Kunstgeschichte

Die Kunstgeschichte ist eine akademische Disziplin, die sich mit der Erforschung künstlerischer Produktion und visueller Kultur im Laufe der Menschheitsgeschichte befasst . Kunsthistoriker analysieren Kunstwerke mithilfe historischer Methoden oder philosophischer Ansätze, wie beispielsweise dem historischen Materialismus oder der Kritischen Theorie . ^{[ 1 ]} Sie untersuchen unter anderem den Einfluss von Kunst auf Gesellschaften und Kulturen , das Verhältnis von Kunst und Politik sowie die Entwicklung künstlerischer Stile und formaler Merkmale von Kunstwerken im Laufe der Geschichte. Als Disziplin unterscheidet sich die Kunstgeschichte von der Kunstkritik , die sich mit der Festlegung eines relativen künstlerischen Wertes zur Beurteilung einzelner Werke befasst, und der Ästhetik , einem Teilgebiet der Philosophie.

Die Kunstgeschichte entstand als Mittel zur Dokumentation und Interpretation künstlerischer Produktion. Frühe Traditionen kunsthistorischer Schriften entwickelten sich in verschiedenen Kulturen, darunter im antiken Griechenland , im kaiserlichen China und im Italien der Renaissance . Jede dieser Kulturen brachte einflussreiche Persönlichkeiten und Ansätze hervor, die die spätere Forschung prägten. ^{[ 2 ] [ 3 ]} Als akademische Disziplin etablierte sich die Kunstgeschichte im 19. Jahrhundert und war zunächst ein weitgehend eurozentrisches Feld, das sich auf westliche Definitionen der bildenden und angewandten Künste , insbesondere Malerei , Zeichnung , Bildhauerei und Architektur , konzentrierte .

In der heutigen Zeit hat sich die Kunstgeschichte jedoch erweitert und untersucht nun breitere Aspekte der visuellen Kultur , darunter die verschiedenen kulturellen, politischen und sozioökonomischen Fragen im Zusammenhang mit Kunst. ^{[ 4 ] [ 5 ]} Heute ist die Kunstgeschichte ein weites akademisches Feld, das zahlreiche Methoden und interdisziplinäre Ansätze zur Erforschung künstlerischer Produktion weltweit umfasst, darunter europäische , asiatische , afrikanische und indigene Kunst Amerikas . Zu ihren Teilgebieten zählen unter anderem marxistische Kunstgeschichte, feministische Kunstgeschichte, Ikonografie und Symbolforschung, visuelle Kulturforschung und Designgeschichte . ^{[ 1 ]}

Kunsthistoriker wenden in ihrer Forschung verschiedene Methoden an , um ein Werk im Kontext seiner Entstehungszeit zu untersuchen. Dies geschieht professionell und unter Berücksichtigung der Motivationen und Bedürfnisse des Künstlers sowie der Wünsche und Vorurteile seiner Auftraggeber und Förderer. Eine vergleichende Analyse der Themen und Ansätze von Kollegen und Lehrern des Künstlers sowie die Betrachtung von Ikonografie und Symbolik sind Bestandteil der Untersuchung. Dieser Ansatz betrachtet das Kunstwerk im Kontext der Welt, in der es entstanden ist.

Kunsthistoriker untersuchen Werke häufig auch anhand einer Formanalyse, also der Verwendung von Linie , Form , Farbe , Textur und Komposition durch den Künstler. Dieser Ansatz analysiert, wie der Künstler eine zweidimensionale Bildebene oder den dreidimensionalen Raum einer Skulptur oder Architektur nutzt , um sein Kunstwerk zu schaffen. Die Art und Weise, wie diese einzelnen Elemente eingesetzt werden, führt zu gegenständlicher oder abstrakter Kunst.

Die Ikonografieanalyse ist ein umfangreicher Zweig der Kunstgeschichte, der sich mit spezifischen Gestaltungselementen eines Objekts befasst. Durch die genaue Betrachtung dieser Elemente lässt sich ihre Herkunft nachvollziehen und daraus Rückschlüsse auf Ursprung und Entwicklung dieser Motive ziehen . Im Gegenzug können zahlreiche Beobachtungen zu den sozialen, kulturellen, wirtschaftlichen und ästhetischen Werten derjenigen angestellt werden, die für die Herstellung des Objekts verantwortlich waren. ^{[ 6 ]}

Kunsthistoriker arbeiten häufig mit Restauratoren zusammen oder fungieren als solche und helfen bei der Restaurierung und Konservierung von Kunstwerken. Die Konservierung ist ein wissenschaftliches Fachgebiet, das für die Arbeit von Kunsthistorikern unerlässlich ist, da diese den Zustand eines Kunstwerks beurteilen müssen, um es untersuchen zu können. Die Ausbildung in der Kunstkonservierung umfasst typischerweise Kurse in Chemie sowie in Kunstpraxis und -geschichte. ^{[ 7 ]}

Die meisten Kunsthistoriker spezialisieren sich auf eine bestimmte Epoche der Kunstgeschichte oder erwerben darin einen akademischen Grad . Schwerpunkte in der akademischen Welt sind Kunstrichtungen , Epochen und Bereiche wie etwa prähistorische , antike , mittelalterliche , Renaissance- , romantische , realistische , moderne , zeitgenössische , Pop-Art- , feministische und queere Kunst . Diese Epochen und Strömungen zielen darauf ab, die Kunstgeschichte in ihrer ganzen Breite abzudecken und gleichzeitig ihre einzelnen Stilrichtungen klar voneinander abzugrenzen . ^{[ 8 ]}

In den 1970er Jahren trug Linda Nochlins Essay „ Warum gab es keine großen Künstlerinnen? “ maßgeblich zur Entstehung der feministischen Kunstgeschichte bei und zählt bis heute zu den meistgelesenen Essays über Künstlerinnen. Darauf folgte 1972 ein von Nochlin geleitetes Panel der College Art Association mit dem Titel „Erotik und das Frauenbild in der Kunst des 19. Jahrhunderts“. Innerhalb eines Jahrzehnts trugen zahlreiche Aufsätze, Artikel und Essays, befeuert von der zweiten Welle der Frauenbewegung , zu einer wachsenden Dynamik des kritischen Diskurses über die Auseinandersetzung von Frauen mit der Kunst als Künstlerinnen und Sujets bei. In ihrem wegweisenden Essay wendet Nochlin einen feministisch-kritischen Rahmen an, um den systematischen Ausschluss von Frauen aus der Kunstausbildung aufzuzeigen. Sie argumentiert, dass dieser Ausschluss sowohl von der Kunstpraxis als auch von der kanonischen Kunstgeschichte die Folge kultureller Bedingungen war, die Frauen in der Kunstproduktion einschränkten und beschränkten. ^{[ 9 ]} Die wenigen, denen es gelang, wurden als Ausnahmen betrachtet und dienten nicht als Vorbild für zukünftige Erfolge. Griselda Pollock ist eine weitere prominente feministische Kunsthistorikerin, deren Verwendung der psychoanalytischen Theorie oben beschrieben wurde.

Obwohl sich die feministische Kunstgeschichte auf jede Epoche und jeden Ort konzentrieren kann, wurde der Moderne viel Aufmerksamkeit zuteil. Ein Teil dieser Forschung befasst sich mit der feministischen Kunstbewegung , die sich speziell mit den Erfahrungen von Frauen auseinandersetzte. Oft bietet die feministische Kunstgeschichte eine kritische Neuinterpretation des westlichen Kunstkanons, wie beispielsweise Carol Duncans Neuinterpretation von „Les Demoiselles d’Avignon“ . Zwei Pionierinnen auf diesem Gebiet sind Mary Garrard und Norma Broude . Ihre Anthologien „Feminism and Art History: Questioning the Litany“ , „The Expanding Discourse: Feminism and Art History“ und „Reclaiming Feminist Agency: Feminist Art History After Postmodernism“ sind bedeutende Beiträge zur Einbringung feministischer Perspektiven in den kunsthistorischen Diskurs. Die beiden gründeten außerdem die Feminist Art History Conference. ^{[ 10 ]}

Kunsthistoriker werden aufgrund ihrer Fachkenntnisse häufig von Museen angestellt. Galerien und Archive sind Orte, an denen Kunsthistoriker je nach Spezialisierung für Ausstellungen, Forschung oder Sammlungen zuständig sein können. ^{[ 11 ]} Die Museumswissenschaft , einschließlich der Geschichte des Sammelns und Präsentierens in Museen, ist heute ein eigenständiges Studienfeld, ebenso wie die Geschichte des Sammelns selbst.

The earliest surviving writing on art that can be classified as art history are the passages in Pliny the Elder's Natural History (c. AD 77–79), concerning the development of Greek sculpture and painting.^[3] From them it is possible to trace the ideas of Xenokrates of Sicyon (c. 280 BC), a Greek sculptor who was perhaps the first art historian.^[12] Pliny's work, while mainly an encyclopaedia of the sciences, has thus been influential from the Renaissance onwards. (Passages about techniques used by the painter Apelles c. (332–329 BC), have been especially well-known.) Similar, though independent, developments occurred in the 6th century China, where a canon of worthy artists was established by writers in the scholar-official class. These writers, being necessarily proficient in calligraphy, were artists themselves. The artists are described in the Six Principles of Painting formulated by Xie He.^[2]

Giorgio Vasari, a Tuscan painter, sculptor and author of the Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects, has been credited with writing the first true history of art.^[13] He emphasized art's progression and development, which was a milestone in this field. His work was a personal and a historical account, featuring biographies of individual Italian artists, many of whom were his contemporaries and personal acquaintances. The most renowned of these was Michelangelo.

Vasaris Schriften über Kunst waren enorm einflussreich und dienten vielen als Vorbild.

Gelehrte wie Johann Joachim Winckelmann (1717–1768) kritisierten Vasaris Personenkult um den Künstler und argumentierten, dass der Schwerpunkt der Kunstwissenschaft auf der Sichtweise des gelehrten Betrachters und nicht auf der des Künstlers liegen sollte. Winckelmanns Schriften gelten somit als Anfänge der Kunstkritik . Seine beiden bedeutendsten Werke, die den Begriff der Kunstkritik einführten, waren „ Gedanken über die Nachahmung der griechischen Werke in der Malerei und Bildhauerkunst “ ( 1755) und „ Geschichte der Kunst des Altertums “ (1764) – hier findet sich erstmals der Begriff „Kunstgeschichte“ im Buchtitel. ^{[ 14 ]} Winckelmann kritisierte die künstlerischen Exzesse des Barock und Rokoko und trug maßgeblich zur Reform des Geschmacks hin zum Neoklassizismus bei . Winckelmanns Werk markierte den Eintritt der Kunstgeschichte in den hochphilosophischen Diskurs der deutschen Kultur . ^{[ 15 ]}

Winckelmann wurde von Johann Wolfgang von Goethe und Friedrich Schiller mit großem Interesse gelesen , die beide begannen, über Kunstgeschichte zu schreiben. Seine Darstellung der Laokoon-Gruppe rief Lessing zu einer Antwort auf diese Frage auf . Die Etablierung der Kunst als zentrales Thema philosophischer Spekulation wurde durch das Erscheinen von Immanuel Kants Kritik der Urteilskraft im Jahr 1790 gefestigt und durch Hegels Vorlesungen über Ästhetik weiter gefördert . Hegels Philosophie diente Karl Schnaase als direkte Inspiration für sein Werk. Schnaases Niederländische Briefe legten die theoretischen Grundlagen für die Kunstgeschichte als eigenständige Disziplin, und seine Geschichte der bildenden Künste , eine der ersten historischen Darstellungen der Kunstgeschichte von der Antike bis zur Renaissance, erleichterte die Lehre der Kunstgeschichte an deutschsprachigen Universitäten. Schnaases Werk erschien zeitgleich mit einem ähnlichen Werk von Franz Theodor Kugler .

Heinrich Wölfflin (1864–1945), der bei Burckhardt in Basel studierte, gilt als einer der einflussreichsten Gelehrten der modernen Kunstgeschichte. ^{[ 16 ]} Er führte einen wissenschaftlichen Ansatz in die Kunstgeschichte ein und konzentrierte sich dabei auf drei Konzepte. ^{[ 17 ]} Erstens versuchte er, Kunst mithilfe der Psychologie zu untersuchen, insbesondere durch die Anwendung der Arbeiten Wilhelm Wundts . Er argumentierte unter anderem, dass Kunst und Architektur dann gut seien, wenn sie dem menschlichen Körper ähnelten. So seien beispielsweise Häuser gut, wenn ihre Fassaden Gesichtern ähnelten. Zweitens führte er die Idee ein, Kunst durch Vergleich zu analysieren. Durch den Vergleich einzelner Gemälde konnte er stilistische Unterschiede herausarbeiten. Sein Buch „Renaissance und Barock“ entwickelte diese Idee weiter und zeigte als erstes die Unterschiede zwischen diesen Stilepochen auf. Im Gegensatz zu Giorgio Vasari interessierte sich Wölfflin nicht für die Biografien von Künstlern. Er schlug die Schaffung einer „Kunstgeschichte ohne Namen“ vor. ^{[ 18 ]} Er untersuchte Kunst auch im Kontext nationaler Vorstellungen . Sein besonderes Interesse galt der Frage, ob es einen genuin „ italienischen “ und einen genuin „ deutschen “ Stil gäbe. Dieses letztgenannte Interesse kam in seiner Monographie über den deutschen Künstler Albrecht Dürer am deutlichsten zum Ausdruck . ^{[ 19 ]}

Im späten 19. Jahrhundert entwickelte sich an der Universität Wien eine bedeutende kunsthistorische Schule . Die erste Generation der Wiener Schule wurde von Alois Riegl und Franz Wickhoff , beide Schüler von Moritz Thausing , geprägt und zeichnete sich durch die Tendenz aus, vernachlässigte oder abgewertete Epochen der Kunstgeschichte neu zu bewerten. Riegl und Wickhoff verfassten zahlreiche Schriften zur Kunst der Spätantike , die zuvor als eine Zeit des Niedergangs vom klassischen Ideal betrachtet worden war. Riegl trug zudem zur Neubewertung des Barock bei.

Zur nächsten Generation von Professoren in Wien gehörten Max Dvořák , Julius von Schlosser , Hans Tietze, Karl Maria Swoboda und Josef Strzygowski . Zahlreiche der bedeutendsten Kunsthistoriker des 20. Jahrhunderts, darunter Ernst Gombrich , erwarben in dieser Zeit ihre akademischen Grade in Wien. Der Begriff „Zweite Wiener Schule“ (oder „Neue Wiener Schule“) bezeichnet üblicherweise die darauffolgende Generation Wiener Gelehrter, darunter Hans Sedlmayr , Otto Pächt und Guido Kaschnitz von Weinberg. Diese Gelehrten begannen in den 1930er Jahren, sich wieder den Arbeiten der ersten Generation zuzuwenden, insbesondere Riegl und seinem Konzept des „ Kunstwollens“ , und versuchten, dieses zu einer umfassenden kunsthistorischen Methodik weiterzuentwickeln. Sedlmayr lehnte insbesondere die detaillierte Untersuchung von Ikonografie, Mäzenatentum und anderen historisch kontextbezogenen Ansätzen ab und konzentrierte sich stattdessen lieber auf die ästhetischen Qualitäten eines Kunstwerks. Infolgedessen erwarb sich die Zweite Wiener Schule den Ruf eines ungezügelten und verantwortungslosen Formalismus . Diese Tendenz wurde jedoch keineswegs von allen Mitgliedern der Schule geteilt; Pächt beispielsweise war selbst Jude und musste Wien in den 1930er Jahren verlassen.

1920 trafen sich in Hamburg einige Gelehrte, um sich mit Ikonografie zu befassen. Zu ihren bedeutendsten Vertretern zählten Erwin Panofsky , Aby Warburg , Fritz Saxl und Gertrud Bing . Gemeinsam prägten sie maßgeblich das Vokabular, das Kunsthistoriker bis heute verwenden. „Ikonografie“ – dessen Ursprung in der englischen Sprache „Symbole aus der Schrift“ bedeutet – bezeichnet die Darstellung von Kunstwerken, die auf schriftlichen Quellen basieren, insbesondere auf Bibeln und Mythologie. „Ikonologie“ ist ein umfassenderer Begriff, der jegliche Symbolik umfasst, unabhängig davon, ob sie einem bestimmten Text entnommen ist oder nicht. Heute verwenden Kunsthistoriker diese Begriffe mitunter synonym.

Panofsky entwickelte in seinen frühen Arbeiten ebenfalls die Theorien Riegls weiter, beschäftigte sich später aber verstärkt mit der Ikonographie, insbesondere mit der Weitergabe von Themen der klassischen Antike im Mittelalter und in der Renaissance. In dieser Hinsicht deckten sich seine Interessen mit denen Warburgs, des Sohnes einer wohlhabenden Familie, der in Hamburg eine Bibliothek zur Erforschung der klassischen Tradition in Kunst und Kultur der späteren Zeit aufgebaut hatte. Unter Saxls Leitung wurde diese Bibliothek zu einem Forschungsinstitut der Universität Hamburg ausgebaut, an der auch Panofsky lehrte.

Warburg starb 1929, und in den 1930er Jahren waren Saxl und Panofsky, beide jüdisch, gezwungen, Hamburg zu verlassen. Saxl ließ sich in London nieder, brachte Warburgs Bibliothek mit und gründete das Warburg Institute . Panofsky ging nach Princeton ans Institute for Advanced Study . Damit gehörten sie zu einer außergewöhnlichen Welle deutscher Kunsthistoriker, die in den 1930er Jahren in die englischsprachige Wissenschaft strömten. Diese Gelehrten trugen maßgeblich dazu bei, die Kunstgeschichte als legitimes Studienfach in der englischsprachigen Welt zu etablieren, und insbesondere Panofskys Methodik prägte die amerikanische Kunstgeschichte über eine ganze Generation.

Mitte des 20. Jahrhunderts verbreiteten sich die Ideen des Marxismus rasch in ganz Europa, begleitet von einem verstärkten Interesse an der Kunstgeschichte . Die Frankfurter Schule , die die Kritische Theorie anwandte , leistete einen einflussreichen Beitrag zur Weiterentwicklung der Kunstwissenschaft. Sie war ebenso wie Marxisten vor den 1920er Jahren, etwa Georgi Plechanow und Friedrich Engels , die den historischen Materialismus nutzten , um die Entwicklung der Künste in der Gesellschaft zu analysieren.

Innerhalb der Frankfurter Schule verfasste der Philosoph Walter Benjamin 1935 seinen Essay „ Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit “. Darin argumentierte er, dass Kunstwerken eine „Aura“ innewohnt: ihre ursprüngliche Präsenz in Zeit und Raum. ^{[ 20 ]} Er vermutet, dass die Aura eines Kunstwerks einem Verfall unterliegt, da es zunehmend schwieriger wird, Zeit und Raum seiner Entstehung zu erfassen. Benjamins Theorie steht in engem Zusammenhang mit der Affekttheorie . ^{[ 20 ]}

Die Klassengesellschaft bildete auch eine Grundlage für die Erforschung der Kunstentwicklung. Zu Beginn des 20. und im späten 19. Jahrhundert war der historische Materialismus eine einflussreiche Geschichtstheorie, die zunehmend an Bedeutung gewann und bis heute weltweit von Kunsthistorikern Anwendung findet. ^{[ 21 ]} Georgi Plechanow gilt als Pionier der Anwendung materialistischen Denkens in der Kunstwissenschaft. Sein 1899 erschienenes Werk „Historischer Materialismus und die Künste“ beschreibt, wie der historische Materialismus einer idealistischen Kunstauffassung entgegengesetzt werden kann, um ein differenzierteres Verständnis des Themas zu gewinnen. ^{[ 22 ]} Marxisten wie Plechanow argumentieren, dass Kunstepochen und Revolutionen zwar ihrer eigenen Logik folgen, die Kunst letztlich aber durch die Produktionsweise begrenzt ist. Marxisten gehen davon aus, dass die Ideen in der Gesellschaft, einschließlich der Kunst, Ausdruck der jeweiligen Klassen sind, die in dieser Produktionsweise existieren. ^{[ 23 ]}

In den Vereinigten Staaten ist die College Art Association eine der wichtigsten kunsthistorischen Organisationen . ^{[ 24 ]} Sie veranstaltet jährlich eine Konferenz und gibt das Art Bulletin und das Art Journal heraus . Ähnliche Organisationen existieren auch in anderen Teilen der Welt, insbesondere für Spezialgebiete wie Architekturgeschichte und Kunstgeschichte der Renaissance. In Großbritannien ist beispielsweise die Association of Art Historians die führende Organisation und gibt die Fachzeitschrift Art History heraus .

• Bildwissenschaft
• Dictionary of Art Historians , eine Datenbank bedeutender Kunsthistoriker, die von der Duke University gepflegt wird.
• Bildende Kunst
• Felskunst
• Theosophie und bildende Kunst
• Giorgio Vasari , Kunsthistoriker

Quellen

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