Funk

Funk ist ein Musikgenre , das Mitte der 1960er-Jahre in afroamerikanischen Gemeinschaften entstand. Musiker schufen eine rhythmische , tanzbare neue Musikform durch die Mischung verschiedener Musikrichtungen, die Mitte des 20. Jahrhunderts unter Afroamerikanern populär waren. Melodie und Akkordfolgen treten in den Hintergrund ; der Fokus liegt auf einem starken rhythmischen Groove , gespielt von einem E -Bassisten und einem Schlagzeugpart , oft in langsamerem Tempo als andere populäre Musik. Typischerweise besteht Funk aus einem komplexen perkussiven Groove, bei dem ineinandergreifende Rhythmusinstrumente eine hypnotische und tanzbare Wirkung erzeugen. ^{[ 3 ]} Der frühe Funk, insbesondere James Brown, verschmolz Jazz und Blues und fügte einen synkopierten Schlagzeuggroove hinzu.

Funk entstand Mitte der 1960er Jahre mit James Browns Entwicklung eines charakteristischen Grooves, der den Downbeat betonte – mit starker Betonung des ersten Schlags jedes Taktes („The One“) – und die Verwendung von Swing- Sechzehntelnoten und Synkopen auf allen Basslinien, Drum-Patterns und Gitarrenriffs. ^{[ 4 ]} Rock- und Psychedelic- beeinflusste Musiker wie Sly and the Family Stone und Parliament-Funkadelic förderten ab Ende der 1960er Jahre vielseitigere Ausprägungen des Genres. ^{[ 5 ]} Andere Musikgruppen entwickelten Browns Innovationen in den 1970er und 1980er Jahren weiter, darunter Kool and the Gang , ^{[ 6 ]} Ohio Players , Fatback Band , Jimmy Castor Bunch, Bootsy Collins , Earth, Wind & Fire , BT Express , Hamilton Bohannon , ^{[ 7 ]} One Way , Lakeside , Dazz Band , The Gap Band , Slave , Aurra , Roger Troutman & Zapp , Con Funk Shun , Cameo , Bar-Kays und Chic . ^{[ 8 ]}

Zu den Funk-Abkömmlingen zählen Avantgarde-Funk , eine avantgardistische Variante des Funk; Boogie , eine Mischung aus elektronischer Musik und Funk; Funk Metal ; G-Funk , eine Kombination aus Gangsta-Rap und Psychedelic Funk ; Timba , eine Form funkiger kubanischer Tanzmusik; und Funk Jam. Funk ist außerdem die Hauptinspirationsquelle für Washington Go-Go , ein Funk-Subgenre. ^{[ 9 ]} Funk- Samples und Breakbeats finden breite Anwendung im Hip-Hop und in der elektronischen Tanzmusik .

Das Wort „Funk“ bezeichnete ursprünglich (und bezeichnet teilweise noch immer) einen starken Geruch. Es stammt vom lateinischen „fumigare “ (rauchen) über das altfranzösische „ fungiere “ ab und wurde in dieser Bedeutung erstmals 1620 im Englischen belegt. 1784 wurde die Bedeutung „ funky “ (muffig) erstmals dokumentiert, woraus sich wiederum die Bedeutung „erdig“ entwickelte, die um 1900 im frühen Jazz-Slang für etwas „tief oder stark Empfundenes“ aufkam. ^{[ 10 ] [ 11 ]} Obwohl der Begriff „ Funk“ in der weißen Kultur negative Assoziationen wie Geruch oder schlechte Laune ( im Sinne von „in einem Funk “) hervorrufen kann, hatte er in afrikanischen Gemeinschaften, obwohl er immer noch mit Körpergeruch verbunden war, die positive Bedeutung, dass die harte, ehrliche Anstrengung eines Musikers zu Schweiß führte und aus dieser „körperlichen Anstrengung“ eine „exquisite“ und „hervorragende“ Darbietung entstand. ^{[ 12 ]}

In frühen Jam-Sessions feuerten sich Musiker gegenseitig mit dem Ausruf „Jetzt aber richtig los !“ an. Schon 1907 trugen Jazzsongs Titel wie „Funky “ . Ein Beispiel dafür ist ein unveröffentlichtes Stück von Buddy Bolden , das entweder als „Funky Butt“ oder „Buddy Bolden's Blues“ bekannt ist. Der improvisierte Text war laut Donald M. Marquis entweder „komisch und leicht“ oder „derb und geradezu obszön“, bezog sich aber in jedem Fall auf die schwüle Atmosphäre bei den Tanzveranstaltungen, auf denen Boldens Band spielte. ^{[ 13 ] [ 14 ]} Noch in den 1950er und frühen 1960er Jahren, als Funk und Funky zunehmend im Kontext von Jazzmusik verwendet wurden , galten die Begriffe als unfein und unpassend für den Gebrauch in feiner Gesellschaft. Einer Quelle zufolge verwendete der in New Orleans geborene Schlagzeuger Earl Palmer als Erster den Begriff „funky“, um anderen Musikern zu erklären, dass ihre Musik synkopierter und tanzbarer sein sollte. ^{[ 15 ]} Der Stil entwickelte sich später zu einem eher treibenden, eindringlichen Rhythmus, der eine sinnlichere Qualität implizierte . Diese frühe Form der Musik prägte das Bild späterer Musiker. ^{[ 16 ]} Die Musik wurde als langsam, sinnlich, locker, riffbetont und tanzbar beschrieben.

Die Bedeutung von Funk fasziniert weiterhin das Genre der schwarzen Musik, deren Gefühlswelt und Wissen. Neuere Forschungen im Bereich der Black Studies greifen den Begriff Funk in seinen vielfältigen Ausprägungen auf, um die Bandbreite schwarzer Bewegungen und Kultur zu beleuchten. Insbesondere L. H. Stallings' Werk „Funk the Erotic: Transaesthetics and Black Sexual Cultures“ untersucht diese verschiedenen Bedeutungen von Funk , um Sexualität, Kultur und westliche Hegemonie in den verschiedenen Bereichen des Funk zu theoretisieren : „Straßenfeste, Theater, Stripperinnen und Stripclubs, Pornografie und selbstveröffentlichte Belletristik.“ ^{[ 17 ]}

Wie Soul basiert auch Funk auf Tanzmusik und hat daher eine starke rhythmische Komponente. ^{[ 18 ]} Der Klang von Funk beruht ebenso sehr auf den Pausen zwischen den Noten wie auf den gespielten Noten selbst; daher sind die Pausen zwischen den Noten wichtig. ^{[ 19 ]} Obwohl es rhythmische Ähnlichkeiten zwischen Funk und Disco gibt , besitzt Funk einen zentralen Tanzbeat, der langsamer, sinnlicher und synkopierter ist als Disco. Zudem verleihen die Musiker einer Funk-Rhythmusgruppe dem Hauptbeat mehr Subtexturen, Komplexität und Persönlichkeit als ein programmiertes, synthesizerbasiertes Disco-Ensemble. ^{[ 20 ]}

Vor dem Funk basierte die Popmusik größtenteils auf Achtelnotenfolgen, da die schnellen Tempi weitere Unterteilungen des Taktes unmöglich machten. ^{[ 3 ]} Die Innovation des Funk bestand darin, dass er durch die Verwendung langsamerer Tempi (sicherlich beeinflusst durch das Blues-Revival der frühen 1960er Jahre) „Raum für weitere rhythmische Unterteilungen schuf, sodass ein Takt von⁴ ₄Dadurch konnten nun 16-Noten-Kombinationen realisiert werden. ^{[ 3 ]} Insbesondere durch das Spielen von Gitarre und Schlagzeug in treibenden Sechzehntel-Rhythmen ergab sich für die anderen Instrumente die Möglichkeit, einen synkopierteren, fragmentierteren Stil zu spielen, was wiederum freiere Basslinien ermöglichte. Zusammen erzeugten diese ineinandergreifenden Elemente eine hypnotische und tanzbare Atmosphäre. ^{[ 3 ]}

Ein Großteil des Funk basiert rhythmisch auf einer zweigeteilten Onbeat /Offbeat-Struktur, die ihren Ursprung in den Musiktraditionen Subsahara-Afrikas hat . New Orleans übernahm diese zweigeteilte Struktur Ende der 1940er Jahre vom afro-kubanischen Mambo und Conga und entwickelte sie weiter. ^{[ 21 ]} Der sogenannte New Orleans Funk erlangte internationale Bekanntheit vor allem dadurch, dass James Browns Rhythmusgruppe ihn mit großem Erfolg einsetzte. ^{[ 22 ]}

Funk verwendet dieselben klangfarbenreichen erweiterten Akkorde wie Bebop- Jazz, beispielsweise Moll-Akkorde mit hinzugefügten Septime und Undezime oder Dominantseptakkorde mit alterierter None. Beispiele für im Funk verwendete Akkorde sind Moll-Undezime-Akkorde (z. B. F-Moll-11), Dominantseptakkorde mit hinzugefügter erhöhter None und Vorhaltsquarte (z. B. C7(#9)sus4), Dominantseptakkorde (z. B. F9) und Moll-Sextakkorde (z. B. C-Moll-6). ^{[ 19 ]} Auch der Sextakkord (z. B. F6/9) wird im Funk verwendet; es handelt sich dabei um einen Dur-Akkord mit hinzugefügter Sexte und None. ^{[ 19 ]} Im Funk sind Moll-Septakkorde häufiger anzutreffen als Moll-Dreiklänge, da Moll-Dreiklänge als zu dünn klingend empfunden wurden. ^{[ 23 ]} Einige der bekanntesten und versiertesten Funk-Solisten haben einen Jazz- Hintergrund. Der Posaunist Fred Wesley und die Saxophonisten Pee Wee Ellis und Maceo Parker zählen zu den bekanntesten Musikern des Funk-Genres und haben unter anderem mit James Brown , George Clinton und Prince zusammengearbeitet .

Anders als Bebop-Jazz mit seinen komplexen, rasanten Akkordwechseln verwendet Funk oft einen statischen Ein- oder Zwei-Akkord -Vamp (häufig abwechselnd ein Moll-Septakkord und ein verwandter Dominantseptakkord, wie z. B. A-Moll und D7), der sich durch melodisch-harmonische Bewegungen und einen komplexen, treibenden Rhythmus auszeichnet. Obwohl manche Funk-Songs hauptsächlich aus Ein-Akkord-Vamps bestehen, können die Rhythmusmusiker diesen Akkord durch Verschiebung um einen Halbton oder einen Ganzton nach oben oder unten verzieren und so chromatische Durchgangsakkorde erzeugen. Beispielsweise verwendet die Strophe von „ Play That Funky Music “ (von Wild Cherry ) hauptsächlich einen E-Non-Akkord, aber auch Fis9 und F9. ^{[ 24 ]}

Die in Funk-Songs verwendeten Akkorde implizieren typischerweise einen dorischen oder mixolydischen Modus , im Gegensatz zu den Dur- oder natürlichen Moll-Tonarten der meisten Popmusik. Die Melodik entstand durch die Kombination dieser Modi mit der Blues-Skala . In den 1970er Jahren griff der Jazz auf Funk zurück und schuf so ein neues Subgenre: Jazz-Funk , das in Aufnahmen von Miles Davis ( Live-Evil , On the Corner ) und Herbie Hancock ( Head Hunters ) zu hören ist.

Funk führt die afrikanische Musiktradition der Improvisation fort . In einer Funkband spürt die Gruppe typischerweise durch Jammen und Grooven, wann ein Wechsel nötig ist, selbst während der Studioaufnahmen, die oft nur auf dem Grundgerüst des jeweiligen Songs basieren. ^{[ 25 ]} Funk nutzt die „kollektive Improvisation“, bei der die Musiker in den Proben metaphorisch gesprochen einen musikalischen „Dialog“ führen – ein Ansatz, der sich auch auf die Bühnenauftritte erstreckt. ^{[ 26 ]}

Funk erzeugt einen intensiven Groove durch kraftvolle Gitarrenriffs und Basslinien , gespielt auf dem E-Bass . Ähnlich wie bei Motown -Aufnahmen steht die Basslinie im Mittelpunkt von Funk-Songs. Funk gilt sogar als der Stil, in dem die Basslinie am prominentesten ist ^{[ 27 ]} , wobei der Bass den „Hook“ des Songs liefert. ^{[ 28 ]} Frühe Funk-Basslinien nutzten Synkopen (typischerweise synkopierte Achtelnoten), jedoch mit einem treibenderen Feeling als im New Orleans Funk. Sie verwendeten Noten der Blues-Skala sowie die große Terz über dem Grundton. ^{[ 29 ]} Spätere Funk-Basslinien verwenden Sechzehntelnoten-Synkopen, Blues-Skalen und repetitive Muster, oft mit Sprüngen über eine Oktave oder ein größeres Intervall. ^{[ 28 ]}

Funk-Basslinien zeichnen sich durch repetitive Muster, feste Grooves, kontinuierliches Spiel sowie Slap- und Popping- Techniken aus. Beim Slap- und Popping-Bass werden tiefe Töne mit dem Daumen geschlagen (auch „geklopft“ genannt) und hohe Töne mit den Fingern gezupft („gepoppt“). Dadurch erhält der Bass eine schlagzeugähnliche rhythmische Rolle, die zu einem charakteristischen Element des Funk wurde. Bekannte Slap- und Funk-Bassisten sind Bernard Edwards ( Chic ), Robert „Kool“ Bell , Mark Adams ( Slave ), Johnny Flippin ( Fatback ) ^{[ 30 ]} und Bootsy Collins ^{[ 31 ]} . Obwohl Slap und Funk wichtig sind, verzichteten einige einflussreiche Funk-Bassisten, wie beispielsweise Rocco Prestia ( Tower of Power ), auf diese Technik und verwendeten stattdessen eine typische Fingerstyle-Methode, die auf James Jamersons Motown - Spielweise basierte ^{[ 31 ]} . Larry Graham von Sly and the Family Stone ist ein einflussreicher Bassist ^{[ 32 ]} .

Der Funk-Bass hat einen „erdigen, perkussiven Klang“, was unter anderem an der Verwendung gedämpfter, rhythmischer Ghost Notes ^{[ 32 ]} (auch „Dead Notes“ genannt) liegt. ^{[ 31 ]} Manche Funk-Bassisten verwenden elektronische Effektgeräte , um den Klang ihres Instruments zu verändern, beispielsweise Envelope-Filter (ein Auto-Wah -Effekt, der einen „schlabberigen, schlürfenden, quakigen und sirupartigen“ Klang erzeugt) ^{[ 33 ]} und imitieren Bassklänge von Keyboard-Synthesizern ^{[ 34 ]} (z. B. der Mutron Envelope Filter) ^{[ 28 ]} sowie verzerrte Fuzz-Bass- Effekte, die verwendet werden, um den „klassischen Fuzz-Sound, der an alte Funk-Platten erinnert“, zu erzeugen. ^{[ 35 ]} Weitere verwendete Effekte sind Flanger und Bass-Chorus . ^{[ 28 ]} Collins verwendete außerdem einen Mu-Tron Octave Divider , ein Oktavpedal, das, ähnlich dem von Hendrix bekannt gemachten Octavia-Pedal , einen Ton eine Oktave höher und tiefer verdoppeln kann, um einen „futuristischen und fetten Bassklang“ zu erzeugen. ^{[ 36 ]}

Funk-Schlagzeug erzeugt einen Groove, indem es das Gefühl und die Emotion des Schlagzeugers betont. Dazu gehören gelegentliche Temposchwankungen, der Einsatz von Swing- Elementen in einigen Songs (z. B. „Cissy Strut“ von The Meters und „I’ll Take You There“ von The Staple Singers , die einen Half-Swung-Charakter aufweisen) und der sparsame Einsatz von Fills (da diese den Groove beeinträchtigen können). ^{[ 37 ]} Drum-Fills werden sparsam und gezielt eingesetzt, um sicherzustellen, dass das Schlagzeugspiel im Groove bleibt und ein gleichmäßiges Tempo beibehält. ^{[ 38 ]} Diese Spieltechniken werden durch ein Drumset-Setup ergänzt, das oft gedämpfte Bassdrums und Toms sowie straff gestimmte Snare-Drums umfasst. ^{[ 37 ]} Doppelbassdrum- Sounds werden von Funk-Schlagzeugern häufig mit einem einzigen Pedal erzeugt. Diese Technik betont den zweiten Ton und dämpft die Resonanz des Fells, was zu einem kurzen, gedämpften Bassdrum-Sound führt. ^{[ 37 ]}

James Brown setzte bei Studioaufnahmen und Soul-Shows zwei Schlagzeuger ein, darunter Clyde Stubblefield und John „Jabo“ Starks. ^{[ 39 ]} Durch den Einsatz zweier Schlagzeuger konnte die JB-Band einen „soliden, synkopierten“ Rhythmus beibehalten, der zu ihrem unverwechselbaren „Funky Drummer“-Rhythmus beitrug. ^{[ 39 ]}

Im Schlagzeugspiel von Tower-of-Power- Drummer David Garibaldi finden sich viele Ghost Notes und Rimshots . ^{[ 37 ]} Ein zentrales Element des Funk-Schlagzeugstils ist der Einsatz der Hi-Hat, wobei das Öffnen und Schließen der Hi-Hat während des Spiels (um „Splash“-Akzenteffekte zu erzeugen) eine wichtige Technik darstellt. ^{[ 40 ]} Im Funk werden auch zweihändig gespielte Sechzehntelnoten auf der Hi-Hat verwendet, manchmal mit einem gewissen Swing-Feeling. ^{[ 37 ]}

Jim Payne erklärt, dass Funk-Schlagzeug einen sehr offenen Ansatz der Improvisation um rhythmische Ideen lateinamerikanischer Musik, sogenannte Ostinati , verwendet, die „mit nur leichten Variationen“ wiederholt werden. Dieser Ansatz, so Payne, verleihe dem Funk seinen „hypnotischen“ Charakter. ^{[ 41 ]} Payne führt weiter aus, dass Funk als „synkopierter gespielter Rock“ verstanden werden kann, insbesondere mit der Bassdrum, die synkopierte Achtel- und Sechzehntelnotenmuster spielt, welche von Schlagzeugern wie Clive Williams (mit Joe Tex ), George Brown (mit Kool & the Gang ) und James „Diamond“ Williams (mit den Ohio Players ) entwickelt wurden. ^{[ 42 ]} Wie im Rock liefert auch im Funk die Snare die Backbeats (allerdings mit zusätzlichen leisen Ghost Notes). ^{[ 41 ]}

Im Funk mischen Gitarristen oft kurze Akkorde (sogenannte „Stabs“) mit schnelleren Rhythmen und Riffs. ^{[ 18 ]} Rhythmusgitarristen spielen häufig Sechzehntelnoten, auch mit perkussiven Ghost Notes. ^{[ 18 ]} Akkorderweiterungen wie Nonenakkorde sind beliebt. ^{[ 18 ]} Typischerweise verwendet Funk zwei ineinandergreifende E-Gitarrenparts: einen Rhythmusgitarristen und einen Tenorgitarristen, der einzelne Noten spielt. Die beiden Gitarristen wechseln sich mit ihren Parts ab und erzeugen so einen ineinandergreifenden , groovigen Rhythmus. ^{[ 43 ]} Besteht eine Band nur aus einem Gitarristen, lässt sich dieser Effekt durch Overdubbing im Studio oder, live, dadurch erzielen, dass ein Gitarrist beide Parts spielt, soweit dies möglich ist. ^{[ 43 ]}

In Funkbands spielen Gitarristen typischerweise perkussiv und verwenden dabei eine Anschlagtechnik namens „Chank“ oder „Chicken Scratch“. Dabei werden die Gitarrensaiten leicht gegen das Griffbrett gedrückt und dann so schnell wieder losgelassen, dass ein gedämpftes „Kratzen“ entsteht, das durch schnelles, rhythmisches Strumming der anderen Hand nahe dem Steg erzeugt wird . ^{[ 44 ]} Frühe Beispiele dieser Technik im Rhythm and Blues finden sich in Johnny Otis’ Song „ Willie and the Hand Jive “ von 1957, mit dem späteren Gitarristen der James Brown Band, Jimmy Nolen . Die Technik lässt sich in drei Varianten unterteilen: „Chika“, „Chank“ und „Choke“. Beim „Chika“ entsteht ein gedämpftes Geräusch durch das Anschlagen der Saiten gegen das Griffbrett; „Chank“ ist ein Staccato-Anschlag, bei dem der Akkord nach dem Anschlagen mit der Greifhand losgelassen wird; und beim „Choke“ werden in der Regel alle Saiten angeschlagen und stark gedämpft. ^{[ 19 ]}

Das Ergebnis dieser Faktoren war ein Rhythmusgitarrensound, der irgendwo zwischen dem tiefen, wummernden Bass und dem durchsetzungsstarken Ton von Snare und Hi-Hat zu schweben schien , mit einem rhythmisch-melodischen Feeling, das tief im Groove saß. Gitarrist Jimmy Nolen , langjähriger Gitarrist von James Brown, entwickelte diese Technik. Auf Browns „ Give It Up or Turnit a Loose “ (1969) hat Jimmy Nolens Gitarrenpart jedoch eine sehr minimalistische Klangstruktur. Der Fokus liegt auf dem Anschlagsmuster, nicht auf der Tonhöhe. Die Gitarre wird wie eine afrikanische Trommel oder ein Idiophon eingesetzt. Nolen erzeugte einen „klaren, höhenbetonten Ton“, indem er „Hollowbody- Jazzgitarren mit Single-Coil-P-90-Tonabnehmern“ verwendete, die an einen Fender Twin Reverb-Verstärker angeschlossen waren, dessen Mitten niedrig und dessen Höhen hoch eingestellt waren. ^{[ 45 ]}

Funk-Gitarristen, die Rhythmusgitarre spielen, vermeiden in der Regel Verzerrungseffekte und Verstärker-Overdrive, um einen klaren Klang zu erzielen. Da ein knackiger, hoher Klang wichtig ist, wurden Fender Stratocaster und Telecaster aufgrund ihres durchsetzungsstarken Höhenklangs häufig eingesetzt. ^{[ 45 ]} Die Mitten werden oft abgesenkt, damit sich die Gitarre vom Bläsersatz , den Keyboards und anderen Instrumenten abhebt. ^{[ 45 ]} Da der Fokus auf einem rhythmischen Groove liegt und instrumentale Gitarrenmelodien und Gitarrensoli weniger wichtig sind, wird von Funk-Rhythmusgitarristen kein Wert auf Sustain gelegt. ^{[ 45 ]} Funk-Rhythmusgitarristen nutzen Kompressor -Effekte, um den Klang gedämpfter Noten zu verstärken. Dies verstärkt den „Klacker“-Effekt und verleiht den Funk-Rhythmen „perkussive Dynamik“ (eine von Nile Rodgers angewandte Methode ). ^{[ 46 ]}

Der Gitarrist Eddie Hazel von Funkadelic ist bekannt für seine Solo-Improvisationen (insbesondere für das Solo in „ Maggot Brain “) und seine Gitarrenriffs, deren Klang durch ein Maestro FZ-1 Fuzz-Tone- Pedal geprägt wurde. ^{[ 36 ]} Hazel wurde, ebenso wie der Gitarrist Ernie Isley von den Isley Brothers , von Jimi Hendrix ’ improvisierten, mit Wah-Wah-Effekt versehenen Soli beeinflusst . Ernie Isley erhielt in jungen Jahren Unterricht von Hendrix, als dieser Teil der Begleitband der Isley Brothers war und zeitweise bei ihnen wohnte. Funk-Gitarristen nutzen den Wah-Wah -Effekt in Kombination mit dem Abdämpfen der Noten, um ihren Gitarrenriffs einen perkussiven Klang zu verleihen. Der Phaser- Effekt wird im Funk- und R&B-Gitarrenspiel häufig wegen seines charakteristischen Filter-Sweep-Effekts eingesetzt, beispielsweise im Song „ Who’s That Lady “ der Isley Brothers . ^{[ 47 ]} Michael Hampton , ein weiterer Gitarrist von P-Funk, konnte Hazels virtuoses Solo auf „Maggot Brain“ spielen, indem er einen Solo-Ansatz verwendete, der Saitenbiegungen und Feedback im Hendrix-Stil hinzufügte . ^{[ 36 ]}

Im Funk werden verschiedene Tasteninstrumente eingesetzt. Das akustische Klavier findet Verwendung, beispielsweise in „September“ von Earth, Wind & Fire und „ Will It Go Round in Circles “ von Billy Preston . Das E-Piano kommt in Songs wie Herbie Hancocks „Chameleon“ ( Fender Rhodes ) und Joe Zawinuls „Mercy, Mercy, Mercy“ ( Wurlitzer ) zum Einsatz. Das Clavinet wird wegen seines perkussiven Klangs verwendet und ist in Songs wie Stevie Wonders „ Superstition “ und „ Higher Ground “ sowie Bill Withers’ „ Use Me “ zu hören. Die Hammond B-3-Orgel wird ebenfalls im Funk verwendet, etwa in Songs wie „Cissy Strut“ von The Meters und „Love the One You’re With“ (mit Aretha Franklin als Sängerin und Billy Preston an den Keyboards).

Bernie Worrells Auswahl an Keyboards aus seinen Aufnahmen mit Parliament Funkadelic demonstriert die Vielfalt der im Funk verwendeten Keyboards, darunter die Hammond-Orgel („Funky Woman“, „Hit It and Quit It“, „Wars of Armageddon“); das RMI-E-Piano („I Wanna Know If It's Good to You?“, „ Free Your Mind “, „Loose Booty“); das akustische Klavier („Funky Dollar Bill“, „Jimmy's Got a Little Bit of Bitch in Him“); das Clavinet („Joyful Process“, „Up for the Down Stroke“, „Red Hot Mama“); der Minimoog- Synthesizer („Atmosphere“, „ Flash Light “, „Aqua Boogie“, „Knee Deep“, „Let's Take It to the Stage“); und der ARP-Streichorchester-Synthesizer („ Chocolate City “, „ Give Up the Funk (Tear the Roof off the Sucker) “, „Undisco Kidd“).

Synthesizer wurden im Funk sowohl zur Verstärkung des tiefen Klangs des E-Basses als auch – in manchen Stücken – sogar als Ersatz für den E-Bass selbst eingesetzt. ^{[ 48 ]} Der Funk-Synthesizer-Bass, meist ein Minimoog , wurde verwendet, weil er vielschichtige Klänge und neue elektronische Töne erzeugen konnte, die mit dem E-Bass nicht realisierbar waren. ^{[ 48 ]}

In den 1970er Jahren verwendete Funk viele der Gesangsstile, die bereits in der afroamerikanischen Musik der 1960er Jahre Anwendung fanden, darunter Einflüsse aus Blues, Gospel, Jazz und Doo-Wop. ^{[ 39 ]} Wie diese afroamerikanischen Stile nutzte auch Funk „Schreie, Rufe, Rufe, Stöhnen, Summen und melodische Riffs“ sowie Stilmittel wie Call-and-Response und das Erzählen von Geschichten (ähnlich der afrikanischen mündlichen Überlieferung). ^{[ 49 ]} Der Call-and-Response-Gesang im Funk findet zwischen dem Leadsänger und den Bandmitgliedern statt, die als Backgroundsänger fungieren . ^{[ 50 ]}

Da Funk aus dem Soul hervorging, weisen die Gesangsstile im Funk Ähnlichkeiten mit dem Soul auf; allerdings sind Funkgesänge tendenziell „punktierter, energiegeladener, rhythmisch-perkussiver und weniger mit Verzierungen versehen“, und die Gesangslinien ähneln oft Bläserparts und haben einen treibenden Rhythmus. ^{[ 51 ]} Funkbands wie Earth, Wind & Fire verwenden mehrstimmigen Gesang . ^{[ 20 ]} Songs wie „ Super Bad “ von James Brown enthielten „Doppelstimmen“ sowie „Schreie und Rufe“. ^{[ 52 ]} Funksänger nutzten eine „schwarze Ästhetik“ für ihre Auftritte, die durch einen „farbenfrohen und lebhaften Austausch von Gesten, Mimik, Körperhaltung und Gesangsphrasen“ eine fesselnde Performance erzeugte. ^{[ 53 ]}

Die Texte der Funkmusik thematisierten die Probleme der afroamerikanischen Bevölkerung in den USA der 1970er Jahre. Diese Probleme entstanden durch den Wandel von einer industriellen Arbeitergesellschaft hin zu einer Informationsgesellschaft, der die schwarze Arbeiterklasse benachteiligte. ^{[ 54 ]} Funk-Songs von The Ohio Players, Earth, Wind & Fire und James Brown griffen in ihren Texten die Probleme einkommensschwacher Schwarzer auf, wie etwa die schlechte wirtschaftliche Lage und die Armut in den schwarzen Vierteln der Innenstädte. ^{[ 55 ]}

Der Funkadelic-Song „ One Nation Under A Groove “ (1978) handelt von den Herausforderungen, die Schwarze während der Bürgerrechtsbewegung der 1960er Jahre bewältigen mussten, und enthält einen Aufruf an Schwarze in den 1970er Jahren, die neuen „sozialen und politischen Chancen“ zu nutzen. ^{[ 56 ]} Der Song „Fight the Power“ (1975) der Isley Brothers hat eine politische Botschaft. ^{[ 57 ]} Der Song „Chocolate City“ (1975) von Parliament bezieht sich metaphorisch auf Washington, D.C., und andere US-amerikanische Städte mit überwiegend schwarzer Bevölkerung und lenkt die Aufmerksamkeit auf das Machtpotenzial schwarzer Wähler. Er regt an, in Zukunft einen schwarzen Präsidenten in Betracht zu ziehen. ^{[ 58 ]}

Die politischen Themen der Funk-Songs und die Ausrichtung ihrer Botschaften auf ein schwarzes Publikum spiegelten das neue Bild von Schwarzen wider, das in den Blaxploitation -Filmen gezeichnet wurde. Diese zeigten „afroamerikanische Männer und Frauen, die für ihre Überzeugungen einstanden und für Gerechtigkeit kämpften“ ^{[ 59 ]} . Sowohl Funk als auch Blaxploitation-Filme thematisierten die Probleme von Schwarzen und erzählten Geschichten aus deren Perspektive ^{[ 59 ]} . Eine weitere Verbindung zwischen dem Funk der 1970er-Jahre und den Blaxploitation-Filmen besteht darin, dass viele dieser Filme Funk-Soundtracks verwendeten (z. B. Curtis Mayfield für „Superfly“ , James Brown und Fred Wesley für „Black Caesar“ und „War“ für „Youngblood“ ) ^{[ 60 ]} .

Funk-Songs enthielten metaphorische Sprache, die am besten von Hörern verstanden wurde, die mit der schwarzen Ästhetik und dem schwarzen Slang vertraut waren. ^{[ 61 ]} So fanden sich in Funk-Songs beispielsweise Ausdrücke wie „shake your money maker“, „funk yourself right out“ und „move your boogie body“. ^{[ 62 ]} Ein weiteres Beispiel ist die Verwendung von „bad“ im Song „Super Bad“ (1970), das schwarzen Hörern als „gut“ oder „großartig“ bekannt war. ^{[ 50 ]}

Um in den 1970er Jahren die Beschränkungen für Obszönitäten im Radio zu umgehen, verwendeten Funk-Künstler Wörter, die wie verbotene Wörter klangen, und Doppeldeutigkeiten . ^{[ 63 ]} So hatten die Ohio Players beispielsweise einen Song mit dem Titel „Fopp“, der sich auf die Zeile „Fopp me right, don't you fopp me wrong/We'll be foppin' all night long...“ bezog. ^{[ 63 ]} Einige Funk-Songs verwendeten erfundene Wörter, die suggerierten, dass die Künstler „unter ständigem Marihuana-Rauch“ Texte schrieben, wie etwa Parliaments „ Aqua Boogie (A Psychoalphadiscobetabioaquadoloop) “, das Wörter wie „bioaquadoloop“ enthält. ^{[ 63 ]} Das weiße Mainstream-Publikum verstand die textlichen Botschaften des Funk oft nicht, was dazu beitrug, dass Funk in den 1970er Jahren beim weißen Publikum in den Charts keinen Erfolg hatte. ^{[ 64 ]}

In Funk-Songs werden häufig Bläserarrangements mit verschiedenen Blechblasinstrumentengruppen verwendet. ^{[ 20 ]} Funk-Bläsergruppen können Saxophon (oft Tenorsaxophon), Trompete, Posaune und bei größeren Bläsergruppen wie Quintetten und Sextetten ein Baritonsaxophon umfassen. ^{[ 3 ]} Bläsergruppen spielten rhythmische und synkopierte Parts, oft mit Offbeat-Phrasen, die rhythmische Verschiebungen betonten. ^{[ 3 ]} Intros von Funk-Songs sind ein wichtiger Ort für Bläserarrangements. ^{[ 3 ]}

Funk-Bläsersektionen spielten in einem „rhythmisch-perkussiven Stil“, der die Spielweise von Funk-Rhythmusgitarristen imitierte. ^{[ 65 ]} Die Bläsersektionen „akzentuierten“ den Text, indem sie in den Pausen zwischen den Gesangspassagen kurze, stakkatoartige rhythmische Bläserstöße einsetzten. ^{[ 65 ]} Zu den bekanntesten Funk-Bläsern zählten Alfred „PeeWee“ Ellis , der Posaunist Fred Wesley und der Altsaxophonist Maceo Parker . ^{[ 65 ]} Weitere bekannte Funk-Bläsersektionen waren die Phoenix Horns (mit Earth, Wind & Fire), die Horny Horns (mit Parliament), die Memphis Horns (mit Isaac Hayes ) und MFSB (mit Curtis Mayfield ). ^{[ 65 ]}

Die Instrumentenbesetzung in Funk-Bläsersektionen variierte. Bei zwei Bläsern konnten es Trompete und Saxophon, Trompete und Posaune oder zwei Saxophone sein. ^{[ 3 ]} Ein Standard-Bläsertrio bestand aus Trompete, Saxophon und Posaune, aber auch Trios mit einer Trompete und zwei Saxophonen oder zwei Trompeten und einem Saxophon waren recht verbreitet. ^{[ 3 ]} Ein Quartett war wie ein Standard-Bläsertrio aufgebaut, jedoch mit einem zusätzlichen Trompeter, Saxophonisten oder (seltener) Posaunisten. Quintette bestanden entweder aus drei Saxophonen (typischerweise Alt/Tenor/Bariton oder Tenor/Tenor/Bariton) mit einer Trompete und einer Posaune oder aus je zwei Trompeten und Saxophonen mit einer Posaune. Bei sechs Instrumenten bestand die Bläsersektion üblicherweise aus zwei Trompeten, drei Saxophonen und einer Posaune. ^{[ 3 ]}

Zu den bemerkenswerten Liedern mit Funk-Bläsersektionen gehören:

• " Cold Sweat " (James Brown & the Famous Flames), 1967
• "Superstition" (Stevie Wonder), 1972
• "Funky Stuff" (Kool & The Gang), 1973
• „Was ist hip?“ (Tower of Power), 1973
• " Pick Up the Pieces " (Average White Band)
• „ Up for the Down Stroke “ (Parlament), 1974
• "Hair" (Graham Central Station), 1974
• " Too Hot to Stop " (The Bar-Kays), 1976
• " Getaway " (Earth, Wind & Fire), 1976

In Bands oder Shows, wo die Anstellung einer Bläsersektion nicht möglich ist, kann ein Keyboarder die Bläserparts auf einem Synthesizer mit Brass-Patches spielen; die Wahl eines authentisch klingenden Synthesizers und Brass-Patches ist jedoch wichtig. ^{[ 3 ]} In den 2010er Jahren, mit Micro-MIDI-Synthesizern, wäre es möglicherweise sogar möglich gewesen, dass ein anderer Instrumentalist die Keyboard-Bläserparts spielt, sodass der Keyboarder die Begleitung während des gesamten Songs fortsetzen konnte. ^{[ 3 ]}

Funkbands der 1970er Jahre übernahmen afroamerikanische Mode und Stilelemente, darunter Schlaghosen , Plateauschuhe, Creolen, Afrofrisuren, Lederwesten, Perlenketten [ ⁶⁶ ], Dashiki - Hemden, Overalls und Stiefel [67]. ^{Im Gegensatz zu} früheren Bands wie The Temptations , die mit einheitlichen Anzügen und gepflegten Haarschnitten ein weißes Mainstream-Publikum ansprechen wollten, verkörperten Funkbands einen afrikanischen Geist in ihren Outfits und ihrem Stil [61]. ^{George Clinton und} Parliament sind bekannt für ihre fantasievollen Kostüme und ihre freie Kleiderwahl, die unter anderem Bettlaken als Roben und Umhänge ^{umfasste [ 68 ] .}

Funk entstand aus einer Mischung verschiedener Musikgenres, die Mitte des 20. Jahrhunderts unter Afroamerikanern populär waren. Die Musikwissenschaftlerin Anne Danielsen schrieb, dass Funk in der Tradition von Rhythm and Blues, Jazz und Soul zu verorten sei. ^{[ 69 ]} Der Soziologe Darby E. Southgate schrieb, Funk sei „eine Mischung aus Gospel, Soul, Jazz-Fusion, Rhythm and Blues und Black Rock“. ^{[ 1 ]}

Die charakteristischen Merkmale des afroamerikanischen musikalischen Ausdrucks haben ihre Wurzeln in den Musiktraditionen Subsahara-Afrikas und finden ihren frühesten Ausdruck in Spirituals, Arbeitsgesängen, Lobgesängen, Gospel, Blues und „Body Rhythms“ ( Hambone , Patting Juba und Ring Shout Klatsch- und Stampfmuster).

Wie andere Stilrichtungen der afroamerikanischen Musik, darunter Jazz, Soul und R&B, begleitete die Funkmusik viele Protestbewegungen während und nach der Bürgerrechtsbewegung .

Gerhard Kubik merkt an, dass mit Ausnahme des New Orleans Blues der frühe Blues komplexe Polyrhythmen vermissen ließ und dass in praktisch der gesamten afroamerikanischen Musik des frühen 20. Jahrhunderts „asymmetrische Rhythmusmuster ( Tonartmuster ) völlig fehlten … nur in einigen New-Orleans-Genres tauchen gelegentlich Andeutungen einfacher Rhythmusmuster in Form von kurzlebigen, sogenannten ‚Stomp‘-Mustern oder Stop-Time-Chören auf. Diese funktionieren jedoch nicht auf dieselbe Weise wie afrikanische Rhythmusmuster.“ ^{[ 70 ]}

Ende der 1940er-Jahre änderte sich dies etwas, als die zweigeteilte Rhythmusstruktur in den New Orleans Blues Einzug hielt . New Orleanser Musiker waren besonders aufgeschlossen gegenüber afro-kubanischen Einflüssen, gerade zu der Zeit, als sich R&B gerade erst formierte. ^{[ 71 ]} Dave Bartholomew und Professor Longhair (Henry Roeland Byrd) integrierten afro-kubanische Instrumente sowie das Clave- Muster und verwandte zweigeteilte Figuren in Lieder wie „Carnival Day“ (Bartholomew 1949) und „Mardi Gras In New Orleans“ (Longhair 1949). Robert Palmer berichtet, dass Professor Longhair in den 1940er-Jahren Musikern von den Inseln zuhörte und mit ihnen spielte und „dem Zauber von Perez Prados Mambo - Platten erlag “. ^{[ 21 ]} Professor Longhairs besonderer Stil war lokal als Rumba-Boogie bekannt . ^{[ 22 ]}

Einer der größten Beiträge Longhairs war sein besonderer Ansatz, zweizellige, auf der Clave basierende Rhythmen in den New Orleans Rhythm and Blues (R&B) zu integrieren. Longhairs rhythmischer Ansatz wurde zu einer Grundvorlage des Funk. Laut Dr. John (Malcolm John „Mac“ Rebennack Jr.) brachte der Professor „den Funk in die Musik … Longhairs Ansatz hatte, würde ich sagen, einen direkten Einfluss auf einen Großteil der Funkmusik, die sich in New Orleans entwickelte.“ ^{[ 72 ]} In seinem Stück „Mardi Gras in New Orleans“ verwendet der Pianist das 2-3-Clave- Motiv (Onbeat/Offbeat) in einem Rumba-Boogie- Guajeo . ^{[ 73 ]}

Das synkopierte, aber geradlinige Unterteilungsgefühl kubanischer Musik (im Gegensatz zu den Swing- Unterteilungen) fasste in dieser Zeit im New Orleans R&B Fuß. Alexander Stewart erklärt: „Schließlich begannen Musiker von außerhalb New Orleans, einige der rhythmischen Praktiken [der Crescent City] zu erlernen. Die wichtigsten unter ihnen waren James Brown und die Schlagzeuger und Arrangeure, die er engagierte. Browns frühes Repertoire verwendete hauptsächlich Shuffle-Rhythmen, und einige seiner erfolgreichsten Lieder waren…“¹² ₈Balladen (z. B. „Please, Please, Please“ (1956), „Bewildered“ (1961), „I Don't Mind“ (1961)). Browns Wechsel zu einem funkigeren Soul-Stil erforderte⁴ ₄Metrum und ein anderer Schlagzeugstil.“ ^{[ 74 ]} Stewart führt aus: „Der einzigartige Rhythm-&-Blues-Stil, der in den Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg in New Orleans entstand , spielte eine wichtige Rolle in der Entwicklung des Funk. In einer damit zusammenhängenden Entwicklung erfuhren die zugrundeliegenden Rhythmen der amerikanischen Popmusik einen grundlegenden, aber allgemein unbeachteten Wandel vom Triolen- oder Shuffle-Feeling hin zu geraden Achtelnoten.“ ^{[ 75 ]}

James Brown bezeichnete Little Richards R&B-Tourband The Upsetters aus New Orleans aus den 1950er-Jahren als die erste, die dem Rock ’n’ Roll „den Funk-Rhythmus“ verlieh . ^{[ 76 ]} Nachdem er sich 1957 vorübergehend von der weltlichen Musik zurückgezogen hatte, um als Prediger tätig zu werden, schlossen sich einige von Little Richards Bandmitgliedern Brown und den Famous Flames an und starteten 1958 eine lange Reihe von Hits für die Band. Mitte der 1960er-Jahre hatte James Brown seinen charakteristischen Groove entwickelt, der den Downbeat betonte – mit starker Betonung des ersten Schlags jedes Taktes, um seinen unverwechselbaren Sound zu prägen – anstatt des für afroamerikanische Musik typischen Backbeats . ^{[ 77 ]} Brown gab seiner Band oft das Kommando „Auf die Eins!“, wodurch sich die Betonung des Schlagzeugs vom traditionellen Eins- Zwei -Drei- Vier- Backbeat der Soulmusik zum Eins -Zwei-Drei-Vier-Downbeat änderte – jedoch mit einem synkopierten Gitarrenrhythmus auf geraden Noten (auf den Viertelnoten zwei und vier), der sich durch einen treibenden, repetitiven Bläserswing auszeichnete . Dieser Eins-Drei-Beat markierte den Beginn der Veränderung in Browns charakteristischem Musikstil, beginnend mit seiner Hitsingle „ Out of Sight “ von 1964 und seinen Hits „ Papa’s Got a Brand New Bag “ und „ I Got You (I Feel Good) “ von 1965.

Browns Funkstil basierte auf ineinandergreifenden, kontrapunktischen Elementen: synkopierten Basslinien , Sechzehntel-Schlagzeugmustern und synkopierten Gitarrenriffs. ^{[ 4 ]} Die zentralen Gitarren-Ostinati von „Ain’t it Funky“ (ca. Ende der 1960er Jahre) sind ein Beispiel für Browns Weiterentwicklung des New Orleans Funk – ein unwiderstehlich tanzbarer Riff, reduziert auf seine rhythmische Essenz. Die tonale Struktur von „Ain’t it Funky“ ist minimalistisch. Browns Innovationen machten ihn und seine Band zu einer der prägendsten Funkbands; mit Veröffentlichungen wie „ Cold Sweat “ (1967), „ Mother Popcorn “ (1969) und „ Get Up (I Feel Like Being A) Sex Machine “ (1970) trugen sie maßgeblich zur Verbreitung des Funk bei und verabschiedeten sich dabei sogar vom Zwölftakt-Blues seiner früheren Musik. Stattdessen war Browns Musik von eingängigen, hymnenhaften Gesangspassagen geprägt, die auf ausgedehnten Vamps basierten. Dabei nutzte er seine Stimme auch als „Perkussionsinstrument mit häufigen rhythmischen Grunzlauten und Rhythmusmustern, die an westafrikanische Polyrhythmen erinnern“ – eine Tradition, die in afroamerikanischen Arbeitsliedern und Gesängen deutlich wird. ^{[ 78 ]} Während seiner gesamten Karriere kanalisierte Browns frenetischer Gesang, oft unterbrochen von Schreien und Grunzlauten, die „ekstatische Atmosphäre der schwarzen Kirche“ in einen säkularen Kontext. ^{[ 78 ]}

Externe Videos
Ansehen: „Clyde Stubblefield/ Funky Drummer“ auf YouTube

Nach 1965 war Alfred „Pee Wee“ Ellis Browns Bandleader und Arrangeur . Ellis sieht in Clyde Stubblefields Übernahme von New-Orleans-Schlagzeugtechniken die Grundlage des modernen Funk: „Wenn man im Studio sagte: ‚Spiel es funky‘, konnte das fast alles bedeuten. Aber ‚Gib mir einen New-Orleans-Beat‘ – dann bekam man genau das, was man wollte. Und Clyde Stubblefield war der Inbegriff dieses funky Schlagzeugspiels.“ ^{[ 79 ]} Stewart erklärt, dass dieses populäre Feeling von „New Orleans – über James Browns Musik – in die Popmusik der 1970er-Jahre“ weitergegeben wurde. ^{[ 75 ]} Bezüglich der verschiedenen Funk-Motive stellt Stewart fest, dass sich dieses Modell „…von einer Zeitleiste (wie Clave und Tresillo ) dadurch unterscheidet, dass es kein exaktes Muster, sondern eher ein loses Ordnungsprinzip darstellt.“ ^{[ 80 ]}

In einem Interview von 1990 erklärte Brown den Grund für den Rhythmuswechsel in seiner Musik: „Ich bin vom Auftakt zum Abtakt gewechselt … Ganz einfach.“ ^{[ 81 ]} Laut Maceo Parker , Browns ehemaligem Saxophonisten, fiel es ihm anfangs schwer, auf dem Abtakt zu spielen, und er musste sich erst daran gewöhnen. Parker erinnerte sich an seine Anfänge in Browns Band und berichtete, dass er bei Soloauftritten Schwierigkeiten hatte, „auf der Eins“ zu spielen, da er es gewohnt war, den Akzent auf dem zweiten Schlag zu hören und zu spielen. ^{[ 82 ]}

Eine neue Gruppe von Musikern begann, den „Funk-Rock“-Ansatz weiterzuentwickeln. George Clinton leistete mit seinen Bands Parliament und Funkadelic Pionierarbeit . Gemeinsam schufen sie einen neuen Funk-Sound, der stark von Jazz und Psychedelic Rock beeinflusst war . Die beiden Gruppen hatten gemeinsame Mitglieder und werden oft gemeinsam als „Parliament-Funkadelic“ bezeichnet. Der durchschlagende Erfolg von Parliament-Funkadelic führte zur Entstehung des Begriffs „ P-Funk “, der die Musik von George Clintons Bands bezeichnete und ein neues Subgenre definierte. Clinton spielte eine zentrale Rolle in mehreren anderen Bands, darunter Parlet , die Horny Horns und die Brides of Funkenstein, die alle zum P-Funk-Kollektiv gehörten. „P-Funk“ wurde auch zur Bedeutung von etwas in seiner Quintessenz, von überragender Qualität oder einzigartig .

In Anlehnung an Jimi Hendrix' Werk in den späten 1960er Jahren verbanden Künstler wie Sly and the Family Stone den Psychedelic Rock von Hendrix mit Funk und übernahmen dabei Wah-Wah-Pedale , Fuzz-Effekte , Echoeffekte und Gesangsverzerrer sowie Elemente aus Bluesrock und Jazz . ^{[ 83 ]} In den folgenden Jahren führten Gruppen wie Clintons Parliament-Funkadelic diese musikalische Richtung fort und setzten Synthesizer und rockorientiertes Gitarrenspiel ein. ^{[ 83 ]}

Andere Musikgruppen griffen die von James Brown und seiner Band entwickelten Rhythmen und den Gesangsstil auf, und der Funk-Stil begann sich zu verbreiten. Dyke and the Blazers aus Phoenix, Arizona , veröffentlichten 1967 „ Funky Broadway “, möglicherweise die erste Platte der Soul- Ära mit dem Wort „funky“ im Titel. 1969 veröffentlichte Jimmy McGriff „Electric Funk“ mit seiner unverwechselbaren Orgel über einem mitreißenden Bläsersatz. An der Westküste veröffentlichte Charles Wright & the Watts 103rd Street Rhythm Band ab ihrem Debütalbum 1967 Funk-Tracks, deren Höhepunkt die Single „Express Yourself“ von 1971 bildete. Ebenfalls von der Westküste, genauer gesagt aus Oakland, Kalifornien , stammte die Band Tower of Power (TOP), die sich 1968 gründete. Ihr Debütalbum „ East Bay Grease“ von 1970 gilt als Meilenstein des Funk. Während der gesamten 1970er Jahre hatte TOP viele Hits und trug maßgeblich dazu bei, dass Funkmusik zu einem erfolgreichen Genre mit einem breiteren Publikum wurde.

1970 erreichte „ Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin) “ von Sly & the Family Stone Platz 1 der Charts, ebenso wie „ Family Affair “ im Jahr 1971. Diese Erfolge bescherten der Gruppe und dem gesamten Genre einen genreübergreifenden Durchbruch und größere Anerkennung, während vergleichbar talentierte und nur mäßig populäre Funkbands dieser Art nicht an diesen Erfolg anknüpfen konnten. The Meters prägten den Funk in New Orleans , angefangen mit ihren Top-Ten-R&B-Hits „Sophisticated Cissy“ und „ Cissy Strut “ im Jahr 1969. Eine weitere Gruppe, die den Funk um diese Zeit prägte, waren die Isley Brothers . Ihr funkiger R&B-Hit „ It’s Your Thing “ aus dem Jahr 1969, der Platz 1 der Charts erreichte, markierte einen Durchbruch in der afroamerikanischen Musik und schlug eine Brücke zwischen den jazzigen Klängen von Brown, dem psychedelischen Rock von Jimi Hendrix und dem mitreißenden Soul von Sly & the Family Stone und Mother’s Finest . Die Temptations , die zuvor den „ Motown -Sound“ – eine unverwechselbare Mischung aus Pop und Soul – mitgeprägt hatten, übernahmen diesen neuen psychedelischen Sound ebenfalls gegen Ende der 1960er Jahre. Ihr Produzent Norman Whitfield wurde zu einem Innovator des Psychedelic Soul und schuf Hits mit einem neuen, funkigeren Sound für zahlreiche Motown- Künstler, darunter „ War “ von Edwin Starr , „ Smiling Faces Sometimes “ von The Undisputed Truth und „ Papa Was A Rollin' Stone “ von den Temptations. Die Motown-Produzenten Frank Wilson („ Keep On Truckin' “) und Hal Davis („ Dancing Machine “) folgten diesem Beispiel. Auch Stevie Wonder und Marvin Gaye nutzten Funk-Beats für einige ihrer größten Hits der 1970er Jahre, wie beispielsweise „ Superstition “ und „ You Haven't Done Nothin' “ bzw. „ I Want You “ und „ Got To Give It Up “.

Die 1970er-Jahre waren die Ära, in der Funkmusik ihren größten Erfolg im Mainstream feierte. Neben Parliament Funkadelic wurden Künstler wie Sly and the Family Stone , Rufus & Chaka Khan , Bootsy's Rubber Band , die Isley Brothers , die Ohio Players , Con Funk Shun , Kool and the Gang , die Bar-Kays , die Commodores , Roy Ayers , Curtis Mayfield und Stevie Wonder , um nur einige zu nennen, im Radio gespielt. Die Disco- Musik verdankt dem Funk viel. Viele frühe Disco-Songs und -Interpreten hatten ihren Ursprung direkt in der Funk-Szene. Einige Disco-Hits, wie etwa alle Hits von Barry White , „ Kung Fu Fighting “ von Biddu und Carl Douglas , Donna Summers „ Love To Love You Baby “, Diana Ross ’ „ Love Hangover “, „ I’m Your Boogie Man “ von KC and the Sunshine Band , „ I’m Every Woman “ von Chaka Khan (auch bekannt als die Queen of Funk) und Chics „Le Freak“, enthalten unverkennbar vom Funk inspirierte Riffs und Rhythmen. 1976 landete Rose Royce mit dem reinen Dance-Funk-Song „ Car Wash “ einen Nummer-eins-Hit. Selbst mit dem Aufkommen der Disco-Musik blieb Funk bis weit in die frühen 1980er-Jahre hinein immer beliebter.

Funkmusik wurde auch nach Afrika exportiert und verschmolz dort mit afrikanischem Gesang und Rhythmen zum Afrobeat . Dem nigerianischen Musiker Fela Kuti , der stark von der Musik James Browns beeinflusst war, wird die Schaffung dieses Stils und die Bezeichnung „Afrobeat“ zugeschrieben.

Jazz-Funk ist ein Subgenre des Jazz , das sich durch einen starken Backbeat ( Groove ), elektronische Klänge ^{[ 84 ]} und die frühe Verbreitung analoger Synthesizer auszeichnet . Die Integration von Funk, Soul und R&B in den Jazz führte zur Entstehung eines Genres mit einem breiten Spektrum, das von kraftvoller Jazzimprovisation über Soul, Funk oder Disco mit Jazz-Arrangements, Jazz- Riffs und Jazz-Soli bis hin zu Soul-Gesang reicht. ^{[ 85 ]} Jazz-Funk ist vorwiegend ein amerikanisches Genre, das in den 1970er und frühen 1980er Jahren populär war, aber auch Mitte der 1970er Jahre in der englischen Clubszene große Beliebtheit erlangte. Ähnliche Genres sind Soul-Jazz und Jazz-Fusion , die sich jedoch nicht vollständig mit Jazz-Funk überschneiden. Jazz-Funk ist weniger gesangsorientiert, stärker arrangiert und improvisationsreicher als Soul-Jazz und behält im Gegensatz zu manchen Jazz-Fusion-Produktionen ein starkes Groove- und R&B-Feeling bei.

In den 1980er Jahren, vor allem als Reaktion auf die als übertrieben empfundene Disco -Ästhetik, wurden viele der Kernelemente des P-Funk-Stils zunehmend von elektronischen Instrumenten , Drumcomputern und Synthesizern verdrängt . Bläsersektionen mit Saxophonen und Trompeten wichen Synthesizer- Keyboards , die verbliebenen Bläser erhielten vereinfachte Linien und Solisten nur noch wenige Soli. Die klassischen Funk-Keyboards wie die Hammond B3- Orgel, das Hohner Clavinet und/oder das Fender Rhodes wurden allmählich durch neue digitale Synthesizer wie den Yamaha DX7 und mikroprozessorgesteuerte analoge Synthesizer wie den Prophet-5 und den Oberheim OB-X ersetzt . Elektronische Drumcomputer wie die Roland TR-808 , Linn LM-1 und Oberheim DMX begannen, die „ Funk-Drummer “ der Vergangenheit zu verdrängen, und der Slap- und Pop-Bassstil wurde oft durch Synthesizer-Basslinien ersetzt. Die Texte von Funk-Songs wandelten sich von anzüglichen Doppeldeutigkeiten hin zu expliziteren und sexuell aufgeladenen Inhalten.

Beeinflusst von Kraftwerk und dem Yellow Magic Orchestra entwickelte der amerikanische Hip-Hop-DJ Afrika Bambaataa 1982 mit seiner Single „ Planet Rock “ den Electro-Funk, einen minimalistischen, maschinengetriebenen Funk-Stil. ^{[ 86 ] [ 87 ]} Dieser auch einfach als Electro bekannte Funk-Stil wurde von Synthesizern und dem elektronischen Rhythmus der TR-808 Drum Machine angetrieben. Die Single „ Renegades of Funk “ folgte 1983. ^{[ 86 ]} Auch Michael Jackson wurde vom Electro-Funk beeinflusst. ^{[ 88 ]} In den 1980er-Jahren nutzte die Techno-Funk-Musik die programmierbare Drum Machine TR-808, ^{[ 89 ]} während Kraftwerk und das Yellow Magic Orchestra Electro-Funk-Künstler wie Afrika Bambaataa und Mantronix beeinflussten . ^{[ 87 ] [ 90 ]}

Rick James war der erste Funkmusiker der 1980er Jahre, der das vom P-Funk der 1970er Jahre dominierte Funk-Erbe übernahm. Sein 1981 erschienenes Album „ Street Songs“ mit den Singles „Give It to Me Baby“ und „ Super Freak “ machte James zum Star und ebnete den Weg für die zukünftige Richtung der Explizitheit im Funk.

Prince gründete The Time , ursprünglich als Vorband für sich selbst gedacht und basierend auf seinem „ Minneapolis Sound “, einer Mischung aus Funk, R&B , Rock , Pop und New Wave . Schließlich entwickelte die Band ihren eigenen Stil des reduzierten Funk, der sich durch präzises Zusammenspiel und sexuelle Themen auszeichnete.

Ähnlich wie Prince entstanden während der P-Funk-Ära weitere Bands, die ungehemmte Sexualität, tanzbare Themen, Synthesizer und andere elektronische Technologien in ihre Musik integrierten, um weiterhin Funk-Hits zu produzieren. Dazu gehörten Cameo , Zapp , die Gap Band , die Bar-Kays und die Dazz Band , die alle Anfang der 1980er-Jahre ihre größten Erfolge feierten. In der zweiten Hälfte der 1980er-Jahre verlor reiner Funk an kommerzieller Bedeutung; Popkünstler von Michael Jackson bis Culture Club nutzten jedoch häufig Funk-Beats.

Obwohl Funk durch kommerziellen Hip-Hop , zeitgenössischen R&B und New Jack Swing aus dem Radio verdrängt wurde , erhielten Künstler wie Cameo weiterhin viel Airplay. Rockbands begannen, Funk-Elemente in ihren Sound zu integrieren und kreierten so neue Kombinationen aus „ Funk-Rock “ und „ Funk-Metal “. Die Red Hot Chili Peppers , Primus und Faith No More demonstrierten die Verschmelzung von Funk mit Rock und Metal.

In den 1990er Jahren führten Künstler wie Me'shell Ndegeocello , Brooklyn Funk Essentials und die (vorwiegend britische) Acid-Jazz- Bewegung – darunter Künstler und Bands wie Jamiroquai , Incognito , Galliano , Omar , Los Tetas und die Brand New Heavies – die Funk-Tradition mit starken Elementen fort. Sie erreichten jedoch nie annähernd den kommerziellen Erfolg des Funk in seiner Blütezeit – mit Ausnahme von Jamiroquai, dessen Album „ Travelling Without Moving“ sich weltweit rund 7 Millionen Mal verkaufte und bis heute das meistverkaufte Funk-Album aller Zeiten ist. ^{[ 91 ]} In Australien und Neuseeland bewahrten Bands wie Supergroove , Skunkhour und The Truth , die in Pubs spielten , eine eher instrumentale Form des Funk.

Seit den späten 1980er Jahren sampeln Hip-Hop- Künstler regelmäßig alte Funk-Stücke. James Brown gilt als der am häufigsten gesampelte Künstler in der Geschichte des Hip-Hop, George Clinton folgt an zweiter Stelle; Samples alter Parliament- und Funkadelic -Songs bildeten die Grundlage des West Coast G-Funk .

Originelle Beats mit funkigen Bass- oder Rhythmusgitarren-Riffs sind ebenfalls keine Seltenheit. Dr. Dre (der als Begründer des G-Funk gilt) gab offen zu, stark von George Clintons Psychedelia beeinflusst worden zu sein: „In den 70ern war das alles, was die Leute gemacht haben: high sein, Afrofrisuren und Schlaghosen tragen und Parliament-Funkadelic hören. Deshalb habe ich mein Album ‚The Chronic‘ genannt und meine Musik und die Konzepte darauf aufgebaut: weil sein Zeug einen großen Einfluss auf meine Musik hatte. Sehr großen.“ ^{[ 92 ]} Digital Underground trug maßgeblich zur Wiedergeburt des Funk in den 1990er-Jahren bei, indem sie ihre Hörer über die Geschichte des Funk und seine Künstler aufklärten. George Clinton gab Digital Underground den Namen „ Sons of the P “, wie auch ihr zweites Album betitelt ist. DUs erstes Album, „Sex Packets “, war voller Funk-Samples, wobei der bekannteste Track „ The Humpty Dance “ Parliaments „Let’s Play House“ sampelte. Ein besonders starkes Funk-Album von DU war ihr 1996 erschienenes Album „ Future Rhythm“ . Ein Großteil der heutigen Clubmusik, insbesondere Drum and Bass, verwendet ausgiebig gesampelte Funk-Drum-Breaks.

Funk ist ein prägendes Element bestimmter Künstler der Jam-Band -Szene der späten 1990er und 2000er Jahre. Ende der 1990er Jahre entwickelte die Band Phish einen Live-Sound namens „Cow Funk“ (auch bekannt als „Space Funk“), der sich durch ausgedehnte, tanzbare, tiefe Bass-Grooves auszeichnete und oft durch den Einsatz eines starken Wah-Wah-Pedals und anderer psychedelischer Effekte des Gitarristen sowie durch vielschichtige Clavinet-Klänge des Keyboarders geprägt war. ^{[ 93 ]} Um 1996 begannen Phish , funkigere Jams in ihre Sets einzubauen, und das 1998 erschienene Album „The Story of the Ghost“ war stark vom Funk beeinflusst. Phishs Funk war insofern traditionell, als er oft den ersten Schlag der Gitarre betonte.⁴ ₄Neben der Taktart war es auch sehr experimentell und beinhaltete das Aufbauen von Jams hin zu energiegeladenen Höhepunkten, bevor es in hochkomponierten progressiven Rock'n'Roll überging.

Seit Mitte der 1990er-Jahre produziert die Nu-Funk- oder Funk-Revival-Szene, deren Zentrum die Deep-Funk -Sammlerszene bildet, neue Musik, die von den Klängen seltener Funk-Singles (45er) beeinflusst ist. Zu den Labels gehören Soul Fire , Daptone und andere. Diese Labels veröffentlichen ihre Musik häufig auf 45er-Singles. Obwohl sie sich auf Musik für Rare-Funk-DJs spezialisiert haben, gab es auch einige Überschneidungen mit der Mainstream-Musikindustrie, wie beispielsweise Sharon Jones' Auftritt 2005 in der Late-Night-Show von Conan O'Brien . Künstler, die Acid Jazz , Acid House , Trip-Hop und andere Genres mit Funk mischen, sind unter anderem Tom Tom Club ^{[ 94 ]} , Brainticket ^{[ 95 ]} , Groove Armada ^{[ 96 ] [ 97 ]} .

In den 2000er und frühen 2010er Jahren traten einige Punk-Funk -Bands wie Out Hud und Mongolian Monkfish in der Indie-Rock- Szene auf. Die Indie-Band Rilo Kiley , die ihrer Vorliebe für verschiedene Rockstile treu blieb, integrierte Funk in ihren Song „ The Moneymaker “ auf dem Album „ Under the Blacklight “. Prince verlieh dem Funk-Sound mit seinen späteren Alben und Songs wie „The Everlasting Now“, „ Musicology “, „Ol’ Skool Company“ und „ Black Sweat “ eine Renaissance . Particle ^{[ 98 ]} beispielsweise gehörte zu einer Szene, die Elemente digitaler Musik – erzeugt mit Computern, Synthesizern und Samples – mit analogen Instrumenten, Klängen sowie improvisatorischen und kompositorischen Elementen des Funk verband. ^{[ 99 ] [ 100 ]}

Seit den frühen 1970er Jahren entwickelten sich im Funk verschiedene Subgenres. Während George Clinton und The Parliament eine härtere Variante des Funk spielten, produzierten Bands wie Kool and the Gang , die Ohio Players und Earth, Wind & Fire Disco-beeinflusste Funkmusik. ^{[ 101 ]} Auch Amadou & Mariam schufen Musik, die traditionelle malische Klänge mit Rockgitarren, syrischen Violinen, kubanischen Trompeten, ägyptischer Ney, indischen Tablas und Dogon-Perkussion verband. Diese Elemente wurden als „ Afro -Funk“ bezeichnet. ^{[ 102 ]}

Funk-Rock (auch Funk-Rock oder Funk/Rock geschrieben ) vereint Elemente aus Funk und Rock . ^{[ 103 ]} Seine früheste Form war Ende der 1960er bis Mitte der 1970er Jahre auf den frühen Alben von Musikern wie Jimi Hendrix , Frank Zappa , Gary Wright , David Bowie , Mother’s Finest und Funkadelic zu hören .

Viele Instrumente können im Funk-Rock Verwendung finden, doch der Gesamtklang wird durch einen markanten Bass- oder Schlagzeugbeat und E-Gitarren bestimmt . Die Rhythmen von Bass und Schlagzeug sind vom Funk beeinflusst, jedoch intensiver, während die Gitarre sowohl Funk- als auch Rock-Einflüsse aufweisen kann, meist mit Verzerrung . Prince , Jesse Johnson , die Red Hot Chili Peppers und Fishbone zählen zu den wichtigsten Vertretern des Funk-Rock.

Der Begriff „Avant-Funk“ wurde verwendet, um Künstler zu beschreiben, die Funk mit den Themen des Art-Rock verbanden. ^{[ 104 ]} Simon Frith beschrieb den Stil als eine Anwendung der Mentalität des Progressive Rock auf den Rhythmus anstatt auf Melodie und Harmonie. ^{[ 104 ]} Simon Reynolds charakterisierte Avant-Funk als eine Art Psychedelia, in der „das Vergessen nicht durch Überwindung des Körpers, sondern durch Eintauchen in das Physische, durch Selbstverlust im Animalismus erreicht werden sollte.“ ^{[ 104 ]}

Zu den Vertretern dieses Genres zählen die deutsche Krautrock -Band Can ^{[ 105 ]} und die amerikanischen Funk-Künstler Sly Stone und George Clinton . ^{[ 106 ]} Eine Welle britischer und amerikanischer Post-Punk- Künstler der frühen 1980er Jahre (darunter Public Image Ltd , Talking Heads , The Pop Group , Gang of Four , Bauhaus , Cabaret Voltaire , Defunkt , A Certain Ratio und 23 Skidoo ) ^{[ 107 ]} griff auf schwarze Tanzmusikstile wie Disco und Funk zurück. ^{[ 108 ]} Auch die Künstler der New Yorker No-Wave -Szene der späten 1970er Jahre erkundeten Avantgarde-Funk, beeinflusst von Persönlichkeiten wie Ornette Coleman . ^{[ 109 ]} Reynolds hob die Auseinandersetzung dieser Künstler mit Themen wie Entfremdung , Unterdrückung und der Technokratie der westlichen Moderne hervor . ^{[ 104 ]}

Go-Go entstand in der Region um Washington, D.C. , mit der es bis heute eng verbunden ist, sowie in anderen Regionen des Mittelatlantiks. Inspiriert von Sängern wie Chuck Brown , dem „Godfather of Go-Go“, ist es eine Mischung aus Funk, Rhythm and Blues und frühem Hip-Hop , wobei der Fokus auf Lo-Fi-Percussion-Instrumenten und spontanen Jamsessions anstelle von Tanzmusik liegt . Daher ist es in erster Linie Tanzmusik mit starkem Bezug zum Publikum, das durch Mitsingen und Antworten aktiv mitwirkt. Go-Go-Rhythmen fließen auch in die Straßenmusik ein.

Boogie ist eine elektronische Musikrichtung, die maßgeblich von Funk und Post-Disco beeinflusst ist. Der minimalistische Ansatz des Boogie, der sich auf Synthesizer und Keyboards beschränkt, trug zur Etablierung von Electro und House bei. Im Gegensatz zu Electro betont Boogie die Slap-Technik des Basses, aber auch den Einsatz von Bass-Synthesizern. Zu den bekanntesten Künstlern zählen Vicky „D“ , Komiko , die Peech Boys , Kashif und später Evelyn King .

Electro-Funk ist eine Mischung aus elektronischer Musik und Funk. Er folgt im Wesentlichen der gleichen Form wie Funk und behält dessen Charakteristika bei, wird aber vollständig (oder teilweise) mit elektronischen Instrumenten wie der TR-808 produziert . Vocoder oder Talkboxen wurden häufig eingesetzt, um den Gesang zu verändern. Die wegweisende Electro-Band Zapp nutzte solche Instrumente häufig in ihrer Musik. Auch Bootsy Collins begann auf späteren Soloalben einen stärker elektronischen Sound zu integrieren . Weitere Künstler sind Herbie Hancock , Afrika Bambaataa , Egyptian Lover , Vaughan Mason & Crew , Midnight Star und Cybotron .

Funk Metal (manchmal auch Funk-Metal geschrieben ) ist ein Fusion-Genre der Musik , das in den 1980er-Jahren als Teil der Alternative-Metal -Bewegung entstand. Typischerweise vereint es Elemente von Funk und Heavy Metal (oft Thrash Metal ) und in einigen Fällen auch andere Stile wie Punk und experimentelle Musik. Charakteristisch sind treibende Heavy-Metal -Gitarrenriffs , die für Funk charakteristischen wummernden Bassrhythmen und mitunter Hip-Hop -artige Reime, die in einem alternativen Rock- Ansatz des Songwritings zum Ausdruck kommen. Ein Paradebeispiel ist die rein afroamerikanische Rockband Living Colour , die vom Rolling Stone als „Funk-Metal-Pioniere“ bezeichnet wurde . ^{[ 110 ]} Ende der 1980er- und Anfang der 1990er-Jahre war der Stil vor allem in Kalifornien verbreitet – insbesondere in Los Angeles und San Francisco . ^{[ 111 ] [ 112 ]}

G-Funk ist ein Fusion-Genre , das Gangsta-Rap und Funk vereint . Es gilt allgemein als Erfindung der Westküsten-Rapper und wurde durch Dr. Dre bekannt . Charakteristisch sind vielschichtige, melodische Synthesizer, langsame, hypnotische Grooves, ein tiefer Bass, weiblicher Hintergrundgesang, das umfangreiche Sampling von P-Funk-Stücken und ein hoher, sägezahnartiger Synthesizer-Lead mit Portamento-Effekt. Im Gegensatz zu anderen früheren Rap-Acts, die ebenfalls Funk-Samples verwendeten (wie EPMD und The Bomb Squad ), setzte G-Funk oft weniger, dafür aber unveränderte Samples pro Song ein.

Timba ist eine Form funkiger kubanischer Tanzmusik. Um 1990 integrierten mehrere kubanische Bands Elemente aus Funk und Hip-Hop in ihre Arrangements und erweiterten die Instrumentierung des traditionellen Conjunto um ein amerikanisches Schlagzeug, Saxophone und zwei Keyboards. Timba-Bands wie La Charanga Habanera oder Bamboleo lassen oft Bläser oder andere Instrumente kurze Passagen von Stücken von Earth, Wind & Fire , Kool & the Gang oder anderen US-amerikanischen Funkbands spielen. Während viele Funkmotive eine Clave -basierte Struktur aufweisen, entstehen sie intuitiv, ohne die bewusste Absicht, die verschiedenen Elemente an einem vorgegebenen Muster auszurichten . Timba hingegen integriert Funkmotive in eine explizite und bewusste Clave-Struktur.

Trotz der Popularität von Funk in der modernen Musik haben sich nur wenige mit dem Werk von Funk-Künstlerinnen auseinandergesetzt . Zu den bekanntesten Funk-Künstlerinnen zählen Chaka Khan , Labelle , Brides of Funkenstein , Klymaxx , Mother's Finest , Lyn Collins , Betty Davis und Teena Marie . Wie die Kulturkritikerin Cheryl Keyes in ihrem Essay „She Was Too Black for Rock and Too Hard for Soul: (Re)discovering the Musical Career of Betty Mabry Davis“ erklärt, konzentrierte sich die Forschung zum Funk bisher hauptsächlich auf das Schaffen von Männern. Sie stellt fest: „Betty Davis ist eine Künstlerin, deren Name als Pionierin in der Geschichte von Funk und Rock unbeachtet blieb. Die meisten Texte über diese Musikgenres haben traditionell männliche Künstler wie Jimi Hendrix, George Clinton (von Parliament-Funkadelic) und den Bassisten Larry Graham als Trendsetter in der Entwicklung des Rockmusik-Gefühls dargestellt.“ ^{[ 113 ]}

In „The Feminist Funk Power of Betty Davis and Renée Stout“ ^{[ 114 ]} merkt Nikki A. Greene an, dass Davis’ provokanter und kontroverser Stil ihr in den 1970er-Jahren zu Popularität verhalf, da sie sich auf sexuell motivierte und selbstbestimmte Themen konzentrierte. Greene stellt außerdem fest, dass Davis nie offiziell zur Sprecherin oder Vorkämpferin der damaligen Bürgerrechts- und Frauenbewegung ernannt wurde, obwohl ihr Werk in jüngerer Zeit zu einem Symbol der sexuellen Befreiung farbiger Frauen geworden ist. Davis’ Song „If I’m In Luck I Just Might Get Picked Up“ von ihrem selbstbetitelten Debütalbum löste Kontroversen aus und wurde von der Detroiter NAACP verboten . ^{[ 115 ]} Die Musikwissenschaftlerin und Anthropologin Maureen Mahan untersucht in ihrem Artikel „They Say She’s Different: Race, Gender, Genre, and the Liberated Black Femininity of Betty Davis“ Davis’ Einfluss auf die Musikindustrie und die amerikanische Öffentlichkeit.

Laina Dawes, die Autorin von „ What Are You Doing Here: A Black Woman's Life and Liberation in Heavy Metal“ , ist der Ansicht, dass die Konformitätspolitik der Grund dafür ist, dass Künstlerinnen wie Davis nicht die gleiche Anerkennung wie ihre männlichen Kollegen erhalten: „Ich sehe einen Teil der Gründe dafür, dass einige Funk-Rock-Musikerinnen der 70er Jahre nicht bekannter sind, in der Konformitätspolitik. Trotz der Bedeutung ihrer Musik und ihrer Präsenz verkörperten viele der Funk-Rock-Sängerinnen ein aggressives Verhalten und eine Sexualität, mit denen sich viele Menschen nicht wohlfühlten.“ ^{[ 116 ]}

Laut Francesca T. Royster analysiert Rickey Vincent in seinem Buch „Funk: The Music, The People, and The Rhythm of The One “ den Einfluss von Labelle, allerdings nur in wenigen Abschnitten. Royster kritisiert Vincents Analyse der Gruppe mit den Worten: „Es ist bedauerlich, dass Vincent den Auftritten von Labelle in seiner Studie so wenig Aufmerksamkeit schenkt. Dies spiegelt leider einen immer noch weit verbreiteten Sexismus wider, der die Bewertung von Funkmusik prägt. Vincents Analyse von Labelle in ‚Funk‘ ist kurz – sie teilt sich einen einzigen Absatz mit den Pointer Sisters in seinem dreiseitigen Unterkapitel ‚Funky Women‘. Er schreibt, dass ‚ Lady Marmalade ‘ zwar ‚die Grenzen der sexuellen Anspielungen sprengte und den Starstatus der Gruppe in die Höhe schnellen ließ‘, das ‚glitzernde Image der Band aber im Disco-Trubel unterging und letztendlich verschwendet wurde, als sich das Trio auf der Suche nach Solokarrieren auflöste‘“ (Vincent, 1996, S. 192). ^{[ 117 ]} Viele Künstlerinnen, die dem Funk-Genre zugeordnet werden, veröffentlichen auch Lieder aus den Genres Disco , Soul und R&B ; manche glauben, dass Labelle in diese Kategorie von Frauen fällt, deren Musik aufgrund einer kritischen Auseinandersetzung mit Musiktheorie und der Geschichte des Sexismus in den Vereinigten Staaten auf verschiedene Genres verteilt ist. ^{[ 118 ]}

Im 21. Jahrhundert haben Künstlerinnen wie Janelle Monáe den Weg für weitere Forschung und Analysen zum Einfluss von Frauen auf das Funk-Genre geebnet. Monáes Stil hinterfragt Konzepte von Geschlecht , Sexualität und Selbstausdruck auf ähnliche Weise, wie einige männliche Pioniere des Funk Grenzen sprengten. ^{[ 119 ]} Ihre Alben kreisen um afro-futuristische Konzepte und thematisieren weibliche und schwarze Selbstermächtigung sowie Visionen einer dystopischen Zukunft. ^{[ 120 ]} In seinem Artikel „Janelle Monáe and Afro-sonic Feminist Funk“ schreibt Matthew Valnes, dass Monáes Engagement im Funk-Genre der traditionellen Auffassung von Funk als männerdominiertem Genre gegenübersteht. Valnes räumt zwar ein, dass Funk männerdominiert ist, liefert aber Einblicke in die gesellschaftlichen Umstände, die zu dieser Situation geführt haben. ^{[ 119 ]}

Zu Monáes Einflüssen zählen ihr Mentor Prince, Funkadelic, Lauryn Hill und andere Funk- und R&B-Künstler. Laut Emily Lordi wird Betty Davis jedoch selten unter Janelle Monáes zahlreichen Einflüssen genannt, und die High-Tech-Konzepte, virtuosen Darbietungen und sorgfältig produzierten Songs der jüngeren Sängerin unterscheiden sich deutlich von Davis’ Proto-Punk-Ästhetik. Doch wie Davis ist auch sie eng mit einem visionären männlichen Mentor (Prince) verbunden. Der Titel von Monáes Album „ The Electric Lady “ aus dem Jahr 2013 spielt auf Hendrix’ „Electric Ladyland“ an , verweist aber implizit auch auf den Kreis von Frauen, die Hendrix selbst inspirierten: die Cosmic Ladies oder Electric Ladies, angeführt von Hendrix’ Geliebter Devon Wilson und Betty Davis. ^{[ 121 ]}

• Chanking

• Danielsen, Anne (2006). Präsenz und Vergnügen: Die Funk-Grooves von James Brown und Parliament . Wesleyan University Press.
• Vincent, Rickey (1996). Funk: Die Musik, die Menschen und der Rhythmus des Einen . St. Martin's Press. ISBN 0-312-13499-1Die
• Thompson, Dave (2001). Funk . Backbeat Books. ISBN 0-87930-629-7Die
• Wermelinger, Peter (2005). Funky & Groovy Music Records Lexicon . -. ISBN 3-9522773-1-2Die