John Coltrane

John William Coltrane (23. September 1926 – 17. Juli 1967) war ein US-amerikanischer Jazz- Saxophonist, Bandleader und Komponist. Er zählt zu den einflussreichsten und gefeiertsten Persönlichkeiten der Jazzgeschichte und der Musik des 20. Jahrhunderts.

Coltrane, geboren und aufgewachsen in North Carolina , zog nach der High School nach Philadelphia , wo er in die dortige Jazzszene eintauchte, Musik studierte und gegen Ende des Zweiten Weltkriegs in der Marine diente , bevor er 1945 sein professionelles Debüt gab. Zu Beginn seiner Karriere arbeitete Coltrane im Bebop- und Hard-Bop -Stil und leistete Pionierarbeit bei der Verwendung von Modi . Er gehörte zu den führenden Musikern des Free Jazz . Er leitete mindestens fünfzig Aufnahmesessions und wirkte auf zahlreichen Alben anderer Musiker mit, darunter der Trompeter Miles Davis und der Pianist Thelonious Monk . Im Laufe seiner Karriere nahm Coltranes Musik eine zunehmend spirituelle Dimension an, wie sie beispielsweise auf seinem gefeierten Album „ A Love Supreme “ (1965) und anderen Werken zum Ausdruck kommt. ^{[ 1 ]} Jahrzehnte nach seinem Tod ist Coltrane weiterhin einflussreich und erhielt zahlreiche posthume Auszeichnungen, darunter einen Sonderpreis des Pulitzer-Preises [ ^{2 ] ,} und wurde von der African Orthodox Church heiliggesprochen .

Seine zweite Ehefrau war die Pianistin und Harfenistin Alice Coltrane . Das Paar hatte drei Kinder: John Jr. (1964–1982), einen Bassisten; ^{[ 3 ]} Ravi (geb. 1965), einen Saxophonisten; und Oran (geb. 1967), einen Saxophonisten, Gitarristen, Schlagzeuger und Sänger. ^{[ 4 ] [ 5 ] [ 6 ]}

Coltrane wurde am 23. September 1926 in der Wohnung seiner Eltern in der Hamlet Avenue 200 in Hamlet, North Carolina , geboren. ^{[ 7 ]} Sein Vater war John R. Coltrane ^{[ 8 ]} und seine Mutter Alice Blair. ^{[ 9 ]} Er wuchs in High Point, North Carolina , auf und besuchte die William Penn High School . Während seiner Schulzeit spielte Coltrane Klarinette und Althorn in einer Blaskapelle ^{[ 10 ]} , bevor er, beeinflusst von Musikern wie Lester Young und Johnny Hodges , zum Saxophon wechselte . ^{[ 11 ] [ 12 ]} Ab Dezember 1938 starben sein Vater, seine Tante und seine Großeltern innerhalb weniger Monate, sodass er von seiner Mutter und einem nahen Cousin aufgezogen wurde. ^{[ 13 ]} Im Juni 1943, kurz nach seinem Schulabschluss, zog Coltrane mit seiner Familie nach Philadelphia, wo er eine Anstellung in einer Zuckerraffinerie fand . Im September desselben Jahres schenkte ihm seine Mutter zu seinem 17. Geburtstag sein erstes Saxophon, ein Altsaxophon. ^{[ 9 ]} Von 1944 bis 1945 nahm Coltrane Saxophonunterricht an der Ornstein School of Music bei Mike Guerra. ^{[ 14 ]} Anfang bis Mitte 1945 hatte er seinen ersten professionellen Auftritt als Musiker: in einem „Cocktail-Lounge-Trio“ mit Klavier und Gitarre . ^{[ 15 ]}

Ein wichtiger Moment in Coltranes musikalischer Entwicklung ereignete sich am 5. Juni 1945, als er Charlie Parker zum ersten Mal live erlebte. In einem Artikel des DownBeat- Magazins aus dem Jahr 1960 erinnerte er sich: „Als ich Bird zum ersten Mal spielen hörte, traf es mich wie ein Blitz.“

Um dem Wehrdienst in der Armee zu entgehen, meldete sich Coltrane am 6. August 1945, dem Tag des ersten US-amerikanischen Atombombenabwurfs auf Japan, freiwillig zur Marine. ^{[ 16 ]} Er absolvierte eine Ausbildung zum Matrosen auf der Marinestation Sampson im Bundesstaat New York, bevor er nach Pearl Harbor verlegt wurde . ^{[ 16 ]} Dort war er in der Manana Barracks stationiert, ^{[ 17 ]} dem größten Stützpunkt für afroamerikanische Soldaten weltweit. ^{[ 18 ]} Als er Ende 1945 nach Hawaii kam, wurde die Marine verkleinert. Coltranes musikalisches Talent wurde erkannt, und als er den Melody Masters, der Swingband der Basis, beitrat, gehörte er zu den wenigen Marineangehörigen, die als Musiker dienten, ohne eine offizielle Musikerlizenz zu besitzen. ^{[ 16 ]} Da die Melody Masters eine rein weiße Band waren, wurde Coltrane als Gastmusiker behandelt, um seine Vorgesetzten nicht auf seine Mitarbeit aufmerksam zu machen. ^{[ 19 ]} Auch außerhalb seiner Auftritte mit der Band übernahm er weiterhin andere Aufgaben, darunter Küchen- und Sicherheitsdienste. Gegen Ende seiner Dienstzeit hatte er eine Führungsrolle in der Band inne. Seine ersten Aufnahmen, eine informelle Session mit Musikern der Marine in Hawaii, fanden am 13. Juli 1946 statt. ^{[ 20 ]} Er spielte Altsaxophon auf einer Auswahl von Jazzstandards und Bebop-Stücken. ^{[ 21 ]} Am 8. August 1946 wurde er offiziell aus der Marine entlassen. Ihm wurden die American Campaign Medal , die Asiatic-Pacific Campaign Medal und die World War II Victory Medal verliehen .

Nach seiner Entlassung aus der Marine als Matrose 1. Klasse im August 1946 kehrte Coltrane nach Philadelphia zurück. Die pulsierende Jazzszene der Stadt bot ihm zahlreiche Möglichkeiten zum Lernen und Musizieren. ^{[ 22 ]} Mithilfe der GI Bill schrieb er sich an der Granoff School of Music ein, wo er Musiktheorie bei dem Jazzgitarristen und Komponisten Dennis Sandole studierte . ^{[ 23 ]} Von 1946 bis in die frühen 1950er-Jahre arbeitete er weiterhin unter Sandoles Anleitung. ^{[ 24 ]} Außerdem nahm Coltrane etwa zwei bis drei Jahre lang einmal wöchentlich Saxophonunterricht bei Matthew Rastelli, einem Saxophonlehrer an der Granoff School. Der Unterricht endete jedoch, als Coltranes GI-Bill-Förderung aufgebraucht war. ^{[ 25 ]} Nach einer Tournee mit King Kolax schloss er sich einer Band unter der Leitung von Jimmy Heath an , der durch seinen ehemaligen Marinekameraden, den Trompeter William Massey, mit Coltranes Spiel in Berührung gekommen war. Massey hatte zuvor mit Coltrane bei den Melody Masters gespielt. ^{[ 26 ]} Obwohl er zunächst Altsaxophon spielte, wechselte er 1947 mit Eddie Vinson zum Tenorsaxophon . ^{[ 27 ]}

Coltrane bezeichnete diese Zeit als eine Phase, in der sich ihm „ein breiteres Hörspektrum eröffnete. Es gab vieles, was Leute wie Hawk [ Coleman Hawkins ], Ben [Webster] und Tab Smith in den 40er Jahren machten, was ich nicht verstand, aber emotional nachempfinden konnte.“ ^{[ 28 ]} Ein bedeutender Einfluss war laut Tenorsaxophonist Odean Pope der Pianist, Komponist und Theoretiker Hasaan Ibn Ali aus Philadelphia : „Hasaan war der Schlüssel zu … dem System, das Trane verwendet. Hasaan prägte Tranes melodisches Konzept maßgeblich.“ ^{[ 29 ]} Coltrane übte und perfektionierte sein Können fanatisch und übte laut Jimmy Heath „25 Stunden am Tag“ . Heath erinnert sich an einen Vorfall in einem Hotel in San Francisco, als Coltrane nach einer Beschwerde das Saxophon aus dem Mund nahm und eine ganze Stunde lang die Grifftechnik übte. ^{[ 30 ]} So groß war seine Hingabe. Es kam häufig vor, dass er mit dem Horn noch im Mund einschlief oder stundenlang einen einzigen Ton übte. ^{[ 31 ]}

Charlie Parker, den Coltrane vor seiner Zeit bei der Marine zum ersten Mal live erlebt hatte, wurde zu einem Idol, und die beiden spielten Ende der 1940er Jahre gelegentlich zusammen. Anfang bis Mitte der 1950er Jahre war Trane außerdem Mitglied von Gruppen unter der Leitung von Dizzy Gillespie , Earl Bostic und Johnny Hodges .

1955 arbeitete Coltrane als freiberuflicher Musiker in Philadelphia und studierte gleichzeitig bei Sandole, als er einen Anruf vom Trompeter Miles Davis erhielt . Davis war in den 1940er-Jahren erfolgreich gewesen, doch sein Ruf und sein Werk hatten unter anderem durch seine Heroinsucht gelitten. Nun war er wieder musikalisch aktiv und stand kurz vor der Gründung eines Quintetts. Coltrane spielte von Oktober 1955 bis April 1957 (mit einigen Unterbrechungen) in dieser Besetzung von Davis' Band (bekannt als das „ Erste Große Quintett “ – zusammen mit Red Garland am Klavier, Paul Chambers am Bass und Philly Joe Jones am Schlagzeug). In dieser Zeit veröffentlichte Davis mehrere einflussreiche Aufnahmen, die Coltranes wachsendes Talent erstmals erkennen ließen. Dieses Quintett, das 1956 zwei Marathon-Aufnahmesessions für Prestige absolvierte, brachte die Alben „Cookin'“ , „Relaxin'“ , „Workin'“ und „Steamin'“ hervor . Das „Erste Große Quintett“ löste sich unter anderem aufgrund von Coltranes Heroinsucht auf. ^{[ 32 ]}

In der zweiten Hälfte des Jahres 1957 arbeitete Coltrane mit Thelonious Monk im New Yorker Five Spot Café und spielte von Juli bis Dezember 1957 in Monks Quartett. Aufgrund vertraglicher Konflikte nahm er jedoch nur an einer offiziellen Studioaufnahme mit dieser Gruppe teil. Coltrane spielte in dieser Zeit zahlreiche Aufnahmen für Prestige unter seinem eigenen Namen ein, Monk weigerte sich jedoch, für sein altes Label aufzunehmen. ^{[ 33 ]} Eine private Aufnahme von Juanita Naima Coltrane von einem Wiedersehen der Gruppe im Spätsommer 1957 wurde 1993 von Blue Note Records unter dem Titel „ Live at the Five Spot – Discovery!“ veröffentlicht . Ein qualitativ hochwertiges Band eines Konzerts des Quartetts vom November 1957 wurde später entdeckt und 2005 von Blue Note herausgegeben. Die von Voice of America aufgezeichneten Konzerte bestätigen den Ruf der Gruppe, und das daraus entstandene Album „ Thelonious Monk Quartet with John Coltrane at Carnegie Hall “ erhielt hervorragende Kritiken.

„Blue Train“ , Coltranes einziges Album als Bandleader für Blue Note mit dem Trompeter Lee Morgan , dem Bassisten Paul Chambers und dem Posaunisten Curtis Fuller , gilt oft als sein bestes Album aus dieser Zeit. Vier der fünf Stücke sind Eigenkompositionen von Coltrane, und der Titelsong, „ Moment’s Notice “ und „ Lazy Bird “ sind zu Klassikern geworden.

Coltrane schloss sich Davis im Dezember 1957 wieder an, nachdem er seine Sucht überwunden hatte. ^{[ 34 ]} Im Oktober desselben Jahres prägte der Jazzkritiker Ira Gitler den Begriff „ Sheets of Sound “ ^{[ 35 ]} , um den Stil zu beschreiben, den Coltrane mit Monk entwickelt und in Davis’ Gruppe, die nun aus einem Sextett bestand, perfektioniert hatte. Sein Spiel war komprimiert, mit rasanten Läufen, die in sehr vielen Noten pro Minute kaskadenartig folgten. Coltrane erinnerte sich: „Ich stellte fest, dass es eine bestimmte Anzahl von Akkordfolgen gab, die ich in einer vorgegebenen Zeit spielen musste, und manchmal funktionierte das, was ich spielte, nicht in Achtelnoten, Sechzehntelnoten oder Triolen. Ich musste die Noten in ungerade Gruppen wie Fünfer- und Siebenergruppen anordnen, um sie alle unterzubringen.“ ^{[ 36 ]}

Coltrane blieb bis April 1960 bei Davis und arbeitete mit dem Altsaxophonisten Cannonball Adderley , den Pianisten Red Garland , Bill Evans und Wynton Kelly , dem Bassisten Paul Chambers sowie den Schlagzeugern Philly Joe Jones und Jimmy Cobb zusammen. In dieser Zeit wirkte er an den Davis-Sessions „Milestones“ und „Kind of Blue“ sowie an den Konzertaufnahmen „Miles & Monk at Newport“ (1963) und „Jazz at the Plaza“ (1958) mit .

Am Ende dieser Phase nahm Coltrane „Giant Steps“ (1960) auf, sein erstes Album als Bandleader für Atlantic , das ausschließlich seine Kompositionen enthielt. ^{[ 37 ]} Der Titeltrack des Albums gilt allgemein als eines der schwierigsten Stücke mit einer der komplexesten Akkordfolgen der Jazzliteratur ^{[ 38 ]} und wurde später als „Coltrane Changes“ bekannt . ^{[ 39 ]} Die Weiterentwicklung dieser Zyklen führte zu weiteren Experimenten mit improvisierter Melodie und Harmonie, die er sein ganzes Leben lang fortsetzte. ^{[ 40 ]}

Coltrane gründete 1960 sein erstes Quartett für Live-Auftritte in der Jazz Gallery in New York City. ^{[ 41 ]} Nach einigen Besetzungswechseln, unter anderem mit Steve Kuhn , Pete La Roca und Billy Higgins , blieben Pianist McCoy Tyner , Bassist Steve Davis und Schlagzeuger Elvin Jones fester Bestandteil der Band . ^{[ 42 ] [ 43 ]} Tyner, ein gebürtiger Philadelphier, war seit einigen Jahren mit Coltrane befreundet, und die beiden hatten vereinbart, dass Tyner der Band beitreten würde, sobald er sich bereit fühlte. ^{[ 44 ] [ 45 ]} „My Favorite Things “ (1961) war das erste Album dieser Band. ^{[ 46 ]} Es war Coltranes erstes Album auf dem Sopransaxophon , ^{[ 47 ]} das er während seiner Zeit bei Miles Davis zu üben begann. ^{[ 48 ]} Dies galt als ungewöhnlicher Schritt, da das Instrument eher mit dem frühen Jazz assoziiert wurde. ^{[ 49 ]}

Im Mai 1961 wurde Coltranes Vertrag mit Atlantic von Impulse! aufgekauft . ^{[ 50 ]} Der Wechsel zu Impulse! bedeutete, dass Coltrane seine Zusammenarbeit mit dem Toningenieur Rudy Van Gelder wieder aufnahm , der bereits seine und Davis' Aufnahmen für Prestige produziert hatte. Die meisten seiner Alben für Impulse! entstanden in Van Gelders Studio in Englewood Cliffs, New Jersey .

Anfang 1961 wurde Bassist Davis durch Reggie Workman ersetzt , während Eric Dolphy als zweiter Bläser zur Gruppe stieß. Das Quintett hatte eine gefeierte und vielfach dokumentierte Residency im Village Vanguard , die Coltranes neue musikalische Richtung verdeutlichte. Sie umfasste die experimentellste Musik, die er je gespielt hatte, beeinflusst von indischen Ragas , Modal Jazz und Free Jazz . John Gilmore , ein langjähriger Saxophonist des Musikers Sun Ra , übte einen besonders großen Einfluss aus; nach einem Auftritt Gilmores soll Coltrane gesagt haben: „Er hat’s! Gilmore hat’s drauf!“ ^{[ 51 ]} Der bekannteste Vanguard-Titel, der 15-minütige Blues „Chasin’ the Trane“, war stark von Gilmores Musik inspiriert. ^{[ 52 ]}

1961 begann Coltrane, Workman mit einem zweiten Bassisten zusammenzubringen, meist Art Davis oder Donald Garrett . Garrett erinnerte sich, Coltrane ein Tonband vorgespielt zu haben, auf dem er mit einem anderen Bassisten spielte. „Wir spielten rhythmisch, und Coltrane war begeistert vom Klang. Wir erzeugten einen ähnlichen Klang wie die ostindische Wassertrommel. Ein Bass bleibt im tiefen Register und sorgt für Stabilität und Pulsation, während der andere frei improvisieren kann, wie die rechte Hand auf der Trommel. Coltrane gefiel die Idee.“ ^{[ 53 ]} Coltrane erinnerte sich auch: „Ich dachte, ein zweiter Bass würde diesen besonderen rhythmischen Klang hinzufügen. Wir spielten viel mit einer Art schwebendem Rhythmus, wobei ein Bass eine Reihe von Noten um einen bestimmten Punkt herum spielte, und es schien, als könnte ein zweiter Bass die Lücken füllen.“ ^{[ 54 ]} Dolphy berichtete, dass eines Abends „ Wilbur Ware hereinkam und sich auf den Ständer stellte, sodass drei Bässe spielten. John und ich stiegen vom Ständer und hörten zu.“ ^{[ 54 ]} Coltrane setzte auf den 1961 erschienenen Alben „Olé Coltrane“ und „Africa/Brass“ sowie später auf „The John Coltrane Quartet Plays“ und „ Ascension “ zwei Bässe ein . Sowohl Reggie Workman als auch Jimmy Garrison spielten Bass auf den 1961 für Village Vanguard aufgenommenen Alben „India“ und „Miles’ Mode“. ^{[ 55 ]}

In dieser Zeit waren die Kritiker in ihrer Einschätzung von Coltrane, der seinen Stil radikal verändert hatte, geteilter Meinung. Auch das Publikum war irritiert; in Frankreich wurde er während seiner letzten Tournee mit Davis ausgebuht. 1961 bezeichnete das Magazin DownBeat Coltrane und Dolphy in einem Artikel, der die Musiker verwirrte und verärgerte, als „Anti-Jazz“-Musiker. ^{[ 52 ]} Coltrane gab zu, dass einige seiner frühen Soli hauptsächlich auf technischen Ideen basierten. Dolphys kantiges, gesangliches Spiel brachte ihm zudem den Ruf ein, eine Galionsfigur des New Thing , auch bekannt als Free Jazz, zu sein – einer von Ornette Coleman angeführten Bewegung, die von einigen Jazzmusikern (darunter Davis) und Kritikern verunglimpft wurde. Doch mit der Weiterentwicklung seines Stils war Coltrane fest entschlossen, jede Aufführung zu einem „ganzheitlichen Ausdruck seines Wesens“ zu machen. ^{[ 56 ]}

1962 verließ Dolphy die Band, und Jimmy Garrison ersetzte Workman am Bass. Von da an schuf das sogenannte „Classic Quartet“ mit Tyner, Garrison und Jones tiefgründige, spirituell geprägte Werke. Coltrane wandte sich einem harmonisch statischeren Stil zu, der ihm mehr Raum für rhythmische, melodische und motivische Improvisationen bot. Harmonisch komplexe Musik blieb zwar bestehen, doch auf der Bühne bevorzugte Coltrane die ständige Überarbeitung seines Standardrepertoires: „ Impressions “, „ My Favorite Things “ und „I Want to Talk About You“.

Die Kritik am Quintett mit Dolphy mag Coltrane beeinflusst haben. Im Gegensatz zu den radikalen Aufnahmen von 1961 im Village Vanguard waren seine Studioalben der folgenden zwei Jahre (mit Ausnahme von „ Coltrane“ von 1962 , das eine mitreißende Version von Harold Arlens „Out of This World“ enthielt) deutlich konservativer. Er nahm ein Balladenalbum auf und wirkte an gemeinsamen Alben mit Duke Ellington und dem Sänger Johnny Hartman mit , einem Bariton, der sich auf Balladen spezialisiert hatte. Das Album „Ballads “ (aufgenommen 1961–62) ist beispielhaft für Coltranes Vielseitigkeit, da das Quartett Standards wie „ It’s Easy to Remember “ in neuem Licht erscheinen ließ. Trotz eines ausgefeilteren Studioansatzes hielt das Quartett live weiterhin an seinem ausgewogenen Repertoire fest und ergänzte es mit experimentelleren und anspruchsvolleren Stücken, wie auf den Alben „ Impressions“ (aufgenommen 1961–63), „Live at Birdland“ und „ Newport ’63 “ ( beide aufgenommen 1963) zu hören ist. „Impressions“ besteht aus zwei ausgedehnten Jamsessions, darunter der Titeltrack sowie „ Dear Old Stockholm “, „After the Rain“ und ein Blues. Coltrane sagte später, er habe es genossen, einen „ausgewogenen Katalog“ zu haben. ^{[ 57 ]}

Am 6. März 1963 betrat die Gruppe das Van Gelder Studio in New Jersey und nahm eine Session auf, die jahrzehntelang verschollen blieb, nachdem Impulse! Records das Masterband aus Platzgründen vernichtet hatte. Am 29. Juni 2018 veröffentlichte Impulse! „ Both Directions at Once: The Lost Album“ , eine Sammlung von sieben Titeln, die von einer Kopie stammten, die Coltrane seiner Frau gegeben hatte. ^{[ 58 ] [ 59 ]} Am 7. März 1963 stieß Hartman im Studio zu ihnen, um sechs Titel für das Album „John Coltrane and Johnny Hartman“ aufzunehmen , das im Juli desselben Jahres erschien.

Nach dem erfolgreichen Release des „verlorenen Albums“ veröffentlichte Impulse! 2019 das Album „Blue World “ , das aus dem Soundtrack zum Film „The Cat in the Bag“ von 1964 besteht und im Juni 1964 aufgenommen wurde.

Das Classic Quartet veröffentlichte im Dezember 1964 sein meistverkauftes Album „ A Love Supreme“ . Diese vierteilige Suite, die einen Großteil von Coltranes bisherigem Schaffen darstellt, ist eine Ode an seinen Glauben und seine Liebe zu Gott. Diese spirituellen Themen prägten fortan Coltranes Kompositionen und sein Spiel – wie Albumtitel wie „ Ascension“ , „Om“ und „Meditations“ belegen . Der vierte Satz von „A Love Supreme“ , „Psalm“, ist die Vertonung eines von Coltrane verfassten Gedichts an Gott, das in den Liner Notes des Albums abgedruckt ist . Coltrane spielt fast genau für jede Silbe des Gedichts einen Ton und orientiert sich bei der Phrasierung an den Worten. Das Album entstand in Coltranes Haus in Dix Hills auf Long Island.

Das Quartett spielte „A Love Supreme“ nur dreimal live, zwei dieser Konzerte wurden aufgenommen – im Juli 1965 bei einem Konzert in Antibes , Frankreich, und im Oktober 1965 in Seattle , Washington. ^{[ 60 ]} Eine Aufnahme des Konzerts in Antibes wurde 2002 von Impulse! auf der remasterten Deluxe Edition von „A Love Supreme“ veröffentlicht [ ^{61 ]} und 2015 erneut auf der „Super Deluxe Edition“ von „The Complete Masters“. ^{[ 62 ]} Eine kürzlich entdeckte zweite Amateuraufnahme mit dem Titel „ ^A Love Supreme: Live in Seattle“ wurde 2021 veröffentlicht. ^{[ 63 ]}

A Love Supreme wurde vom dänischen Mundharmonikaspieler und Arrangeur Mathias Heise mit der Danish Radio Big Band für das Album A Love Supreme Revisited im Jahr 2026 neu interpretiert, arrangiert und aufgeführt, das den hundertsten Geburtstag von Coltrane markierte. ^{[ 64 ]}

In seiner Spätphase zeigte Coltrane Interesse am Avantgarde-Jazz von Ornette Coleman ^{[ 65 ]} , Albert Ayler [ ^{66 ] und} Sun Ra . Besonders beeinflusst war er von der Dissonanz in Aylers Trio mit dem Bassisten Gary Peacock ^{[ 67 ]} , der bereits mit Paul Bley zusammengearbeitet hatte , und dem Schlagzeuger Sunny Murray , dessen Spiel unter der Leitung von Cecil Taylor verfeinert worden war . Coltrane förderte viele junge Free-Jazz-Musiker wie Archie Shepp ^{[ 68 ]} , und unter seinem Einfluss entwickelte sich Impulse! zu einem der führenden Free-Jazz-Labels.

Nach der Aufnahme von „A Love Supreme“ prägte Aylers Stil Coltranes Musik zunehmend. Eine Reihe von Aufnahmen mit dem Classic Quartet in der ersten Hälfte des Jahres 1965 zeigt Coltranes abstrakteres Spiel mit verstärktem Einsatz von Techniken wie Multiphonics , Obertönen und dem Spielen im Altissimo -Register sowie einer veränderten Rückkehr seiner charakteristischen Klangflächen. Im Studio gab er das Sopransaxophon fast vollständig auf und konzentrierte sich auf das Tenorsaxophon. Das Quartett reagierte darauf mit zunehmender Spielfreiheit. Die Entwicklung der Gruppe lässt sich anhand der Alben „The John Coltrane Quartet Plays“ , „Living Space“ , „Transition“ , „New Thing at Newport“ , „Sun Ship “ und „ First Meditations“ nachvollziehen .

Im Juni 1965 ging er mit zehn anderen Musikern (darunter Shepp, ^{[ 69 ]} Pharoah Sanders , ^{[ 69 ]} Freddie Hubbard , ^{[ 69 ]} Marion Brown und John Tchicai ^{[ 69 ]} ) in Van Gelders Studio, um „Ascension“ aufzunehmen , ein 38-minütiges Stück mit Soli junger Avantgarde-Musiker. ^{[ 68 ]} Das Album war vor allem wegen der zwischen den Soli eingefügten kollektiven Improvisationspassagen umstritten. Nachdem Coltrane in den folgenden Monaten mit dem Quartett Aufnahmen gemacht hatte, lud er Sanders im September 1965 ein, der Band beizutreten. Während Coltrane das Überblasen häufig als emotionalen Ausrufezeichen einsetzte, war Sanders „auf der Suche nach ‚menschlichen‘ Klängen auf seinem Instrument“ ^{[ 70 ]} und erweiterte das Klangrepertoire seines Horns drastisch durch den Einsatz von Multiphonics, Growling und „hohen Quietschgeräuschen, die nicht nur den menschlichen Gesang, sondern auch den menschlichen Schrei und Kreischen imitieren konnten“ ^{[ 71 ]} . Zu Coltranes Entscheidung, Sanders in die Band aufzunehmen, schrieb der Kritiker Gary Giddins : „Diejenigen, die Coltrane bis an den Rand der Galaxie gefolgt waren, standen nun vor der zusätzlichen Herausforderung eines Musikers, der scheinbar wenig Bezug zur Erde hatte.“ ^{[ 72 ]}

Ende 1965 erweiterte Coltrane seine Gruppe regelmäßig um Sanders und andere Free-Jazz-Musiker. Rashied Ali stieß als zweiter Schlagzeuger hinzu. Dies markierte das Ende des Quartetts. Tyner, der angab, sich selbst angesichts der beiden Schlagzeuger nicht mehr hören zu können, verließ die Band kurz nach den Aufnahmen zu „Meditations“ . Jones ging Anfang 1966, unzufrieden damit, sich das Schlagzeugspiel mit Ali teilen zu müssen, und erklärte zu Coltranes neuester Musik: „Nur Poeten können sie verstehen.“ ^{[ 73 ]} In Interviews äußerten Tyner und Jones beide ihre Unzufriedenheit mit der musikalischen Richtung; dennoch integrierten sie einige der Intensitäten des Free Jazz in ihre Soloarbeiten. Später brachten beide Musiker großen Respekt vor Coltrane zum Ausdruck: Über seine späte Musik sagte Jones: „Natürlich ist sie abgefahren, denn hier arbeitet ein außergewöhnlicher Geist. Man würde ja nicht erwarten, dass Einstein Murmeln spielt, oder?“ ^{[ 74 ]} Tyner erinnerte sich: „Er war ständig auf der Suche nach Neuem. Er ruhte sich nie auf seinen Lorbeeren aus, sondern suchte immer nach dem Nächsten … er war immer auf der Suche, wie ein Wissenschaftler im Labor, nach etwas Neuem, einer anderen Richtung … Er hörte diese Klänge immer wieder in seinem Kopf.“ ^{[ 75 ]} Sowohl Jones als auch Tyner nahmen Tributalben für Coltrane auf: Tyner mit „ Echoes of a Friend“ (1972) und „Blues for Coltrane: A Tribute to John Coltrane“ (1987), Jones mit „ Live in Japan 1978: Dear John C.“ (1978) und „ Tribute to John Coltrane „A Love Supreme“ (1994).

Es wird spekuliert, dass Coltrane 1965 mit dem Konsum von LSD begann [ ^{76 ] [ 77 ] ,} was die „kosmische“ Transzendenz seiner späten Schaffensphase beeinflusst haben soll. Nat Hentoff schrieb: „Es ist, als sprächen er und Sanders mit der Gabe der Zungenrede – als wären ihre Erkenntnisse von so zwingender Kraft, dass sie die gewöhnlichen musikalischen Ausdrucksformen und Texturen transzendieren müssten, um jenen Teil des Wesens des Seins zu vermitteln, den sie berührt haben.“ ^{[ 78 ]} Nach dem Ausscheiden von Tyner und Jones leitete Coltrane ein Quintett mit Sanders am Tenorsaxophon, seiner zweiten Frau Alice Coltrane am Klavier, Garrison am Bass und Ali am Schlagzeug. Auf Tournee war die Gruppe dafür bekannt, lange Versionen ihres Repertoires zu spielen, viele davon dauerten über 30 Minuten bis zu einer Stunde. Bei Konzerten dauerten die Soli der Bandmitglieder oft mehr als fünfzehn Minuten.

Die Gruppe ist auf mehreren Konzertaufnahmen aus dem Jahr 1966 zu hören, darunter „ Live at the Village Vanguard Again!“ und „Live in Japan“ . (Auf letzterer spielten Coltrane und Sanders ausnahmsweise Altsaxophone, die ihnen von Yamaha geschenkt worden waren .) ^{[ 79 ]} 1967 ging Coltrane mehrmals ins Studio. Obwohl Stücke mit Sanders aufgetaucht sind (das ungewöhnliche „To Be“ enthält beide Flöten), entstanden die meisten Aufnahmen entweder mit dem Quartett ohne Sanders („ Expression“ und „Stellar Regions “) oder als Duo mit Ali. Letzteres Duo produzierte sechs Darbietungen, die auf dem Album „Interstellar Space“ erschienen . Coltrane tourte bis zwei Monate vor seinem Tod auch weiterhin mit dem zweiten Quartett; sein vorletzter Live-Auftritt und seine letzte Aufnahme, eine Radiosendung für das Olatunji Center of African Culture in New York City, wurde schließlich 2001 als Album veröffentlicht.

Coltrane starb am 17. Juli 1967 im Alter von 40 Jahren an Leberkrebs im Huntington Hospital auf Long Island. Seine Beerdigung fand vier Tage später in der St. Peter’s Lutheran Church in New York City statt. Der Gottesdienst wurde vom Albert Ayler Quartett eröffnet und vom Ornette Coleman Quartett beendet. ^{[ 80 ]} Coltrane ist auf dem Pinelawn Memorial Park in Farmingdale , New York, begraben .

Der Biograf Lewis Porter vermutete, dass Coltranes Krankheit durch Hepatitis verursacht wurde , führte sie aber auch auf Coltranes früheren Heroinkonsum zurück. ^{[ 81 ]} Frederick J. Spencer schrieb, Coltranes Tod sei möglicherweise auf seinen Drogenkonsum „oder die Flasche oder beides“ zurückzuführen. ^{[ 82 ]} Er erklärte, die Nadeln, mit denen er die Drogen injizierte, könnten maßgeblich zu Coltranes Lebererkrankung beigetragen haben: „Wenn eine Nadel mit dem entsprechenden Hepatitisvirus kontaminiert war, könnte dies eine chronische Infektion verursacht haben, die zu Zirrhose oder Krebs führte.“ ^{[ 82 ]} Er merkte an, dass Coltrane trotz seines „spirituellen Erwachens“ im Jahr 1957 „zu diesem Zeitpunkt möglicherweise bereits an chronischer Hepatitis und Zirrhose litt  … Sofern er nicht später im Leben einen anderen primären Krankheitsherd entwickelte, der sich auf seine Leber ausbreitete, wurden die Ursachen für John Coltranes Krebs in seiner Zeit der Sucht gelegt.“ ^{[ 83 ]}

Coltranes Tod überraschte viele in der Musikwelt, die nichts von seinem Gesundheitszustand wussten. Miles Davis sagte: „Coltranes Tod schockierte alle, kam völlig unerwartet. Ich wusste, dass es ihm nicht gut ging  … Aber ich wusste nicht, dass er so krank war – oder überhaupt krank.“ ^{[ 84 ]}

Coltrane begann seine Karriere am Altsaxophon, wechselte aber 1947, als er der Band von King Kolax beitrat, zum Tenorsaxophon , dem Instrument, für das er bekannt wurde. ^{[ 85 ]} Anfang der 1960er Jahre, während seines Vertrags mit Atlantic , spielte er auch Sopransaxophon . ^{[ 85 ]}

John Lewis, stellvertretender Musikredakteur bei Time Out, urteilte: „Bis 1962 hatte Coltrane einen eigenen Stil des modalen Jazz entwickelt , der indische und arabische Skalen aufgriff und gleichzeitig eine leidenschaftliche spirituelle Ausrichtung beibehielt. Während er auf dem Tenor- und Sopransaxophon in Zungen redete , dröhnte unter ihm seine mittlerweile legendäre Beatles-Band, die „Fab Four“, mit ihrem Hard Bop , der sich nach Indien und Afrika , nach Soul und sogar nach Psychedelia ausdehnte .“ ^{[ 86 ]}

Seine Vorliebe für Melodien in höheren Lagen des Tenorsaxophons wird seiner Ausbildung am Althorn und der Klarinette zugeschrieben. Sein „Klangkonzept“ des Tenorsaxophons, das er im Vokaltrakt entwickelte, lag über dem normalen Tonumfang des Instruments. ^{[ 87 ]} Coltrane beobachtete, wie seine Erfahrung mit dem Sopransaxophon seinen Stil auf dem Tenorsaxophon allmählich beeinflusste: „Da das Sopransaxophon ein so kleines Instrument ist, stellte ich fest, dass das Spielen des tiefsten Tons darauf dem Spielen eines mittleren Tons auf dem Tenorsaxophon ähnelte. Ich merkte, dass ich das gesamte Spektrum dieses Instruments ausschöpfte. Auf dem Tenorsaxophon hatte ich das nicht immer getan, da ich bestimmte Ideen spielte, die sich auf bestimmte Tonlagen beschränkten. Durch das Spielen auf dem Sopransaxophon und die Gewöhnung an das Spielen ab dem tiefen B aufwärts, kam es bald so weit, dass ich beim Wechsel zum Tenorsaxophon dasselbe tat. Und das führte zu dem Wunsch, mich zu verändern und einfach zu versuchen, das Instrument so umfassend wie möglich auszuloten.“ ^{[ 88 ]}

Gegen Ende seiner Karriere experimentierte er bei Live-Auftritten und Studioaufnahmen mit der Flöte ( Live at the Village Vanguard Again!, Expression ) . Nach dem Tod von Eric Dolphy im Juni 1964 schenkte ihm seine Mutter seine Flöte und Bassklarinette. ^{[ 89 ]}

Laut Schlagzeuger Rashied Ali hatte Coltrane ein großes Interesse am Schlagzeug. ^{[ 90 ]} Oft hatte er bei Konzerten ein zusätzliches Schlagzeug dabei, das er auch spielte. ^{[ 91 ]} Sein Interesse am Schlagzeug und seine Vorliebe für Schlagzeugsoli kamen in Stücken wie „Pursuance“ und „The Drum Thing“ von den Alben „ A Love Supreme“ bzw. „Crescent“ zum Ausdruck . Daraus entstand das Album „Interstellar Space“ mit Ali. ^{[ 92 ]} In einem Interview mit Nat Hentoff Ende 1965 oder Anfang 1966 erklärte Coltrane: „Ich brauche mehr Zeit, mehr Rhythmus um mich herum. Und mit mehr als einem Schlagzeuger kann der Rhythmus vielschichtiger sein.“ ^{[ 78 ]} In einem Interview mit Frank Kofsky im August 1966 betonte Coltrane wiederholt seine Affinität zum Schlagzeug und sagte: „Ich bin dem Schlagzeug sehr verbunden, wirklich.“ ^{[ 93 ]} Später im selben Jahr nahm Coltrane die Musik auf, die posthum auf Offering: Live at Temple University veröffentlicht wurde. Auf diesem Album ist Ali am Schlagzeug zu hören, unterstützt von drei Perkussionisten.

Coltranes Tenorsaxophon ( Selmer Mark VI , Seriennummer 125571, Baujahr 1965) und Sopransaxophon (Selmer Mark VI, Seriennummer 99626, Baujahr 1962) wurden am 20. Februar 2005 versteigert, um Geld für die John Coltrane Foundation zu sammeln. ^{[ 94 ]}

Obwohl er selten Altsaxophon spielte, besaß er einen Prototyp eines Yamaha-Altsaxophons, den er 1966 von der Firma als Werbegeschenk erhalten hatte. Man kann ihn damit auf in Japan aufgenommenen Live-Alben wie „ Second Night in Tokyo“ spielen hören , und er ist damit auf dem Cover der Kompilation „ Live in Japan“ abgebildet. Auch auf dem Album „Stellar Regions“ ist er mit dem Yamaha-Altsaxophon zu hören . ^{[ 95 ]}

Coltrane wurde in einem christlichen Elternhaus geboren und erzogen. Schon in seiner Kindheit wurde er von Religion und Spiritualität geprägt. Sein Großvater mütterlicherseits, Reverend William Blair, war Pfarrer einer African Methodist Episcopal Zion Church ^{[ 96 ] [ 97 ]} in High Point, North Carolina , und sein Großvater väterlicherseits, Reverend William H. Coltrane, war Pfarrer der AME Zion Church in Hamlet, North Carolina . ^{[ 96 ]} Der Kritiker Norman Weinstein bemerkte Parallelen zwischen Coltranes Musik und seinen Erfahrungen in der Südstaatenkirche ^{[ 98 ]} , wo er als Jugendlicher auch selbst musizierte.

1955 heiratete Coltrane Naima ( geb. Juanita Grubbs). Naima Coltrane, eine zum Islam konvertierte Frau, prägte seine Spiritualität maßgeblich. Zum Zeitpunkt der Hochzeit hatte sie eine fünfjährige Tochter namens Antonia, später Syeeda genannt, die Coltrane adoptierte. Er lernte Naima im Haus des Bassisten Steve Davis in Philadelphia kennen. Die Liebesballade „ Naima “, die er zu Ehren seiner Frau schrieb, war Coltranes Lieblingskomposition. 1956 verließ das Paar mit seiner Tochter Philadelphia und zog nach New York City. Im August 1957 bezogen die drei eine Wohnung in der 103. Straße Ecke Amsterdam Avenue in New York. Einige Jahre später kauften John und Naima ein Haus in der Mexico Street 116–60 in St. Albans, Queens . ^{[ 99 ]} In diesem Haus trennten sie sich 1963. ^{[ 100 ]}

Über die Trennung sagte Naima in der Biografie „Chasin' the Trane“ von JC Thomas: „Ich hatte gespürt, dass es früher oder später passieren würde, deshalb war ich nicht wirklich überrascht, als John im Sommer 1963 auszog. Er gab keine Erklärung. Er sagte nur, er müsse einiges erledigen, und nahm nur seine Kleidung und seine Instrumente mit. Manchmal wohnte er in einem Hotel, manchmal bei seiner Mutter in Philadelphia. Alles, was er sagte, war: ‚Naima, ich werde etwas ändern.‘ Obwohl ich es kommen sah, tat es weh, und ich kam mindestens ein weiteres Jahr nicht darüber hinweg.“ Trotzdem pflegte Coltrane ein enges Verhältnis zu Naima und rief sie 1964 sogar an, um ihr zu sagen, dass neunzig Prozent seines Spiels aus Gebeten bestünden. Sie blieben bis zu seinem Tod 1967 in Kontakt. Naima Coltrane starb im Oktober 1996 an einem Herzinfarkt.

1957 hatte Coltrane ein religiöses Erlebnis, das ihm möglicherweise half, seine Heroinsucht ^{[ 101 ] [ 102 ]} und seinen Alkoholismus ^{[ 102 ]} zu überwinden , mit denen er seit 1948 zu kämpfen hatte. ^{[ 103 ]} In den Liner Notes von „A Love Supreme“ erklärte Coltrane, er habe 1957 „durch Gottes Gnade ein spirituelles Erwachen erlebt, das mich zu einem reicheren, erfüllteren und produktiveren Leben führen sollte. Damals bat ich demütig und dankbar darum, die Mittel und das Privileg zu erhalten, andere durch Musik glücklich zu machen.“ ^{[ 104 ]} Weitere Belege für diese universelle Sichtweise finden sich in den Liner Notes von „Meditations“ (1965), in denen Coltrane erklärt: „Ich glaube an alle Religionen.“ ^{[ 105 ]}

1963 lernte er die Pianistin Alice McLeod kennen . ^{[ 106 ]} Er und Alice zogen zusammen und bekamen zwei Söhne, bevor er sich 1966 offiziell von Naima scheiden ließ. Anschließend heirateten er und Alice. ^{[ 105 ]} John Jr. wurde 1964 geboren, Ravi 1965 und Oranyan („Oran“) 1967. ^{[ 105 ]} Laut dem Musiker Peter Lavezzoli brachte Alice Glück und Stabilität in Johns Leben, nicht nur durch die Kinder, sondern auch, weil sie viele spirituelle Überzeugungen teilten, insbesondere ein gemeinsames Interesse an indischer Philosophie. Alice verstand auch, was es bedeutete, professioneller Musiker zu sein. ^{[ 105 ]}

Nach „A Love Supreme“ hatten viele seiner Album- und Songtitel spirituelle Bezüge: „ Ascension “, „ Meditations “ , „ Om “, „ Selflessness “, „Amen“, „Ascent“, „Attaining“, „Dear Lord“, „Prayer and Meditation Suite“ und „The Father and the Son and the Holy Ghost“. ^{[ 105 ]} Zu seiner Bibliothek gehörten das Evangelium von Sri Ramakrishna , die Bhagavad Gita und Paramahansa Yoganandas „ Autobiography of a Yogi“ . Letztere beschreibt, in Lavezzolis Worten, „die Suche nach universeller Wahrheit, eine Reise, die auch Coltrane unternommen hatte. Yogananda glaubte an die Wirksamkeit sowohl östlicher als auch westlicher spiritueller Wege und schrieb über die Ähnlichkeiten zwischen Krishna und Christus . Diese Offenheit gegenüber verschiedenen Traditionen fand Anklang bei Coltrane, der den Koran , die Bibel , die Kabbala und die Astrologie mit gleicher Hingabe studierte .“ ^{[ 107 ]} Er beschäftigte sich außerdem mit dem Hinduismus , Jiddu Krishnamurti , ^der afrikanischen Geschichte , den philosophischen Lehren Platons und Aristoteles [ ^{108 ]} sowie dem Zen-Buddhismus . ^{[ 109 ]}

Im Oktober 1965 nahm Coltrane „Om“ auf , benannt nach der heiligen Silbe im Hinduismus , die das Unendliche oder das gesamte Universum symbolisiert. Coltrane beschrieb Om als die „erste Silbe, das Urwort, das Wort der Macht“ ^{[ 110 ]} . Die 29-minütige Aufnahme enthält Gesänge aus der hinduistischen Bhagavad Gita ^{[ 111 ]} und dem buddhistischen Tibetischen Totenbuch [ ^{112 ]} sowie die Rezitation einer Passage, die die Urformulierung „Om“ als kosmischen und spirituellen gemeinsamen Nenner aller Dinge beschreibt ^.

Coltranes spirituelle Reise war eng mit seiner Auseinandersetzung mit Weltmusik verwoben. Er glaubte nicht nur an eine universelle musikalische Struktur, die ethnische Unterschiede überwindet, sondern auch daran, die mystische Sprache der Musik selbst nutzbar machen zu können. Sein Studium indischer Musik führte ihn zu der Überzeugung, dass bestimmte Klänge und Tonleitern „spezifische emotionale Bedeutungen hervorrufen“ können. Laut Coltrane bestand das Ziel eines Musikers darin, diese Kräfte zu verstehen, sie zu beherrschen und beim Publikum eine Reaktion hervorzurufen. Er sagte: „Ich möchte den Menschen so etwas wie Glück bringen. Ich möchte eine Methode entdecken, mit der es sofort zu regnen beginnt, wenn ich es will. Wenn einer meiner Freunde krank ist, möchte ich ein bestimmtes Lied spielen, und er wird geheilt; wenn er pleite ist, möchte ich ein anderes Lied spielen, und er wird sofort das nötige Geld haben.“ ^{[ 113 ]}

Saint John Coltrane
Coltrane-Ikone in der St. John Coltrane African Orthodox Church
Verehrt in	Afrikanische Orthodoxe Kirche Episkopalkirche
Kanonisiert	1982, St. John Coltrane Kirche, 2097 Turk Blvd, San Francisco , Kalifornien, 94115, von der African Orthodox Church [ 114 ]
Fest	8. Dezember (AOC)
Schirmherrschaft	Alle Künstler

Nach Coltranes Tod begann eine Gemeinde namens Yardbird Temple in San Francisco, ihn als Inkarnation Gottes zu verehren. ^{[ 115 ]} Die Gruppe benannte sich nach Charlie „Yardbird“ Parker , den sie mit Johannes dem Täufer gleichsetzten . ^{[ 115 ]} Die Gemeinde schloss sich der African Orthodox Church an ; dies beinhaltete die Umwandlung von Coltranes Status von einem Gott in einen Heiligen. ^{[ 115 ]} Die daraus entstandene St. John Coltrane African Orthodox Church in San Francisco ist die einzige African Orthodox Church, die Coltranes Musik und seine Texte als Gebete in ihre Liturgie einbezieht. ^{[ 116 ]}

Reverend FW King beschrieb die African Orthodox Church of Saint John Coltrane mit den Worten: „Wir sind uns Coltranes bewusst ... Gott wohnt in der musikalischen Majestät seiner Klänge.“ ^{[ 117 ]}

Der Journalist Samuel G. Freedman schrieb für die New York Times :

Die Coltrane-Kirche ist kein bloßer Marketingtrick oder eine erzwungene Mischung aus Nachtclubmusik und esoterischem Glauben. Ihre Botschaft der Befreiung durch göttlichen Klang deckt sich tatsächlich mit Coltranes eigener Erfahrung und Botschaft. … Sowohl implizit als auch explizit fungierte Coltrane auch als religiöse Figur. In den 1950er-Jahren heroinabhängig, machte er einen kalten Entzug und erklärte später, er habe während seiner qualvollen Entzugserscheinungen die Stimme Gottes gehört. … 1966 fragte ein Interviewer in Japan Coltrane, was er in fünf Jahren sein wolle, und Coltrane antwortete: „Ein Heiliger.“ ^{[ 115 ]}

Coltrane ist als einer der 90 Heiligen auf der Ikone der „Tanzenden Heiligen“ der St. Gregory of Nyssa Episcopal Church in San Francisco dargestellt. Die Ikone ist ein 280 m² großes ^Gemälde im byzantinischen Stil , das die gesamte Rotunde der Kirche umschließt. Sie wurde von Mark Dukes geschaffen, einem geweihten Diakon der Saint John Coltrane African Orthodox Church, der auch andere Coltrane-Ikonen für die Coltrane Church malte. ^{[ 118 ]} Die Saint Barnabas Episcopal Church in Newark, New Jersey, nahm Coltrane in ihre Liste historischer schwarzer Heiliger auf und plädierte in einem Artikel auf ihrer Website für seine Heiligsprechung. ^{[ 119 ]}

Zu den Dokumentarfilmen über Coltrane und die Kirche gehören Alan Klingensteins „ The Church of Saint Coltrane “ (1996) ^{[ 114 ] [ 120 ]} und eine 2004 von Alan Yentob für die BBC präsentierte Sendung ^{[ 121 ]} .

Die untenstehende Diskografie listet Alben auf, die Coltrane zu Lebzeiten als Bandleader konzipiert und freigegeben hat. Sie umfasst nicht seine zahlreichen Veröffentlichungen als Sideman, Sessions, die nach Ablauf seines Vertrags von verschiedenen Plattenfirmen zu Alben zusammengestellt wurden, Sessions mit Coltrane als Sideman, die später unter seinem Namen wiederveröffentlicht wurden, oder posthume Kompilationen – mit Ausnahme derjenigen, die er vor seinem Tod freigegeben hat. Eine vollständige Liste finden Sie im Haupt-Diskografie-Link oben.

• Coltrane (Debüt-Soloalbum ; 1957)
• Blue Train (1958)
• John Coltrane mit dem Red Garland Trio (1958)
• Soultrane (1958)

• Riesenschritte (1960)
• Coltrane Jazz (1961)
• Meine Lieblingsdinge (1961)
• Olé Coltrane (1961)

• Afrika/Messing (1961)
• Coltrane "Live" im Village Vanguard (1962)
• Coltrane (1962)
• Duke Ellington & John Coltrane (1963)
• Balladen (1963)
• John Coltrane und Johnny Hartman (1963)
• Impressionen (1963)
• Live im Birdland (1964)
• Crescent (1964)
• A Love Supreme (1965)
• Das John Coltrane Quartett spielt (1965)
• Ascension (1966)
• New Thing in Newport (1966)
• Meditationen (1966)
• Wieder live im Village Vanguard! (1966)
• Kulu Sé Mama (1967)
• Ausdruck (1967)

Coltrane erhielt 1961 im Concertgebouw in Amsterdam einen Edison Award für das Album Giant Steps. ^{[ 122 ]}

1965 wurde er in die DownBeat Jazz Hall of Fame aufgenommen . 1972 erhielt sein Album „A Love Supreme“ von JASRAC Goldstatus für über eine halbe Million verkaufte Exemplare in Japan. In den USA wurde es 2001 ebenfalls mit Gold ausgezeichnet. 1982 erhielt er posthum einen Grammy für die beste Jazz-Solo-Performance auf dem Album „ Bye Bye Blackbird“ , und 1997 wurde ihm der Grammy Lifetime Achievement Award verliehen . ^{[ 28 ]} 2002 zählte ihn der Musikwissenschaftler Molefi Kete Asante zu den 100 größten Afroamerikanern . ^{[ 123 ]} 2007 wurde ihm ein Sonderpreis des Pulitzer-Preises verliehen, in Anerkennung seiner „meisterhaften Improvisation, seines herausragenden musikalischen Könnens und seiner zentralen Bedeutung für die Geschichte des Jazz“. ^{[ 2 ]} 2009 wurde er in die North Carolina Music Hall of Fame aufgenommen. ^{[ 124 ]}

Sein ehemaliges Wohnhaus, das John Coltrane House in Philadelphia, wurde 1999 zum National Historic Landmark erklärt. Sein letztes Zuhause, das John Coltrane Home im Dix ​​Hills District von Huntington, New York, wo er von 1964 bis zu seinem Tod lebte, wurde am 29. Juni 2007 in das National Register of Historic Places aufgenommen .

Der französische Schlagzeuger, Komponist und Sänger Christian Vander , Gründer der Band Magma , betrachtet Coltrane als seine größte musikalische Inspiration und widmete ihm sein 2011 erschienenes Album „John Coltrane L'Homme Suprême“ als Hommage. ^{[ 125 ]}

1990 produzierte der Musiker Robert Palmer eine Dokumentation über Coltrane mit dem Titel „The World According to John Coltrane“ . Darauf folgte 2016 die Dokumentation „Chasing Trane: The John Coltrane Documentary“ unter der Regie von John Scheinfeld. ^{[ 126 ]}

• DeVito, Chris; Fujioka, Yasuhiro; Schmaler, Wolf; Wild, David (2008). Die John Coltrane-Referenz . Routledge. ISBN 978-0-415-97755-5Die
• Lavezzoli, Peter (2006). Die Anfänge der indischen Musik im Westen . Continuum International Publishing Group. ISBN 0-8264-1815-5Die
• Nisenson, Eric (1995). Ascension: John Coltrane and His Quest . Da Capo Press. ISBN 0-306-80644-4Die
• Porter, Lewis (1999). John Coltrane: Sein Leben und seine Musik . University of Michigan Press. ISBN 0-472-08643-XDie

• Baham, Nicholas III (2015) [2015]. Die Coltrane-Kirche: Apostel des Klangs, Vermittler sozialer Gerechtigkeit . McFarland. ISBN 978-0786494965Die
• Kahn, Ashley (2003) [2002]. A Love Supreme: Die Geschichte von John Coltranes legendärem Album . Elvin Jones. Penguin Books. ISBN 0-14-200352-2Die
• Margry, Peter Jan und Wojcik, Daniel. (2017) „Ein Saxophon-Götter. Die transformative Kraft der Jazzmusik von Saint John Coltrane im Fillmore District von San Francisco“, in: V. Hegner und PJ Margry (Hrsg.), Spiritualizing the City: Agency and Resilience of the Urban and Urbanesque Habitat. Milton Park: Routledge, S. 169–194.
• Simpkins, Cuthbert (1989) [1975]. Coltrane: Eine Biografie . New York: Herndon House Publishers. ISBN 0-915542-82-XDie
• Thomas, JC (1975). Chasin' the Trane . New York: Da Capo. ISBN 0-306-80043-8Die
• Woideck, Carl (1998). The John Coltrane Companion . New York: Schirmer Books. ISBN 0-02-864790-4Die

• Offizielle Website
• John Coltrane Diskografie bei Discogs
• John Coltrane Infografik
• John Coltrane Diskografie
• Webseite der St. John Coltrane African Orthodox Church
• John Coltrane , Carnegie-Hall-Auftritt 1957: Transkription und Analyse
• John Coltrane: Bilder von Trane von Lee Tanner in JazzTimes , Juni 1997
• John Coltrane Interviews aus den Jahren 1958–1966
• Nationalbibliothek für Medizin, Die verlorenen Jahre: Der Einfluss der Leberzirrhose auf die Geschichte des Jazz