Solomon R. Guggenheim Museum

Das Solomon R. Guggenheim Museum , oft einfach nur „The Guggenheim“ genannt , ist ein Kunstmuseum in der Fifth Avenue 1071 zwischen der 88. und 89. Straße im New Yorker Stadtteil Upper East Side von Manhattan . Es beherbergt eine ständige Sammlung impressionistischer , postimpressionistischer , frühmoderner und zeitgenössischer Kunst und präsentiert zudem das ganze Jahr über Sonderausstellungen. Gegründet wurde es 1939 von der Solomon R. Guggenheim Foundation als Museum für gegenstandslose Malerei unter der Leitung seiner ersten Direktorin Hilla von Rebay . Seinen heutigen Namen erhielt das Museum 1952, drei Jahre nach dem Tod seines Gründers Solomon R. Guggenheim . Es wird weiterhin von der Solomon R. Guggenheim Foundation betrieben und ist deren Eigentum.

Das Museumsgebäude, ein architektonisches Meisterwerk des 20. Jahrhunderts von Frank Lloyd Wright , sorgte aufgrund der ungewöhnlichen Form seiner Ausstellungsräume für Kontroversen und benötigte 15 Jahre für Planung und Bau; die Fertigstellung erfolgte 1959. Es besteht aus einer sechsgeschossigen, schalenförmigen Hauptgalerie im Süden, einem viergeschossigen Anbau im Norden und einem zehngeschossigen Nebengebäude im Nordosten. Eine sechsgeschossige Wendelrampe verläuft entlang des Umfangs der Hauptgalerie unter einem zentralen Oberlicht. Die Thannhauser-Sammlung ist in den drei obersten Geschossen des Anbaus untergebracht, weitere Galerien befinden sich im Nebengebäude und ein Lernzentrum im Untergeschoss. Das Design des Museumsgebäudes war bei seiner Fertigstellung umstritten, wurde aber später allgemein gelobt. Zwischen 1990 und 1992, dem Baujahr des Nebengebäudes, sowie zwischen 2005 und 2008 wurde das Gebäude umfassend renoviert.

Die Sammlung des Museums ist über die Jahrzehnte gewachsen und basiert auf mehreren bedeutenden Privatsammlungen, darunter jene von Guggenheim, Karl Nierendorf , Katherine Sophie Dreier , Justin Thannhauser , Rebay, Giuseppe Panza , Robert Mapplethorpe und der Bohen-Stiftung. Die Sammlung, die 2022 rund 8.000 Werke umfasste, wird mit den Partnermuseen in Bilbao und Venedig geteilt . Im Jahr 2023 besuchten fast 861.000 Menschen das Museum. ^{[ 1 ]}

Solomon R. Guggenheim , Spross einer wohlhabenden Bergmannsfamilie, begann in den 1890er Jahren, Werke alter Meister zu sammeln. ^{[ 7 ]} 1926 lernte er die Künstlerin Hilla von Rebay kennen , ^{[ 7 ] [ 8 ]} die ihn mit der europäischen Avantgarde- Kunst, insbesondere mit der abstrakten Kunst, vertraut machte, der sie eine spirituelle und utopische Dimension zuschrieb ( gegenstandslose Kunst ). ^{[ 7 ]} Guggenheim änderte daraufhin seine Sammelstrategie grundlegend und wandte sich unter anderem den Werken Wassily Kandinskys zu. Er begann, seine Sammlung in seiner Wohnung im Plaza Hotel in New York City öffentlich auszustellen . ^{[ 7 ] [ 9 ] [ 10 ]} Guggenheim und Rebay erwogen zunächst den Bau eines Museums im Rockefeller Center in Manhattan . ^{[ 8 ]} Mit dem Wachstum der Sammlung gründete Guggenheim 1937 die Solomon R. Guggenheim Foundation, um die Wertschätzung moderner Kunst zu fördern . ^{[ 8 ] [ 9 ] [ 11 ]}

Der erste Ausstellungsort der Stiftung, das Museum für gegenstandslose Malerei, wurde 1939 unter Rebays Leitung in der East 54th Street 24 in Midtown Manhattan eröffnet. ^{[ 8 ] [ 11 ] [ 12 ]} Unter ihrer Führung bemühte sich Guggenheim, die wichtigsten Beispiele gegenstandsloser Kunst der frühen Moderne in die Sammlung aufzunehmen. ^{[ 7 ] [ 9 ] [ 13 ]} Er wollte die Sammlung auf der Weltausstellung 1939 in Queens , New York, zeigen , doch Rebay plädierte für einen festeren Standort in Manhattan. ^{[ 8 ]} Anfang der 1940er-Jahre hatte die Stiftung eine so große Sammlung avantgardistischer Gemälde zusammengetragen, dass der Bedarf an einem permanenten Museum offensichtlich war, ^{[ 14 ]} und Rebay wollte es noch vor Guggenheims Tod gründen. ^{[ 8 ]}

1943 schrieben Rebay und Guggenheim einen Brief an Frank Lloyd Wright mit der Bitte, ein Gebäude für die Sammlung zu entwerfen. ^{[ 15 ] [ 16 ]} Rebay glaubte, der 76-jährige Wright sei verstorben, doch Guggenheims Frau Irene Rothschild Guggenheim wusste es besser und riet Rebay, ihn zu kontaktieren. ^{[ 17 ]} Wright nahm die Gelegenheit an, seinen „organischen“ Stil im urbanen Raum zu erproben, und erklärte, er habe noch nie ein Museum gesehen, das „richtig gestaltet“ sei. ^{[ 18 ]} Im Juni 1943 wurde er mit dem Entwurf des Gebäudes beauftragt. ^{[ 15 ] [ 19 ] [ 20 ]} Er sollte eine Provision von 10 Prozent für das Projekt erhalten, dessen Kosten auf mindestens 1 Million Dollar geschätzt wurden. ^{[ 20 ]} Nach einer Reihe von Schwierigkeiten und Verzögerungen benötigte er 15 Jahre, mehr als 700 Skizzen und sechs Sätze von Werkplänen, um das Museum zu entwerfen und fertigzustellen. ^{[ 21 ] [ 22 ]} Die Kosten verdoppelten sich schließlich gegenüber der ursprünglichen Schätzung. ^{[ 23 ]}

Rebay entwarf einen Raum, der eine neue Sichtweise auf moderne Kunst ermöglichen sollte. Sie schrieb Wright: „Jedes dieser großen Meisterwerke sollte räumlich organisiert werden, und nur Sie … werden die Möglichkeiten dazu ausloten. … Ich wünsche mir einen Tempel des Geistes, ein Denkmal!“ ^{[ 24 ] [ 25 ]} Der Kritiker Paul Goldberger schrieb später, Wrights modernistisches Gebäude sei ein Katalysator für Veränderungen gewesen und habe es „gesellschaftlich und kulturell akzeptabel gemacht, dass ein Architekt ein ausdrucksstarkes, zutiefst persönliches Museum entwirft. In diesem Sinne ist fast jedes Museum unserer Zeit ein Kind des Guggenheim.“ ^{[ 26 ]} Das Guggenheim ist das einzige von Wright entworfene Museum; seine städtische Lage zwang ihn, es vertikal statt horizontal zu gestalten, ganz anders als seine früheren, ländlichen Werke. ^{[ 27 ]} Da er in New York keine Architektenlizenz besaß, beauftragte er Arthur Cort Holden vom Architekturbüro Holden, McLaughlin & Associates mit den Genehmigungen des New Yorker Bauamts . ^{[ 28 ]}

Von 1943 bis Anfang 1944 entwarf Wright vier unterschiedliche Gebäude. Einer davon hatte eine sechseckige Form und ebene Galerieebenen, während alle anderen kreisförmig angelegt waren und eine Rampe nutzten, die sich um das Gebäude herumzog. ^{[ 29 ] [ 30 ] [ a ]} ​​In seinen Notizen vermerkte er, dass er einen „gut proportionierten Grundriss von unten nach oben – wie einen Rollstuhl, der sich im Kreis herum und auf und ab bewegt“ wünschte. ^{[ 18 ] [ 20 ] [ 31 ]} Sein ursprüngliches Konzept wurde als umgekehrte „ Zikkurat “ bezeichnet, da es an die steilen Stufen der in Mesopotamien erbauten Zikkurats erinnerte . ^{[ 18 ] [ 27 ]} Mehrere Architekturprofessoren vermuteten, dass die Wendelrampe und die Glaskuppel von Giuseppe Momos Treppenhaus in den Vatikanischen Museen aus dem Jahr 1932 Wright zu seiner Rampe und seinem Atrium inspirierten. ^{[ 32 ] [ 33 ] [ 34 ]}

Wright hatte erwartet, dass das Museum in Lower Manhattan entstehen würde . ^{[ 35 ]} Stattdessen erwarben Rebay und Guggenheim im März 1944 ein Grundstück an Manhattans Upper East Side , an der Ecke 89th Street und dem Museum Mile- Abschnitt der Fifth Avenue , mit Blick auf den Central Park . ^{[ 20 ] [ 36 ] [ 37 ]} Sie zogen zahlreiche Standorte in Manhattan sowie den Stadtteil Riverdale in der Bronx mit Blick auf den Hudson River in Betracht . ^{[ 20 ] [ 38 ]} Guggenheim hielt die Nähe des Grundstücks an der Fifth Avenue zum Central Park für wichtig, da der Park eine willkommene Abwechslung vom Lärm, der Hektik und dem Beton der Stadt bot. ^{[ 27 ]} Wrights erste Skizzen passten nahezu perfekt auf das Grundstück, obwohl dieses etwa 7,6 Meter schmaler war als von Wright geplant. ^{[ 39 ]} Guggenheim genehmigte Wrights Skizzen Mitte 1944. ^{[ 20 ]} Wright nannte das geplante Gebäude ein „Archeseum ... ein Gebäude, in dem man das Höchste sehen kann“. ^{[ 37 ] [ 40 ]}

Wrights Entwürfe wurden im Juli 1945 vorgestellt ^{[ 37 ].} Das Museum sollte eine Million Dollar kosten und innerhalb eines Jahres fertiggestellt sein ^{[ 41 ]} . Hauptmerkmal des Gebäudes war eine Hauptgalerie mit einer spiralförmigen Rampe, die einen Lichtschacht mit Oberlicht umschloss ^{[ 41 ] [ 42 ]} . Besucher konnten mit einem Aufzug nach oben gelangen; eine zweite, steilere Rampe diente als Notausgang ^{[ 20 ]} . Im Untergeschoss waren ein Kino, ein Aufzugsturm mit einer Aussichtsplattform und ein kleineres Gebäude mit einem kleineren Theater ^{[ 43 ]} sowie Lagerräume, eine Bibliothek und ein Café geplant ^{[ 41 ] [ 44 ]} . Ursprünglich waren auch Wohnungen für Guggenheim und Rebay vorgesehen, diese Pläne wurden jedoch verworfen ^{[ 43 ]} . Im Juli desselben Jahres erwarb Guggenheim ein weiteres Grundstück in der 88. Straße. ^{[ 45 ]} Wright baute ein Modell des Museums in Taliesin , seinem Wohnsitz in Wisconsin, ^{[ 46 ]} und stellte es im September desselben Jahres im Plaza Hotel aus. ^{[ 47 ] [ 48 ]}

Der Bau des Gebäudes verzögerte sich zunächst aufgrund von Materialengpässen infolge des Zweiten Weltkriegs ^{[ 45 ] [ 49 ]} , später dann aufgrund steigender Baukosten nach dem Krieg ^{[ 43 ] [ 45 ]} . Ende 1946 hatten Guggenheim und Rebay das Untergeschoss für Konzerte umgestaltet ^{[ 49 ]} . Rebay und Wright waren sich in einigen Aspekten des Entwurfs uneinig, beispielsweise bei der Art der Gemäldepräsentation ^{[ 45 ] [ 50 ],} obwohl beide wollten, dass der Entwurf „die Einheit von Kunst und Architektur widerspiegelt“ ^{[ 51 ]} . Wright überarbeitete seine Pläne in den späten 1940er Jahren weiter, vor allem aufgrund von Bedenken hinsichtlich der Beleuchtung des Gebäudes, und erstellte 1947 ein weiteres Modell des Museums ^{[ 52 ].} Die Sammlung wurde 1948 durch den Ankauf des Nachlasses des Kunsthändlers Karl Nierendorf mit rund 730 Werken erheblich erweitert ^{[ 13 ] .}

Die Bauarbeiten stagnierten bis Ende der 1940er Jahre ^{[ 53 ]} , und William Muschenheim renovierte ein bestehendes Stadthaus auf dem Gelände in der Fifth Avenue 1071 für die Nutzung durch das Museum. ^{[ 53 ] [ 54 ]} Guggenheims Gesundheitszustand verschlechterte sich, doch er lehnte Wrights Angebot ab, das geplante Gebäude zu verkleinern, damit es noch zu seinen Lebzeiten fertiggestellt werden konnte. ^{[ 52 ]} Nach Guggenheims Tod im Jahr 1949 kam es zwischen Mitgliedern der Familie Guggenheim im Stiftungsrat zu persönlichen und philosophischen Differenzen mit Rebay. ^{[ 55 ]} Unter Rebays Leitung hatte sich das Museum zu dem entwickelt, was Aline B. Saarinen als einen „esoterischen, okkulten Ort, an dem eine mystische Sprache gesprochen wurde“, beschrieb. ^{[ 56 ] [ 57 ]} Einige Mitarbeiter und Kuratoren des Museums wollten Rebay absetzen und Wrights Entwurf verwerfen. ^{[ 53 ] [ 54 ]} Wright überzeugte jedoch mehrere Mitglieder der Familie Guggenheim, zusätzliches Land an der Fifth Avenue zu erwerben, damit sein Entwurf vollständig umgesetzt werden konnte. ^{[ 53 ] [ 58 ]}

Um der wachsenden Sammlung gerecht zu werden, erwarb die Guggenheim-Stiftung im August 1951 ein Wohnhaus in der East 88th Street Nr. 1, um es für Museumszwecke umzubauen. ^{[ 59 ] [ 60 ]} Sie besaß nun eine durchgehende Fassade an der Fifth Avenue zwischen der 88. und 89. Straße. ^{[ 60 ] [ 61 ]} Dies veranlasste Wright, den Neubau erneut zu überarbeiten und einen mehrstöckigen Anbau mit Wohnungen hinter dem Museum vorzuschlagen. ^{[ 53 ] [ 61 ] [ 51 ]} Die Stiftung kündigte außerdem an, dass das Museum künftig neben älteren Kunstwerken auch „objektive“ Kunstwerke ausstellen würde. ^{[ 57 ] [ 62 ]} Rebay, die mit dieser Politik nicht einverstanden war, trat im März 1952 als Direktorin des Museums zurück. ^{[ 63 ] [ 64 ]} Dennoch vermachte sie der Stiftung in ihrem Testament einen Teil ihrer persönlichen Sammlung. ^{[ 65 ]} Kurz nach Rebays Rücktritt reichte Wright Pläne für das Gebäude ein, dessen Kosten nun auf 2 Millionen Dollar geschätzt wurden. ^{[ 23 ]} Es wurde 1952 in Solomon R. Guggenheim Museum umbenannt. ^{[ 55 ]}

James Johnson Sweeney was appointed the museum's director in October 1952.^[66][67] He expanded the foundation's collecting criteria, rejecting Rebay's dismissal of "objective" painting and sculpture,^[68][69] and started exhibiting some of the works placed in storage under Rebay's leadership.^[57][70] In 1953, the museum hosted a retrospective of Wright's work, "Sixty Years of Living Architecture",^[71][72] in a temporary pavilion Wright had designed.^[73][53]

Sweeney and Wright had a strained relationship, as they disagreed over basic elements of the museum's plan.^[53][74] Sweeney, who believed its architecture should be subservient to the art, forced Wright to redesign it to accommodate more offices and storage facilities.^[74] The building's lighting was a significant point of contention between them.^[75][76] The New York City Department of Buildings (DOB) also rejected Wright's application for a construction permit in 1953 because the design did not meet building codes.^[77] Wright tasked Holden with ensuring that the design met codes^[78] and published revised drawings in 1954 and 1956.^[79] Museum staff nevertheless complained that Wright's design did not provide enough storage or laboratory space.^[77] To save money, he modified the design again in 1955, though these savings were canceled out by increasing construction costs.^[76]

Ende 1954 reichten vier Generalunternehmer Angebote ein ^{[ 76 ]} , und die Stiftung beauftragte schließlich die Euclid Construction Corporation. ^{[ 80 ] [ 73 ]} Das Museum mietete das Oliver Gould Jennings House in der East 72nd Street 7 und zog dorthin um, bevor die Bauarbeiten begannen. ^{[ 76 ]} Am 6. Mai 1956 begannen die Abrissarbeiten an den bestehenden Gebäuden auf dem Gelände. ^{[ 80 ] [ 81 ]} Das New Yorker Bauamt (DOB) erteilte am 23. Mai eine Baugenehmigung ^{[ 76 ]} , und die Arbeiten am Museum begannen am 14. August. ^{[ 73 ] [ 76 ]} Wright eröffnete ein Büro in New York City, um die Bauarbeiten zu überwachen, die seiner Meinung nach seine persönliche Aufmerksamkeit erforderten, und ernannte seinen Schwiegersohn William Wesley Peters zum Bauleiter. ^{[ 53 ] [ 73 ]} In der Praxis besuchten weder Wright noch Peters die Baustelle regelmäßig, sodass schließlich William Short von Holden die Projektleitung übernahm. ^{[ 76 ]}

Sweeney wollte, dass das neue Museum den Aufbau einer Sammlung ermöglicht, die einen Beurteilungsmaßstab bietet. ^{[ 82 ]} Er wollte die Farbgestaltung ändern, die schrägen Wände begradigen und die Oberlichter entfernen, was zu langwierigen Auseinandersetzungen mit Wright führte. ^{[ 83 ] [ 84 ] [ 85 ]} Anfang 1958 musste Harry F. Guggenheim die gesamte Kommunikation zwischen Sweeney und Wright übernehmen, da beide nicht mehr miteinander sprachen. ^{[ 84 ]} Das Gebäude erreichte im Mai 1958 seine endgültige Höhe, ^{[ 86 ] [ 87 ]} und das Gerüst an der Fassade wurde im August desselben Jahres abgebaut. ^{[ 87 ] [ 88 ]} Wright veröffentlichte unterdessen Zeichnungen des Entwurfs in mehreren Architekturzeitschriften, da er befürchtete, dass der Entwurf nach seinem Tod beeinträchtigt werden könnte. ^{[ 84 ] [ 83 ]} Entgegen seinem Wunsch strich Sweeney die Wände weiß und hängte Gemälde an Metallstangen auf, anstatt sie direkt an die Wände zu kleben. ^{[ 83 ] [ 85 ]} Das Gebäude war Wrights letztes großes Werk; er starb im April 1959, sechs Monate vor seiner Eröffnung. ^{[ 89 ]}

Das Gebäude wurde am 20. Oktober 1959 für Medienvertreter eröffnet . ^{[ 84 ]} Die offizielle Einweihung fand am darauffolgenden Tag statt, ^{[ 90 ] [ 91 ] [ 92 ]} wobei stündlich 600 Besucher ankamen. ^{[ 92 ] [ 93 ]} Seine Architektur war im Allgemeinen darauf ausgelegt, die Retrospektiven und Sonderausstellungen zu beherbergen, die im Laufe der Jahre dort stattfanden. ^{[ 10 ]}

Sweeney trat im Juli 1960 aufgrund philosophischer Differenzen mit dem Kuratorium als Direktor des Museums zurück ^{[ 94 ] [ 95 ]} , und H. H. Arnason übernahm vorübergehend die Leitung ^{[ 57 ] [ 96 ]} . Während seiner kurzen Amtszeit initiierte er die erste umfassende Ausstellung zum Abstrakten Expressionismus in einem New Yorker Museum ^{[ 57 ] [ 97 ]} . Thomas M. Messer , Direktor des Boston Institute of Contemporary Art , folgte Sweeney im Januar 1961 nach; er arbeitete unter Sweeney, der die Stiftung weiterhin leitete ^{[ 98 ] [ 99 ]} . Messer blieb 27 Jahre im Amt – die längste Amtszeit eines Direktors einer bedeutenden New Yorker Kunstinstitution ^{[ 100 ]} . Unter seiner Leitung wurde die Sammlung des Museums deutlich erweitert. ^{[ 101 ]} Die Sammlung verlagerte ihren Schwerpunkt hin zu zeitgenössischen Künstlern, darunter solchen aus Europa und Lateinamerika, ^{[ 101 ]} und erweiterte ihren Umfang, um zum „zweiten Museum für moderne Kunst New Yorks“ zu werden. ^{[ 102 ]} Messer galt nicht als „besonders umstrittener Direktor“, obwohl er sich auch nicht an die „Blockbuster-Ausstellungspraxis“ hielt. ^{[ 103 ]}

Als Messer dem Guggenheim-Museum beitrat, wurde dessen Eignung zur Präsentation von Kunstwerken aufgrund der schrägen und gekrümmten Wände noch bezweifelt. ^{[ 104 ]} Fast unmittelbar nach seinem Amtsantritt als Direktor im Jahr 1962 kuratierte er eine große Ausstellung, die Gemälde des Guggenheim mit Skulpturen aus der Hirshhorn-Sammlung kombinierte . ^{[ 104 ]} Insbesondere die Installation dreidimensionaler Skulpturen bereitete Schwierigkeiten, da die Neigung des Bodens und die Krümmung der Wände zu irritierenden optischen Täuschungen führen konnten. ^{[ 105 ]} Obwohl sich die Kombination im Guggenheim im Allgemeinen als gelungen erwies, erinnerte sich Messer: „Ich hatte Angst. Ich befürchtete, dies wäre meine letzte Ausstellung.“ ^{[ 104 ]} Im Vorjahr hatte er eine kleinere Skulpturenausstellung kuratiert, bei der er gelernt hatte, die ungewöhnliche Geometrie des Raumes durch die Konstruktion spezieller Sockel in einem bestimmten Winkel auszugleichen . Dies war jedoch für ein Werk unmöglich: ein Mobile von Alexander Calder , dessen Draht zwangsläufig senkrecht hing . ^{[ 105 ]}

Nachdem Messer 1963 eine Privatsammlung des Kunsthändlers Justin Thannhauser erworben hatte ^{[ 106 ] [ 107 ],} beauftragte das Guggenheim-Museum Peters mit der Renovierung des zweiten Stockwerks des Monitors. ^{[ 108 ] [ 109 ]} Thannhausers Sammlung wurde nach Abschluss der Renovierung 1965 im Monitor ausgestellt. ^{[ 109 ] [ 110 ]} Die Stiftung versteigerte Kunstwerke aus dem 15. und 16. Jahrhundert, die nicht mit der Sammlung moderner Kunst des Museums vereinbar waren. ^{[ 111 ]} Rebay, der 1967 starb, vermachte dem Guggenheim über 600 Kunstwerke, die das Museum jedoch erst 1971 erhielt. ^{[ 112 ]} Um Geld für weitere Ankäufe, wie beispielsweise die Werke aus Rebays Sammlung, zu beschaffen, verkaufte das Guggenheim auch einige moderne Kunstwerke, darunter mehrere Werke von Kandinsky. ^{[ 113 ]}

Um der wachsenden Sammlung gerecht zu werden, kündigte das Guggenheim-Museum 1963 Pläne für einen vierstöckigen Anbau an ^{[ 114 ]} , der im darauffolgenden Jahr vom New Yorker Bauausschuss genehmigt wurde. ^{[ 115 ]} William Wesley Peters von Taliesin Associated Architects , dem Nachfolgebüro von Wrights Architekturbüro, entwarf den Anbau. ^{[ 116 ]} Aufgrund von Beschwerden der Anwohner wurde der Anbau 1966 auf zwei Stockwerke verkleinert ^{[ 117 ]} und 1968 fertiggestellt. ^{[ 108 ] [ 118 ]} Dadurch wurde Platz in den beiden obersten Etagen der Hauptgalerie frei, die seit der Eröffnung des Gebäudes als Werkstätten und Lagerräume genutzt worden waren. Die Museumsleitung öffnete die oberen Etagen 1968 für die Öffentlichkeit. ^{[ 119 ]}

1971 verzeichnete das Guggenheim-Museum aufgrund steigender Kosten und sinkender Erträge aus dem Stiftungsvermögen erstmals in seiner Geschichte ein hohes Defizit . ^{[ 120 ]} Obwohl Wright am südlichen Ende des Museumsgebäudes Platz für ein Café vorgesehen hatte, wurde dieser Raum stattdessen von der Restaurierungs- und der Rahmenabteilung genutzt. ^{[ 108 ]} Anfang 1973 schlug die Stiftung vor, im Zufahrtsbereich des Museums eine Lobby und ein Restaurant zu errichten ^{[ 121 ]} , konnte sich jedoch nur schwer auf die Pläne einigen ^{[ 122 ]} , die daraufhin im November desselben Jahres überarbeitet wurden. ^{[ 123 ]} Im Zuge des von Donald E. Freed entworfenen Projekts schloss das Museum seine Zufahrt und richtete dort einen Speisesaal und eine Buchhandlung ein. ^{[ 123 ] [ 124 ]} Angesichts des wachsenden Defizits und des Platzmangels kündigte das Guggenheim-Museum 1977 an, in den folgenden fünf Jahren 20 Millionen Dollar aufzubringen. ^{[ 125 ]} Die Museumsleitung plante außerdem, den Anbau in der 89. Straße zu erweitern. ^{[ 125 ]}

Messer wurde 1980 Direktor der Guggenheim-Stiftung und blieb weiterhin Museumsdirektor. Er beförderte zwei Kuratoren in leitende Positionen. ^{[ 126 ]} Anfang der 1980er-Jahre renovierte das Guggenheim den Thannhauser-Flügel. ^{[ 127 ]} Im Anschluss an diese Veränderungen schrieb John Russell von der New York Times , die Thannhauser-Sammlung könne nun als das Äquivalent der Frick Collection im Bereich der modernen Kunst bezeichnet werden. ^{[ 127 ]} Die Performance-Reihe „ Works & Process “ im Guggenheim begann 1984. ^{[ 128 ]}

1982 entwarfen die Architekten von Gwathmey Siegel & Associates Pläne für einen elfstöckigen Anbau in der 88. Straße hinter dem bestehenden Museumsgebäude. ^{[ 129 ]} Der ursprüngliche Plan, der im Februar 1985 vorgestellt wurde, ^{[ 116 ] [ 130 ]} sah einen freitragenden Anbau über dem bestehenden Gebäude vor. ^{[ 129 ] [ 131 ]} Aufgrund von Protesten der Anwohner wurde der Entwurf Anfang 1987 auf zehn Stockwerke reduziert. ^{[ 132 ] [ 133 ]} Zu diesem Zeitpunkt bot das Gebäude nur Platz für 150 Exponate, etwa drei Prozent der 5000 Werke umfassenden Sammlung des Museums. ^{[ 134 ]} In Erwartung des Anbaus und einer umfassenderen Sanierung des älteren Gebäudes renovierte Gwathmey Siegel 1987 auch das zweite Obergeschoss des Thannhauser-Flügels und das oberste Geschoss der Rampe zur Hauptgalerie. ^{[ 135 ]} Der Board of Standards and Appeals genehmigte den Anbau in der 89. Straße im Oktober desselben Jahres, ^{[ 136 ] [ 137 ]} trotz anhaltenden Widerstands. ^{[ 138 ]} Messer ging im folgenden Monat, am 50. Jahrestag der Gründung der Sammlung, in den Ruhestand. ^{[ 139 ]} Der New Yorker Stadtrat genehmigte 1988 die Pläne für den Guggenheim-Anbau, ^{[ 140 ]} und der Oberste Gerichtshof des Staates New York bestätigte die Entscheidung des Stadtrats. ^{[ 141 ]}

Thomas Krens , ehemaliger Direktor des Williams College Museum of Art , übernahm im Januar 1988 die Leitung des Museums und der Stiftung. ^{[ 142 ] [ 143 ]} Während seiner fast zwanzigjährigen Amtszeit erweiterte er die Sammlungen des Museums rasant. ^{[ 144 ]} Das Museum präsentierte einige seiner populärsten Ausstellungen, ^{[ 145 ]} darunter „Afrika: Die Kunst eines Kontinents“ (1996), ^{[ 146 ]} „China: 5000 Jahre“ (1998), ^{[ 147 ]} „Brasilien: Körper und Seele“ (2001) ^{[ 148 ]} und „Das Aztekenreich“ (2004). ^{[ 149 ]} Zu den ungewöhnlichen Ausstellungen zählte „ Die Kunst des Motorrads “, eine Installation aus Motorrädern im Industriedesign . ^{[ 150 ] [ 151 ]}

Das von Arata Isozaki entworfene Guggenheim Museum SoHo wurde im Juni 1992 an der Ecke Broadway und Prince Street in SoHo, Manhattan , eröffnet . ^{[ 152 ] [ 153 ]} Zu den Ausstellungen im SoHo-Gebäude gehörten „Marc Chagall and the Jewish Theater“ , „ Paul Klee at the Guggenheim Museum“ , „ Robert Rauschenberg: A Retrospective“ und „Andy Warhol: The Last Supper“ . ^{[ 154 ]} Es erfüllte die Besucherprognosen nicht ^{[ 154 ]} und wurde 2002 geschlossen. ^{[ 155 ]}

Kurz nach seinem Amtsantritt als Direktor beschloss Krens, 24 Millionen Dollar in die Renovierung des Guggenheim-Museums zu investieren. ^{[ 156 ]} Die Arbeiten begannen Ende 1989. Das Museum blieb zunächst geöffnet, ^{[ 157 ]} schloss dann aber für 18 Monate. ^{[ 158 ] [ 159 ]} Der Monitorflügel wurde restauriert, der Flügel an der 88. Straße von einem Restaurierungslabor in ein Restaurant umgewandelt und im Obergeschoss der Hauptgalerie zusätzliche Ausstellungsfläche geschaffen. ^{[ 156 ]} Im Rahmen dieses Projekts wurde der Anbau an der 89. Straße errichtet, ^{[ 153 ] [ 138 ]} und das Untergeschoss unter die Fifth Avenue erweitert. ^{[ 160 ]} Die Fenster wurden ausgetauscht und die Oberlichter entlang der Rampe freigelegt und in ihren Originalzustand zurückversetzt. ^{[ 160 ] [ 161 ]} Die Ausstellungsfläche des Gebäudes verdoppelte sich annähernd, sodass das Museum nun 6 Prozent seiner Sammlung zeigen konnte. ^{[ 162 ]}

Die Renovierung wurde am 27. Juni 1992 abgeschlossen. ^{[ 163 ] [ 164 ]} Die Büros des Museums wurden in den Anbau, das Untergeschoss und das ehemalige Guggenheim Museum SoHo verlegt, während Lagerräume und Restaurierungsarbeiten in andere Gebäude ausgelagert wurden. ^{[ 160 ]} Der neue Anbau ermöglichte es dem Museum, mehr Werke aus seiner ständigen Sammlung sowie Wechselausstellungen zu zeigen. ^{[ 165 ]} Die Stiftung erwarb 1992 200 Fotografien von Robert Mapplethorpe ^{[ 166 ] [ 167 ]} und benannte 1993 die Galerie im vierten Stock des Anbaus nach ihm. ^{[ 168 ]}

Um die Renovierung und Neuerwerbungen zu finanzieren, verkaufte die Stiftung Werke von Kandinsky, Chagall und Modigliani und nahm damit 47 Millionen Dollar ein. Dieser Schritt war umstritten und rief erhebliche Kritik hervor, da Meisterwerke gegen „trendige“ Spätberufene eingetauscht wurden. In der New York Times schrieb der Kritiker Michael Kimmelman , die Verkäufe hätten „die gängigen Regeln der Veräußerung von Sammlungen weiter gedehnt, als viele amerikanische Institutionen bereit waren zu gehen.“ ^{[ 161 ] [ 169 ]} Krens verteidigte das Vorgehen als im Einklang mit den Prinzipien des Museums stehend, da es die internationale Sammlung erweitere und die Nachkriegssammlung auf das Niveau der Vorkriegsbestände bringe. ^{[ 170 ]} Er merkte an, dass Museen regelmäßig solche Verkäufe durchführen. ^{[ 169 ]} Zudem baute er die internationale Präsenz der Stiftung durch die Eröffnung von Museen im Ausland aus. ^{[ 171 ]}

Krens wurde auch für seinen geschäftsmäßigen Stil und den ihm vorgeworfenen Populismus und seine Kommerzialisierung kritisiert. ^{[ 150 ] [ 172 ]} Ein Autor kommentierte: „Krens wurde sowohl gelobt als auch verteufelt, weil er aus einer einst kleinen New Yorker Institution eine Weltmarke machte und damit die erste wirklich multinationale Kunstinstitution schuf. … Krens machte das Guggenheim zu einer der bekanntesten Marken in der Kunstwelt.“ ^{[ 173 ]} Das Museum reduzierte 1994 seine Öffnungszeiten, was zu einem Rückgang der jährlichen Besucherzahlen um 25 Prozent führte, obwohl die anderen Kunstmuseen der Stadt steigende Besucherzahlen verzeichneten. ^{[ 174 ]}

Samuel J. LeFrak kündigte im Dezember 1993 an, 10 Millionen US-Dollar zu spenden – die größte Geldspende in der Geschichte des Museums. Das Gebäude an der Fifth Avenue sollte nach ihm und seiner Frau benannt werden. ^{[ 175 ] [ 176 ]} Im darauffolgenden Monat kündigte Ronald O. Perelman ebenfalls eine Spende von 10 Millionen US-Dollar an. ^{[ 177 ] [ 178 ]} Die New Yorker Denkmalschutzkommission (Landmarks Preservation Commission, LPC), die das Gebäude unter Denkmalschutz gestellt hatte, verweigerte wiederholt die Genehmigung, ein Schild mit LeFraks Namen am Gebäude anzubringen. ^{[ 179 ]} Daraufhin zog LeFrak 8 Millionen US-Dollar seiner Spende zurück. ^{[ 179 ] [ 174 ]} Peter B. Lewis spendete 1995 10 Millionen US-Dollar ^{[ 180 ]} für die Restaurierung des Museumsauditoriums, das nach Abschluss der Arbeiten im folgenden Jahr in Peter B. Lewis Theater umbenannt wurde. ^{[ 174 ] [ 181 ]} Lewis spendete 1998 weitere 50 Millionen Dollar, und mehrere andere Treuhänder, darunter Perelman, erhöhten ihre Spenden. ^{[ 181 ]}

Das Museum eröffnete 2001 im Untergeschoss ein Kunstzentrum, das ursprünglich nach der Familie Sackler benannt war ^[ 182 ] ^{und 2022} in Gail May Engelberg Center for Arts Education umbenannt wurde. ^{[ 183 ] ​​[ 184 ]} Ebenfalls 2001 entwarf Frank Gehry im Rahmen einer Frank-Gehry- Retrospektive im Museum ein Vordach, das vor dem fünften Stockwerk installiert wurde. ^{[ 185 ] [ 186 ]} Es blieb nach Ende der Retrospektive noch sechs Jahre lang dort. ^{[ 185 ] [ 187 ]}

Bis 2004 sammelten die Museumsverantwortlichen 25 Millionen US-Dollar für eine weitere Restaurierung des Gebäudes und beauftragten das Architekturbüro Swanke Hayden Connell mit einer Begutachtung. Zu diesem Zeitpunkt wies das Gebäude bereits zahlreiche Lecks auf. ^{[ 187 ]} Nachdem Architekten und Ingenieure die strukturelle Integrität des Gebäudes bestätigt hatten, begannen im September 2005 die Renovierungsarbeiten zur Behebung von Rissen sowie zur Modernisierung der Systeme und der Fassade. ^{[ 188 ] [ 189 ] [ 190 ]} Die Restaurierung umfasste hauptsächlich die Modernisierung der Fassade und der Infrastruktur, wobei so viele historische Details wie möglich erhalten und gleichzeitig der Museumsbetrieb aufrechterhalten wurde. ^{[ 191 ] [ 192 ]} Am 22. September 2008 feierte das Guggenheim-Museum den Abschluss des Projekts mit der Premiere von Jenny Holzers Hommage „ For the Guggenheim“ . ^{[ 193 ]} Die Renovierung kostete 29 Millionen Dollar und wurde vom Kuratorium der Solomon R. Guggenheim Foundation, dem Kulturamt der Stadt , der Regierung des Bundesstaates New York und der MAPEI Corporation finanziert. ^{[ 194 ]}

Währenddessen befand sich Krens Anfang der 2000er-Jahre in einem langwierigen Streit mit Lewis, der gleichzeitig Vorsitzender des Stiftungsrats war. ^{[ 195 ]} Nach den Anschlägen vom 11. September 2001 und dem damit einhergehenden Besucherrückgang um 60 Prozent geriet das Museum in finanzielle Schwierigkeiten, da ein Viertel seiner Einnahmen aus Ticketverkäufen stammte. ^{[ 196 ]} Lewis spendete dem Museum 2002 zwölf Millionen Dollar unter der Bedingung, dass Krens den Haushalt straffte. ^{[ 197 ] [ 198 ]} Obwohl Lewis mit 77 Millionen Dollar mehr gespendet hatte als jeder andere Spender in der Geschichte des Guggenheim-Museums, ^{[ 195 ] [ 199 ]} hatte er nicht so viel Einfluss auf die Entscheidungen des Stiftungsrats wie die größten Spender anderer Kunstmuseen der Stadt. ^{[ 195 ]} Lewis trat 2005 aus dem Vorstand zurück und äußerte seinen Widerstand gegen Krens' Pläne für weitere Museen weltweit. ^{[ 199 ] [ 200 ]}

Die langjährige Kuratorin Lisa Dennison wurde 2005 als neue Direktorin des Museums eingestellt und arbeitete unter Krens, der weiterhin die Stiftung leitete. ^{[ 201 ] [ 202 ]} Bereits 2006 wies das Museum ein Defizit von 35 Millionen Dollar auf, obwohl Dennison die Idee ablehnte, Ausstellungen durch Sponsoring zu finanzieren. ^{[ 203 ]} Dennison trat im Juli 2007 zurück, um beim Auktionshaus Sotheby’s zu arbeiten . ^{[ 204 ]} Die Spannungen zwischen Krens und dem Vorstand hielten an, und Krens trat im Februar 2008 als Stiftungsdirektor zurück. ^{[ 144 ]}

Richard Armstrong , ehemaliger Direktor des Carnegie Museum of Art , übernahm im November 2008 die Leitung des Museums und der Stiftung. ^{[ 193 ] [ 205 ]} Die New York Times schrieb, die Guggenheim Foundation habe ihn ausgewählt, weil seine „ruhigere, besonnenere Ausstrahlung“ einen Kontrast zu den „fast 20 oft turbulenten Jahren von Krens’ unkonventioneller Vision“ bildete. ^{[ 206 ]} Neben den ständigen Sammlungen, die unter seiner Leitung weiter wuchsen, ^{[ 7 ]} organisierte die Stiftung Leihgabenausstellungen und Ausstellungen in Zusammenarbeit mit anderen Museen, um die Öffentlichkeit besser zu erreichen. ^{[ 207 ]} Das Museum zeigte unter anderem die Ausstellung „America“ (2016), eine der kleinsten, die jemals dort stattfand. ^{[ 208 ]}

Etwa 140 Instandhaltungs- und Installationsarbeiter traten 2019 einer Gewerkschaft bei – die erste gewerkschaftliche Organisierung der Museumsangestellten. ^{[ 209 ] [ 210 ]} Im selben Jahr war Chaédria LaBouvier die erste schwarze Kuratorin, die eine Einzelausstellung kuratierte, und die erste schwarze Person, die einen vom Museum veröffentlichten Text verfasste. ^{[ 211 ] [ 212 ]} Sie warf dem Museum Rassismus vor und behauptete unter anderem, dass Verantwortliche Ressourcen zurückhielten und Journalisten Interviews mit ihr verweigerten. Ein Artikel im Magazin „The Atlantic“ beschrieb LaBouvier jedoch als feindselig gegenüber Kritikern ihrer Ausstellung. ^{[ 212 ]} Innerhalb eines Monats nach diesen Vorwürfen stellte das Museum mit Ashley James seine erste schwarze Vollzeitkuratorin ein . ^{[ 213 ]} Eine vom Museum beauftragte Untersuchung einer Anwaltskanzlei ergab „keine Hinweise darauf, dass Frau LaBouvier aufgrund ihrer Hautfarbe benachteiligt wurde“. ^{[ 214 ]} Die künstlerische Leiterin und Chefkuratorin des Museums, Nancy Spector , verließ die Institution im Jahr 2020 nach 34 Jahren. ^{[ 212 ] [ 214 ]} Das Guggenheim Museum verabschiedete im August 2020 einen Plan zur Erhöhung der ethnischen Vielfalt ^{[ 215 ] [ 216 ]} und stellte 2021 einen „Chief Culture and Inclusion Officer“ ein. ^{[ 217 ]}

Während der COVID-19-Pandemie schloss das Guggenheim-Museum im März 2020 vorübergehend. ^{[ 218 ]} Es öffnete im Oktober desselben Jahres wieder ^{[ 219 ] [ 220 ]} und verzeichnete während der Schließung einen monatlichen Nettoverlust von 1,4 Millionen US-Dollar. ^{[ 221 ]} Im Zuge der Pandemie wurden zahlreiche Mitarbeiter entlassen. ^{[ 222 ] [ 223 ]} Im Jahr 2022 führte das Guggenheim als erstes Museum für bildende Kunst ein Residenzprogramm für Dichter ein. ^{[ 224 ]} Mitte 2022 kündigte Armstrong seinen Rücktritt für 2023 an ^{[ 225 ] [ 226 ]} und verließ das Museum Ende 2023. ^{[ 227 ] [ 228 ]}

Im Juni 2024 wurde Mariët Westermann als erste Frau zur Direktorin des Guggenheim-Museums ernannt. ^{[ 229 ] [ 230 ]} Seit 2019 war sie Vizepräsidentin der New York University Abu Dhabi , deren Prorektorin sie bei deren Gründung 2007 war und die unter anderem für deren ersten Klimaschutzplan verantwortlich war. ^{[ 229 ]} Sie erwarb ihren Master- und Doktortitel in Kunstgeschichte am Institute of Fine Arts der New York University . ^{[ 231 ]} Aufgrund finanzieller Schwierigkeiten des Museums entließ Westermann Anfang 2025 etwa 7 % der Belegschaft. ^{[ 232 ] [ 233 ]} Anschließend übernahm Westermann die Leitung und Geschäftsführung der Guggenheim Foundation und ist damit für die anderen Museen der Stiftung verantwortlich. ^{[ 234 ]}

Westermann engagierte Melissa Chiu , die Direktorin des Hirshhorn Museums und Skulpturengartens , als Direktorin des Solomon R. Guggenheim Museums mit Wirkung zum September 2026. ^{[ 234 ] [ 235 ]}

Wrights Entwurf für das Guggenheim Museum enthielt geometrische Motive wie Quadrate, Kreise, Rechtecke, Dreiecke und Rauten . Der Baukörper besteht aus zwei spiralförmigen Strukturen: der sechsgeschossigen Hauptgalerie im Süden und dem kleineren „Monitor“ im Norden, die durch eine Brücke im zweiten Stock miteinander verbunden sind. Der zehngeschossige rechteckige Anbau im Nordosten ist, vom Central Park aus betrachtet, hinter den spiralförmigen Strukturen zu erkennen. ^{[ 236 ]}

Das Gebäude verkörpert Wrights Bestrebungen, „die inhärente Plastizität organischer Formen in der Architektur zum Ausdruck zu bringen“ ^{[ 237 ]} . Wrights Entwurf enthielt von der Natur inspirierte Details ^{[ 38 ]} , drückt aber auch seine Interpretation der strengen Geometrie der modernen Architektur aus ^{[ 238 ]} . Wright beschrieb die symbolische Bedeutung der Formen des Gebäudes: „Diese geometrischen Formen suggerieren bestimmte menschliche Ideen, Stimmungen und Gefühle – wie zum Beispiel: der Kreis, Unendlichkeit; das Dreieck, strukturelle Einheit; die Spirale, organischer Fortschritt; das Quadrat, Integrität.“ ^{[ 239 ]} Die Formen spiegeln sich im gesamten Gebäude wider: Ovalförmige Säulen beispielsweise greifen die Geometrie des Brunnens auf. Die Kreisform ist das Leitmotiv, von der Hauptgalerie bis zu den Intarsien in den Terrazzoböden des Museums ^{[ 38 ]} .

Wright wollte ursprünglich eine Marmorfassade errichten, ^{[ 161 ] [ 240 ]} doch der Bauunternehmer George N. Cohen ließ die Fassade aus Kostengründen aus Spritzbeton (Gunite) fertigen. [ ^{160 ] Wrights} und Cohens Namen sind auf einer Fliese an der Außenfassade des Gebäudes vermerkt; dies ist vermutlich das einzige Mal, dass Wright und ein Bauunternehmer gemeinsam für den Bau eines Gebäudes genannt wurden. ^{[ 160 ] [ 241 ]} Wright hatte auch eine rote Fassade vorgeschlagen, die jedoch nie realisiert wurde. ^{[ 29 ] [ 242 ] [ 241 ]} Stattdessen wurde die Fassade mit einer elfenbeinfarbenen Vinyl-Kunststoff-Beschichtung ^{[ 243 ] [ 244 ]} , dem sogenannten „Kokon“, versehen. ^{[ 244 ] [ 245 ]} Die am ursprünglichen Bau beteiligten Ingenieure gingen davon aus, dass der „Kokon“ nicht reißen würde, weshalb die Fassade ohne Dehnungsfugen errichtet wurde . Sie irrten sich: Die Fassade riss in den folgenden Jahren. ^{[ 192 ]} Bei späteren Renovierungsarbeiten stellten Restauratoren fest, dass die Fassade ursprünglich bräunlich-gelb gestrichen war und im Laufe der Jahre mit zahlreichen Schichten weißer oder cremefarbener Farbe übermalt wurde. ^{[ 241 ]}

Der Gehweg vor dem Museum dient als Vorplatz und ist mit eingelassenen Metallkreisen versehen, die dem Boden im Inneren des Museums ähneln. Neben dem Gehweg verlaufen geschwungene Brüstungen, die Pflanzbeete umgeben, von denen einige unterirdisch liegen. ^{[ 246 ] [ 247 ]} In den Pflanzbeeten wuchsen ursprünglich Sträucher, Ahornbäume und andere Pflanzen. ^{[ 248 ]}

Haupteingang an der Fifth Avenue

Rampe an der südwestlichen Ecke des Gebäudes

Nahaufnahme des Monitors/Thannhäuser-Sammlungsflügels

Der Haupteingang des Museums befindet sich mittig an der Fassade zur Fifth Avenue. ^{[ 246 ] [ 249 ]} Er besteht aus einer Aluminium-gerahmten Glaswand mit mehreren Türen, die in einem niedrigen Foyer zurückgesetzt ist. Ein Durchgang direkt vor dem Eingang führt zur Buchhandlung, während die Museumsgalerien über Türen auf der rechten Seite zugänglich sind. ^{[ 246 ] [ 249 ] [ 250 ]} Über dem Haupteingang befindet sich eine Brücke, die die Hauptgalerie mit dem Monitorgebäude verbindet und von mehreren rautenförmigen Pfeilern getragen wird . ^{[ 249 ]} Die Unterseite der Brücke ist mit eingelassenen Leuchten ausgestattet, die den Haupteingang beleuchten. ^{[ 246 ] [ 249 ]} Der Haupteingang war ursprünglich die Zufahrt zu einer Auffahrt, die sich in Richtung 89th Street bog und separate Eingänge zum Monitorgebäude und zur Hauptgalerie hatte. ^{[ 35 ] [ 249 ]} Die Glaswand wurde nach der Schließung der Zufahrt in den 1970er Jahren errichtet, und der Museumsbuchladen befindet sich direkt dahinter. ^{[ 124 ] [ 251 ]} Südlich des Haupteingangs befindet sich eine geschwungene Wand, die den Sockel der Hauptgalerie bildet. ^{[ 252 ]} Angrenzend an diese Wand führt eine Rampe zum Auditorium im Untergeschoss. ^{[ 247 ] [ 252 ]}

An der südöstlichen Ecke des Museums, an der 88. Straße, befindet sich ein rechteckiger Bau ohne weitere Öffnungen außer fünf kreisrunden Portalen im Erdgeschoss. ^{[ 249 ] [ 253 ]} In diesem Bau ist das Museumscafé untergebracht, das bereits in Wrights ursprünglichen Plänen vorgesehen war, aber erst 1992 realisiert wurde. Im zweiten Stock des rechteckigen Baus befindet sich die Hohe Galerie. ^{[ 249 ]} Unmittelbar östlich davon, ebenfalls an der 88. Straße, steht ein Servicetor aus Aluminium mit kreisförmigen Verzierungen. ^{[ 249 ] [ 253 ]}

Die Brücke, die das zweite Stockwerk des Guggenheim-Museums trägt, ragt an der südwestlichen Ecke des Museums hervor. Der Name des Museums erstreckt sich entlang der Unterkante der Brückenfassade zur Fifth Avenue. ^{[ 247 ]} Die Hauptgalerie erhebt sich über dem südlichen Teil der Brücke; sie besteht aus einem schalenförmigen Baukörper mit mehreren Betonbändern, die durch eingelassene Aluminium-Oberlichter voneinander getrennt sind. ^{[ 253 ]} Von der Straße aus wirkt das Gebäude wie ein weißes Band, das sich zu einem zylindrischen Stapel zusammenrollt, oben breiter als unten und fast ausschließlich gekrümmte Oberflächen aufweist. Sein Erscheinungsbild steht in scharfem Kontrast zu den typischerweise rechteckigen Gebäuden Manhattans, die es umgeben – ein Umstand, den Wright sehr begrüßte, denn er behauptete, sein Museum lasse das nahegelegene Metropolitan Museum of Art „wie eine protestantische Scheune“ aussehen. ^{[ 89 ]} Am oberen Rand der Schale befindet sich eine Brüstung , die drei kleinere Oberlichter sowie die große zwölfeckige Kuppel über der Hauptgalerie umschließt. ^{[ 253 ]}

Der nördliche Teil der Brücke beherbergt einen viergeschossigen Flügel, ursprünglich als Monitor bezeichnet. Obwohl der Monitor innen zylindrisch ist, weist seine Außenfassade in jedem Geschoss unterschiedliche Materialien und Formen auf. ^{[ 254 ]} Die ersten beiden Geschosse des Monitors besitzen eine runde Betonfassade, ^{[ 254 ] [ 255 ]} während die beiden oberen Geschosse vom Kern des Monitors nach außen auskragen. ^{[ 255 ]} Das dritte Geschoss verfügt über rechteckige Aluminiumfenster mit halbkreisförmigen Scheiben im oberen Bereich. ^{[ 253 ]} Das vierte Geschoss beherbergt eine quadratische Terrasse und weitere Fenster. ^{[ 253 ] [ 254 ]} Über dem vierten Geschoss befindet sich eine Fassade mit Rautenmuster sowie ein sechseckiges Dach mit Aluminiumrahmen. Das Dach wird von einem rautenförmigen Schacht unterbrochen, der ein Treppenhaus enthält. ^{[ 253 ] [ 256 ]}

Ein zehnstöckiger Turm an der nordöstlichen Ecke des Museums, der Büros, Künstlerateliers und Wohnungen beherbergen sollte, war laut Wrights Plan von 1951 ein rechteckiges, in Nord-Süd-Richtung ausgerichtetes Gebäude mit Veranden auf jeder Etage an der Nord- und Südfassade. ^{[ 247 ]} Wrights ursprünglicher Plan für den Turm wurde, hauptsächlich aus finanziellen Gründen, erst im Zuge der Renovierung und Erweiterung von 1990 bis 1992 realisiert. ^{[ 257 ] [ 258 ] [ 259 ]} Stattdessen entwarf William Wesley Peters 1968 einen kürzeren Flügel mit zwei doppelgeschossigen Etagen. Dieser Flügel bestand aus Beton, dessen Fassade mit Reliefs aus Quadraten und Achtecken verziert war, und beherbergte die Museumsbibliothek, Lagerräume und die Thannhauser-Galerie. ^{[ 109 ] [ 118 ]} Seine Stahlkonstruktion hätte bei einer Erweiterung das Gewicht von sechs weiteren Stockwerken tragen können. ^{[ 108 ] [ 118 ]}

Gwathmey Siegel & Associates entwarfen einen zehnstöckigen Anbau, der im Zuge der Renovierung in den 1990er Jahren errichtet wurde. ^{[ 257 ] [ 258 ]} Der 9,8 m breite und 41 m hohe Anbau nutzt die Stahlkonstruktion des 1968 errichteten Flügels. ^{[ 258 ]} Im Zuge der Renovierung entfernte Gwathmey Siegel die Betonfassade von 1968 und ersetzte sie durch ein Kalksteinraster. ^{[ 259 ] [ 258 ]} Bei der Planung des Turms analysierten sie Wrights Originalskizzen. ^{[ 162 ] [ 259 ]}

Der Kernbereich des Guggenheim-Museums besteht aus dem Monitorbereich im Norden, der größeren Hauptgalerie im Süden und einem darunterliegenden Vortragssaal. ^{[ 260 ] [ 261 ]} Östlich des Haupteingangs befindet sich die Buchhandlung, auf dem Gelände der ehemaligen Museumszufahrt. ^{[ 262 ]} Südlich des Haupteingangs liegt ein kleines, rundes Vestibül mit einem Boden aus Metallbögen und einer niedrigen Stuckdecke mit eingelassener Beleuchtung. ^{[ 263 ]} Südlich der Hauptrotunde befindet sich ein Café, das im Zuge der Renovierung in den 1990er-Jahren hinzugefügt wurde. ^{[ 108 ] [ 247 ]}

Der dreieckige Versorgungskern an der nordöstlichen Ecke der Hauptgalerie beherbergt einen Aufzug und ein Treppenhaus. ^{[ 236 ] [ 264 ]} Das Treppenhaus windet sich um den Aufzug, der in einem halbkreisförmigen Schacht untergebracht ist; ^{[ 264 ] [ 265 ]} im Kern befinden sich außerdem Toiletten und Technikräume. ^{[ 265 ]} Laut dem Autor Robert McCarter verwendete Wright für die Treppen und Rampen „vollständige Geometrien“, da er wollte, dass die Besucher das Museum zu Fuß erkunden. ^{[ 264 ]} Andere Räume, wie die Personalküche, wurden aufgrund der ungewöhnlichen Raumgestaltung mit gebogenen Elementen ausgestattet. ^{[ 266 ]} Die Innenräume des Museums sind überwiegend weiß gestrichen, und Teile davon werden fast täglich neu gestrichen. ^{[ 241 ]}

Wright entwarf die Hauptgalerie (auch als Rotunde bezeichnet) als offenes Atrium, umgeben von einer spiralförmigen Rampe. ^{[ 89 ] [ 267 ]} Wrights Entwurf unterschied sich vom herkömmlichen Museumskonzept, bei dem Besucher eine Reihe miteinander verbundener Räume durchlaufen und beim Verlassen des Museums denselben Weg zurückgehen. ^{[ 237 ]} Nach Wrights Plan fuhren die Besucher mit einem Aufzug in die oberste Etage des Gebäudes und stiegen die Rampe hinab, wobei sie die Hauptgalerie selbst als Kunstwerk betrachteten. ^{[ 259 ] [ 264 ]} Die Rampe erinnerte an ein Nautilusgehäuse mit fließend ineinander übergehenden Räumen. ^{[ 238 ] [ 268 ]} Die offene Rotunde ermöglicht es den Besuchern, Werke auf verschiedenen Ebenen gleichzeitig zu betrachten und mit Besuchern auf anderen Ebenen zu interagieren. ^{[ 259 ]} Strukturell wirkt die Rampe wie ein riesiger Bogen und verhindert so das Einstürzen der Säulen in der Hauptgalerie. ^{[ 255 ]}

Die Hauptgalerie hat einen beigefarbenen Terrazzoboden mit eingelegten Metallkreisen. ^{[ 240 ] [ 269 ]} Im Erdgeschoss befinden sich hölzerne Informations- und Kassenschalter, und die Fenster sind nach Südosten zur Fifth Avenue und 88th Street ausgerichtet. ^{[ 269 ]} Die Rampe aus Stahlbeton steigt mit einer Steigung von 5 Prozent ^{[ 84 ] [ 243 ]} vom Erdgeschoss an und führt ein Stockwerk hinauf, wo sie sich um ein Pflanzbeet windet und durch einen doppelgeschossigen Torbogen verläuft. ^{[ 269 ]} Sie steigt fünf weitere Stockwerke an, bevor sie im sechsten Stock endet, ^{[ 84 ] [ 270 ]} mit einer Gesamtlänge von 432 Metern (1.416 Fuß). ^{[ 241 ]} Ihre Breite nimmt mit zunehmender Höhe zu, ^{[ 271 ]} von 7,6 Metern (25 Fuß) im untersten Geschoss auf 9,8 Meter (32 Fuß) im obersten Stockwerk. ^{[ 243 ]} Die Rampe ragt in jeder Etage in die nordöstliche Ecke des Atriums hinein und bildet einen abgerundeten Balkon. ^{[ 263 ]} Es bestehen Verbindungen zu weiteren Galerien im zweiten und vierten Stock sowie zu einer dreieckigen Galerie im sechsten Stock. ^{[ 269 ]} Die Rampe hat an der Atriumseite ein niedriges Geländer ^{[ 272 ]} mit einer Höhe von 910 mm (36 Zoll). ^{[ 241 ]}

Die Wände und Decken bestehen aus Gips. ^{[ 269 ] [ 272 ]} Für die Betonwände spritzten Arbeiter mehrere Schichten Beton auf Sperrholzleisten, wobei jede Schicht mit Stahl verstärkt wurde. ^{[ 243 ] [ 245 ]} Wright beabsichtigte, mit den niedrigen Decken und schrägen Wänden eine intimere Atmosphäre für die Präsentation der Kunstwerke zu schaffen. ^{[ 273 ]} Die Wände sind um 97 Grad geneigt, und die Decken sind 2,9 Meter hoch. ^{[ 45 ] [ 243 ]} Jaroslav Josef Polívka unterstützte Wright bei der Tragwerksplanung und entwarf die Galerierampe zunächst ohne umlaufende Stützpfeiler. ^{[ 274 ]} Später fügte Wright zwölf Betonrippen entlang der Wände der Hauptgalerie hinzu, die sowohl der statischen Verstärkung dienen als auch die Rampe in Abschnitte unterteilen. ^{[ 267 ] [ 275 ]} Die Rampe durchläuft insgesamt 70 Abschnitte. ^{[ 243 ]} Obwohl Wright die Gemälde wie auf einer Staffelei präsentieren wollte, ^{[ 89 ] [ 271 ]} sind sie auf horizontalen Stangen befestigt, die aus der schrägen Wand herausragen. ^{[ 276 ] [ 277 ]} Innerhalb der einzelnen Felder ist nur wenig Platz für Skulpturen, ^{[ 89 ]} und breitere Gemälde erstrecken sich häufig über die Mitte der gebogenen Wand. ^{[ 278 ]}

Die Rampe wurde ursprünglich durch Oberlichter entlang des Umfangs jeder Ebene beleuchtet ^{[ 275 ]} , die nach Fertigstellung des Gebäudes verschlossen wurden. ^{[ 264 ] [ 276 ]} Jede Ebene der Rampe verfügt zudem über eine Deckeneinbaubeleuchtung. ^{[ 264 ] [ 263 ]} Das kuppelförmige Oberlicht, das Lawson-Johnston-Familien-Oculus ^{[ 279 ]} , ist etwa 29 Meter hoch ^{[ 277 ] [ 280 ]} und hat die gleiche Breite wie das Atrium. ^{[ 250 ]} Metallstreben unterteilen das Oberlicht in zahlreiche Scheiben. Entlang der Kuppel verlaufen sechs haarnadelförmige „Speichen“, die eine runde Glasscheibe umgeben und mit den „Rippen“ entlang des Galerieumfangs verbunden sind. ^{[ 263 ] [ 281 ]} Diese Speichen unterteilen das Oberlicht in zwölf Abschnitte. ^{[ 275 ] [ 263 ]} Die ursprünglichen Pläne sahen vor, die Kuppel mit 24 Flutlichtern zu beleuchten. ^{[ 245 ]} Die Obergadenfenster und das Dachfenster wurden 1992 restauriert. ^{[ 161 ] [ 282 ]}

Der „Monitor“ des Museums beherbergt die Sammlung Thannhauser. ^{[ 283 ]} Seine Galerien umschließen ein kreisrundes Atrium, das an einem Ende einen Treppenaufgang aufweist. ^{[ 269 ]} Die Geschossdecken werden von Säulen mit rautenförmigem Querschnitt getragen. ^{[ 269 ] [ 284 ]} Wie die Hauptgalerie verfügt auch der Monitor über einen dreieckigen Versorgungskern, der sich jedoch im Zentrum des Gebäudes befindet. ^{[ 284 ]} Ursprünglich sollten im Monitor Wohnungen für Rebay und Guggenheim untergebracht werden, dieser Bereich wurde jedoch zu Büros und Lagerräumen umfunktioniert. ^{[ 285 ]} 1965 wurde das zweite Obergeschoss des Monitors renoviert, um einen Teil der wachsenden ständigen Sammlung des Museums auszustellen. ^{[ 249 ] [ 286 ]} Ein Teil des vierten Obergeschosses wurde 1980 auf ähnliche Weise umgebaut. ^{[ 249 ]} Im Zuge der Restaurierung des Museums Anfang der 1990er-Jahre wurden das zweite bis vierte Obergeschoss vollständig in Ausstellungsfläche umgewandelt und in Thannhauser-Gebäude umbenannt. ^{[ 108 ] [ 249 ] [ 286 ]}

Das 2001 fertiggestellte Gail May Engelberg Center for Arts Education erstreckt sich über 760 m² (8.200 Quadratfuß ⁾ im Untergeschoss des Museums, unterhalb der Hauptgalerie. ^{[ 182 ]} Es war eine Schenkung der Familie Mortimer D. Sackler und wurde ursprünglich nach ihr benannt. ^{[ 287 ]} Das Zentrum bietet Kurse und Vorträge zu bildender und darstellender Kunst sowie die Möglichkeit, durch seine Labore, Ausstellungsräume, Konferenzräume und das Peter B. Lewis Theater mit 266 Plätzen mit den Sammlungen und Sonderausstellungen des Museums zu interagieren. ^{[ 288 ] [ 182 ]} Nach Kritik an der Verwicklung der Familie Sackler in die Opioidkrise in den Vereinigten Staaten [ ^{289 ] [ 290 ]} wurde das Zentrum 2022 nach der Kuratorin des Museums, Gail May Engelberg, benannt, ^{[ 183 ] ​​die} zusammen mit ihrem Ehemann Alfred Engelberg dem Museum 15 Millionen Dollar gespendet hatte. ^{[ 184 ]}

Der Kellerraum bietet Blick auf eine abfallende Zufahrt an der südwestlichen Ecke des Museums. ^{[ 261 ]} Das Peter B. Lewis Theater befindet sich direkt unter der Hauptgalerie und verfügt über zwei Sitzreihen: Parkett und Balkon. Auf dem Balkon befindet sich eine Garderobe, die durch eine Metallwand von den Balkonplätzen abgetrennt ist. In der südöstlichen Ecke des Parketts befindet sich eine erhöhte Holzbühne. Die Wände des Theaters weisen eingelassene Pfeiler sowie halbkreisförmige Fensteröffnungen auf. ^{[ 291 ]} Die Stuckdecke ist mit indirekter Beleuchtung versehen . ^{[ 265 ] [ 291 ]} Zum Zeitpunkt der Errichtung des Theaters war es sowohl direkt vom dreieckigen Versorgungskern als auch über die Zufahrt vor dem Museum zugänglich. ^{[ 265 ]}

Der Anbau an der 89. Straße bietet zusätzliche Ausstellungsfläche von 956 m² (10.290 Quadratfuß). ^[ 164 ^{] Es gibt} vier Ausstellungsgalerien mit glatten Wänden, die sich „besser für die Präsentation von Kunst eignen“. ^{[ 259 ] [ 257 ]} Jede der Galerieebenen ist doppelgeschossig. ^{[ 108 ] [ 258 ]} Unterhalb der Galerien befindet sich eine Laderampe, darüber zwei Büroetagen und eine Techniketage. ^{[ 292 ]} Eine Lobby aus Stahl und Glas verbindet den Anbau mit dem Erdgeschoss des Hauptgebäudes, Rampen und Gänge führen zu den drei oberen Etagen. ^{[ 292 ]} Der Anbau ist mit dem Treppenturm der Hauptgalerie im vierten, fünften und siebten Stockwerk verbunden. ^{[ 108 ] [ 258 ]} Er bietet außerdem Zugang zu den Dachterrassen über dem Hauptgebäude und der Hauptgalerie. ^{[ 164 ] [ 292 ]}

Die New Yorker Denkmalschutzkommission (Landmarks Preservation Commission, LPC) erklärte das Museumsgebäude und seine Innenräume am 14. August 1990 zu New Yorker Wahrzeichen ^{[ 293 ] [ 294 ]} , zwei Jahre nachdem Gegner des Anbaus die Kommission um eine solche Erklärung gebeten hatten ^{[ 295 ]} . Damals war das Guggenheim eines der jüngsten Gebäude mit Denkmalschutzstatus, da es 31 Jahre zuvor fertiggestellt worden war ^{[ 241 ]} . Als die LPC 1993 den Carnegie Hill Historic District erweiterte ^{[ 296 ] [ 297 ],} wurde das Guggenheim Museum in den erweiterten Bezirk aufgenommen ^{[ 298 ] .}

Das Museum wurde am 19. Mai 2005 in das National Register of Historic Places (NRHP) aufgenommen ^{[ 2 ]} und am 6. Oktober 2008 zum National Historic Landmark erklärt . ^{[ 3 ]} Die UNESCO nahm im Juli 2019 acht Stätten, darunter das Guggenheim-Museum, unter dem Titel „ Die Architektur des 20. Jahrhunderts von Frank Lloyd Wright “ in die Liste des Weltkulturerbes auf . ^{[ 299 ] [ 300 ]}

Das Guggenheim Museum besaß 2022 rund 8.000 Werke in seiner Sammlung. ^{[ 301 ] [ 302 ]} Etwa 1.700 davon sind online verfügbar. ^{[ 302 ]} Das Museumsgebäude hat eine relativ geringe Ausstellungsfläche; laut dem Wall Street Journal konnte das Guggenheim nach der Renovierung 1992 nur „etwa 6 %“ seiner damals 5.000 Werke umfassenden Sammlung zeigen. ^{[ 162 ]} Die übrigen Werke werden im Depot des Museums aufbewahrt. ^{[ 303 ]} Im Gegensatz zu anderen Kunstmuseen ist die Sammlung des Guggenheim nicht in Abteilungen unterteilt. ^{[ 304 ]} Die ständige Sammlung wird üblicherweise in den Seitengalerien und Anbauten präsentiert, während die Hauptgalerie für Sonderausstellungen genutzt wird. ^{[ 305 ]}

Das Guggenheim teilt seine Sammlung mit der Peggy Guggenheim Collection in Venedig, Italien, und dem Guggenheim Museum Bilbao , Spanien. ^{[ 304 ]} Es hat außerdem Objekte an das Guggenheim Abu Dhabi für eine Vorausstellung ausgeliehen. ^{[ 306 ]} Nach Peggy Guggenheims Tod im Jahr 1979 übernahm die Guggenheim Foundation den Betrieb des Museums in Venedig, und das Guggenheim New York begann, abstrakte expressionistische , kubistische und surrealistische Kunst aus den Museen in Venedig und New York gemeinsam auszustellen. ^{[ 307 ]}

Das Guggenheim Museum hat im Laufe seiner Geschichte zahlreiche Privatsammlungen erworben, darunter die von Solomon R. Guggenheim, Karl Nierendorf , Katherine Sophie Dreier , Thannhauser, Rebay, Giuseppe Panza , Mapplethorpe und der Bohen Foundation. ^{[ 308 ] [ 309 ]} Zu den frühesten Werken zählen Arbeiten von Modernisten wie Rudolf Bauer , Rebay, Kandinsky, Piet Mondrian , Marc Chagall , Robert Delaunay , Fernand Léger , Amedeo Modigliani und Pablo Picasso . ^{[ 65 ]} Teile der ursprünglichen Sammlung wurden im Laufe der Jahre verkauft. 2007 wurden 620 der Originalwerke in die Solomon R. Guggenheim Founding Collection aufgenommen, ^{[ 310 ]} die Werke von über 60 Künstlern umfasst, ^{[ 310 ]} darunter mehr als 150 von Kandinsky. ^{[ 311 ]} Die Gründungssammlung enthält mehrere Werke von Albert Gleizes , darunter Brooklyn Bridge , Komposition für „Jazz“ und ^Porträt eines Militärarztes . ^{[ 311 ]} Werke wie Chagalls Grüner Geiger , ^{[ 312 ]} Franz Marcs Gelbe Kuh , ^{[ 313 ]} Jean Metzingers Frau mit Fächer [ ^{314 ]} und Picassos Der Akkordeonspieler ^{[ 102 ]} gehören ebenfalls zur Gründungssammlung. ^{[ 311 ]}

1948 erwarb das Museum für Nicht-Gegenständliche Kunst Nierendorfs 730 Objekte, darunter vor allem deutsche expressionistische Gemälde. ^{[ 315 ] [ 13 ]} In den 1990er Jahren besaß das Guggenheim-Museum noch 121 Werke aus der Sammlung Nierendorf, ^{[ 316 ]} die ein breites Spektrum expressionistischer und surrealistischer Werke umfassten, darunter Gemälde von Paul Klee , Oskar Kokoschka und Joan Miró . ^{[ 13 ] [ 65 ] [ 315 ]} 1953 erwarb das Guggenheim-Museum 28 Werke aus der Sammlung Dreier, ^{[ b ]} darunter Werke von Alexander Archipenko , Constantin Brâncuși , Alexander Calder , Marcel Duchamp , Juan Gris , El Lissitzky , Mondrian und Kurt Schwitters . ^{[ 65 ]}

Die 1963 erworbene Sammlung Thannhauser umfasste ursprünglich 73 Werke ^{[ 106 ] [ 107 ]} , vorwiegend im impressionistischen , postimpressionistischen und französisch-modernen Stil ^{[ 317 ]} , darunter Werke von Paul Gauguin , Édouard Manet , Camille Pissarro , Vincent van Gogh und 32 Werke von Picasso ^{[ 65 ] [ 318 ]} . Justin Thannhausers Witwe Hilde schenkte der Sammlung Thannhauser 1981 und 1991 weitere Werke ^{[ 110 ]} , darunter Manets Porträt der Gräfin Albazzi ^{[ 319 ]} .

Rebay vermachte der Stiftung auch einen Teil ihrer persönlichen Sammlung, darunter Werke von Kandinsky, Klee, Calder, Gleizes, Mondrian und Schwitters. ^{[ 65 ]} Das Guggenheim Museum erhielt die Stücke 1971, vier Jahre nach ihrem Tod, ^{[ 304 ]} aufgrund eines langwierigen Rechtsstreits. ^{[ 112 ]} 1990 erwarb das Museum die Sammlung von Giovanna und Giuseppe Panza. ^{[ 320 ] [ 321 ]} Diese umfasst minimalistische Skulpturen von Carl Andre , Dan Flavin und Donald Judd ; minimalistische Gemälde von Robert Mangold , Brice Marden und Robert Ryman ; sowie eine Reihe postminimalistischer , konzeptueller und wahrnehmungsbezogener Kunst von Robert Morris , Richard Serra , James Turrell , Lawrence Weiner und anderen, insbesondere amerikanische Beispiele der 1960er und 1970er Jahre. ^{[ 170 ] [ 321 ]} Als die Sammlung Panza erworben wurde, waren einige der Stücke noch nicht ausgearbeitet, sondern existierten nur als Skizzen. ^{[ 322 ]}

1992 schenkte die Robert Mapplethorpe Foundation der Stiftung 200 der besten Fotografien Mapplethorpes ^{[ 166 ] [ 167 ]} und tätigte damit die erste bedeutende Erwerbung von Fotografien des 20. Jahrhunderts durch das Museum. ^{[ 307 ]} Die Werke umfassten sein gesamtes Schaffen, von frühen Collagen über Polaroids , Porträts von Prominenten, Selbstporträts, Akte von Männern und Frauen, Blumen und Statuen bis hin zu Mixed-Media-Arbeiten und seinem bekannten Selbstporträt von 1998. Mit dieser Erwerbung begann das Fotoausstellungsprogramm der Stiftung. ^{[ 65 ]} Im Jahr 2001 erhielt die Stiftung die Sammlung der Bohen Foundation, die zwei Jahrzehnte lang neue Kunstwerke mit Schwerpunkt auf Film, Video, Fotografie und Neuen Medien in Auftrag gegeben hatte. Sie umfasst rund 275 Werke von 45 Künstlern ^{[ 323 ]} , darunter Pierre Huyghe und Sophie Calle . ^{[ 7 ]} Im Jahr 2022 erhielten das Guggenheim-Museum und das Museum of Contemporary Art, Chicago , gemeinsam 100 Werke aus der Sammlung D. Daskalopoulos . ^{[ 324 ] [ 325 ]}

Unter Sweeneys Leitung erwarb das Guggenheim Museum in den 1950er Jahren Brâncușis „ Adam und Eva“ (1921) ^{[ 13 ] [ 326 ]} sowie Werke anderer modernistischer Bildhauer wie Joseph Csaky , Jean Arp , Calder, Alberto Giacometti und David Smith . ^{[ 13 ] [ 327 ]} Sweeney erweiterte seinen Fokus auch auf Künstler des 20. Jahrhunderts und erwarb Paul Cézannes „ Mann mit verschränkten Armen“ ( um 1899 ) ^{[ 13 ]} sowie Werke von David Hayes , Willem de Kooning und Jackson Pollock . ^{[ 328 ]} Das Museum erwarb außerdem Werke von Künstlern wie Aristide Maillol , Jean Messagier , Fritz Hundertwasser und Eduardo Paolozzi , mehrere Zeichnungen und Skulpturen von Giacometti, eine kubistische Zeichnung von Picasso und einige Adam-Stiche von Henri-Georges . ^{[ 327 ]} In den 1960er Jahren gehörten zu Messers Erwerbungen Francis Bacons Triptychon „ Drei Studien zu einer Kreuzigung“ und David Smiths Skulptur „ Cubi XXVII “ ^{[ 329 ]} sowie Werke von Brâncuși, Calder, Giacometti, Klee, Léger, Joan Miró , Egon Schiele und František Kupka . ^{[ 329 ]}

Ursprünglich umfasste die Sammlung des Guggenheim-Museums keine figurative Kunst, da der Schwerpunkt des Museums auf „gegenstandsloser Malerei“ lag ^{[ 330 ].} Später wurde sie jedoch um eine Reihe figurativer Werke erweitert, darunter ein Porträt des Kunstkritikers Felix Féneón von Édouard Vuillard [ ^{330 ] [ 331 ]} , „Drei Studien zu einer Kreuzigung“ und Mirós Gemälde „ Das bestellte Feld“ ^{[ 303 ] [ 332 ]} . Weitere Werke sind Picassos „Le Moulin de la Galette“ ^{[ 333 ]} , ^„ Mandoline und Gitarre“ , „Frau mit gelbem Haar“ und „ Bügelnde Frau“ ^{[ 334 ]} , Julian Schnabels „ Der Student von Prag “ ^{[ 335 ],} Roy Lichtensteins „ Grrrrrrrrrr!!“ ^{[ 336 ]} sowie Kandinskys „ Studie für Komposition II“ und „Blauer Berg“ ^{[ 334 ]} .

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  Camille Pissarro L' Hermitage à Pontoise , 1867
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  Pierre-Auguste Renoir, Frau mit Papagei , 1871
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  Édouard Manet Vor dem Spiegel , 93 x 71,6 cm, 1876
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  Paul Cézanne Stillleben: Flasche, Glas und Krug , 1877
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  Georges Seurat, Bauer mit Hacke , 1882
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  Vincent van Gogh, Landschaft mit Schnee , 1888
• 
  Vincent van Gogh, Berge bei Saint-Rémy, 72,8 x 92 cm, 1889
• 
  Paul Cézanne , ca. 1899 , Homme aux bras croisés ( Mann mit verschränkten Armen ), Öl auf Leinwand, 92 × 72,7 cm
• 
  Paul Gauguin Im Vanillehain, Mann und Pferd , 73 x 92 cm, 1891
• 
  Edgar Degas, Tänzerinnen in Grün und Gelb , 98,8 x 71,5 cm, 1903
• 
  Claude Monet Der Palazzo Ducale, gesehen von San Giorgio Maggiore , 1908
• 
  Henri Rousseau, Die Fußballspieler , 100,3 x 81,1 cm, 1908
• 
  Francis Picabia Porträt von Mistinguett , Öl auf Leinwand, 60 x 49,2 cm ca. 1908–11
• 
  Georges Braque , 1909, Violine und Palette ( Violon et palette, Dans l'atelier ), Öl auf Leinwand, 91,7 × 42,8 cm
• 
  Wassily Kandinsky , 1910, Landschaft mit Fabrikschornstein , Öl auf Leinwand, 66,2 × 82 cm
• 
  Pablo Picasso, Der Dichter, Öl auf Leinen, 131,2 × 89,5 cm, 1911
• 
  Marcel Duchamp, Akt (Studie), Trauriger junger Mann im Zug , 1911–12, Öl auf Leinwand, 100 x 73 cm
• 
  Franz Marc , 1911, Die gelbe Kuh , Öl auf Leinwand, 140,5 × 189,2 cm
• 
  Wassily Kandinsky, Sancta Francisca , 1911
• 
  Robert Delaunay, Eiffelturm , 1911
• 
  Juan Gris , 1911, Maisons à Paris ( Häuser in Paris ), 1911, Öl auf Leinwand, 52,4 × 34,2 cm
• 
  Fernand Léger , 1911–12, Les Fumeurs (Die Raucher) , Öl auf Leinwand, 129,2 × 96,5 cm
• 
  Jean Metzinger , 1912, Femme à l'Éventail ( Frau mit Fächer ) , Öl auf Leinwand, 90,7 × 64,2 cm
• 
  Kasimir Malewitsch, Morgen im Dorf nach dem Schneesturm , 1912
• 
  Marc Chagall , 1913, Paris par la fenêtre ( Paris durch das Fenster ), Öl auf Leinwand, 136 × 141,9 cm
• 
  Ernst Ludwig Kirchner, Gerda, Halbporträt , 99,1 x 75,3 cm , 1914
• 
  Albert Gleizes , Brooklyn Bridge ( Pont de Brooklyn ) , Öl und Gouache auf Leinwand, 102 × 102 cm, 1915
• 
  Komposition von Piet Mondrian , 1916
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  Egon Schiele, Porträt eines alten Mannes, Öl mit Wachs und Kohle auf Leinwand, 141 x 110,8 cm, 1916
• 
  Amedeo Modigliani , Akt (Nu) , Öl auf Leinwand, 73 × 116,7 cm 1917
• 
  Amedeo Modigliani Le Sweater jaune , 1918
• 
  Theo van Doesburg , Komposition XI , Öl auf Leinwand, 57 × 101 cm 1918
• 
  Paul Klee , Roter Ballon , Öl auf mit Kreide grundiertem Gaze, auf Karton montiert, 31,7 × 31,1 cm, 1922
• 
  Joan Miró Das bestellte Feld , 1924
• 
  Komposition von Piet Mondrian , 1929
• 
  Henri Matisse , Italienische Frau , Öl auf Leinwand, 116,7 x 89,5 cm, 1931
• 
  Max Beckmann Pariser Gesellschaft , 1931
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  Pierre Bonnard, Speisesaal mit Gartenblick, 1935
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  Mark Rothko Ohne Titel (Schwarz auf Grau) Acryl auf Leinwand, 203,3 x 175,5 cm 1969

Im Jahr 2007 beantragten die Erben des Berliner Bankiers Paul von Mendelssohn-Bartholdy die Rückgabe des Picasso-Gemäldes „ Le Moulin de la Galette “ (1900), das er ihrer Aussage nach unter Zwang der Nationalsozialisten verkauft hatte. ^{[ 337 ] [ 338 ]} Das Museum und die Erben einigten sich 2009 außergerichtlich. ^{[ 339 ]} Der vorsitzende Richter Jed Rakoff kritisierte die Geheimhaltung der Einigung. ^{[ 340 ] [ 341 ]} Im Jahr 2018 gab das Museum das Gemälde „Artillerymen “ (1915) von Ernst Ludwig Kirchner an die Erben von Alfred Flechtheim zurück , der das Gemälde besessen hatte, bevor es 1938 in die Hände eines nationalsozialistischen Sammlers gelangte. ^{[ 342 ] [ 343 ]}

Im Jahr 2023 verklagten die Erben von Karl und Rosie Adler das Guggenheim-Museum auf Rückgabe des Picasso-Gemäldes „ Die bügelnde Frau “ ( La repasseuse ) (1904). Die Adlers hatten es 1938 an Justin Thannhauser verkauft, angeblich für einen Bruchteil seines Wertes, um dem Holocaust zu entkommen . Sie warfen Thannhauser vor, das Gemälde und Kunstwerke anderer flüchtiger Juden wissentlich erworben und sich so unrechtmäßig an deren Notlage bereichert zu haben. ^{[ 344 ] [ 345 ]} Das Museum gibt an, die Familie Adler vor dem Erwerb des Gemäldes im Rahmen von Thannhausers Vermächtnis seiner Kunstsammlung im Jahr 1976 kontaktiert zu haben. Karl Adler habe damals keine Einwände erhoben. ^{[ 346 ] [ 347 ]}

Das Guggenheim-Museum führt 289 Kunstwerke im Internetportal „Nazi Era Provenance Internet Portal“ (NEPIP) auf, veröffentlicht jedoch keine Provenienzangaben für seine Sammlung. ^{[ 348 ] [ 349 ]}

Die Solomon R. Guggenheim Foundation betreibt und besitzt das Solomon R. Guggenheim Museum. ^{[ 350 ]} Der Kunst- und Museumsausschuss der Stiftung ist für die Vorschläge zum An- und Verkauf von Kunstwerken aus der Stiftungssammlung zuständig. Der Stiftungsrat entscheidet über die Umsetzung der Vorschläge des Ausschusses. ^{[ 351 ]} J. Tomilson Hill ist seit 2021 Vorsitzender des Stiftungsrats, ^{[ 352 ]} Marcy Withington ist seit 2018 Finanzchefin der Stiftung. ^{[ 353 ]} Das Museum beschäftigte im Jahr 2020 315 Vollzeit- und Teilzeitkräfte. ^{[ 354 ] [ 355 ]}

Schon vor der Eröffnung des Gebäudes spaltete der Entwurf die Architekturkritiker ^{[ 89 ] [ 356 ]} und war in der Öffentlichkeit umstritten. ^{[ 357 ] [ 358 ]} Einige Kritiker befürchteten, das Gebäude würde die Kunstwerke des Museums in den Schatten stellen. ^{[ 359 ]} Emily Genauer vom New York Herald Tribune verglich das Gebäude mit „einem riesigen Korkenzieher, einer Waschmaschine und einem Marshmallow“ ^{[ 360 ]} , während Solomons Nichte Peggy Guggenheim es mit „einer riesigen Garage“ verglich. ^{[ 361 ]} Viele Bürger empfanden das Gebäude als unpassend zum Charakter der Fifth Avenue. ^{[ 358 ]} Andere Kritiker und zahlreiche Künstler sorgten sich, dass es schwierig sein würde, Gemälde in den flachen, fensterlosen und konkaven Ausstellungsnischen rund um die Hauptgalerie angemessen zu hängen. ^{[ 362 ] [ 77 ] [ 89 ]} Vor der Eröffnung des Museums unterzeichneten 21 Künstler einen Brief, in dem sie gegen die Ausstellung ihrer Werke in einem solchen Raum protestierten. ^{[ 87 ] [ 363 ]} Phyllis Mark vom New Leader merkte an, dass die Wände und Decken den Betrachter „desorientieren“ würden, und wies darauf hin, dass das Museum in dem neuen Gebäude nur fünf Prozent seiner Sammlung ausstellen könne. ^{[ 280 ]}

Kunstkritiker beurteilten das Bauwerk besonders harsch. ^{[ 364 ]} John Canaday von der New York Times schrieb, der Entwurf wäre selbst dann bemerkenswert, wenn man ihn „seiner Bilder beraubte“, ^{[ 365 ] [ 366 ]} während Hilton Kramer vom Arts Magazine meinte, das Bauwerk sei „wahrscheinlich Wrights nutzlosestes Gebäude“. ^{[ 367 ]} Der Architekturkritiker Lewis Mumford fasste die Verachtung wie folgt zusammen:

Wright hat den ausgestellten Gemälden und Skulpturen nur so viel Raum eingeräumt, wie seine abstrakte Komposition nicht beeinträchtigen würde. … Er schuf eine Hülle, deren Form in keinem Verhältnis zu ihrer Funktion steht und die keine Möglichkeit bot, künftig von seinen starren Vorstellungen abzuweichen. Die Rampe hat für ein Museum eine niedrige Decke – 295 cm (9 Fuß 8 Zoll), sodass nur Bilder gezeigt werden können, die deutlich innerhalb der so geschaffenen vertikalen Grenzen liegen. Die Wand … neigte sich nach außen, der Neigung der Außenwand folgend, und Gemälde sollten nicht vertikal aufgehängt oder in ihrer wahren Ebene gezeigt, sondern an die Wand gelehnt werden. … Auch kann sich der Besucher dem Licht nicht entziehen, das durch die schmalen Schlitze in der Wand in seine Augen scheint. ^{[ 368 ]}

Zu Lebzeiten wies Wright Kritik an dem Bauwerk zurück und sagte: „Zum ersten Mal wird Kunst durch ein offenes Fenster betrachtet werden, und ausgerechnet in New York.“ ^{[ 369 ]} Er war außerdem der Ansicht, dass sein Entwurf den Central Park ergänzte, insbesondere durch die Sträucher rund um das neue Gebäude, die „einen kleinen Park mit einem Gebäude darin“ bildeten. ^{[ 87 ] [ 370 ]} Wright glaubte, dass das Gebäude gut für die Avantgarde- Kunst geeignet sei , „die Raum und Form auf eine neue, vollständig integrierte Weise darstellen wollte“. ^{[ 272 ]}

Das Gebäude erntete auch viel Lob von Kritikern. In einer 1958 durchgeführten Umfrage zu den „Sieben Wundern der amerikanischen Architektur“ wählten 500 Architekten das Guggenheim-Museum auf Platz 18 von über 100 ausgewählten Bauwerken. ^{[ 371 ]} Bei der Eröffnung lobten modernistische Architekten wie Philip Johnson und Edward Durell Stone Wrights Entwurf, ^{[ 372 ] [ 373 ]} und Genauer bezeichnete es als „das schönste Gebäude Amerikas“. ^{[ 360 ] [ 373 ]} Diese Ansicht teilten sogar Kommentatoren, die die Funktionalität des Gebäudes infrage stellten, darunter Robert M. Coates vom New Yorker , der schrieb: „Meine Frage ist nicht: ‚Ist es Kunst?‘ (Ich glaube schon), sondern: ‚Wie gut eignet es sich zur Präsentation von Kunst?‘“ ^{[ 373 ] [ 374 ]} Ein Autor des New York Daily Mirror meinte, das Guggenheim-Museum „gehöre in ein Museum, um zu zeigen, wie verrückt das 20. Jahrhundert ist“. ^{[ 374 ]} Auch die Direktoren anderer bedeutender New Yorker Museen lobten das Gebäude, obwohl einige von ihnen skeptisch waren, ob es sich gut als Museum eignen würde. ^{[ 364 ] [ 372 ]}

In späteren Jahren wurde das Gebäude allseits gelobt. ^{[ 375 ] [ 376 ]} Marcus Whiffen und Frederick Koeper schrieben: „Das dynamische Interieur des Guggenheim-Museums wirkt für manche zu konkurrenzbetont für die Kunstpräsentation, doch niemand bestreitet, dass es zu den einprägsamsten Räumen der gesamten Architekturgeschichte zählt.“ ^{[ 377 ] [ 378 ]} Paul Goldberger sagte 2009: „Ich denke, das Vermächtnis dieses Gebäudes liegt in der Botschaft, dass Architektur sich der Kunst nicht unterordnen muss.“ ^{[ 379 ]} Laut Herbert Muschamp war das Guggenheim „eines der bedeutendsten Wahrzeichen New Yorks“ und zugleich Wrights bekanntester Entwurf. ^{[ 380 ] [ 381 ]} Das American Institute of Architects verlieh dem Guggenheim 1986 den „ Twenty-five Year Award“ und bezeichnete das Museumsgebäude als „architektonisches Wahrzeichen und Denkmal für Wrights einzigartige Vision“. ^{[ 109 ] [ 382 ]}

Mehrere Autoren beschrieben das Guggenheim-Museum als Ausdruck von Wrights Hang zur organischen Architektur. ^{[ 383 ]} Laut William J. R. Curtis war das Gebäude „die Apotheose von Wrights organischer Philosophie“. ^{[ 377 ] [ 384 ]} Peter Blake bemerkte, das Guggenheim sei Wrights „einziges vollendetes Werk kompromissloser Plastizität und Kontinuität“ ^{[ 385 ] [ 386 ]} , eine Aussage, der Wrights Biograf Robert C. Twombly zustimmte. ^{[ 385 ] [ 387 ]} Kritiker betrachteten das Guggenheim-Museum als das beste Werk aus Wrights späterer Schaffensphase ^{[ 388 ]} und als Höhepunkt der spiralförmigen Formen, die Wright seit 1925 in seinen Entwürfen verwendet hatte. ^{[ 389 ] [ 390 ]} Spiro Kostof nannte das Museum „ein Geschenk reiner Architektur“ ^{[ 385 ] [ 391 ]} , und Edgar Kaufmann Jr. bezeichnete das Gebäude als „eine der unbestreitbar größten Errungenschaften der modernen Architektur“. ^{[ 385 ] [ 392 ]}

Das Museumsgebäude inspirierte andere Architekten zu ihren Entwürfen. ^{[ 27 ] [ 109 ]} In den 1960er Jahren entstanden mehrere ähnliche Gebäude, die jedoch im Allgemeinen weniger Beton verwendeten als das Guggenheim-Museum. ^{[ 109 ]} Deborah Solomon vom New York Times Magazine schrieb 2002, dass das Guggenheim-Museum das Phänomen des „Museums, das nur aus Mauern besteht“ auslöste, bei dem Museen um die architektonisch ansprechendsten Gebäude wetteiferten. ^{[ 155 ]} Das Gebäude wurde auch auf einer Zwei-Cent-Briefmarke abgebildet, die 1966 zu Ehren von Wright herausgegeben wurde. ^{[ 393 ] [ 394 ]} In der 2007 veröffentlichten Liste der beliebtesten Architektur Amerikas des American Institute of Architects (AIA) zählte das Guggenheim-Museum zu den 150 besten Gebäuden der Vereinigten Staaten. ^{[ 395 ] [ 396 ]}

Bei seiner Eröffnung erfreute sich das Gebäude großer Beliebtheit in der Öffentlichkeit. ^{[ 397 ]} Laut einer Gallup-Umfrage von 1960 kamen 38 Prozent der Besucher wegen des Gebäudes selbst, während weitere 43 Prozent sowohl das Gebäude als auch die Kunstwerke sehen wollten. ^{[ 397 ] [ 398 ]} Das Guggenheim-Museum führte erst ab 1992 genaue Besucherzahlen . ^{[ 399 ]} Vor seiner Renovierung in den 1990er-Jahren verzeichnete es schätzungsweise 600.000 Besucher jährlich. ^{[ 400 ]} Diese Zahl stieg bis Anfang der 2000er-Jahre auf 900.000 bis 1 Million. ^{[ 187 ]} Vor den Anschlägen vom 11. September 2001 besuchten jährlich 960.000 Menschen das Museum, die Besucherzahlen gingen danach jedoch zurück und erholten sich einige Jahre später wieder. ^{[ 203 ]} Im Jahr 2013 besuchten fast 1,2 Millionen Menschen das Museum, und die James-Turrel-Ausstellung war gemessen an den täglichen Besucherzahlen die beliebteste in New York City. ^{[ 401 ]} Aufgrund der COVID-19-Pandemie verzeichnete das Guggenheim-Museum im Jahr 2020 nur 154.000 Besucher, ein Rückgang von 88 Prozent gegenüber dem Vorjahr. ^{[ 402 ]} Im Jahr 2023 besuchten 861.000 Menschen das Museum, verglichen mit 1,2 Millionen im Jahr 2019 (vor der COVID-19-Pandemie). ^{[ 1 ] [ 403 ]}

Laut Museumsangaben ergaben Umfragen im Laufe der Jahre, dass die meisten Besucher eher wegen der Architektur des Gebäudes als wegen der Kunstwerke kamen. ^{[ 187 ]} Die New York Times berichtete 2001, dass fast 70 Prozent der Besucher Touristen und die Hälfte davon Ausländer waren. ^{[ 196 ]} 2010 berichtete die Times , dass 55–65 Prozent der Besucher aus dem Großraum New York stammten . ^{[ 404 ]} Einer Studie aus dem Jahr 2018 zufolge waren 73 Prozent der Museumsbesucher weiß und 8 Prozent schwarz. ^{[ 216 ]}

Im Jahr 2009 lockte eine Frank-Lloyd-Wright-Retrospektive innerhalb von drei Monaten 372.000 Besucher an und wurde damit zur erfolgreichsten Einzelausstellung des Museums. ^{[ 405 ]} Dieser Rekord wurde im darauffolgenden Jahr von einer Kandinsky-Ausstellung gebrochen. ^{[ 399 ] [ 404 ]} Die erfolgreichste Ausstellung in der Geschichte des Museums war 2019 eine Ausstellung mit Gemälden von Hilma af Klint , ^{[ 406 ]} die innerhalb von sechs Monaten über 600.000 Besucher anzog. ^{[ 407 ]}

• Liste der Werke von Frank Lloyd Wright
• Liste der Guggenheim-Museen
• Liste der meistbesuchten Museen in den Vereinigten Staaten
• Liste der nationalen historischen Wahrzeichen in New York City
• Liste der in Manhattan zwischen der 59. und 110. Straße ausgewiesenen Wahrzeichen der Stadt New York
• Liste der Welterbestätten in den Vereinigten Staaten
• Einträge im National Register of Historic Places in Manhattan zwischen der 59. und 110. Straße