst – erreicht durch massive Bauprogramme mit Monumenten, Versammlungshäusern, Gärten, Aquädukten, Thermen, Palästen, Pavillons, Sarkophagen und Tempeln. ^{[ 50 ]} Die Verwendung des Bogens , die Anwendung von Betonbauweisen und die Verwendung der Kuppel ermöglichten den Bau von Gewölbedecken und somit die Errichtung dieser öffentlichen Räume und Anlagen, darunter die Paläste, öffentlichen Thermen und Basiliken des „Goldenen Zeitalters“ des Reiches. Herausragende Beispiele für Kuppelbaukunst sind das Pantheon , die Diokletiansthermen und die Caracalla-Thermen . Das Pantheon (allen Planetengöttern geweiht) ist der am besten erhaltene Tempel der Antike mit einer intakten Decke, die ein offenes „Auge“ in der Mitte aufweist. Die Deckenhöhe entspricht exakt dem Innenradius des Gebäudes und bildet so einen halbkugelförmigen Raum. ^{[ 59 ]} Diese prachtvollen Bauten dienten später Architekten der italienischen Renaissance, wie beispielsweise Brunelleschi , als Inspirationsquelle . In der Zeit Konstantins (306–337 n. Chr.) fanden die letzten großen Bauprojekte in Rom statt, darunter die Errichtung des Konstantinsbogens in der Nähe des Kolosseums . Für den Bogen wurden Steine ​​des benachbarten Forums wiederverwendet, wodurch ein eklektischer Stilmix entstand. ^{[ 13 ]}

Römische Aquädukte , die ebenfalls auf dem Bogenprinzip basierten, waren im Römischen Reich weit verbreitet und unerlässlich für die Wasserversorgung großer Städte. Ihre erhaltenen Mauerwerksreste sind besonders beeindruckend, wie beispielsweise der Pont du Gard (mit seinen drei Bogenreihen) und das Aquädukt von Segovia , die als stumme Zeugnisse ihrer hohen Konstruktionsqualität dienen. ^{[ 61 ]}

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• Römische Kunst – Weltgeschichts-Enzyklopädie
• Ressourcen zur Kunstgeschichte des antiken Roms
• Auflösung und Werden in der römischen Wandmalerei