Geschichte des Balletts

Ballett ist eine formalisierte italienische Tanzform, deren Ursprünge an den Höfen der italienischen Renaissance im 15. und 16. Jahrhundert liegen. Mit Hilfe von Katharina von Medici verbreitete sich das Ballett von Italien nach Frankreich , wo es unter ihrem aristokratischen Einfluss weiterentwickelt wurde. Ein frühes Beispiel für Katharinas Förderung des Balletts ist „Le Paradis d’Amour“, ein Werk, das anlässlich der Hochzeit ihrer Tochter Marguerite de Valois mit Heinrich von Navarra aufgeführt wurde . Aristokratisches Geld ermöglichte die Anfänge des Hofballetts, da königliche Gelder die Ideen, die Literatur und die Musik der Ballette bestimmten, die vorwiegend zur Unterhaltung des damaligen Adels geschaffen wurden. Das erste anerkannte Hofballett, das „Ballet des Polonais“, wurde 1573 uraufgeführt. Ganz im Sinne königlicher Unterhaltung gab Katharina von Medici das „Ballet des Polonais“ in Auftrag, um die polnischen Botschafter zu ehren, die anlässlich der Thronbesteigung Heinrichs von Anjou in Paris weilten . 1581 gab Katharina von Medici ein weiteres Hofballett in Auftrag, das „Ballet Comique de la Reine“ . Die Organisation übernahm jedoch ihr Landsmann Balthasar de Beaujoyeulx . Katharina von Medici und Balthasar de Beaujoyeulx präsentierten das erste Hofballett, das die Prinzipien von Baifs Académie anwandte, indem es Poesie, Tanz, Musik und Bühnenbild zu einer einheitlichen dramatischen Handlung verband. Die frühe Organisation und Entwicklung des Hofballetts wurde von den Aristokraten der damaligen Zeit finanziert, beeinflusst und produziert und diente sowohl deren persönlicher Unterhaltung als auch der politischen Propaganda.

Im späten 17. Jahrhundert gründete Ludwig XIV. die Académie Royale de Musique (die Pariser Oper ), in deren Rahmen das erste professionelle Bühnenballett , das Ballett der Pariser Oper, entstand . Die Dominanz des Französischen im Vokabular des Balletts spiegelt diese Geschichte wider. Das Bühnenballett entwickelte sich bald zu einer eigenständigen Kunstform, obwohl es oft noch eng mit der Oper verbunden blieb, und verbreitete sich vom Herzen Europas in andere Länder. Das Königlich Dänische Ballett und das Kaiserliche Ballett des Russischen Reiches wurden in den 1740er Jahren gegründet und erlebten insbesondere nach 1850 eine Blütezeit. 1907 kehrte das russische Ballett seinerseits nach Frankreich zurück, wo die Ballets Russes von Sergei Diaghilev und seine Nachfolger besonders einflussreich waren. Bald schon verbreitete sich das Ballett weltweit durch die Gründung neuer Kompanien, darunter das Royal Ballet in London (1931), das San Francisco Ballet (1933), das American Ballet Theatre (1937), das Royal Winnipeg Ballet (1939), das Australian Ballet (1940 als Vorgänger des Borovansky Ballet), das New York City Ballet (1948), das Cuban National Ballet (1948), das National Ballet of Canada (1951) und die National Ballet Academy and Trust of India (2002). ^{[ 1 ]}

Im 20. Jahrhundert entwickelten sich die Ballettstile weiter und beeinflussten den gesamten Bühnentanz stark . So entwickelte beispielsweise der Choreograf George Balanchine in den Vereinigten Staaten das, was heute als neoklassisches Ballett bekannt ist . Zu den nachfolgenden Entwicklungen zählen das zeitgenössische Ballett und das poststrukturalistische Ballett, wie es beispielsweise in den Werken von William Forsythe in Deutschland zu sehen ist.

Die Etymologie des Wortes „Ballett“ spiegelt seine Geschichte wider. Das Wort Ballett stammt aus dem Französischen und wurde etwa im 17. Jahrhundert ins Englische übernommen. Das französische Wort wiederum hat seinen Ursprung im italienischen „balletto“ , einer Verkleinerungsform von „ballo“ (Tanz). Letztendlich lässt sich Ballett auf das italienische „ballare“ zurückführen , was „tanzen“ bedeutet . ^{[ 2 ]}

Das Ballett entstand am Renaissancehof in Italien als Auswuchs der höfischen Prunkzeremonien [ ^{3 ]} , wo aristokratische Hochzeiten aufwendige Feste waren. Tutus , Ballettschuhe und Spitzentanz waren damals noch nicht üblich. Die Choreografie basierte auf höfischen Tanzschritten [4]. ^{Die Tänzerinnen und Tänzer} trugen Kleidung in der damaligen Mode. Für Frauen bedeutete dies formelle Kleider, die die Beine bis zu den Knöcheln bedeckten ^{[ 5 ]} . Das frühe Ballett war interaktiv gestaltet; das Publikum beteiligte sich gegen Ende am Tanz.

Domenico da Piacenza (ca. 1400–ca. 1470) war einer der ersten Tanzmeister. Zusammen mit seinen Schülern Antonio Cornazzano und Guglielmo Ebreo da Pesaro wurde er im Tanz ausgebildet und unterrichtete den Adel in dieser Kunst. Da Piacenza hinterließ ein Werk: „ De arte saltandi et choreus ducendi“ (Über die Kunst des Tanzens und des Dirigierens von Tänzen), das von seinen Schülern zusammengestellt wurde. ^{[ 6 ]}

1489 heiratete Galeazzo, Herzog von Mailand , Isabella von Aragon in Tortona . Für die Feierlichkeiten wurde ein aufwendiges Tanzprogramm vom italienischen Tanzmeister Bergonzio Botta organisiert . Die Tänze waren durch eine kurze Erzählung über Jason und die Argonauten miteinander verbunden und jeweils einem Gang des Abendessens zugeordnet. Tristano Calco aus Mailand berichtete über das Ereignis, und es wurde als so beeindruckend empfunden, dass andernorts viele ähnliche Spektakel veranstaltet wurden. ^{[ 7 ] [ 8 ]}

Das Ballett wurde maßgeblich durch das französische Hofballett geprägt , das aus Gesellschaftstänzen des Adels bestand, die mit Musik, Rede, Versen, Gesang, Prunk, Dekoration und Kostümen einhergingen. ^{[ 9 ]} Als Katharina von Medici , eine kunstinteressierte italienische Aristokratin, den französischen Thronfolger Heinrich II. heiratete , brachte sie ihre Begeisterung für den Tanz nach Frankreich und unterstützte ihn finanziell. Katharinas glanzvolle Feste dienten den Zielen der Hofpolitik und waren zumeist mythologischen Themen gewidmet. ^{[ 10 ]} Das erste Hofballett war das Ballet de Polonais. Es wurde 1573 anlässlich des Besuchs des polnischen Botschafters aufgeführt. Die Choreografie stammte von Balthasar de Beaujoyeulx und umfasste einen einstündigen Tanz für sechzehn Frauen, von denen jede eine französische Provinz repräsentierte. Das Ballet Comique de la Reine (1581), ebenfalls von Balthasar de Beaujoyeulx choreografiert und inszeniert , wurde von Louise von Lothringen , der Gemahlin König Heinrichs III. , Sohn Katharinas, in Auftrag gegeben, um die Hochzeit von Heinrichs Günstling, dem Herzog von Joyeuse , mit Marguerite de Lothringen, der Schwester von Königin Louise, zu feiern. Das Ballett dauerte über fünf Stunden und wurde von 24 Tänzern aufgeführt: zwölf Najaden und zwölf Pagen. ^{[ 11 ] [ 12 ]}

Im selben Jahr trug die Veröffentlichung von Fabritio Carosos „ Il Ballarino“ , einem technischen Handbuch über höfischen Tanz, sowohl Bühnen- als auch Gesellschaftstanz, dazu bei, Italien als Zentrum der technischen Ballettentwicklung zu etablieren. ^{[ 13 ]}

Das Ballett entwickelte sich in Frankreich unter Ludwig XIV. , einem leidenschaftlichen Tanzliebhaber, zu einer eigenständigen, auf darstellende Kunstform. ^{[ 14 ]} Sein Interesse am Ballett war politisch motiviert. Durch den Tanz etablierte er strenge gesellschaftliche Regeln und machte ihn zu einem der wichtigsten Elemente des höfischen Lebens, wodurch er seine Autorität über den Adel und den Staat effektiv ausübte. ^{[ 15 ]} Ludwigs Schüler trugen zur Verfeinerung und Perfektionierung des Gesellschaftstanzes unter Aristokraten bei, der als Ausdruck königlicher Würde diente und die Kunst des klassischen Balletts durch neu etablierte Regeln und Protokolle weiter festigte. ^{[ 16 ]}

1661 gründete Ludwig XIV., entschlossen, seine Ambitionen hinsichtlich der Kontrolle des Adels weiter zu verfolgen ^{[ 17 ]} und den im 17. Jahrhundert einsetzenden Verfall der Tanzstandards umzukehren, die Académie Royale de Danse . ^{[ 14 ]} Zuvor galten Tanz, Reiten und militärische Ausbildung für Aristokraten als drei wichtige Disziplinen, um ihren Adel zur Schau zu stellen. Die Gründung der Akademie durch Ludwig lenkte ihre Aufmerksamkeit jedoch von den militärischen Künsten hin zu gesellschaftlichen Hofveranstaltungen, vom Krieg zum Ballett und verschärfte die Regeln für sie weiter. ^{[ 18 ]}

Um den Einfluss der französischen Kultur in ganz Europa auszuweiten, beauftragte Ludwig XVI. Pierre Beauchamp , seinen persönlichen Tanzlehrer und bevorzugten Partner beim Ballet de cour in den 1650er Jahren, ^{[ 19 ]} mit der Entwicklung einer Methode, Tanz schriftlich festzuhalten. ^{[ 20 ]} Beauchamp wurde außerdem zum Intendanten der Ballette des Königs ernannt und übernahm 1680 die Leitung der Tanzakademie, ein Amt, das er bis 1687 innehatte. ^{[ 19 ]} Dieser Auftrag führte zu intensiven Forschungen vieler Ballettmeister auf diesem Gebiet; jedoch erlangte nur Beauchamps Tanznotationssystem Anerkennung. ^{[ 21 ]} In seinem System kodifizierte er die fünf Grundpositionen der Füße im Ballett. ^{[ 19 ]} Raoul Auger Feuillet, ein Pariser Ballettmeister, übernahm später sein System und veröffentlichte sein Werk im Jahr 1700. Sein Notationssystem erfreute sich großer Beliebtheit in Europa. ^{[ 22 ]}

Feuillet konzentrierte sich auf den einflussreichsten Tanz am Hof, die sogenannte „La belle danse“, auch bekannt als „Französischer Adelstanz“. Diese Tanzform war auf Bällen und Höfen beliebt und stellte hohe Anforderungen an die Darbietung. Die „Entrée grave“, eine der höchsten Formen der „La belle danse “, wurde typischerweise von einem oder zwei Männern mit anmutigen und würdevollen Bewegungen, begleitet von langsamer und eleganter Musik, aufgeführt. Zu dieser Zeit waren die „La belle danse“ und die „Entrée grave“ ausschließlich Männern vorbehalten . Frauen traten zwar bei Balletten der Königin und anderen gesellschaftlichen Anlässen auf, jedoch nicht bei der „ Entrée grave “, den Balletten des Königs, am Hof ​​oder auf den Bühnen von Paris – und das erst ab den 1680er Jahren. In dieser Zeit galten Männer als Meister und Meister der Kunst, die ihren maskulinen, würdevollen und edlen Tanz, den Tanz des Königs, verkörperten. Dies prägte auch das klassische Ballett. ^{[ 23 ]}

Hofballette verbanden Tanz und Etikette seit der Renaissance, doch mit dem „schönen Tanz“ erreichte die Etikette im Ballett eine völlig neue Dimension. Jede einzelne Etiketteregel am Hofe Ludwigs XVI. wurde im „ schönen Tanz“ bis ins kleinste Detail umgesetzt , und der Adelsstand der Tänzer spiegelte sich deutlich in ihren Bewegungen wider. ^{[ 24 ]} Die von Beauchamp und später von Feuillet kodifizierten fünf Körperpositionen beschrieben den Körper wie einen Miniaturhof, mit dem Kopf als Mittelpunkt, dessen Gliedmaßen wie die eines Königs, der seinen Staat regiert, koordiniert wurden. Ein Tänzer, der einen Adligen darstellte, nahm andere fünf Positionen ein als einer, der einen Bauern oder eine Figur niedrigeren Ranges verkörperte. ^{[ 25 ]} Der Adel wurde im „schönen Tanz“ auch durch Masken, Make-up, Kostüme und insbesondere Schuhe zum Ausdruck gebracht . ^{[ 26 ]}

Jean-Baptiste Lully , ein italienischer Geiger, Tänzer, Choreograf und Komponist, der 1652 an den Hof Ludwigs XIV. trat ^{[ 27 ]} , prägte maßgeblich die Entwicklung des Balletts im folgenden Jahrhundert. Von König Ludwig XIV. gefördert und bewundert, besetzte Lully den König häufig in seinen Balletten. Der Titel „ Sonnenkönig“ für den französischen Monarchen geht auf Ludwig XIV.s Rolle in Lullys „ Ballet de la Nuit “ (1653) zurück. Der vierzehnjährige Ludwig XIV. tanzte in diesem zwölfstündigen Ballett fünf Rollen. ^{[ 28 ]} Das prunkvolle Ballett enthielt unter anderem eine Szene, in der ein Haus niederbrannte, und bevölkerte die Bühne mit Hexen, Werwölfen, Zigeunern, Hirten, Dieben sowie den Göttinnen Venus und Diana. ^{[ 29 ]} Das Hauptthema des Balletts waren jedoch nicht Dunkelheit und Albträume, sondern Ludwig, der am Ende als Sonne (der Sonnengott Apollo) erschien und die Nacht beendete. ^{[ 30 ]} Lullys wichtigster Beitrag zum Ballett waren seine nuancierten Kompositionen. Sein Verständnis von Bewegung und Tanz ermöglichte es ihm, speziell für Ballett zu komponieren, mit musikalischen Phrasierungen, die die körperlichen Bewegungen ergänzten. ^{[ 29 ]} Lully arbeitete auch mit dem französischen Dramatiker Molière zusammen . Gemeinsam adaptierten sie den italienischen Theaterstil der Commedia dell’arte für ein französisches Publikum und schufen so die Comédie-ballet . Zu ihren größten Produktionen, bei der Beauchamp als Choreograf fungierte, ^{[ 19 ]} zählte Le Bourgeois Gentilhomme (1670). ^{[ 31 ]}

1669 gründete Ludwig XIV. die Académie d’Opéra mit Pierre Perrin als Direktor. ^{[ 32 ]} 1670 zog sich Ludwig XIV. aufgrund starker Gewichtszunahme vom Tanzen zurück. Bereits 1661 hatte er die Académie Royale de danse gegründet . Beauchamp war der erste Ballettmeister der Opéra und schuf die Choreografien für die erste Produktion des neuen Ensembles, „Pomone“, mit Musik von Robert Cambert . ^{[ 19 ]} Nachdem Perrin später bankrottging, gründete der König die Opéra als Académie royale de Musique neu und ernannte Lully zum Direktor. ^{[ 32 ]} Beauchamp war einer der Hauptchoreografen. ^{[ 19 ]} In dieser Position schuf Lully zusammen mit seinem Librettisten Philippe Quinault ein neues Genre, die Tragédie en musique , deren Akte jeweils ein Divertissement in Form einer Miniatur-Ballettszene enthielten. ^{[ 27 ]} In fast all seinen bedeutenden Werken verband Jean-Baptiste Lully Musik und Drama mit italienischen und französischen Tanzelementen. Sein Schaffen schuf ein Vermächtnis, das die Zukunft des Balletts prägen sollte.

Der französische Hof war in mancher Hinsicht die wichtigste Quelle modischer Kultur für viele andere Königshöfe in Europa. Unterhaltungsformen wie die königlichen Ballette wurden nachgeahmt. Höfe in Spanien, Portugal, Polen, Deutschland und anderswo wurden zu Zuschauern und Teilnehmern von Ballettvorführungen. Neben Frankreich übte auch Italien, allen voran Venedig , einen bedeutenden Einfluss auf diese Kunstform aus .

Professionelle Ballettkompanien begannen sich zu organisieren und durch Europa zu touren, um vor aristokratischem Publikum aufzutreten. In Polen empfing König Władysław IV. Wasa (1633–1648) italienische Opernaufführungen, in denen Balletttänzer in einigen Szenen mitwirkten. Zu den berühmten europäischen Ballettmeistern, die am polnischen Hof arbeiteten, zählten Jean Favier , Antoine Pitrot , Antonio Sacco und Francesco Caselli . ^{[ 33 ]}

Das 18. Jahrhundert war eine Zeit des technischen Fortschritts im Ballett und der Etablierung des Balletts als ernstzunehmende dramatische Kunstform, die der Oper ebenbürtig war. Zentral für diese Entwicklung war das wegweisende Werk von Jean-Georges Noverre , „Lettres sur la danse et les ballets “ (1760), das sich mit der Entwicklung des Handlungsballetts befasste . In diesem Ballett sind die Bewegungen der Tänzer darauf ausgerichtet, Charaktere auszudrücken und die Handlung zu unterstützen. Noverre war der Ansicht, dass Ballett technisch anspruchsvoll sein, aber auch das Publikum emotional berühren sollte; Handlungsstränge müssten in sich schlüssig sein; Bühnenbild und Musik müssten die Handlung unterstützen und sich harmonisch in die Geschichte einfügen; und die Pantomime müsse einfach und verständlich sein. ^{[ 34 ]}

Die Ballettkomposition wurde von Komponisten wie Christoph Willibald Gluck reformiert . Schließlich wurde das Ballett in drei formale Techniken unterteilt: sérieux , demi-caractère und comique . Auch in Opern hielt das Ballett Einzug, und zwar als Zwischenspiele, sogenannte Divertissements.

Venedig blieb ein Zentrum des Tanzes in Europa, insbesondere während des Karnevals , wenn Tänzer und Besucher aus ganz Europa in die Stadt reisten, um einen lebhaften kulturellen Austausch zu erleben. Das Teatro San Benedetto wurde vor allem durch die dort aufgeführten Ballette zu einem berühmten Wahrzeichen. Italienische Balletttechniken prägten weite Teile Süd- und Osteuropas bis zu ihrer Ablösung durch russische Techniken im frühen 20. Jahrhundert.

Im 18. Jahrhundert verbreiteten sich Ballettaufführungen in Osteuropa, unter anderem in Ungarn, wo sie in privaten Theatern auf aristokratischen Schlössern stattfanden. Es wurden professionelle Ensembles gegründet, die in ganz Ungarn auftraten und auch im Ausland tourten. Das Budapester Nationaltheater entwickelte sich zunehmend zu einer Heimat für die Tänzer. ^{[ 35 ]}

Zu den führenden Tänzern jener Zeit, die in ganz Europa auftraten, gehörten Louis Dupré , Charles Le Picque mit Anna Binetti , Gaetano Vestris und Jean-Georges Noverre . ^{[ 33 ]}

Die Ballerina avancierte in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts zur beliebtesten Tänzerin Europas und verdrängte damit allmählich den männlichen Tänzer aus dem Rampenlicht. In vielen Aufführungen wurden Balletthelden von Frauen verkörpert, wie beispielsweise der Primaballerina in der Pantomime . ^{[ 36 ]}

Die Professionalisierung von Ballettkompanien rückte in den Fokus einer neuen Generation von Ballettmeistern und Tänzern. Wien war eine wichtige Quelle einflussreicher Ballettpädagogen. Der erste Ballettmeister des Ungarischen Nationaltheaters und der Königlichen Oper war der in Wien geborene Frigyes Campilli , der 40 Jahre lang in Budapest arbeitete . ^{[ 37 ]}

Das 19. Jahrhundert war eine Zeit großer gesellschaftlicher Umbrüche, die sich auch im Ballett widerspiegelten: Man wandte sich von den aristokratischen Vorstellungen ab, die frühere Epochen des romantischen Balletts geprägt hatten . Ballerinen wie Geneviève Gosselin , Marie Taglioni und Fanny Elssler experimentierten mit neuen Techniken wie dem Spitzentanz , der die Ballerina als ideale Bühnenfigur etablierte. Taglioni war als „christliche Tänzerin“ bekannt, da ihr Image von Leichtigkeit und Reinheit geprägt war (verbunden mit ihrer Rolle als Sylphe in „La Sylphide“). Sie wurde hauptsächlich von ihrem Vater, Filipo Taglioni, ausgebildet. 1834 kam Fanny Elssler an die Pariser Oper und wurde aufgrund der feurigen Energie des Cachucha- Tanzes, der sie berühmt machte, als „heidnische Tänzerin“ bekannt. Professionelle Librettisten begannen, die Geschichten in Balletten zu verfassen. Lehrer wie Carlo Blasis kodifizierten die Balletttechnik in ihrer Grundform, die bis heute Anwendung findet. Der Ballettschuh mit kastenförmiger Spitze wurde erfunden, um das Spitzentanzen zu unterstützen.

Die Romantik in Kunst, Literatur und Theater war eine Reaktion auf formale Zwänge und die Mechanismen der Industrialisierung.[22] Der Zeitgeist inspirierte Choreografen zur Komposition romantischer Ballette, die leicht, beschwingt und frei wirkten und einen Kontrast zur Ausbreitung reduktionistischer Wissenschaft in vielen Bereichen des täglichen Lebens bildeten, die, in den Worten Edgar Allan Poes, „die Hamadryade aus den Wäldern vertrieben“ hatte. Diese „unwirklichen“ Ballette porträtierten Frauen als zerbrechliche, überirdische Wesen, ätherische Geschöpfe, die mühelos gehoben werden konnten und beinahe in der Luft zu schweben schienen. Ballerinen trugen Kostüme mit pastellfarbenen, fließenden Röcken, die die Schienbeine freilegten. Die Geschichten drehten sich um unheimliche, folkloristische Geister. Ein Beispiel für ein solches romantisches Ballett ist La Sylphide , eines der ältesten romantischen Ballette, das heute noch aufgeführt wird.

Eine Strömung der Romantik war die erneute Auseinandersetzung mit Folklore und traditioneller ethnischer Kultur. Dieser Einfluss zeigte sich im Aufkommen europäischer Volkstänze und in westlichen Darstellungen afrikanischer, asiatischer und nahöstlicher Völker auf europäischen Bühnen. In Balletten dieser Zeit wurden nichteuropäische Figuren oft als Bösewichte oder als alberne Unterhaltungsfiguren geschaffen, um dem orientalistischen westlichen Weltbild zu entsprechen. ^{[ 38 ]} Die Nationaloper der Ukraine , ein Theater für darstellende Künste mit einem festen Opernensemble, wurde 1867 in Kiew gegründet . Sie umfasste auch eine kleine, feste Ballettgruppe, die während der Opernaufführungen hauptsächlich Volkstänze aufführte. Bis 1893 wuchs diese Gruppe zu einer so großen Truppe an, dass sie große Ballette inszenieren konnte. Volkstänze und Ballette mit ukrainischen Geschichten gehörten zu den frühen Produktionen. ^{[ 39 ]}

Viele der führenden europäischen Ballettkompanien, die bis heute bestehen, wurden Mitte bis Ende des 19. Jahrhunderts in neuen Theatern in den europäischen Hauptstädten gegründet, darunter das Kiewer Ballett , das Ungarische Nationalballett , das Nationaltheaterballett (Prag) und das Wiener Staatsballett (ehemals Ballett der Wiener Staatsoper ). Diese Theater vereinten in der Regel große Opern-, Schauspiel- und Ballettkompanien unter einem Dach. Komponisten, Dramatiker und Choreografen konnten so Werke schaffen, die von der Möglichkeit der Zusammenarbeit dieser Ensembles profitierten.

Frankreich spielte zwar eine entscheidende Rolle in der Frühzeit des Balletts, doch auch andere Länder und Kulturen, allen voran Russland, übernahmen diese Kunstform bald. Russland blickt auf eine lange und anerkannte Balletttradition zurück, und das russische Ballett hat im Laufe der Geschichte eine große Bedeutung für das Land gehabt. Nach 1850 verlor das Ballett in Paris an Bedeutung, erlebte aber in Dänemark und Russland dank Meistern wie August Bournonville , Jules Perrot , Arthur Saint-Léon , Enrico Cecchetti und Marius Petipa eine Blütezeit . Im späten 19. Jahrhundert war der Orientalismus in Mode. Der Kolonialismus weckte zwar das Bewusstsein für asiatische und afrikanische Kulturen, doch wurde dieses durch Desinformation und Fantasie verzerrt. Der Osten wurde oft als ein ferner Ort wahrgenommen, an dem alles möglich war, solange es nur verschwenderisch, exotisch und dekadent war. Petipa traf mit „ Die Tochter des Pharaos “ (1862) und später mit „Der Talisman“ (1889) und „La Bayadère“ (1877) den Nerv des Publikums. Petipa ist vor allem für seine Zusammenarbeit mit Tschaikowsky bekannt . Er verwendete dessen Musik für seine Choreografien von „Der Nussknacker “ (1892, wobei dieses Datum unter Historikern umstritten ist), „Dornröschen“ (1890) und der maßgeblichen Wiederaufführung von „Schwanensee“ (1895, zusammen mit Lew Iwanow ). Diese Werke basierten allesamt auf europäischer Folklore.

Das klassische Tutu der Tänzerinnen, wie wir es heute kennen, tauchte zu dieser Zeit auf. Es bestand aus einem kurzen, steifen Rock, der von Lagen aus Krinoline oder Tüll gestützt wurde und die akrobatischen Beinbewegungen freigab, kombiniert mit einem breiten Zwickel, der die Sittsamkeit bewahrte.

Mitte des 19. Jahrhunderts begannen europäische Ballettkompanien lukrative Tourneen durch Theater in Nord-, Mittel- und Südamerika. Das renommierte Teatro Colón in Buenos Aires, Argentinien, hatte bereits ausländische Ballettkünstler auf seiner Bühne empfangen; europäische Tourneekompanien präsentierten dort schon 1867 vollständige Ballette. ^{[ 40 ]} In den 1880er Jahren verfügte das Teatro Colón über eine eigene professionelle Ballettkompanie. Es sollte jedoch noch einige Jahrzehnte dauern, bis die meisten Länder außerhalb Europas eigene professionelle Ballettkompanien vorweisen konnten.

Sergei Diaghilev schloss den Kreis des Balletts in Paris, als er seine Kompanie, die Ballets Russes, gründete . Sie bestand aus Tänzern der russischen Exilgemeinde in Paris nach der Revolution.

Diaghilev und der Komponist Igor Strawinsky vereinten ihre Talente, um russische Folklore in „Der Feuervogel“ und „Petruschka“ , choreografiert von Fokine, zum Leben zu erwecken. Diaghilevs nächste choreografische Aufträge gingen an Nijinsky. Sein erstes Ballett war „L’après-midi d’un Faune“ (Nachmittag eines Fauns) zu Musik von Debussy. Es fiel durch seine zweidimensionalen Formen und den Verzicht auf traditionelle Balletttechnik auf. Kontroversen entstanden durch die Darstellung des Fauns, der sich den Schal einer der Jungfrauen an sich rieb – eine Andeutung von Masturbation. Das umstrittenste Werk der Ballets Russes war jedoch „ Le Sacre du Printemps“ , choreografiert von Nijinsky zu Musik von Strawinsky. Die moderne Musik, die stampfenden, nach innen gedrehten Füße und das Thema des Menschenopfers schockierten das Publikum so sehr, dass es zu einem Aufruhr kam.

Nach dem „goldenen Zeitalter“ Petipas begann Michel Fokine seine Karriere in St. Petersburg, zog aber nach Paris und arbeitete mit Diaghilev und den Ballets Russes zusammen.

Das russische Ballett entwickelte sich unter sowjetischer Herrschaft weiter. Nach der Revolution gab es im Land zwar nur noch wenige talentierte Tänzer, doch reichte dies aus, um eine neue Generation heranzubilden. Nach einer Stagnation in den 1920er Jahren trat Mitte der 1930er Jahre diese neue Generation von Tänzern und Choreografen in Erscheinung. Die technische Perfektion und Präzision des Tanzes wurde von Agrippina Waganowa gefördert (und gefordert) , die bei Petipa und Cecchetti gelernt hatte und die Waganowa-Ballettakademie leitete , die Schule zur Ausbildung von Tänzern für das Kirow-Ballett in St. Petersburg/Leningrad.

Ballett erfreute sich großer Beliebtheit. Sowohl das Moskauer Bolschoi-Theater als auch das in St. Petersburg (damals Leningrad) ansässige Kirow-Ballett waren aktiv. Ideologischer Druck führte zur Entstehung zahlreicher sozialistisch-realistischer Stücke, die jedoch größtenteils wenig Anklang beim Publikum fanden und später aus dem Repertoire beider Ensembles gestrichen wurden.

Einige Werke jener Zeit waren jedoch bemerkenswert. Prokofjews und Lawrowskis „ Romeo und Julia“ ist ein Meisterwerk. „Die Flammen von Paris“ , das zwar alle Schwächen des sozialistischen Realismus offenbart, war wegweisend für den aktiven Einsatz des Corps de ballet in der Aufführung und erforderte atemberaubende Virtuosität. Auch die Ballettfassung von Puschkins Gedicht „ Der Brunnen von Bachtschissarai“ mit Musik von Boris Asafjew ​​und Choreografie von Rostislaw Sacharow war ein großer Erfolg.

Das bekannte Ballett „Cinderella“ , für das Prokofjew die Musik komponierte, ist ebenfalls ein Produkt des sowjetischen Balletts. Während der Sowjetzeit waren diese Stücke außerhalb der Sowjetunion und später auch außerhalb des Ostblocks weitgehend unbekannt . Nach dem Zusammenbruch der Sowjetunion erlangten sie jedoch größere Bekanntheit.

Die nordamerikanische Premiere von „Der Brunnen von Bachtschissarai“ des Kirow-Balletts in New York im Jahr 1999 war beispielsweise ein herausragender Erfolg. Die sowjetische Ära des russischen Balletts legte großen Wert auf Technik, Virtuosität und Kraft. Sie verlangte eine Kraft, die in der Regel über dem Standard zeitgenössischer westlicher Tänzer lag. Zu den namhaften Primaballerinen zählen Galina Ulanowa , Natalja Dudinskaja und Maja Plissezkaja sowie Choreografen wie Pjotr ​​Gusew .

Russische Kompanien unternahmen insbesondere nach dem Zweiten Weltkrieg zahlreiche Tourneen in der ganzen Welt, die das Ballett im Westen wiederbelebten.

„Maiden Tower“ ^{[ 41 ]} , geschrieben von Afrasiyab Badalbeyli, ist das erste Ballett im muslimischen Osten. ^{[ 42 ] [ 43 ] [ 41 ]}

Nach dem Umzug der Ballets Russes nach Frankreich gewann das Ballett einen breiteren Einfluss, insbesondere in den Vereinigten Staaten von Amerika.

Nach Meinungsverschiedenheiten mit Diaghilev ging Fokine von Paris nach Schweden, dann in die USA und ließ sich in New York nieder. Diaghilev war der Ansicht, dass das traditionelle Ballett kaum mehr als Schönheit und athletische Darbietung zu bieten habe. Fokine genügte das nicht. Neben technischer Virtuosität forderte er Dramatik, Ausdruck und historische Authentizität. Der Choreograf müsse die Epoche und den kulturellen Kontext der Aufführung recherchieren und das traditionelle Tutu zugunsten akkurater Kostüme ablehnen.

Fokine choreografierte Scheherazade und Cleopatra . Er überarbeitete auch Petrouchka und Der Feuervogel . Eines seiner berühmtesten Werke war Der sterbende Schwan , getanzt von Anna Pawlowa . Neben ihrem Talent als Ballerina besaß Pawlowa die schauspielerischen Gaben, Fokins Vision vom Ballett als Drama zu verwirklichen. Der Legende nach identifizierte sich Pawlowa so sehr mit der Rolle des Schwans, dass sie sich auf dem Sterbebett ihr Schwanenkostüm wünschte.

George Balanchine entwickelte in Amerika eine hochmoderne Technik, indem er eine Schule in New York eröffnete. Er adaptierte das Ballett für die neuen Medien, Film und Fernsehen. ^{[ 44 ]} Als äußerst produktiver Künstler choreografierte Balanchine Klassiker wie Schwanensee und Dornröschen neu und schuf darüber hinaus neue Ballette. Er schuf originelle Interpretationen von Dramen William Shakespeares wie Romeo und Julia und Ein Sommernachtstraum sowie von Franz Lehárs Die lustige Witwe .

1967 brach Balanchines „ Jewels“ mit der Erzähltradition und dramatisierte ein Thema anstelle einer Handlung. Diese Ausrichtung entsprach den staatlichen Förderprogrammen in den USA, die „Freiheit und freies Denken“ fördern wollten, im Gegensatz zu erzählorientiertem Tanz, der als zu eng mit dem Sozialismus, insbesondere dem sowjetischen Kommunismus , verbunden galt . ^{[ 45 ]} Heute, auch dank Balanchine, zählt Ballett zu den am besten erhaltenen Tanzformen der Welt.

Barbara Karinska war eine russische Emigrantin und begabte Schneiderin, die gemeinsam mit Balanchine die Kostümgestaltung von einer Nebenrolle zu einem integralen Bestandteil der Ballettvorstellung erhob. Sie führte den Schrägschnitt und ein vereinfachtes klassisches Tutu ein, das der Tänzerin mehr Bewegungsfreiheit ermöglichte. Mit akribischer Detailgenauigkeit verzierte sie ihre Tutus mit Perlenstickerei, Stickereien, Häkelarbeiten und Applikationen.

Der Kalte Krieg war geprägt vom ideologischen Wettstreit zwischen den kapitalistischen Vereinigten Staaten und der kommunistischen Sowjetunion. Ballettvorstellungen dienten oft dazu, die in westlichen Gesellschaften vorherrschende künstlerische und kreative Freiheit zu demonstrieren und sie den wahrgenommenen Einschränkungen des künstlerischen Ausdrucks in der Sowjetunion gegenüberzustellen. Viele Ballettkompanien, wie das Bolschoi-Ballett aus der Sowjetunion und das American Ballet Theatre aus den Vereinigten Staaten, galten als Botschafter ihrer jeweiligen Nationen. Sie unternahmen internationale Tourneen, darunter auch Austauschprogramme zwischen der Sowjetunion und den Vereinigten Staaten, um ihre künstlerische Exzellenz zu präsentieren und das kulturelle Verständnis zu fördern. So tourte beispielsweise das American Ballet Theatre vom 13. September bis zum 23. Oktober 1960 durch die Sowjetunion. ^{[ 46 ]} Das Repertoire umfasste sowohl sehr „amerikanische“ Ballette wie „ Fancy Free“ und „Rodeo“ als auch klassischere Ballette wie den Pas de deux „Schwarzer Schwan“ aus „Schwanensee“ . ^{[ 47 ]} Auch russische Ballettkompanien tourten durch die USA. Beispielsweise unternahm das Bolschoi-Ballett im September 1962 eine Tournee durch Amerika ^{. [ 48 ]} Laut Anne Searcy , Dozentin an der Musikhochschule, dienten die Tourneen während des Kalten Krieges in ihrem Buch „ Ballett im Kalten Krieg “ [ ^{49 ]} nicht nur Ballettvorführungen, sondern auch der US-amerikanischen und sowjetischen Regierung, ihren Einfluss weltweit geltend zu machen. Searcy argumentiert, dass diese Tourneen politische Motive hatten: Beide Nationen konkurrierten um die globale Vorherrschaft und versuchten, die Wahrnehmung der Weltöffentlichkeit zu prägen. Auch Cadra McDaniel unterstützt diese Ansicht. Er führt als Beispiel einen Brief des Direktors des Bolschoi-Theaters (Orvid) an den sowjetischen Kulturminister nach der ersten Amerika-Tournee des Bolschoi-Balletts an . Darin schrieb Orvid, er versuche, die Übertragungsrechte für die Bolschoi-Aufführungen im amerikanischen Fernsehen zu sichern. ^{[ 50 ]} McDaniel argumentiert, dies zeige, dass die Sowjets ihren Einfluss über die Theater hinaus ausdehnen wollten. ^{[ 51 ]} Er vermutet, dass die Sowjets durch den Besuch russischer Ballettaufführungen für Amerikaner die Wertschätzung des sowjetischen Systems und schließlich auch des Kommunismus fördern wollten. ^{[ 52 ]} Die Reaktionen des Publikums auf die amerikanischen Tourneen in Russland und die russischen Tourneen in Amerika unterschieden sich stark. Searcy hebt hervor, dass die Reaktionen des Publikums in beiden Ländern unerwartet waren und dass das Ballett in den USA und der Sowjetunion trotz ideologischer Differenzen mehr Gemeinsamkeiten aufwies, als beide Seiten zugeben wollten. Die Tänzer Rudolf Nurejew und Michail Baryshnikow liefen während des Kalten Krieges aus der Sowjetunion in den Westen über. Ihre Aufsehen erregenden Fluchten lenkten die Aufmerksamkeit auf die künstlerische Unterdrückung in der Sowjetunion und unterstrichen die Anziehungskraft von Freiheit und künstlerischem Ausdruck im Westen.

Im Zuge des Kulturaustauschs zwischen den Vereinigten Staaten und der Sowjetunion kam es jedoch häufig zu kulturellen Missverständnissen, die Ballettvorführungen beeinträchtigten. Die Produktion „ Spartacus “ des Bolschoi-Balletts unter der Choreografie von Leonid Jakobson führte zu Konflikten mit dem amerikanischen Publikum, da dieses die Aufführung nicht als Ballett wahrnahm. Zufälligerweise war kurz zuvor ein Hollywood-Film mit demselben Titel erschienen, was die Verwirrung beim Publikum noch verstärkte. ^{[ 53 ]} Die sowjetischen Produzenten hatten gehofft, mit dem Ballett die Botschaft des proletarischen Aufstands zu vermitteln, doch das amerikanische Publikum empfand die Inszenierung als ungewohnt und unkonventionell. Die Tänzer trugen flache römische Sandalen anstelle der traditionellen Spitzenschuhe, und die günstigen Kinokarten führten zu Enttäuschung und Ablehnung beim Publikum. Dies hatte viele negative Reaktionen zur Folge, und das Ballett wurde leider aus dem Spielplan gestrichen, was die Konflikte und den Hass zwischen Russen und Amerikanern weiter verschärfte.

Neben Missverständnissen und Konflikten diente Ballett auch als Instrument der Soft Power , um kulturellen Einfluss und Ideale zu vermitteln. Das Ballets Russes – eine Pariser Kompanie bestehend aus einem russischen Tanzlehrer und russischen Tänzern – prägte das positive Bild Russlands in Amerika. Sie präsentierten ihre künstlerischen Leistungen und ihr kulturelles Erbe, um die Herzen und Köpfe des westlichen Publikums zu gewinnen und Russland im Ballett zu mehr Anerkennung zu verhelfen. Diese Ballettvorstellungen galten als Symbole nationalen Stolzes und kultureller Überlegenheit. Die Kompanie brachte eine Fülle russischer Kulturelemente in ihre Aufführungen ein, darunter russische Komponisten, Choreografen, Maler , traditionelle Kostüme, Melodien und Geschichten. Insbesondere die Ballette mit den meisten russischen Einflüssen, wie beispielsweise „Petruschka ^{“ [} 54 ^{] ,} waren beim Publikum am beliebtesten. Obwohl diese Aufführungen nicht unbedingt das damalige Russland widerspiegelten, trugen sie dazu bei, Russland im Westen als Symbol für Fortschrittlichkeit und außergewöhnliches künstlerisches Talent zu sehen. Nach dem Einfluss des Ballet Russes wurde das russische Ballett in die amerikanische Kultur aufgenommen und inspirierte die Amerikaner dazu, das Ballett ebenfalls in ihre eigene Kultur zu integrieren.

1963 feierte Lincoln Kirsteins „ American Ballet“ , das erste in Amerika produzierte Ballett, dank der Unterstützung der Ford Foundation große Erfolge . Diese etablierte George Balanchines neoklassischen Stil als bedeutende nationale Institution. Eine Untersuchung der kulturdiplomatischen Bemühungen des New York City Ballet ^{[ 55 ]} verdeutlichte, dass Balanchine in den Netzwerken zwischen Regierung, privaten und institutionellen Stiftungen sowie der Kunstszene während des Kalten Krieges eine einflussreiche Position einnahm. Die Zusammenarbeit zwischen Ballettkompanie und Regierung gestaltete sich jedoch komplex, da die Künstler oft andere politische Ziele verfolgten als der Staat. Der Kalte Krieg führte zu einem tiefgreifenden Wandel in der Kunstförderung, -organisation und -verwaltung, basierend auf dem Glauben an den gesellschaftlichen Einfluss der Kunst, der in den 1930er Jahren geweckt worden war.

Während des Kalten Krieges waren Ballettaufführungen mitunter von politischer Symbolik durchdrungen. Choreografen und Tänzer nutzten das Medium, um politische Ideen auszudrücken oder gesellschaftliche Probleme zu kommentieren. Diese Aufführungen hatten das Potenzial, Diskussionen und Debatten über Politik, Gesellschaft und die Rolle der Kunst bei der Meinungsbildung anzustoßen. Insgesamt prägte die Präsenz des Balletts während des Kalten Krieges die amerikanische Kultur, indem sie den künstlerischen Horizont erweiterte und neue Stile und Techniken einführte. Sie trug zur Entwicklung amerikanischer Ballettkompanien, zum Wachstum der Tanzausbildung und zur Popularisierung des Balletts als Kunstform in den Vereinigten Staaten bei.

George Balanchine gilt oft als Pionier des neoklassischen Balletts , eines Tanzstils zwischen klassischem und zeitgenössischem Ballett. Tim Scholl, Autor von „ From Petipa to Balanchine“ , hält Balanchines „Apollo“ (1928) für das erste neoklassische Ballett. Es stellte eine Rückkehr zu den Wurzeln des klassischen Balletts dar, als Antwort auf Serge Diaghilews abstrakte Ballette. „Apollo“ und andere Werke werden bis heute aufgeführt, vorwiegend vom New York City Ballet . Andere Kompanien können jedoch gegen Gebühr die Aufführungsrechte für Balanchines Werke erwerben.

Frederick Ashton ist ein weiterer bedeutender Choreograf, der mit dem neoklassischen Stil in Verbindung gebracht wird. Drei seiner Werke gehören zum Standardrepertoire des internationalen Tanzes: Sylvia (1952), Romeo und Julia (1956) und Ondine (1958), wobei letzteres als Bühnenstück für Margot Fonteyn geschaffen wurde .

Einer der Tänzer, der bei Balanchine ausgebildet wurde und dessen neoklassischen Stil stark verinnerlichte, war Michail Baryshnikow . Nach seiner Ernennung zum künstlerischen Leiter des American Ballet Theatre (ABT) im Jahr 1980 arbeitete Baryshnikow mit verschiedenen modernen Choreografen zusammen, insbesondere mit Twyla Tharp . Tharp choreografierte 1976 „ Push Comes To Shove“ für das ABT und Baryshnikow; 1986 schuf sie „In The Upper Room“ für ihre eigene Kompanie. Beide Stücke galten als innovativ, da sie deutlich moderne Bewegungen mit Spitzenschuhen und klassisch ausgebildeten Tänzern verbanden – sie verkörperten das zeitgenössische Ballett. Pionierinnen des zeitgenössischen Balletts waren Martha Graham und Isadora Duncan.

Tharp arbeitete auch mit dem Joffrey Ballet zusammen , das 1957 von Robert Joffrey gegründet wurde . 1973 choreografierte sie für das Ballett „Deuce Coupe“ , in dem sie Popmusik mit Elementen des modernen Tanzes und des klassischen Balletts verband. Das Joffrey Ballet führte weiterhin zahlreiche zeitgenössische Stücke auf, viele davon choreografiert vom Mitbegründer Gerald Arpino .

Heute gibt es zahlreiche zeitgenössische Ballettkompanien und Choreografen. Dazu gehören das Madrider Ballett , das Königliche Ballett von Flandern , Alonzo King und seine Kompanie Alonzo King LINES Ballet , Nacho Duato und die Compañia Nacional de Danza , William Forsythe, der intensiv mit dem Frankfurter Ballett zusammengearbeitet hat und heute die Forsythe Company leitet , sowie Jiří Kylián , ehemaliger künstlerischer Leiter des Nederlands Dans Theater . Auch traditionell „klassische“ Kompanien wie das Kirow-Ballett und das Ballett der Pariser Oper führen regelmäßig zeitgenössische Werke auf.

Mehrere bekannte Ballettmethoden sind nach ihren Begründern benannt. So sind beispielsweise zwei weit verbreitete Systeme aus Russland als die Waganowa-Methode ( nach Agrippina Waganowa ) und die Legat-Methode (nach Nikolai Legat) bekannt . Die Cecchetti-Methode wurde vom italienischen Tänzer Enrico Cecchetti (1850–1928) entwickelt , und die Bournonville-Methode, die von August Bournonville (1805–1879) erfunden wurde, wird hauptsächlich in Bournonvilles Heimatland Dänemark angewendet.

• Liste der Ballette nach Titel
• Ballettmusik
• Geschichte des Tanzes
• Schwarze Frauen im Ballett

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