Doug Aitken

Doug Aitken (geb. 1968) ist ein US-amerikanischer, multidisziplinärer Künstler. Sein Werk umfasst Fotografie, Druckgrafik, Skulptur und architektonische Interventionen sowie narrative Filme, Klangkunst, Ein- und Mehrkanal-Videoarbeiten, Installationen und Live-Performances. ^{[ 1 ]} Er lebt derzeit in Venice, Kalifornien , und New York City. ^{[ 2 ]}

Doug Aitken wurde 1968 in Redondo Beach, Kalifornien , geboren . ^{[ 3 ]} 1987 studierte er zunächst Zeitschriftenillustration ^{[ 4 ]} bei Philip Hays am Art Center College of Design in Pasadena, bevor er 1991 sein Studium der Bildenden Künste abschloss.

1994 zog er nach New York, wo er seine erste Einzelausstellung in der 303 Gallery hatte. ^{[ 4 ]}

Aitkens Werk umfasst Fotografie, Printmedien, Skulptur und architektonische Interventionen sowie narrative Filme, Klangkunst, Ein- und Mehrkanal-Videoarbeiten, Installationen und Live-Performances. ^{[ 5 ] [ 6 ] [ 7 ]} Aitkens Videoarbeiten entstanden an kulturell bedeutsamen Orten wie Jonestown in Guyana, den Diamantenminen im Südwesten Afrikas und Bollywood in Indien . ^{[ 8 ]}

Aitken hat eine Reihe ortsspezifischer Installationen geschaffen, in denen er interaktive Medien mitunter mit Architektur verbindet. ^{[ 9 ]} Eine seiner jüngsten ortsspezifischen Arbeiten, „ New Horizon“ , drehte sich um einen reflektierenden Heißluftballon und eine Gondel, die sich in eine kinetische Lichtskulptur verwandelten. Die Ballonskulptur war Teil einer Reihe von Happenings, die im Juli 2019 im US-Bundesstaat Massachusetts stattfanden. ^{[ 10 ]} Ein weiteres Projekt waren die „Underwater Pavilions “ (2016), bestehend aus drei temporären Skulpturen, die vor Catalina Island, Kalifornien, am Meeresboden verankert wurden. Die geometrisch gestalteten Skulpturen schufen Umgebungen, die Licht reflektierten und brachen und so ein Portal öffneten, das den Betrachter physisch mit der Weite des Ozeans verband und gleichzeitig gängige visuelle Vorstellungen von der Unterwasserwelt infrage stellte. Durch die Verschmelzung der Formensprache zeitgenössischer Architektur, Land Art und Meeresforschung und -schutz bildeten die „Underwater Pavilions“ ein lebendiges Kunstwerk innerhalb eines dynamischen Ökosystems. ^{[ 11 ]} Im Gegensatz zu den rauen, felsartigen Oberflächen der Skulptur reflektierten verspiegelte Abschnitte die Meereslandschaft und verwandelten sich beim Annähern in ein kaleidoskopisches Observatorium. Die von den Skulpturen geschaffenen Umgebungen veränderten sich mit den Strömungen und der Tageszeit und lenkten die Aufmerksamkeit des Betrachters auf den Rhythmus des Ozeans und seine Lebenszyklen. Das Kunstwerk erzeugte vielfältige, sich überschneidende Wahrnehmungserfahrungen, die mit der Fluidität von Zeit und Raum spielten und so das Bewusstsein für die physische Welt schärften. Die Skulpturen entstanden in Zusammenarbeit mit Parley for the Oceans und dem Museum of Contemporary Art, Los Angeles . ^{[ 12 ]} Ein weiteres ortsspezifisches Projekt mit dem Titel „Mirage“ wurde vom 25. Februar bis 30. April 2017 im Desert X in der Nähe von Palm Springs, Kalifornien, uraufgeführt und anschließend in Detroit, Michigan, als „Mirage Detroit“ (2018) ^{[ 13 ]} und in der Schweiz als „Mirage Gstaad“ (2019) ^{[ 14 ]} weiterentwickelt .

Seit Mitte der 1990er-Jahre schafft Aitken Installationen mit mehreren Bildschirmen in architektonisch anspruchsvollen Umgebungen. „diamond sea“ (1997) beispielsweise umfasst drei Videoprojektionen, einen schwebenden Videomonitor und eine farbige, beleuchtete Transparenzfotografie in einem schwach beleuchteten Raum. Mehrere Lautsprecher erzeugen ein immersives Klangerlebnis. Der Multi-Screen-Film erkundet ein bewachtes Gebiet in der Namib-Wüste im Südwesten Afrikas, bekannt als Diamantengebiet 1 und 2. Das Gebiet, das auf über 40.000 Quadratmeilen geschätzt und seit 1908 abgeriegelt ist, beherbergt die größte und ergiebigste computergesteuerte Diamantenmine der Welt. „Hysteria“ (1998–2000) verwendet Filmmaterial aus den letzten vier Jahrzehnten, das Publikum bei Pop- und Rockkonzerten zeigt, das sich auf vier in X-Form angeordneten Bildschirmen in einen Rausch steigert. ^{[ 15 ]} In den staubigen Tonstudios und Filmsets von Bombay gefilmt und fotografiert, konzentriert sich „ Into the Sun “ (1999) auf die hektische Betriebsamkeit von Bollywood . Die Arbeit rekonstruiert die Tonstudios der indischen Filmindustrie mit Leinwandprojektionsflächen, einem roten Lehmboden und Videos, die in einer 24-Stunden-Schleife ohne Unterbrechung gezeigt werden. ^{[ 16 ]} „diamond sea“ wurde 1997 auf der Whitney Biennale präsentiert , und seine Installation „electric earth“ , ein postfilmisches Erlebnis mit acht Projektionen in mehreren Räumen, erregte internationales Aufsehen und brachte ihm 1999 den Internationalen Preis der Biennale von Venedig ein. ^{[ 6 ]} Seine ambitionierte Ausstellung „New Ocean“ , die zahlreiche Ton-, Foto- und Videoarbeiten umfasste, begann mit einer Umgestaltung der Serpentine Gallery in London und tourte anschließend um die Welt, unter anderem nach Österreich, Italien und Japan, jeweils in einer neuen Konfiguration. 2010 stellte Aitken sein Werk „ House“ aus , eine Studie über Zerstörung, in der die Eltern des Künstlers thematisiert werden. ^{[ 17 ]} Im Jahr 2017 präsentierte die Künstlerin auf der Art Basel Unlimited eine Dreikanal-Videoinstallation mit dem Titel „ Underwater Pavilions“ , die gleichnamige Skulpturen dokumentierte. ^{[ 18 ]} Aitken zeigte NEW ERA , eine kaleidoskopische Mehrkanal-Videoinstallation in einem verspiegelten sechseckigen Raum, an verschiedenen Orten weltweit, von New York ^{[ 19 ]} über Zürich ^{[ 20 ]} , Dänemark, Peking ^{[ 21 ]} , Kalifornien ^{[ 22 ]} bis London. ^{[ 23 ]}Das Kunstwerk visualisiert die Entstehung des Mobiltelefons als eine Landschaft der Wiederholung und philosophischen Auseinandersetzung mit dessen Auswirkungen auf die Welt. ^{[ 24 ]} 2023 zeigte er in Zürich eine Fünf-Kanal-Videoinstallation mit dem Titel HOWL , in der „Ölförderanlagen die sanften, sonnengebleichten Hügel eines verlassenen Tals in Zentral-Kalifornien überragen, während Sperrholzplatten die örtlichen Geschäfte verbarrikadieren. Eingestreut in diese Darstellungen von Weite und Offenheit geben Bewohner kurze Einblicke in ihre Lebensumstände in dieser sterbenden Stadt. Sie erzählen von ihren Hoffnungen für die Region, ihrer Geschichte während des Ölbooms, ihrem Leben und der Zukunft.“ ^{[ 25 ]}

Im Jahr 2000 umfasste die Ausstellung „Glass Horizon “ die Installation „Secession Eyes“ , eine Projektion eines Augenpaares auf die Fassade des Wiener Secessionsgebäudes nach dessen Schließung. Sie verdeutlichte das Interesse an architektonischen Strukturen und an Kunst, die mit urbanen Umgebungen interagiert. ^{[ 26 ]} 2001 nutzte Aitken für seine Ausstellung in der Londoner Serpentine Gallery das gesamte Gebäude für die komplexe Installation „New Ocean“, bei der unter anderem der Museumsturm nachts in einen funktionsfähigen Leuchtturm verwandelt wurde. ^{[ 27 ]}

2004 kuratierten Doug Aitken und Klaus Biesenbach nach ihrer gemeinsamen Arbeit in Berlin die Gruppenausstellung „Hard Light“ im MoMA PS1 . ^{[ 28 ]} Im Winter 2007 wurde Aitkens großformatige Installation „Sleepwalkers“ , kuratiert von Klaus Biesenbach in Zusammenarbeit mit Creative Time , im Museum of Modern Art in New York präsentiert. An dem Projekt wirkten Schauspieler wie Donald Sutherland und Tilda Swinton sowie die Musiker Seu Jorge und Cat Power mit . ^{[ 29 ]} Fünf ineinandergreifende Vignetten wurden mittels acht Projektionen auf die Außenwände des Museums projiziert und waren so von der Straße aus sichtbar. Parallel zur Ausstellung präsentierte Aitken im Museum ein Happening mit Live-Schlagzeugern und Auktionatoren sowie einer Performance von Cat Power. Im selben Jahr schuf er einen interaktiven Musiktisch: „knockout“. ^{[ 30 ]}

Im Jahr 2008 schuf Aitken eine weitere groß angelegte Filminstallation im Freien mit dem Titel „ Migration “ für die 55. Carnegie International Show mit dem Titel „Life on Mars“ in Pittsburgh, Pennsylvania. Das Werk, der erste Teil einer dreiteiligen Trilogie mit dem Titel „Empire“ , zeigt wandernde Wildtiere Nordamerikas, die durch leere und verlassene Hotelzimmer ziehen und diese auf kuriose Weise bewohnen. ^{[ 31 ]}

Aitkens Werk „SONG 1“ (2012), das er für das Hirshhorn Museum and Sculpture Garden schuf und das seine Arbeit mit großflächigen Videoinstallationen im öffentlichen Raum fortsetzte , stellte die Standards für Kunst im öffentlichen Raum in Washington D.C. in Frage. Das Kunstwerk, das den populären Song „ I Only Have Eyes for You “ dekonstruierte, verwandelte die runde Fassade des Museums in eine 360-Grad-Leinwand. Anstatt eine üblicherweise konkave Fläche für eine solche Projektion zu verwenden, projizierte Aitken den Film auf die konvexe Außenfassade des Museums. So entstand ein Kinoerlebnis, das es erforderte, sich um das Gebäude herum zu bewegen und von keinem einzigen Standort aus vollständig sichtbar war. ^{[ 32 ]}

Ein weiteres Beispiel für das, was der Künstler als „flüssige Architektur“ bezeichnet hat, ist seine freistehende Installation ALTERED EARTH (2012). Sie erkundet die Camargue- Region in Südfrankreich in einer labyrinthischen, fließenden Anordnung von zwölf großen Projektionen in der hangarähnlichen Grande Halle des Parc des Ateliers in Arles. Das Werk inspirierte außerdem eine App, die der Künstler zusammen mit POST für das Apple iPad entwickelte. ^{[ 33 ]}

Das von Kunstmäzen Bagley Wright in Auftrag gegebene Werk „ Mirror “ (2013) ist ein großer LED-Bildschirm, der sich um die Ecke des Seattle Art Museum schmiegt und mit dünnen, vertikalen Lichtstreifen bestückt ist. Aitken filmte über fünf Jahre lang für das Projekt und hielt dabei Aufnahmen von Seattles Stadtzentrum und Umgebung fest. Ein Computerprogramm wählt die zu projizierenden Ausschnitte des Filmmaterials anhand von Live-Informationen aus, die von Wetterdaten bis hin zur Verkehrsdichte in Seattle reichen. ^{[ 34 ]}

2006 veröffentlichte Aitken „ Broken Screen: 26 Conversations with Doug Aitken“ ( Distributed Art Publishers , 2006), ein Buch mit Interviews von 26 Künstlern, die die Konventionen linearer Erzählformen hinterfragen. Zu den Interviewpartnern gehörten Robert Altman , Claire Denis , Werner Herzog , Rem Koolhaas , Kenneth Anger und andere. „The Idea of ​​the West “ (2010) präsentiert die kollektiven Antworten von 1000 Passanten, die gefragt wurden: „Was ist Ihre Vorstellung vom Westen?“, um aus den Zitaten und Kommentaren zufällig ausgewählter Personen ein Manifest zu erstellen. Ein weiteres Interviewprojekt, „Patterns & Repetition “ (2011), ist eine Reihe gefilmter Gespräche über Kreativität im 21. Jahrhundert. Darin führt Aitken kurze Unterhaltungen mit Pionieren verschiedener künstlerischer Disziplinen, darunter Devendra Banhart , Thomas Demand , Jack White , James Murphy , Mike Kelley , Jacques Herzog , Fischli & Weiss , Yayoi Kusama , Stephen Shore und Dan Graham . Aitkens Werk „THE SOURCE“ (2012), das sein Interesse am Ideenaustausch fortsetzt, erforscht die Wurzeln der Kreativität. Sechs Projektionen in einem von David Adjaye entworfenen Pavillon zeigen nacheinander zahlreiche weitere Interviews mit Künstlern, Architekten und Musikern wie Adjaye selbst, Liz Diller, William Eggleston , Philippe Parreno , Paolo Soleri , Tilda Swinton und Beck .

Aitken hat zahlreiche Live-„Happenings“ inszeniert, darunter seine Broken Screen Happenings von 2006 in Los Angeles und New York. ^{[ 6 ]} 2009 orchestrierte Aitken im Rahmen des Il Tempo del Postino im Theater Basel eine Echtzeit-Oper mit dem Titel „the handle comes up, the hammer comes down“, in der Auktionatoren gegen die Rhythmen seines Sonic Table auftraten . ^{[ 35 ]}

Ebenfalls 2009 inszenierte Aitken neben seiner großformatigen Videoinstallation „ Frontier“ , die auf der Tiberinsel im Herzen Roms präsentiert wurde, ein Happening mit demselben Titel. Der Film zeigte einen Protagonisten, gespielt vom legendären amerikanischen Künstler Ed Ruscha , der in einer Landschaft zwischen Fiktion und Realität gefangen ist. Das Werk entwirft eine futuristische Reise vom Tag zur Nacht in einer Welt, in der die Realität infrage gestellt wird. ^{[ 36 ]} Im Happening erwachen Darsteller aus dem Film, wie beispielsweise ein professioneller Peitschenknaller, in der Installation zum Leben, umgeben vom Publikum. „ Black Mirror “, das erstmals im Projektraum „Slaughterhouse“ der Deste Foundation auf der griechischen Insel Hydra gezeigt wurde , wird auf fünf Bildschirmen präsentiert, deren Projektionen sich in schwarzen Spiegeln „bis ins Unendliche“ spiegeln. Die Hauptrolle spielt Chloë Sevigny, die nur durch kurze Telefongespräche und Voiceover an so unterschiedlichen Orten wie Mexiko, Griechenland und Mittelamerika miteinander verbunden ist. ^{[ 37 ]} „Black Mirror“ war auch eine viertägige Veranstaltung, die auf einem eigens dafür angefertigten Lastkahn stattfand und bei der erneut Darsteller aus dem Film auftraten: Leo Gallo, Tim McAfee-Lewis, No Age und Chloë Sevigny . ^{[ 38 ]}

Aitken ist bekannt für seine zahlreichen Fotografien, die – ähnlich wie seine Installationen – oft räumliche und zeitliche Störungen sowie narrative Andeutungen thematisieren. ^{[ 39 ]} So zeigt beispielsweise die 1999 entstandene Fotoserie „Passenger“ Flugzeuge im Flug, wobei der Fokus zumeist auf den schwachen Konturen von Starts und Landungen über verlassenen Flughafenlandschaften liegt. ^{[ 40 ]} In jüngerer Zeit schuf Aitken Leuchtkästen aus Aluminium, die fotografische Bilder und Texte kombinieren. Das Thema von Text und Bild weiterführend, fertigte Aitken Skulpturen aus so unterschiedlichen Materialien wie Pflanzen in transparentem Acrylglas und kaleidoskopischen Spiegeln an. ^{[ 41 ]} Andere Skulpturen, wie etwa „sunset (black and white)“ (2012), verwenden handgeschnitzten Schaumstoff, Epoxidharz und handbedrucktes Acrylglas. ^{[ 42 ]}

Fasziniert von der spannungsreichen Schnittstelle zwischen Natur und Kultur sowie der Variabilität von Erzählungen, integrierte der Künstler in seine Partituren sogenannte „Feldaufnahmen“, wie etwa Dschungelgeräusche aus Jonestown, Guyana (in seinem Werk „Monsoon“ von 1995 ) und die Nachwirkungen der Erschütterungen des Vulkanausbruchs der Soufrière Hills auf der Karibikinsel Montserrat (in „ Eraser“ , 1998). 1996 entwarf Aitken für die Kunstorganisation Creative Time eine Installation im Anchorage, einem höhlenartigen Raum im Inneren der Brooklyn Bridge , die Aufnahmen des darüberliegenden Verkehrslärms nutzte. 2004 vollendete er eine Klangskulptur für den Barcelona-Pavillon: ein zentraler Pfosten, der mehrere geschwungene Stahlarme trug, die sich drehten, während an jedem Ende des Arms gerichtete Lautsprecher kurze Ausschnitte aus inszenierten Gesprächen abspielten. Im Oktober 2009 wurde Aitkens Klangpavillon der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Der Pavillon befindet sich in den bewaldeten Hügeln Brasiliens, in Inhotim . Der Klangpavillon bietet einen gemeinschaftlichen Raum, um den Klängen der Erde zu lauschen. Diese werden mit hochempfindlichen Mikrofonen aufgenommen, die fast eine Meile tief im Boden vergraben sind, und über Lautsprecher in den Pavillon übertragen. Der im Pavillon hörbare Klang ist das verstärkte Geräusch der Erdbewegungen. ^{[ 43 ]} Aitken hat für seine Filme mit einer Vielzahl von Musikern zusammengearbeitet, vom Hip-Hop-Künstler André 3000 von Outkast, der in Aitkens Multiscreen- Film „Interiors“ (2002) mitwirkte, bis hin zu Indie-Bands wie Lichens und No Age , die zu seinen Filmen „Migration“ (2008) bzw. „Black Mirror“ (2011) beitrugen .

Aitken ist auch Buchproduzent: I AM A BULLET: Scenes from an Accelerating Culture (2000), eine Zusammenarbeit mit dem Schriftsteller Dean Kuipers ; Doug Aitken: AZ Book (Fractals) (2003), in dem das Alphabet als Struktur für Aitkens Fotografien und Videoarbeiten sowie Texte und Interviews dient; Broken Screen (2005), ein Buch mit Interviews von 26 Künstlern, die die Grenzen linearer Erzählungen ausloten; Alpha , 2005 vom Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris veröffentlicht ; Sleepwalkers (2007), vom Museum of Modern Art veröffentlicht , in Verbindung mit der gleichnamigen Film- und Videoinstallation; 99 Cent Dreams (2008), eine Fotosammlung, die „Momente zwischen Interaktionen“ einfängt und so einen nomadischen Reisebericht des 21. Jahrhunderts schafft; ^{[ 44 ]} Write In Jerry Brown President (2008), ein gefaltetes Künstlerbuch, das vom Museum of Modern Art veröffentlicht wurde . ^{[ 45 ]} „The Idea of ​​the West“ (2010) befragte 1000 Menschen zu ihrer Vorstellung vom Westen und entstand in Verbindung mit einem Happening im Museum of Contemporary Art, Los Angeles . ^{[ 46 ]} „Black Mirror “ (2011) zeigt eine nomadische Chloë Sevigny und wurde in Verbindung mit einer Videoinstallation und einer Live-Theaterperformance auf einem Lastkahn produziert. ^{[ 47 ] „} SONG 1 “ (2012) begleitete eine gleichnamige Ausstellung im Hirshhorn Museum and Sculpture Garden. Das Buch nimmt die Form des Hirshhorn selbst an und untersucht die Kunstwerke, die die Idee reiner Kommunikation anhand des Popsongs „ I Only Have Eyes for You“ erforschen . ^{[ 48 ]}

Zwei Monografien enthalten umfassende Informationen über die Karriere des Künstlers: Doug Aitken: 100 YRS , erschienen bei Rizzoli ^{[ 49 ]} und Doug Aitken: Electric Earth , erschienen bei Prestel. ^{[ 50 ]}

Station to Station war ein nomadisches „ Happening “, das im Herbst 2013 erstmals in einem transkontinentalen Zug stattfand. Es diente als mobile Plattform für künstlerische Experimente und machte Halt in Städten, Dörfern und abgelegenen Orten in ganz Amerika. Als von Künstlern initiiertes Projekt umfasste Station to Station sich ständig verändernde Geschichten, unerwartete Begegnungen und kreative Verschmelzungen von Musik, Kunst und Film. ^{[ 51 ]}

Das Projekt wurde von zahlreichen Institutionen unterstützt, darunter MoMA PS1 , das Carnegie Museum of Art, das MCA Chicago, das Walker Art Center, SITE Santa Fe, LACMA und SFMOMA. ^{[ 52 ]} Alle Einnahmen der Veranstaltung flossen in die Finanzierung museumsübergreifender Kunstprogramme im Jahr 2014.

Kunstwerke und Musikdarbietungen wechselten mit jedem Halt. Der Zug fuhr von New York City nach San Francisco und hielt dabei insgesamt neunmal an Bahnhöfen im ganzen Land: New York; Pittsburgh; Chicago; Minneapolis/St. Paul; Santa Fe/Lamy, New Mexico; Winslow, Arizona; Barstow, Kalifornien; Los Angeles; und Oakland. ^{[ 53 ]} Das Projekt fungierte als Studio und kultureller Inkubator und schuf ungeplante Momente und künstlerische Begegnungen. Zu den teilnehmenden Künstlern gehörten Kenneth Anger , Olaf Breuning , Peter Coffin , Thomas Demand , Urs Fischer , Meschac Gaba , Liz Glynn, Fischli & Weiss , Fritz Haeg , Carsten Höller , Olafur Eliasson , Christian Jankowski , Aaron Koblin , Ernesto Neto , Nam June Paik , Jorge Pardo , Jack Pierson , Nicolas Provost , Stephen Shore , Rirkrit Tiravanija und Lawrence Weiner . Zu den Musikern gehörten Beck , The Black Monks of Mississippi, Boredoms , Jackson Browne , Cat Power , Cold Cave , The Congos , Dan Deacon , Eleanor Friedberger , The Handsome Family , Lia Ices , Kansas City Marching Cobras, Lucky Dragons , Thurston Moore , Giorgio Moroder , Nite Jewel , No Age , Patti Smith , Ariel Pink ’s Haunted Graffiti, Savages (Band) , Mavis Staples , Suicide (Band) , Sun Araw , Thee Satisfaction , Twin Shadow und andere. Zu den Mitwirkenden der Printausgabe zählten Taylor-Ruth Baldwin, Yto Barrada , Sam Durant , Karen Kilimnik , Urs Fischer , Catherine Opie , Jack Pierson , Raymond Pettibon und Josh Smith . Für das leibliche Wohl sorgten Alice Waters und das Edible Schoolyard Project sowie Koch Leif Hedendal .

Vom 27. Juni bis 26. Juli 2015 inszenierte Aitken im Barbican Centre in London „ Station to Station: A 30 Day Happening“ . Konzipiert als lebendige Ausstellung, wurde das gesamte Zentrum für verschiedene Kunstformen in ein groß angelegtes, interdisziplinäres Event verwandelt, an dem über 100 Künstler, darunter Olafur Eliasson , Martin Creed und Terry Riley , teilnahmen . ^{[ 54 ] [ 55 ]}

Am 21. August 2015 feierte in Los Angeles der von Aitken inszenierte Spielfilm „ Station to Station “ Premiere, der aus Aufnahmen der Ereignisse von 2013 gedreht wurde. Der Film, der ein experimentelles Format aufweist, wurde als „…eine vielschichtige, eindringliche Sammlung von 62 Kurzfilmen, die Momente während der dreiwöchigen Reise einfangen…“ beschrieben. ^{[ 56 ] [ 57 ]}

Aitken hat an über 200 Kunstausstellungen weltweit teilgenommen. ^{[ 58 ]} Seine Werke waren in zahlreichen Gruppenausstellungen in Institutionen wie dem Whitney Museum of American Art , dem Museum of Modern Art und dem Centre Georges Pompidou in Paris zu sehen. Unter anderem hatte er Einzelausstellungen in der Schirn Kunsthalle Frankfurt, ^{[ 59 ]} im Hirshhorn Museum and Sculpture Garden , ^{[ 60 ]} im Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris , der Serpentine Gallery in London, der Kunsthalle Zürich , dem Kunsthaus Bregenz , dem Museum of Modern Art in New York, der Deste Foundation in Griechenland und der Tokyo Opera City Art Gallery in Japan. 2006 widmete das Aspen Art Museum die erste Ausstellung ausschließlich Aitkens Fotografien. ^{[ 61 ]}

Vom 10. September 2016 bis zum 15. Januar 2017 zeigte das Museum of Contemporary Art, Los Angeles , im Geffen Contemporary at MOCA die Ausstellung „Doug Aitken: Electric Earth“ , die erste nordamerikanische Retrospektive des Künstlers in der Mitte seiner Karriere. ^{[ 62 ] [ 63 ]} Anschließend war die Ausstellung vom 28. Mai 2017 bis zum 20. August 2017 im Modern Art Museum of Fort Worth , Texas, zu sehen. ^{[ 64 ]}

Aitken wird vertreten von der 303 Gallery , New York; ^{[ 65 ]} Regen Projects, Los Angeles; der Galerie Eva Presenhuber , Zürich; und der Victoria Miro Gallery , London.

• Americans for the Arts , Mitglied des Künstlerkomitees ^{[ 66 ]}

• Internationaler Preis 1999 – Goldener Löwe, Biennale von Venedig , Venedig, Italien ^{[ 67 ]}
• 2000 Aldrich Award, Aldrich Museum of Contemporary Art , Ridgefield , Connecticut, USA ^{[ 68 ]}
• Preis der deutschen Filmkritik 2007, KunstFilmBiennale, Köln, Deutschland ^{[ 69 ]}
• Aurora Award 2009, Aurora Picture Show, Houston, Texas, USA ^{[ 70 ]}
• 2012 Nam June Paik Art Center Preis ^{[ 71 ]}
• 2013 Smithsonian Magazine's American Ingenuity Award in der Kategorie Bildende Kunst ^{[ 72 ]}
• 2016 Americans for the Arts National Arts Award: Herausragende Beiträge zur Kunst ^{[ 73 ]}
• Frontier Art Prize des World Frontiers Forum 2017, erster Preisträger ^{[ 74 ]}
• 2019 ArtCenter College of Design , Lifetime Achievement Award ^{[ 75 ]}

• Liste der Videokünstler

Großenick, Uta; Riemschneider, Burkhard, Hrsg. (2005). Art Now (Ausgabe zum 25-jährigen Jubiläum). Köln: Taschen. S.  16–19 . ISBN 9783822840931OCLC  191239335 .​

• Offizielle Website
• Station to Station: offizielle Website
• KCET Artbound, Electric Earth – Die Kunst von Doug Aitken
• Sleepwalkers – 30-Sekunden-Trailer auf YouTube
• Informationen zu Doug Aitken bei Regen Projects
• Informationen zu Doug Aitken in der 303 Gallery
• Doug Aitken: The Sonic Happening (Migration) / 303 Gallery, New York Video bei VernissageTV.
• Interview mit Doug Aitken auf dem Louisiana Channel
• Doug Aitken-Profil bei der Kadist Art Foundation