Independentfilm

Ein Independentfilm ( auch Independent-Film , Indie-Film oder Indie-Film genannt) ist ein Spielfilm oder Kurzfilm , der außerhalb des Systems der großen Filmstudios produziert und von unabhängigen Unterhaltungsunternehmen (oder in einigen Fällen von großen Studios) vertrieben wird. Independentfilme zeichnen sich typischerweise durch ihren Inhalt, ihren Stil und die Umsetzung der künstlerischen Vision der Filmemacher aus. In der Regel werden Independentfilme mit deutlich geringeren Budgets als Filme großer Studios realisiert. ^{[ 1 ]}

Es ist nicht ungewöhnlich, dass bekannte Schauspieler, die in Independent-Filmen mitwirken, aus verschiedenen Gründen erhebliche Gehaltseinbußen hinnehmen: wenn sie von der Botschaft des Films überzeugt sind; wenn sie sich einem Filmemacher für einen Karrieresprung verpflichtet fühlen; wenn ihre Karriere anderweitig stagniert; oder wenn sie sich nicht in der Lage sehen, ein umfangreicheres Engagement bei einem Studiofilm zu leisten; wenn der Film ihnen die Möglichkeit bietet, ein Talent zu präsentieren, das im Studiosystem noch nicht Fuß fassen konnte; oder einfach, weil sie mit einem bestimmten Regisseur zusammenarbeiten möchten, den sie bewundern. Beispiele hierfür sind John Travolta und Bruce Willis, die für die Zusammenarbeit mit Quentin Tarantino an „Pulp Fiction“ auf ein geringeres Gehalt als üblich verzichteten . ^{[ 2 ]}

Die Vermarktung von Independentfilmen zeichnet sich im Allgemeinen durch einen limitierten Kinostart aus , oft in Programmkinos . Es sind aber auch große Marketingkampagnen und ein breiter Kinostart möglich . Independentfilme werden häufig auf lokalen, nationalen oder internationalen Filmfestivals gezeigt , bevor sie in die Kinos oder den Einzelhandel kommen. Eine Independentfilmproduktion kann mit einer Mainstream-Produktion konkurrieren, wenn sie über die notwendige Finanzierung und den entsprechenden Vertrieb verfügt.

1908 wurde die Motion Picture Patents Company, auch bekannt als „Edison Trust“, als Trust gegründet . Dieser Trust war ein Kartell , das ein Monopol auf Filmproduktion und -vertrieb innehatte. Ihm gehörten alle großen Filmfirmen der damaligen Zeit an ( Edison , Biograph , Vitagraph , Essanay , Selig , Lubin , Kalem , American Star , American Pathé ), der führende Verleiher ( George Kleine ) und der größte Rohfilmlieferant, Eastman Kodak . Zahlreiche Filmemacher lehnten die Mitgliedschaft im Trust ab oder wurden abgewiesen und galten fortan als „unabhängig“.

Zum Zeitpunkt der Gründung der MPPC besaß Thomas Edison die meisten wichtigen Patente im Bereich der Filmproduktion, darunter auch das Patent für Rohfilm . Die MPPC setzte ihre Patente energisch durch, indem sie ständig Klagen gegen unabhängige Filmemacher einreichte und einstweilige Verfügungen gegen sie erwirkte. Daraufhin bauten einige Filmemacher ihre eigenen Kameras und verlegten ihre Produktion nach Hollywood, Kalifornien , wo die Entfernung zu Edisons Hauptsitz in New Jersey es der MPPC erschwerte, ihre Patente durchzusetzen. ^{[ 3 ]}

Der Edison Trust wurde bald durch zwei Urteile des Obersten Gerichtshofs der Vereinigten Staaten beendet : eines von 1912, das das Patent auf Rohfilm aufhob, und ein zweites von 1915, das alle MPPC-Patente annullierte. Obwohl diese Urteile die Legalisierung des unabhängigen Films ermöglichten, konnten sie das faktische Verbot kleinerer Produktionen kaum aufheben; die unabhängigen Filmemacher, die während der Durchsetzung des Trusts nach Südkalifornien geflohen waren, hatten bereits den Grundstein für das Studiosystem des klassischen Hollywood-Kinos gelegt .

Anfang 1910 wurde Regisseur D. W. Griffith von der Biograph Company mit seiner Schauspieltruppe, bestehend aus Blanche Sweet , Lillian Gish , Mary Pickford , Lionel Barrymore und anderen, an die Westküste geschickt. Die Dreharbeiten begannen auf einem unbebauten Grundstück nahe der Georgia Street in der Innenstadt von Los Angeles . Während ihres Aufenthalts beschloss die Produktionsfirma, neue Gebiete zu erkunden und reiste einige Kilometer nördlich nach Hollywood , einem kleinen Ort, der dem Filmteam freundlich und aufgeschlossen gegenüberstand. Griffith drehte dort den ersten Film, der jemals in Hollywood gedreht wurde: „ In Old California“ , ein Biograph-Melodram über Kalifornien im 19. Jahrhundert, als es zu Mexiko gehörte. Griffith blieb mehrere Monate in Hollywood und drehte einige Filme, bevor er nach New York zurückkehrte.

Während der Edison-Ära zu Beginn des 20. Jahrhunderts fanden viele jüdische Einwanderer Arbeit in der US-amerikanischen Filmindustrie. Unter der Schirmherrschaft des Edison Trust konnten sie sich in einem brandneuen Geschäftszweig etablieren: der Vorführung von Filmen in kleinen Kinos, den sogenannten Nickelodeons . Innerhalb weniger Jahre wechselten ambitionierte Männer wie Samuel Goldwyn , Carl Laemmle , Adolph Zukor , Louis B. Mayer und die Warner-Brüder (Harry, Albert, Samuel und Jack) in die Produktionsbranche. Nachdem sie vom Erfolg von Biograph in Hollywood gehört hatten, zogen 1913 viele dieser angehenden Filmemacher in den Westen, um den von Edison erhobenen Gebühren zu entgehen. Schon bald leiteten sie eine neue Art von Unternehmen: die Filmstudios .

Durch die Etablierung eines neuen, vom Edison Trust in New York unabhängigen Produktions-, Vertriebs- und Vorführungssystems eröffneten diese Studios dem US-amerikanischen Kino neue Horizonte . Das Hollywood-Oligopol löste das Edison-Monopol ab. Innerhalb dieses neuen Systems etablierte sich schnell eine Hierarchie , die Neueinsteigern kaum Raum ließ. Mitte der 1930er-Jahre standen die fünf großen Studios – 20th Century Fox , Metro-Goldwyn-Mayer , Paramount Pictures , RKO Pictures und Warner Bros. – an der Spitze . Darauf folgten drei kleinere Unternehmen: Columbia Pictures , United Artists und Universal Studios . Schließlich gab es noch die sogenannte „ Poverty Row “, ein Sammelbegriff für alle kleineren Studios, die sich in dem zunehmend exklusiven Filmgeschäft nach oben kämpfen konnten.

Obwohl die kleinen Studios der sogenannten „Poverty Row“ unabhängig von den großen Studios agierten, nutzten sie dieselben vertikal und horizontal integrierten Geschäftsmodelle. Der spätere Zerfall des Studiosystems und seines restriktiven Vertriebsnetzes aus Kinoketten führte zwar dazu, dass unabhängige Kinos nach den publikumswirksamen, kassenfüllenden Filmen der Poverty-Row-Studios verlangten, doch dieser Wandel besiegelte auch den Niedergang und schließlich das Verschwinden der „Poverty Row“ als Hollywood-Phänomen. Während die von den Poverty-Row-Studios produzierten Filme immer beliebter wurden, waren sie schließlich zunehmend sowohl von großen Produktionsfirmen als auch von unabhängigen Produzenten erhältlich, die nicht mehr auf die traditionelle Rolle und die Vertriebsmöglichkeiten der Studios angewiesen waren.

Diese Tabelle listet die Ende 1935 aktiven Unternehmen auf und veranschaulicht die Kategorien, die üblicherweise zur Charakterisierung des Hollywood-Systems verwendet werden.

Das Studiosystem gewann schnell so viel Macht, dass einige Filmemacher erneut nach Unabhängigkeit strebten. Am 24. Mai 1916 wurde die Lincoln Motion Picture Company gegründet, das erste Filmstudio, das unabhängigen Filmemachern gehörte und von ihnen kontrolliert wurde. ^{[ 4 ]} 1919 gründeten vier der führenden Persönlichkeiten des amerikanischen Stummfilms ( Mary Pickford , Charles Chaplin , Douglas Fairbanks und D. W. Griffith ) United Artists. Jeder von ihnen hielt 20 % der Anteile, die restlichen 20 % gehörten dem Anwalt William Gibbs McAdoo . ^{[ 5 ]} Die Idee zu diesem Unternehmen entstand ein Jahr zuvor, als Fairbanks, Chaplin, Pickford und der Cowboy-Star William S. Hart durch die USA reisten und Kriegsanleihen verkauften, um die Kriegsanstrengungen im Ersten Weltkrieg zu unterstützen . Die vier Filmstars , bereits Hollywood-Veteranen, begannen über die Gründung einer eigenen Firma zu sprechen, um ihre Arbeit und ihre Zukunft besser kontrollieren zu können. Sie wurden durch das Vorgehen etablierter Hollywood-Produzenten und -Verleiher bestärkt, die ihre Kontrolle über die Gagen und die künstlerische Freiheit ihrer Stars verstärkten. Mit Griffiths Einstieg begannen die Planungen, doch Hart stieg aus, bevor die Dinge konkretisiert werden konnten. Als Richard A. Rowland , Chef von Metro Pictures , von ihrem Vorhaben erfuhr, soll er gesagt haben: „Die Insassen übernehmen die Anstalt.“

Die vier Partner gründeten, mit Rat von McAdoo (Schwiegersohn und ehemaliger Finanzminister des damaligen Präsidenten Woodrow Wilson ), ihre Vertriebsfirma mit Hiram Abrams als erstem Geschäftsführer. Ursprünglich war vereinbart, dass Pickford, Fairbanks, Griffith und Chaplin jährlich fünf Filme unabhängig voneinander produzieren sollten. Doch als die Firma 1920/21 ihre Arbeit aufnahm, wurden Spielfilme immer teurer und aufwendiger, und die Laufzeiten hatten sich bei etwa neunzig Minuten (oder acht Filmrollen) eingependelt. Man glaubte, niemand, egal wie populär, könne fünf qualitativ hochwertige Spielfilme pro Jahr produzieren und darin die Hauptrolle spielen. 1924 schied Griffith aus, und die Firma stand vor einer Krise: Entweder weitere Partner gewinnen, um das kostspielige Vertriebssystem zu unterstützen, oder aufgeben. Der erfahrene Produzent Joseph Schenck wurde als Präsident eingestellt. Er produzierte nicht nur seit einem Jahrzehnt Filme, sondern hatte auch Verpflichtungen für Filme mit seiner Frau Norma Talmadge , seiner Schwägerin Constance Talmadge und seinem Schwager Buster Keaton in den Hauptrollen . Verträge wurden mit einer Reihe unabhängiger Produzenten unterzeichnet, insbesondere mit Samuel Goldwyn , Howard Hughes und später Alexander Korda . Schenck gründete außerdem eine separate Partnerschaft mit Pickford und Chaplin, um unter dem Namen United Artists Kinos zu kaufen und zu bauen.

Trotz der Expansion des Unternehmens hatte Universal Pictures (UA) weiterhin mit Schwierigkeiten zu kämpfen. Der Tonfilm beendete die Karrieren von Pickford und Fairbanks. Chaplin, der finanziell unabhängig war, arbeitete nur noch gelegentlich. Schenck trat 1933 zurück, um mit Darryl F. Zanuck die Firma Twentieth Century Pictures zu gründen , die bald vier Filme pro Jahr für UA produzierte. Sein Nachfolger als Präsident wurde Vertriebsleiter Al Lichtman, der jedoch nach nur wenigen Monaten selbst zurücktrat. Pickford produzierte einige Filme, und Goldwyn, Korda, Walt Disney , Walter Wanger und David O. Selznick wurden zeitweise zu „Produktionspartnern“ (d. h. sie waren am Gewinn beteiligt), die Eigentümer blieben aber weiterhin bei den Gründern. Im Laufe der Jahre und mit den sich verändernden Rahmenbedingungen des Filmgeschäfts zogen sich diese „Produktionspartner“ zurück. Goldwyn und Disney wechselten zu RKO , Wanger zu Universal Pictures , und Selznick und Korda gingen in den Ruhestand . Ende der 1940er Jahre hatte United Artists als Produzent und Verleiher praktisch aufgehört zu existieren.

1941 gründeten Mary Pickford , Charles Chaplin , Walt Disney , Orson Welles , Samuel Goldwyn , David O. Selznick , Alexander Korda und Walter Wanger – viele von ihnen Mitglieder von United Artists – die Society of Independent Motion Picture Producers (SIMPP) . Spätere Mitglieder waren unter anderem William Cagney , Sol Lesser und Hal Roach . Die SIMPP setzte sich für die Rechte unabhängiger Produzenten in einer von den großen Studios dominierten Filmindustrie ein. Sie kämpfte gegen die monopolistischen Praktiken der fünf großen Hollywood-Studios, die Produktion, Vertrieb und Vorführung von Filmen kontrollierten. 1942 reichte die SIMPP eine Kartellklage gegen Paramounts United Detroit Theatres ein. Paramount wurde darin der Verschwörung zur Kontrolle der Kinos in Detroit beschuldigt, sowohl der Erstaufführungen als auch der Nachaufführungen. Es war die erste Kartellklage von Produzenten gegen Kinobetreiber wegen angeblicher Monopolstellung und Wettbewerbsbeschränkung. 1948 ordnete der Oberste Gerichtshof der Vereinigten Staaten im Fall Paramount an, dass die Hollywood -Filmstudios ihre Kinoketten verkaufen und bestimmte wettbewerbswidrige Praktiken einstellen mussten. Dies besiegelte das Ende des Studiosystems aus Hollywoods Goldenem Zeitalter . Bis 1958 waren viele der Gründe für die Gründung der SIMPP behoben, und die SIMPP schloss ihre Büros.

Die Bemühungen des SIMPP und das Aufkommen preiswerter, tragbarer Kameras während des Zweiten Weltkriegs ermöglichten es praktisch jedem in Amerika, der sich für das Filmemachen interessierte, einen Film zu schreiben, zu produzieren und zu inszenieren – ohne die Unterstützung eines großen Filmstudios . Diese Umstände führten bald zu einer Reihe von von der Kritik gefeierten und einflussreichen Werken, darunter Maya Derens „ Meshes of the Afternoon“ (1943), Kenneth Angers „ Fireworks“ (1947) und Morris Engels, Ruth Orkins und Ray Abrashkins „ Little Fugitive“ (1953). Filmemacher wie Ken Jacobs , die kaum oder gar keine formale Ausbildung genossen hatten, begannen mit neuen Methoden des Filmemachens und -drehens zu experimentieren.

„Little Fugitive“ war der erste Independentfilm, der für den Oscar in der Kategorie „Bestes Originaldrehbuch“ nominiert wurde . [ 6 ] ^{Er erhielt außerdem} den Silbernen Löwen in Venedig . Sowohl Engels als auch Angers Filme wurden von der aufstrebenden Nouvelle Vague im Ausland gefeiert . „ Feuerwerk“ inspirierte Jean Cocteau zu Lob und einer Einladung zu einem Studium bei Engel in Europa , und François Truffaut nannte „Little Fugitive“ als wichtige Inspiration für sein wegweisendes Werk „ Sie küssten und sie schlugen ihn“ . Im Laufe der 1950er-Jahre gewann das neue Low-Budget-Filmmodell international zunehmend an Anerkennung, unter anderem durch Satyajit Rays von der Kritik gefeierte Apu-Trilogie (1955–1959). ^{[ 7 ] [ 8 ] [ 9 ] [ 10 ]}

Anders als die Filme des Studiosystems konnten diese neuen Low-Budget-Filme Risiken eingehen und jenseits der klassischen Hollywood-Erzählstrukturen künstlerisches Neuland betreten. Maya Deren fand bald in New York Anschluss an eine Gruppe gleichgesinnter Avantgarde-Filmemacher , die Filme als Kunstwerke und nicht nur zur Unterhaltung schaffen wollten . Ausgehend von der gemeinsamen Überzeugung, dass dem „offiziellen Kino“ die Puste ausging und es „moralisch verkommen, ästhetisch überholt, thematisch oberflächlich und charakterlich langweilig“ geworden war ^{[ 11 ]} , gründete diese neue Generation unabhängiger Filmemacher die Film-Makers’ Cooperative , eine von Künstlern geführte, gemeinnützige Organisation, über die sie ihre Filme mithilfe eines zentralen Archivs vertreiben wollten. Die 1962 von Jonas Mekas , Stan Brakhage , Shirley Clarke , Gregory Markopoulos und anderen gegründete Kooperative bot vielen kreativen Größen des Kinos der 1960er-Jahre, darunter Jack Smith und Andy Warhol , eine wichtige Plattform . Nach seiner Rückkehr in die USA präsentierte Ken Anger dort viele seiner wichtigsten Werke. Mekas und Brakhage gründeten 1970 die Anthology Film Archives , die sich ebenfalls als unverzichtbar für die Entwicklung und Bewahrung des Independentfilms erweisen sollten – bis heute.

Nicht alle Low-Budget-Filme waren nicht-kommerzielle Kunstprojekte. Der Erfolg von Filmen wie „Little Fugitive“ , der mit geringem (oder gar keinem ) Budget produziert wurde, beflügelte die Popularität von Independent-Filmen enorm. Low-Budget-Filme versprachen exponentiell höhere Gewinne (prozentual gesehen), wenn der Film im Kino erfolgreich war. In dieser Zeit begann der unabhängige Produzent und Regisseur Roger Corman ein umfangreiches Werk zu schaffen, das für seine Sparsamkeit und seinen extrem anstrengenden Drehplan legendär werden sollte. Bis zu seinem sogenannten „Rücktritt“ als Regisseur im Jahr 1971 (er produzierte auch danach noch Filme) drehte er bis zu sieben Filme pro Jahr und erreichte damit oft sogar den von den Verantwortlichen bei United Artists einst für unmöglich gehaltenen Rhythmus von fünf Filmen pro Jahr.

Wie die Avantgarde-Filme nutzten auch Roger Cormans Werke die Tatsache, dass unabhängige Filme im Gegensatz zum Studiosystem nie an dessen selbst auferlegten Produktionskodex gebunden waren . Cormans Beispiel (und das anderer wie ihm) trug in den 1960er-Jahren maßgeblich zum Boom unabhängiger B-Filme bei, deren Hauptziel es war, die Jugend zurückzugewinnen , die die großen Studios aus den Augen verloren hatten. Mit Sex , hemmungsloser Gewalt , Drogenkonsum und Nacktheit hofften diese Filme, das Publikum in die Programmkinos zu locken, indem sie ihnen zeigten, was die großen Studios nicht bieten konnten. Horror- und Science-Fiction-Filme erlebten in dieser Zeit einen enormen Aufschwung. Da diese kleinen Produzenten, Kinos und Verleiher sich gegenseitig mit Preisen unterboten, sank der B-Movie bald auf das Niveau des Z-Movies ab – einer Nischenkategorie von Filmen mit so niedrigen Produktionswerten, dass sie selbst zu einem Spektakel wurden. Das Kultpublikum , das diese Filme anzogen, machte sie schnell zu idealen Kandidaten für Mitternachtsvorstellungen mit Publikumsbeteiligung und Cosplay .

1968 schockte der junge Filmemacher George A. Romero das Publikum mit „ Die Nacht der lebenden Toten“ , einem neuartigen, intensiven und schonungslosen Independent-Horrorfilm. Der Film erschien kurz nach der Abschaffung des Produktionskodex, aber vor der Einführung des MPAA-Bewertungssystems . Somit war er der erste und letzte Film dieser Art, der ohne jegliche Einschränkungen gezeigt werden konnte, sodass auch Kinder Romeros neuartigen, hochrealistischen Gore-Stil miterleben konnten. Dieser Film prägte das Independent-Horror-Genre für die kommenden Jahrzehnte, denn Filme wie „Texas Chainsaw Massacre“ (1974) und „Cannibal Holocaust “ (1980) erweiterten die Grenzen des Genres kontinuierlich.

Nachdem der Produktionskodex abgeschafft worden war und gewalttätige und verstörende Filme wie die von Romero an Popularität gewannen, entschied sich Hollywood, das verunsicherte Kinopublikum mit dem MPAA-Bewertungssystem zu beschwichtigen, das den Ticketverkauf an junge Zuschauer einschränkte. Anders als der Produktionskodex stellte dieses Bewertungssystem eine Bedrohung für Independent-Filme dar, da es die Anzahl der verkauften Tickets beeinflussen und den Marktanteil der Grindhouse -Kinos im Jugendbereich verringern würde. Diese Änderung würde die Kluft zwischen kommerziellen und nicht-kommerziellen Filmen weiter vergrößern.

Die Angabe einer Altersfreigabe ist für unabhängige Filmproduzenten jedoch rein freiwillig, und es gibt keine rechtlichen Hindernisse für die Veröffentlichung von Filmen ohne Altersfreigabe. Allerdings stoßen Filme ohne Altersfreigabe auf Marketingschwierigkeiten, da Medien wie Fernsehsender, Zeitungen und Websites häufig eigene Beschränkungen für Filme ohne vordefinierte nationale Altersfreigabe festlegen, um zu vermeiden, dass diese einem unangemessen jungen Publikum präsentiert werden. ^{[ 12 ]}

Nach dem Aufkommen des Fernsehens und dem Paramount-Skandal versuchten die großen Studios, das Publikum mit spektakulären Filmen zu locken. Breitbildverfahren und technische Verbesserungen wie Cinemascope , Stereoton , 3D und andere wurden entwickelt, um das schwindende Publikum durch ein überlebensgroßes Erlebnis zu halten. In den 1950er und frühen 1960er Jahren dominierten Musicals, Historienepen und andere Filme Hollywood, die von diesen Fortschritten profitierten. Dies erwies sich in den 1950er Jahren größtenteils als kommerziell erfolgreich. Doch gegen Ende der 1960er Jahre sanken die Zuschauerzahlen alarmierend schnell. Mehrere kostspielige Flops, darunter „Cleopatra“ (1963) und „Hello, Dolly!“ (1969), setzten die Studios stark unter Druck. Unterdessen hatten die Anwälte und späteren Produzenten Arthur Krim und Robert Benjamin im Jahr 1951 einen Vertrag mit den verbleibenden Aktionären von United Artists geschlossen, der es ihnen ermöglichen sollte, einen Versuch zur Wiederbelebung des Unternehmens zu unternehmen und es, falls dieser Versuch erfolgreich sein sollte, nach fünf Jahren zu kaufen.

Der Versuch war ein Erfolg, und 1955 wurde United Artists das erste „Studio“ ohne eigenes Studio. UA mietete Räumlichkeiten in den Pickford/Fairbanks Studios, besaß aber kein eigenes Studiogelände. Daher wurden viele ihrer Filme an Originalschauplätzen gedreht. UA agierte hauptsächlich als Finanzierungsgesellschaft und stellte unabhängigen Produzenten Kapital zur Verfügung. Dadurch entfielen bei UA die hohen Gemeinkosten, der Wartungsaufwand und das teure Produktionspersonal, die bei anderen Studios die Kosten in die Höhe trieben. UA ging 1956 an die Börse, und während die anderen großen Studios in Schwierigkeiten gerieten, florierte UA und knüpfte Geschäftsbeziehungen zu den Mirisch- Brüdern, Billy Wilder , Joseph E. Levine und anderen.

Ende der 1950er-Jahre stellte RKO die Filmproduktion ein, und die verbleibenden vier der fünf großen Filmstudios erkannten, dass sie die junge Zielgruppe nicht erreichen konnten. Um dieses Publikum zu gewinnen, engagierten die Studios zahlreiche junge Filmemacher (viele von ihnen wurden von Roger Corman gefördert ) und ließen sie ihre Filme mit relativ geringer Studiokontrolle realisieren. Warner Brothers bot dem Debütproduzenten Warren Beatty 40 % der Einspielergebnisse seines Films „Bonnie und Clyde “ (1967) anstelle einer minimalen Gage. Der Film hatte bis 1973 weltweit über 70 Millionen Dollar eingespielt. Diese anfänglichen Erfolge ebneten den Weg dafür, dass die Studios der Generation der Filmstudenten fast die vollständige Kontrolle überließen und das einleiteten, was die Medien als „ Neues Hollywood “ bezeichneten.

Der amerikanische Schauspieler Dennis Hopper gab mit Easy Rider (1969) sein Debüt als Drehbuchautor und Regisseur. Zusammen mit seinem Produzenten, Co-Star und Co-Autor Peter Fonda schuf Hopper einen der ersten komplett unabhängigen Filme des New Hollywood. Easy Rider feierte in Cannes Premiere und gewann den Preis für den besten Erstlingsfilm ( Prix de la premiere oeuvre ). Anschließend erhielt er zwei Oscar-Nominierungen: eine für das beste Originaldrehbuch und eine für Jack Nicholsons herausragende Leistung in der Nebenrolle des alkoholkranken Anwalts George Hanson von Corman . ^{[ 13 ]} Kurz darauf folgte die Neuauflage von United Artists' Midnight Cowboy ( ebenfalls 1969), der wie Easy Rider stark von Kenneth Anger und dessen Einflüssen der Nouvelle Vague geprägt war. Er ist der erste und einzige Film mit einer Altersfreigabe ab 18 Jahren , der den Oscar für den besten Film gewann. Midnight Cowboy zeichnete sich außerdem dadurch aus, dass viele der Top- Warhol-Superstars Cameo- Auftritte hatten , die bereits zu Symbolen des militant anti-Hollywood-Klimas der New Yorker Independent-Filmszene geworden waren.

Innerhalb eines Monats feierte ein weiterer junger Corman-Schüler, Francis Ford Coppola , sein Debüt in Spanien beim Internationalen Filmfestival von Donostia-San Sebastián mit „The Rain People“ (1969), einem Film, den er über seine eigene Firma American Zoetrope produziert hatte . Obwohl „The Rain People“ vom amerikanischen Publikum weitgehend unbeachtet blieb, sollte Zoetrope zu einer einflussreichen Kraft im Neuen Hollywood werden. Über Zoetrope schloss Coppola einen Vertriebsvertrag mit dem Studiogiganten Warner Bros. ab, den er nutzte, um seine Filme in großem Umfang zu veröffentlichen, ohne sich deren Kontrolle zu unterwerfen. Diese drei Filme lieferten den großen Hollywood-Studios sowohl ein Vorbild als auch eine neue Generation von Talenten. Zoetrope-Mitbegründer George Lucas gab sein Spielfilmdebüt mit „THX 1138“ (1971), der ebenfalls von Zoetrope im Rahmen des Vertrags mit Warner Bros. veröffentlicht wurde, und etablierte sich damit als weiteres großes Talent des Neuen Hollywood. Im darauffolgenden Jahr hatten sich zwei Regisseure des Neuen Hollywoods so weit etabliert, dass Coppola die Regie bei Paramounts „ Der Pate“ (1972) angeboten wurde und Lucas von Universal die Studiofinanzierung für „American Graffiti “ (1973) erhielt. Mitte der 1970er-Jahre griffen die großen Hollywood-Studios weiterhin auf diese neuen Filmemacher zurück, um sowohl Ideen als auch Personal zu gewinnen und produzierten Filme wie „ Paper Moon“ (1973) und „Taxi Driver“ (1976), die allesamt sowohl bei Kritikern als auch beim Publikum großen Anklang fanden. Diese Erfolge der Mitglieder des Neuen Hollywoods führten dazu, dass jeder von ihnen immer extravagantere Forderungen an das Studio und schließlich auch an das Publikum stellte.

Während die meisten Mitglieder der New-Hollywood-Generation unabhängige Filmemacher waren oder ihre Karriere als solche begannen, wurden viele ihrer Projekte von großen Studios produziert und veröffentlicht. Die New-Hollywood-Generation etablierte sich schnell in einer wiederbelebten Form des Studiosystems, das die Entwicklung, Produktion und den Vertrieb ihrer Filme finanzierte. Nur sehr wenige dieser Filmemacher finanzierten oder veröffentlichten jemals einen Film in Eigenregie oder arbeiteten während der Blütezeit ihrer Generation an einer unabhängig finanzierten Produktion. Scheinbar unabhängige Filme wie „ Taxi Driver“ , „The Last Picture Show“ und andere waren Studiofilme: Die Drehbücher basierten auf Studio-Pitches und wurden anschließend von den Studios bezahlt, die Produktionsfinanzierung erfolgte durch das Studio, und Marketing und Vertrieb der Filme wurden von der Werbeagentur des Studios konzipiert und kontrolliert. Obwohl Coppola erhebliche Anstrengungen unternahm, dem Einfluss der Studios zu widerstehen, indem er seinen riskanten Film Apocalypse Now aus dem Jahr 1979 selbst finanzierte, anstatt mit skeptischen Studiobossen Kompromisse einzugehen, hatten er und Filmemacher wie er die alten Studios vor dem finanziellen Ruin bewahrt, indem sie ihnen eine neue Erfolgsformel boten.

Tatsächlich verschwamm in dieser Zeit die Definition eines Independentfilms. Obwohl „Midnight Cowboy“ von United Artists finanziert wurde, war das Unternehmen eindeutig ein Studio. Auch Zoetrope war ein „unabhängiges Studio“, das innerhalb des Systems arbeitete, um unabhängigen Regisseuren, die finanzielle Unterstützung benötigten, eine Plattform zu bieten. George Lucas verließ Zoetrope 1971, um sein eigenes unabhängiges Studio, Lucasfilm , zu gründen, das die Blockbuster- Reihen „Star Wars“ und „Indiana Jones“ produzieren sollte . Die einzigen beiden Filme dieser Bewegung, die man als kompromisslos unabhängig bezeichnen kann, sind „Easy Rider“ am Anfang und Peter Bogdanovichs „ They All Laughed“ am Ende. Peter Bogdanovich kaufte die Rechte an seinem Film von 1980 vom Studio zurück und bezahlte den Vertrieb aus eigener Tasche, überzeugt davon, dass der Film besser war als vom Studio – was ihn schließlich in den Bankrott trieb.

Im Rückblick lässt sich feststellen, dass Steven Spielbergs „ Der weiße Hai “ (1975) und George Lucas ’ „Star Wars “ (1977) den Anfang vom Ende des Neuen Hollywoods markierten. Mit ihren beispiellosen Kassenerfolgen gaben diese Filme Hollywoods Blockbuster-Mentalität neuen Auftrieb und lieferten den Studios ein neues Paradigma für die Monetarisierung des sich wandelnden Marktes. Der Fokus auf anspruchsvolle Konzepte , verstärkte Vermarktung von Merchandising-Artikeln (wie Spielzeug), Ableger in anderen Medien (wie Soundtracks) und Fortsetzungen (die durch Coppolas „ Der Pate – Teil II “ an Akzeptanz gewonnen hatten ) zeigten den Studios, wie sie in diesem neuen Umfeld erfolgreich Geld verdienen konnten.

Als große Konzerne erkannten, wie viel Geld mit Filmen verdient werden konnte, begannen sie, die verbliebenen Hollywood-Studios aufzukaufen und sie so vor dem Untergang zu bewahren, der RKO in den 1950er Jahren ereilt hatte. Schließlich erholte sich auch RKO, doch die von diesen Unternehmen in die Filmbranche eingeführte Konzernmentalität verdrängte nach und nach die eigenwilligeren jungen Filmemacher, während sie die anpassungsfähigeren und kommerziell erfolgreicheren unter ihnen förderte. ^{[ 14 ]}

Die Filmkritikerin Manohla Dargis beschrieb diese Ära als die „goldene Zeit“ des Filmschaffens des Jahrzehnts, die „weniger Revolution als vielmehr ein Weiter-so-wie-bisher mit rebellischem Hype“ war. ^{[ 15 ]} In ihrem Artikel in der New York Times wies sie außerdem darauf hin , dass Enthusiasten darauf bestanden, dass in dieser Ära „das amerikanische Kino erwachsen wurde (oder zumindest leicht bekleidete Schauspielerinnen in den Hauptrollen zu sehen waren); Regisseure taten, was sie wollten (oder zumindest zu Marken wurden); die Kreativität regierte (oder zumindest glorreich wütete, wenn auch oft auf Kosten der Studios).“ ^{[ 16 ]}

In den 1970er Jahren veränderte sich die Darstellung von Sexualität und Gewalt im amerikanischen Kino. Besonders hervorzuheben waren die überzeichneten, realistischen Darstellungen von Sex und Gewalt. Regisseure, die das Mainstream-Publikum des alten Hollywood erreichen wollten , lernten schnell, diese Themen zu stilisieren , um ihre Filme ansprechend und attraktiv statt abstoßend oder obszön wirken zu lassen. Doch während die unkonventionellen Filmstudenten der amerikanischen New Wave die Fähigkeiten entwickelten, mit denen sie Hollywood erobern sollten, schlugen viele ihrer Kollegen einen anderen Weg ein. Beeinflusst von ausländischen und Arthouse- Regisseuren wie Ingmar Bergman und Federico Fellini , Exploitationfilmen (z. B. von Joseph P. Mawra , Michael Findlay und Henri Pachard ) und dem Avantgarde-Kino ( Kenneth Anger , Maya Deren und Bruce Conner ^{[ 17 ] [ 18 ]} ) begannen einige junge Filmemacher, mit Grenzüberschreitungen zu experimentieren – nicht um Kassenerfolge zu erzielen, sondern als künstlerischen Akt . Regisseure wie John Waters und David Lynch machten sich Anfang der 1970er Jahre einen Namen mit den bizarren und oft verstörenden Bildern, die ihre Filme kennzeichneten.

Als Lynchs erster Spielfilm, Eraserhead (1977), die Aufmerksamkeit des Produzenten Mel Brooks auf ihn lenkte , übernahm er schon bald die Regie des 5-Millionen-Dollar-Films Der Elefantenmensch (1980) für Paramount. Obwohl Eraserhead ein reiner Independentfilm mit geringem Budget war, gelang Lynch der Übergang mit beispielloser Eleganz. Der Film wurde ein riesiger kommerzieller Erfolg und brachte Lynch acht Oscar- Nominierungen ein, darunter Nominierungen für die Beste Regie und das Beste adaptierte Drehbuch . ^{[ 19 ]} Er etablierte ihn zudem als kommerziell erfolgreichen, wenn auch etwas düsteren und unkonventionellen Hollywood -Regisseur. George Lucas , ein Fan von Eraserhead und inzwischen der Liebling der Studios, sah in Lynch einen Gleichgesinnten, der sich ebenfalls dem Studio zugewandt hatte, und bot ihm die Regie für seine nächste Star-Wars- Fortsetzung, Die Rückkehr der Jedi-Ritter (1983), an. Lynch hatte jedoch miterlebt, was mit Lucas und seinen Mitstreitern nach ihrem gescheiterten Versuch, das Studiosystem abzuschaffen, geschehen war. Er lehnte das Angebot ab und erklärte, er wolle lieber an seinen eigenen Projekten arbeiten. ^{[ 20 ]}

Lynch entschied sich stattdessen für die Regie einer aufwendigen Verfilmung von Frank Herberts Science -Fiction -Roman „Dune“ für die De Laurentiis Entertainment Group des italienischen Produzenten Dino De Laurentiis . Bedingung war, dass das Unternehmen ein zweites Lynch-Projekt veröffentlichen würde, bei dem der Regisseur die volle kreative Kontrolle hätte. Obwohl De Laurentiis auf den nächsten „Star Wars“ -Erfolg hoffte , floppte Lynchs „ Dune “ (1984) sowohl bei Kritikern als auch an den Kinokassen und spielte in den USA lediglich 27,4 Millionen Dollar bei einem Budget von 45 Millionen Dollar ein. Wütend über den Misserfolg des Films, war De Laurentiis gezwungen, jeden Film zu produzieren, den Lynch wünschte. Er bot Lynch lediglich 6 Millionen Dollar an, um das Risiko zu minimieren, falls der Film seine Kosten nicht einspielen würde. Doch der Film „ Blue Velvet “ (1986) wurde ein durchschlagender Erfolg und brachte Lynch eine weitere Oscar-Nominierung als Bester Regisseur ein . ^{[ 21 ]} Anschließend kehrte Lynch zum Independent-Filmemachen zurück und arbeitete über ein Jahrzehnt lang mit keinem großen Studio mehr zusammen.

Im Gegensatz zu seinem Vorgänger veröffentlichte John Waters die meisten seiner frühen Filme über seine eigene Produktionsfirma Dreamland Productions . Anfang der 1980er-Jahre arbeitete er mit New Line Cinema an „Polyester“ (1981). In den 1980er-Jahren wurde Waters zu einer Schlüsselfigur der New Yorker Independent-Filmbewegung, bekannt als „ Cinema of Transgression “. Dieser Begriff wurde 1985 von Nick Zedd geprägt , um eine lose Gruppe gleichgesinnter New Yorker Künstler zu beschreiben, die in ihren Super-8- Filmen und Videokunstwerken mit Schockeffekten und Humor arbeiteten . Zu den weiteren wichtigen Vertretern dieser Bewegung gehörten Kembra Pfahler , Casandra Stark , Beth B , Tommy Turner, Richard Kern und Lydia Lunch . Um Institutionen wie die Film-Makers' Cooperative und die Anthology Film Archives versammelt, widmete sich diese neue Generation von Independent-Filmen dem Widerstand gegen das etablierte New Hollywood und forderte: „Alle Filmhochschulen sollten gesprengt und nie wieder langweilige Filme gedreht werden.“ ^{[ 22 ]}

1978 gründeten Sterling Van Wagenen und Charles Gary Allison zusammen mit dem Vorsitzenden Robert Redford (einem Veteranen des New Hollywood und Star aus „Butch Cassidy und Sundance Kid “) das Utah/US Film Festival, um mehr Filmemacher nach Utah zu locken und das Potenzial des Independentfilms aufzuzeigen. Der Schwerpunkt des Festivals lag damals auf der Präsentation von Retrospektiven und Podiumsdiskussionen mit Filmemachern; es wurde aber auch ein kleines Programm mit neuen Independentfilmen gezeigt. Die Jury des Festivals von 1978 stand unter dem Vorsitz von Gary Allison und bestand aus Verna Fields , Linwood Gale Dunn , Katherine Ross , Charles E. Sellier Jr. , Mark Rydell und Anthea Sylbert . 1981, im selben Jahr, in dem United Artists, nach dem finanziellen Misserfolg von Michael Ciminos „ Heaven’s Gate “ (1980) von MGM übernommen, ^{[ 23 ]} und damit als Plattform für unabhängige Filmemacher nicht mehr existierte, verließ Sterling Van Wagenen das Filmfestival, um gemeinsam mit Robert Redford das Sundance Institute zu gründen . 1985 übernahm das mittlerweile etablierte Sundance Institute unter der Leitung von Sterling Van Wagenen die Organisation des in finanzielle Schwierigkeiten geratenen US Film Festivals. Gary Beer und Sterling Van Wagenen leiteten die Produktion des ersten Sundance Film Festivals, zu dessen Programmdirektor Tony Safford und Verwaltungsdirektorin Jenny Walz Selby gehörten.

1991 wurde das Festival offiziell in Sundance Film Festival umbenannt, nach Redfords berühmter Rolle als Sundance Kid . ^{[ 24 ]} Durch dieses Festival wurde die Independent-Film-Bewegung ins Leben gerufen. Namhafte Regisseure wie Kevin Smith , Robert Rodriguez , Quentin Tarantino , David O. Russell , Paul Thomas Anderson , Steven Soderbergh , James Wan , Hal Hartley , Joel und Ethan Coen sowie Jim Jarmusch ernteten überwältigenden Kritikerlob und beispiellose Einspielergebnisse. Die Bedeutung des Sundance Film Festivals wird in dem Werk von Professor Emanuel Levy , „Cinema of Outsiders: The Rise of American Independent Film“ (NYU Press, 1999; 2001), dokumentiert.

Im Jahr 2005 stammten etwa 15 % der US- amerikanischen Kinoeinnahmen von unabhängigen Studios. ^{[ 25 ]}

In den 1990er Jahren erlebten Independentfilme einen Aufstieg und Erfolg, nicht nur auf Filmfestivals, sondern auch an den Kinokassen. Etablierte Schauspieler wie Bruce Willis , John Travolta und Tim Robbins feierten Erfolge sowohl in Independentfilmen als auch in Hollywood-Studiofilmen. ^{[ 26 ]} „Teenage Mutant Ninja Turtles“ von New Line Cinema spielte 1990 in den USA über 100 Millionen US-Dollar ein und war damit bis dahin der erfolgreichste Independentfilm der Kinogeschichte. ^{[ 27 ]} Miramax Films landete mit Filmen wie „Sex, Lügen und Video“ , „Mein linker Fuß“ und „Clerks“ eine Reihe von Hits , wodurch Miramax und New Line Cinema ins Visier großer Konzerne gerieten, die vom Erfolg der Independentstudios profitieren wollten. 1993 kaufte Disney Miramax für 60 Millionen US-Dollar. Turner Broadcasting erwarb 1994 in einem Milliarden-Dollar-Deal New Line Cinema, Fine Line Features und Castle Rock Entertainment. Die Übernahmen erwiesen sich als guter Schachzug, da New Line im selben Jahr „Die Maske“ und „Dumm und Dümmer“ veröffentlichte , Castle Rock „Die Verurteilten“ herausbrachte und Miramax „Pulp Fiction“ veröffentlichte . ^{[ 27 ]}

Die Übernahme kleinerer Studios durch den Hollywood-Konzern war teilweise Teil eines Plans, die unabhängige Filmindustrie zu übernehmen und gleichzeitig eigene „unabhängige“ Studios zu gründen. Folgende Studios gehören alle zum Hollywood-Konzern:

• Sony Pictures Classics (1992–heute)
• Searchlight Pictures (1994–heute)
• Paramount Vantage (1998–2013)
  • Miramax (1979–heute)
• Focus Features (2002–heute)
• Warner Independent Pictures (2003–2008) ^{[ 28 ]}
  • Fine Line Features (1991-2005)

Anfang der 2000er-Jahre produzierte Hollywood drei verschiedene Filmkategorien: 1) Blockbuster mit hohem Budget , 2) Kunstfilme , Spezialfilme und Nischenfilme der zu den großen Filmkonzernen gehörenden „Indie“-Studios und 3) Genre- und Spezialfilme von unabhängigen Studios und Produzenten. Die dritte Kategorie umfasste über die Hälfte aller in den USA veröffentlichten Spielfilme und kostete in der Regel zwischen 5 und 10 Millionen US-Dollar. ^{[ 29 ]}

Hollywood produzierte drei verschiedene Arten von Spielfilmen mithilfe von drei unterschiedlichen Produzententypen. Die hochwertigen Produkte waren die aufwendigen Blockbuster und Starvehikel, die von den sechs großen Studios vermarktet wurden. Die Budgets der großen Studios lagen im Durchschnitt bei 100 Millionen US-Dollar, wovon aufgrund der großen Veröffentlichungskampagnen etwa ein Drittel für Marketing ausgegeben wurde. Eine weitere Kategorie von Hollywood-Spielfilmen umfasste Arthouse-Filme, Independent-Filme und andere Nischenfilme, die von den Indie-Tochtergesellschaften der Konzerne produziert wurden. Die Budgets dieser Independent-Filme lagen Anfang der 2000er-Jahre im Durchschnitt bei 40 Millionen US-Dollar pro Veröffentlichung, wobei 10 bis 15 Millionen US-Dollar für Marketing aufgewendet wurden (MPA, 2006:12). Die dritte Kategorie bestand aus Genre- und Independent-Filmen, deren Veröffentlichungskampagnen von unabhängigen Produzenten und Verleihern mit nur wenigen Dutzend oder maximal einigen Hundert Leinwänden in ausgewählten Ballungsräumen durchgeführt wurden. Filme dieser Art kosten in der Regel weniger als 10 Millionen Dollar, häufig aber weniger als 5 Millionen Dollar, wobei die Marketingbudgets gering sind und sich bei Erfolg des jeweiligen Films erhöhen. ^{[ 30 ]}

Die unabhängige Filmindustrie ist global vertreten. Viele der renommiertesten Filmfestivals finden in verschiedenen Städten weltweit statt. ^{[ 31 ]} Die Berlinale zieht Besucher aus über 130 Ländern an und ist damit das größte Filmfestival der Welt. ^{[ 32 ]} Weitere bedeutende Veranstaltungen sind das Toronto International Film Festival , das Hong Kong International Film Festival und das Panafrikanische Film- und Fernsehfestival von Ouagadougou . ^{[ 31 ]}

Die Europäische Union hat, insbesondere durch die Europäische Kino- und Video-on-Demand-Initiative (ECVI), Programme ins Leben gerufen, die die Filmindustrie an die steigende digitale Nachfrage nach Filmen auf Video-on-Demand-Plattformen außerhalb der Kinos anpassen sollen. Im Rahmen dieses Programms werden Video-on-Demand-Angebote mit traditionellen Kinovorführungen kombiniert. ^{[ 33 ]} Auch die nationalen Regierungen der EU bemühen sich verstärkt um die Förderung aller Kunstformen, einschließlich des Films. ^{[ 34 ]} Die Europäische Kommission für Kultur verfügt beispielsweise über einen audiovisuellen Sektor, dessen Hauptaufgabe die Unterstützung und Förderung von Filmen und Festivals in ganz Europa ist. Darüber hinaus organisiert die Kommission die Politikgestaltung, Forschung und Berichterstattung zu „Medienkompetenz“ und „digitalem Vertrieb“. ^{[ 34 ]}

Wie bei anderen Medien hat die Verfügbarkeit neuer Technologien die Demokratisierung des Filmemachens und das Wachstum des Independentfilms beflügelt. In den späten 1940er und 1950er Jahren erleichterten neue, preiswerte tragbare Kameras unabhängigen Filmemachern die Produktion von Inhalten ohne Studiounterstützung. Das Aufkommen von Camcordern in den 1980er Jahren erweiterte den Kreis der Filmemacher, die mit der neuen Technologie experimentierten. In jüngster Zeit haben der Wechsel von Film zu Digitalkameras, kostengünstige nichtlineare Schnittverfahren und der Vertrieb über das Internet dazu geführt, dass mehr Menschen, darunter auch Jugendliche und Angehörige marginalisierter Gemeinschaften, eigene Filme drehen und präsentieren können. Diese Menschen verfügen oft über wenig bis gar keine formale technische oder akademische Ausbildung, sondern sind Autodidakten, die sich das Handwerk mithilfe von Online-Ressourcen aneignen. Das Spektrum angehenden Filmemachern reicht von denen, die lediglich Zugang zu einem Smartphone oder einer Digitalkamera haben, bis hin zu denen, die Drehbücher auf eigene Faust schreiben (um sie Studios vorzustellen), aktiv Netzwerke knüpfen und Crowdfunding sowie andere Finanzierungsformen nutzen, um ihre Filme professionell produzieren zu lassen. Oftmals gehen angehende Filmemacher nebenbei anderen Berufen nach, um ihren Lebensunterhalt zu bestreiten, während sie ihre Drehbücher und Ideen unabhängigen Filmproduktionsfirmen, Talentagenten und vermögenden Investoren präsentieren. Diese jüngste, technologiegetriebene Renaissance hat auch andere unterstützende Branchen wie den Markt für „Prosumer“-Kameras und Filmschulen für weniger autodidaktische Filmschaffende beflügelt. Filmprogramme an Universitäten wie der NYU in New York und der USC in Los Angeles haben von diesem Wachstum profitiert. ^{[ 35 ]}

Die finanzielle Seite des Filmemachens stellt heute ein geringeres Hindernis dar als früher, da die Unterstützung eines großen Studios nicht mehr zwingend erforderlich ist, um die notwendige Filmfinanzierung zu erhalten. Crowdfunding-Plattformen wie Kickstarter , Pozible und Tubestart haben es vielen ermöglicht, Tausende von Dollar zu sammeln – genug, um eigene, kostengünstige Produktionen zu finanzieren. ^{[ 36 ]} Dank der sinkenden Kosten für die Technologie zur Filmproduktion, -bearbeitung und zum digitalen Vertrieb ist das Filmemachen zugänglicher denn je.

Spielfilme werden häufig auf Filmfestivals wie dem Sundance Film Festival, dem Slamdance Film Festival, dem South by Southwest Festival, dem Raindance Film Festival, dem Telluride Film Festival und dem Palm Springs Film Festival gezeigt. ^{[ 37 ]} Preisträger dieser Festivals haben bessere Chancen, von großen Filmverleihern übernommen zu werden. Filmfestivals und Vorführungen dieser Art sind nur eine von mehreren Möglichkeiten, wie Filme unabhängig produziert und veröffentlicht werden können.

Die Entwicklung des Independentfilms in den 1990er-Jahren und im 21. Jahrhundert wurde durch eine Reihe technischer Innovationen beflügelt, darunter die Entwicklung erschwinglicher digitaler Kameras , die die Qualität von Film übertreffen können, und benutzerfreundlicher Schnittsoftware. Bis digitale Alternativen verfügbar waren, stellten die Kosten für professionelle Filmausrüstung und -materialien ein großes Hindernis für unabhängige Filmemacher dar, die ihre eigenen Filme realisieren wollten. Erfolgreiche Filme wie „ The Blair Witch Project“ (der bei Produktionskosten von nur 60.000 US-Dollar über 248,6 Millionen US-Dollar einspielte) verdanken sich dieser neuen Verfügbarkeit von Filmwerkzeugen. Laut Variety stiegen die Kosten für 35-mm -Filmmaterial im Jahr 2002 um 23 % . ^{[ 38 ]} Das Aufkommen von Camcordern für Endverbraucher im Jahr 1985 und, noch wichtiger, die Einführung von Digitalvideo in den frühen 1990er-Jahren senkten die technologischen Hürden für die Filmproduktion. Der PC und nichtlineare Schnittsysteme haben den Einsatz von Schnittplätzen wie dem KEM überflüssig gemacht und die Kosten der Postproduktion drastisch gesenkt. Technologien wie DVD , Blu-ray Disc und Online-Videodienste haben den Vertrieb vereinfacht; Videostreaming- Dienste ermöglichen die Verbreitung digitaler Filmversionen in einem ganzen Land oder sogar weltweit, ohne dass physische DVDs oder Filmrollen versendet oder gelagert werden müssen. 3D- Technologie steht auch unabhängigen Filmemachern mit kleinem Budget zur Verfügung. Bereits im zweiten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts ermöglichten hochwertige Handykameras die Produktion, Bearbeitung und Verbreitung von Filmen mit einem einzigen, kostengünstigen Gerät.

Ein Beispiel für diesen neuen Ansatz im Independent-Film ist der 1999 für den Oscar nominierte Dokumentarfilm „ Genghis Blues“ , der von den Brüdern Belic mit zwei Hi8-Camcordern gedreht wurde und im selben Jahr den Publikumspreis für Dokumentarfilme beim Sundance Film Festival gewann. ^{[ 39 ]} Da der Vertrieb damals noch auf Film basierte, musste der Film vom digitalen Zeilensprungverfahren auf Film mit der traditionellen Bildrate von 24 Bildern pro Sekunde „herausgefilmt“ werden, wodurch mitunter Zeilensprungartefakte sichtbar sind. 2004 brachte Panasonic den Camcorder DVX100 auf den Markt, der eine filmähnliche Bildrate von 24 Bildern pro Sekunde bot. Dies ermöglichte es unabhängigen Filmemachern, Videos mit einer damals für Filme üblichen Bildrate aufzunehmen ^{[ 40 ]} und eröffnete die Möglichkeit einer sauberen digitalen Bildkonvertierung in Filmbilder. Mit dieser Kamera wurden mehrere gefeierte Filme gedreht, beispielsweise „Iraq in Fragments“ . ^{[ 41 ]} Neuere Geräte ermöglichen das „Filmen“ mit sehr hohen Bildraten, um die Verteilung in eine Reihe von Bildraten ohne Artefakte zu erleichtern.

Obwohl neue Kinokameras wie die Arri Alexa , die RED Epic und die vielen neuen DSLRs Tausende von Dollar kosten, sind Independentfilme immer noch günstiger denn je und ermöglichen Aufnahmen in 35-mm-Filmqualität ohne die hohen Kosten. Diese Kameras sind traditionellen Filmkameras in puncto Leistung auch in extrem dunklen/lichtarmen Situationen überlegen. 2008 brachte Nikon mit der Nikon D90 die erste DSLR-Kamera auf den Markt, die auch Videos aufnehmen konnte . Dank des größeren Sensors im Vergleich zu herkömmlichen Camcordern ermöglichen diese DSLRs eine präzisere Steuerung der Schärfentiefe, hervorragende Low-Light-Eigenschaften und eine große Auswahl an Wechselobjektiven, darunter auch Objektive alter Filmkameras – Eigenschaften, die sich Independentfilmer schon lange gewünscht haben. Auch Dokumentarfilme profitieren enorm von der Entwicklung neuer, leichter und erschwinglicher Kinokameras. Früher war es aufgrund der mangelnden Manövrierfähigkeit von Filmkameras unmöglich, die extreme Wildnis der Natur einzufangen; mit der Entwicklung von DSLRs können Dokumentarfilmer nun schwer zugängliche Orte erreichen und Aufnahmen machen, die mit Filmkameras nicht möglich waren. ^{[ 42 ]} Es wurden sogar Kameras an Tieren befestigt, damit diese helfen konnten, noch nie zuvor gesehene Szenen zu filmen.

Neue Technologien ermöglichten auch die Entwicklung neuer filmischer Techniken, die ihren Ursprung im Independent-Film haben, wie beispielsweise die Entwicklung des Zoomobjektivs im frühen 20. Jahrhundert. Die Verwendung der (umstrittenen) Handkameraeinstellung, die im bahnbrechenden Film „The Blair Witch Project“ populär wurde , führte außerdem zu einem völlig neuen Subgenre: dem Found-Footage-Film .

Auch der unabhängige Filmbereich profitiert von der neuen Schnittsoftware. Anstatt ein Postproduktionsstudio mit dem Schnitt zu beauftragen, nutzen unabhängige Filmemacher einen PC oder sogar nur ein Smartphone mit entsprechender Software. Zu den verfügbaren Programmen gehören Avid Media Composer , Adobe Premiere Pro , Final Cut Pro , DaVinci Resolve (auch für die Farbkorrektur) und viele mehr . Online gibt es zudem zahlreiche kostenlose Tutorials und Kurse, die die verschiedenen Postproduktionskenntnisse vermitteln, die für die Nutzung dieser Programme erforderlich sind. Dank dieser neuen Technologien können unabhängige Filmemacher Filme produzieren, die mit High-Budget-Produktionen vergleichbar sind. Auch computergenerierte Bilder (CGI) sind zugänglicher geworden und haben sich von einem hochspezialisierten Prozess, der von Postproduktionsfirmen durchgeführt wurde, zu einer Aufgabe entwickelt, die auch von unabhängigen Künstlern übernommen werden kann.

Francis Ford Coppola , der sich seit langem für neue Technologien wie nichtlinearen Schnitt und Digitalkameras einsetzt , sagte 2007: „Das Kino entzieht sich der Kontrolle durch die Finanziers, und das ist wunderbar. Man muss nicht mehr demütig zu einem Filmverleih gehen und sagen: ‚Bitte, lassen Sie mich einen Film machen?‘“ ^{[ 43 ]}

Heutzutage werden hochauflösende Handykameras auch in der Filmproduktion häufig eingesetzt. Zu den ersten bekannten experimentellen Filmen, die mit Handykameras der ersten Generation gedreht wurden, zählen „New Love Meetings“ , ein Dokumentarfilm von Barbara Seghezzi und Marcello Mencarini aus dem Jahr 2005 ( Italien) , gedreht mit dem Nokia N90 ; „Why Didn't Anybody Tell Me It Would Become This Bad in Afghanistan“ , der erste Spielfilm, der mit einem Mobiltelefon (einem Samsung) gedreht wurde , unter der Regie von Cyrus Frisch aus den Niederlanden im Jahr 2007 ; „SMS Sugar Man“ , ein Spielfilm von Aryan Kaganof aus Südafrika , gedreht mit dem Sony Ericsson W900i ; „ Veenavaadanam“ , ein Dokumentarfilm von Sathish Kalathil aus dem Jahr 2008 ( Indien) , gedreht mit dem Nokia N70 ; und „Jalachhayam“ , ein Spielfilm von Sathish Kalathil aus dem Jahr 2010 (Indien), gedreht mit dem Nokia N95 .

Hooked Up , To Jennifer , Tangerine , 9 Rides , Unsane , High Flying Bird , Ghost , Pondicherry , I WeirDo und Banger sind einige weitere Beispiele, die mit iPhones aufgenommen wurden .

• Britische Independent-Filmpreise
• Independent Spirit Awards
• Liste der Filmfestivals
• Filmübersicht
• Unabhängige Animation
• Amerikanisches exzentrisches Kino
• Weltkino
• Liste amerikanischer Independentfilme
• Indiewood

• Marich, Robert (2013). Marketing für Kinobesucher: Ein Handbuch mit Strategien und Taktiken (3. Aufl.). Southern Illinois University Press . S. 350. ISBN 978-0-80-933196-3Die
• Levy, Emanuel (1999). Cinema of Outsiders: The Rise of American Independent Film . NYU Press. ISBN 978-0-8147-5124-4Die
• McDonald, Paul; Wasko, Janet (Hrsg.). (2008). Die zeitgenössische Hollywood-Filmindustrie . Malden, MA: Blackwell Publishing. ISBN 978-1-40-513388-3Die
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• Biskind, Peter (2004). Down and Dirty Pictures: Miramax, Sundance, and the Rise of Independent Film . Simon & Schuster. ISBN 0-684-86259-XDie
• Hall, Phil (2009). Die Geschichte des unabhängigen Kinos . BearManor Media. ISBN 978-1-59393-335-7Die
• „Die Indie-Filme sind tot. Es lebe der Independent-Film!“ . Das Monster, das Hollywood fraß . Staffel 20. Folge 8. 22. November 2001. PBS .
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• Vachon, Christine (2006). Ein mörderisches Leben: Wie eine unabhängige Filmproduzentin Deals und Katastrophen in Hollywood und darüber hinaus übersteht . Simon & Schuster. ISBN 0-7432-5630-1Die

• Am Rande von Hollywood – Annenberg Learner