Geschichte des Tanzes

Die Geschichte des Tanzes ist schwer zugänglich, da Tanz selten eindeutig identifizierbare physische Artefakte hinterlässt, die Jahrtausende überdauern, wie etwa Steinwerkzeuge , Jagdgeräte oder Höhlenmalereien . Es ist schwierig, den genauen Zeitpunkt zu bestimmen, an dem Tanz Teil der menschlichen Kultur wurde . Tanz ist reich an ästhetischen Werten, die ihn von Gesellschaft zu Gesellschaft unterscheiden. Er ist voller Symbolik, die das kulturelle Erbe einer Gemeinschaft erläutert, wobei jeder Stil einzigartig ist. Tanz kann helfen, Geschichten zu erzählen, Gefühle und Emotionen auszudrücken und uns mit anderen und uns selbst zu verbinden.

Es wurde festgestellt, dass Primaten einen natürlichen Drang zum Tanzen als Reaktion auf rhythmische Takte aufweisen. ^{[ 1 ]}

Tanz ist seit jeher, also seit der Zeit vor den frühesten menschlichen Zivilisationen , ein wichtiger Bestandteil von Zeremonien , Ritualen , Festen und Unterhaltung . Archäologische Funde belegen Tanztraditionen aus prähistorischer Zeit, wie beispielsweise die 10.000 Jahre alten Felsmalereien von Bhimbetka in Indien und ägyptische Gräber mit Darstellungen tanzender Figuren aus der Zeit um 3300 v. Chr. Viele zeitgenössische Tanzformen lassen sich auf historische , traditionelle , zeremonielle und ethnische Tänze der Antike zurückführen .

Tanz diente möglicherweise als Mittel der sozialen Interaktion und förderte die für das Überleben der frühen Menschen essentielle Kooperation . Studien haben gezeigt, dass die besten Tänzer von heute zwei spezifische Gene gemeinsam haben, die mit einer Veranlagung zu guter sozialer Kommunikation in Verbindung stehen. ^{[ 2 ]}

Der Begriff „kinästhetisch“ ist ebenfalls treffend, um zu verstehen, wie Tanz Kommunikation ermöglicht. „Kinästhetisch“ bedeutet die Wahrnehmung der eigenen Körperbewegung und setzt sich aus zwei griechischen Wörtern zusammen ( kinein „bewegen“, aesthesis „Wahrnehmung“). Tanzbewegungen und begleitende Klänge spielen dabei eine wichtige Rolle. Bei Gruppenaufführungen (sei es durch Händchenhalten, Schulterzucken oder einander zugewandtes Auftreten) entwickeln die Teilnehmenden oft ein Gefühl der Kommunikation und sozialen Verbundenheit. ^{[ 3 ]}

Viele Tänze der frühen Epochen wurden als Rituale für die Götter aufgeführt, die nach dem Glauben der Vorfahren für den Weltfrieden unterhalten werden mussten. ^{[ 4 ]} Tanz wurde bei vielen Festen praktiziert und wird auch heute noch zu diesem Zweck eingesetzt. Im Laufe der Geschichte lässt sich feststellen, dass Tanz vielfältige Verwendung fand, beispielsweise als Gemeinschaftstanz, bei der Ernte und im Rahmen der Verehrung. Die Entwicklung des Tanzes begann mit volkstümlichen Tänzen, führte über höfische Darbietungen bis hin zu Theater und Kinofilmen. ^{[ 5 ]}

Tanz kann in religiösen oder schamanischen Ritualen aufgeführt werden, beispielsweise beim Regentanz in Dürrezeiten. Schamanen, die für Regen tanzten, werden in alten chinesischen Texten erwähnt. Tanz ist ein wichtiger Bestandteil einiger religiöser Riten im alten Ägypten ^{[ 6 ]} und ebenso ist er integraler Bestandteil vieler Zeremonien und Riten afrikanischer Völker ^{[ 7 ]} . Rituelle Tänze werden auch in Tempeln und bei religiösen Festen aufgeführt, beispielsweise die Rasa-Tänze Indiens (viele indische klassische Tänze haben ihren Ursprung möglicherweise in rituellen Tänzen) und die Cham-Tänze Tibets ^{[ 8 ] .}

Eine weitere frühe Verwendung des Tanzes könnte die Vorstufe ekstatischer Trancezustände in Heilungsritualen gewesen sein. Tanz wird zu diesem Zweck von vielen Kulturen, vom brasilianischen Regenwald bis zur Kalahari-Wüste, eingesetzt . ^{[ 9 ]} Man nahm an, dass mittelalterliche europäische Totentänze die Teilnehmer vor Krankheiten schützten; allerdings führten die Hysterie und die Dauer dieser Tänze mitunter zum Tod durch Erschöpfung. ^{[ 10 ]}

Einer singhalesischen Legende zufolge entstanden die Kandyan-Tänze vor 2500 Jahren aus einem magischen Tanzritual, das den Zauber auf einem verhexten König brach, um den König von einer mysteriösen Krankheit zu heilen.

Eine der frühesten strukturierten Anwendungen von Tänzen lag möglicherweise in der Aufführung und Erzählung von Mythen. Sie wurden auch gelegentlich genutzt, um Gefühle für das andere Geschlecht auszudrücken. Zudem ist der Tanz mit dem Ursprung des Liebesakts verbunden. Vor der Entwicklung von Schriftsprachen war der Tanz eine der Methoden, diese Geschichten von Generation zu Generation weiterzugeben. ^{[ 11 ]}

In der europäischen Kultur findet sich eine der frühesten Erwähnungen des Tanzes bei Homer , dessen Ilias die Chorea (χορεία khoreia ) beschreibt . Die frühen Griechen entwickelten die Tanzkunst zu einem System, das alle verschiedenen Leidenschaften zum Ausdruck brachte. So löste beispielsweise der Tanz der Furien , wie er dargestellt wurde, bei den Zuschauern blankes Entsetzen aus. Der griechische Philosoph Aristoteles stellte den Tanz auf eine Stufe mit der Dichtung und sagte, dass bestimmte Tänzer durch rhythmische Gestik Sitten, Leidenschaften und Handlungen ausdrücken konnten. ^{[ 12 ]} Die bedeutendsten griechischen Bildhauer studierten die Haltung der Tänzer, um deren Fähigkeit zur Nachahmung von Leidenschaften zu verstehen.

Eine frühe Handschrift, die Tanz beschreibt, ist das Natya Shastra, auf dem die moderne Interpretation des klassischen indischen Tanzes (z. B. Bharatanatyam ) basiert .

Während der Herrschaft der letzten Moguln und Nawabs von Oudh verkam der Tanz zu dem Status des „ Nautch “, einer unethischen, sinnlichen Angelegenheit der Kurtisanen.

Später, als die britische Herrschaft Tanz mit Menschenhandel und Prostitution in Verbindung brachte, verbot sie öffentliche Tanzaufführungen. Viele missbilligten dies. 1947 erlangte Indien seine Unabhängigkeit und schuf für den Tanz ein Umfeld, in dem er zu seiner früheren Pracht zurückfinden konnte. Klassische Formen und regionale Besonderheiten wurden wiederentdeckt, ethnische Spezialitäten gewürdigt, und durch deren Synthese mit den individuellen Talenten der Meister und neuen Innovationen entstand ein Tanz mit neuem Gesicht, der jedoch die Klassik der Vergangenheit bewahrte.

In Sri Lanka berichtet die alte singhalesische Chronik Mahavamsa , dass König Vijaya bei seiner Landung im Jahr 543 v. Chr. Musik und Tanz von einer Hochzeitszeremonie vernahm. Die Ursprünge der sri-lankischen Tänze lassen sich auf die Ureinwohnerstämme und die mythologische Zeit der Yin-Yang-Zwillinge und der „Yakkas“ (Teufel) zurückführen . Die klassischen Tänze Sri Lankas (Kandyan-Tänze) zeichnen sich durch ein hochentwickeltes Tala-System (Rhythmus) aus, das von Zimbeln, den sogenannten Thalampataa, erzeugt wird.

Die Geschichte chinesischer Tänze ist lang und gut dokumentiert. Einige der in alten Texten erwähnten Tänze, wie beispielsweise der Ärmeltanz, werden noch heute aufgeführt. Manche der frühen Tänze waren mit schamanischen Ritualen verbunden. Volkstänze der Frühzeit entwickelten sich zu Hoftänzen weiter. Zu den bedeutendsten Tänzen der Antike zählt der zeremonielle Yayue- Tanz aus der Zhou-Dynastie des ersten Jahrtausends v. Chr. Die chinesische Tanzkunst erreichte ihren Höhepunkt während der Tang-Dynastie , einer Zeit, in der Tänzer aus aller Welt am Kaiserhof auftraten. Die chinesische Oper erfreute sich jedoch während der Song- und Yuan-Dynastie großer Beliebtheit, und viele Tänze flossen in sie ein. ^{[ 13 ]} Ab der Song-Dynastie ging die Tanzkunst der Frauen aufgrund der zunehmenden Verbreitung des Füßebindens zurück . ^{[ 14 ]} Ironischerweise könnte diese Praxis ihren Ursprung im Tanz haben, als Tänzerinnen ihre Füße bandagierten, um im Ballettstil tanzen zu können. ^{[ 15 ] [ 16 ]} Die bekanntesten traditionellen chinesischen Tänze sind der Drachentanz und der Löwentanz . Der Löwentanz wurde bereits in der Tang-Dynastie in einer Form beschrieben, die dem heutigen Tanz ähnelt. ^{[ 13 ]}

Die Bewohner des iranischen Hochlands kannten Tanz in Form von Musik, Spiel, Theater oder religiösen Ritualen und nutzten Instrumente wie Masken, Tier- oder Pflanzenkostüme und Musikinstrumente zur Rhythmusgebung, zumindest seit dem 6. Jahrtausend v. Chr. Kulturelle Mischformen von Tanz, Spiel und Theater dienten Ritualen wie Feierlichkeiten, Trauer und Verehrung. Die Darsteller waren Meister der Musik, des Tanzes, der Körpersprache und der Ausdrucksformen. Artefakte mit Abbildungen von Tänzern, Darstellern oder Schauspielern wurden in vielen prähistorischen archäologischen Stätten im Iran gefunden, darunter Tepe Sabz, Ja'far Abad, Chogha Mish, Tall-e Jari, Cheshmeh Ali, Ismaeel Abad, Tal-e Bakun, Tepe Sialk, Tepe Musian, Tepe Yahya, Shahdad, Tepe Gian, Kul Farah, Susa, Kok Tepe, die Friedhöfe von Luristan usw. ^{[ 17 ]}

Der älteste erforschte Tanz aus dem historischen Iran ist ein Tanz zu Ehren Mithras (im Mithras-Kult), bei dem ein Stier geopfert wurde. ^{[ 18 ]} Dieser Kult fand später im Römischen Reich weite Verbreitung . Der Tanz sollte die Lebenskraft fördern. ^{[ 19 ]} Der griechische Historiker Herodot von Halikarnassos erforschte den altpersischen Tanz eingehend in seinem Werk „Kalliope“ (Buch IX) , in dem er die Geschichte der asiatischen Reiche und der Perserkriege bis 478 v. Chr. beschreibt. ^{[ 19 ]} Das antike Persien wurde von verschiedenen Mächten besetzt – zunächst von Griechen , dann von Arabern und schließlich von Mongolen – , was zu politischer Instabilität und Bürgerkriegen führte. Im Zuge dieser Veränderungen gingen traditionelle Tanztraditionen allmählich verloren. ^{[ 19 ]}

Das religiöse Tanzverbot im Iran ging mit der Ausbreitung des Islams einher, wurde aber durch historische Ereignisse verstärkt. ^{[ 19 ]} Im Laufe der Jahre schwankte die Strenge des Tanzverbots, doch nach der Islamischen Revolution von 1979 war Tanzen aufgrund der häufigen Vermischung der Geschlechter endgültig verboten. ^{[ 19 ] [ 20 ]} Die Islamische Revolution von 1979 markierte das Ende einer erfolgreichen Ära für den Tanz und insbesondere das Ballett im Iran. ^{[ 18 ]} Das iranische Nationalballett wurde aufgelöst, und seine Mitglieder emigrierten in verschiedene Länder. ^{[ 18 ]} Gemäß den Prinzipien der „Kulturrevolution“ im Iran galt Tanzen als pervers, eine schwere Sünde, unmoralisch und verderblich. ^{[ 18 ]} Infolgedessen wanderten viele talentierte persische Tänzerinnen und Tänzer in den Westen aus und ließen sich vor allem in Europa und den Vereinigten Staaten nieder. In der Diaspora wuchs eine neue Generation iranischer Tänzerinnen und Tänzer sowie Ballettkünstler heran. ^{[ 18 ]}

Die Ursprünge des Balletts lassen sich bis zu den italienischen Renaissancehöfen des 15. Jahrhunderts zurückverfolgen. Tanzmeister unterrichteten den Adel in den Tanzschritten, und der Hof nahm an Aufführungen als gesellschaftliche Unterhaltung teil. Diese Praxis wurde über mehrere Jahrhunderte fortgeführt. Im 17. Jahrhundert erreichte das höfische Ballett unter König Ludwig XIV . seinen Höhepunkt. ^{[ 21 ]}

Im 18. Jahrhundert gelangte das Ballett unter der sorgfältigen Leitung des Komponisten und Tänzers Jean-Baptiste Lully von den französischen und italienischen Königshöfen an die Pariser Oper . Lully strebte danach, das Ballett zu einer ernsteren Kunstform zu entwickeln. Unter seinem Einfluss wurde Ballett zu einer anerkannten Kunstform, die von professionellen Tänzern und nicht mehr von Höflingen aufgeführt wurde.

Im 18. Jahrhundert wandelte sich das Ballett von einem höfischen Tanz bewegter Bilder zu einer eigenständigen darstellenden Kunstform. Die Ballettaufführungen entwickelten sich um eine zentrale Erzählung und beinhalteten ausdrucksstarke Bewegungen, die die Beziehungen zwischen den Figuren offenbarten. Dieser dramatische Ballettstil wurde als „ Ballet d’action“ bekannt . Das „Ballet d’action“ strebte erstmals danach, menschliche Emotionen direkt aus den Tänzern selbst auszudrücken. Die zuvor von den Darstellern getragenen Masken wurden abgenommen, sodass der emotionale Gehalt aus den Gesichtsausdrücken abgeleitet werden konnte. ^{[ 21 ]}

Die Kostüme jener Zeit schränkten die Tänzerinnen stark ein. Obwohl ein ausdrucksstärkerer Körpereinsatz gefördert wurde, waren ihre Bewegungen durch schwere Stoffe und korsettierte Kleider weiterhin eingeschränkt. Die Kostüme verdeckten oft den Körper und erschwerten die Erkennung komplexer Choreografien. Erst als der Choreograf Jean Georges Noverre 1760 in seinen „Briefen über Tanz und Ballette“ Tanzreformen forderte, wurden die Kostüme komfortabler. Noverre plädierte für leichte, fließende Stoffe, die die Figur der Tänzerin vorteilhaft betonten. Zusätzlich trugen die Tänzerinnen weiche, eng anliegende Ballettschuhe. Dieses Schuhdesign stärkte das Selbstvertrauen der Ballerinen und ermutigte sie, auf Zehenspitzen zu tanzen. Die naturalistische Kostümierung ermöglichte es den Tänzerinnen, die Grenzen der Bewegung zu erweitern und schließlich den Spitzentanz zu erproben .

Die Romantik brachte Ballette hervor, die von Fantasie, Mystik und den fremden Kulturen exotischer Orte inspiriert waren. Diese Ballette konzentrierten sich stärker auf Emotionen, Fantasie und die spirituelle Welt und läuteten den Beginn des Spitzentanzes ein. Die vergöttlichte Ballerina (in dieser Zeit verkörpert durch die legendäre Marie Taglioni ) schien nun auf ihren Zehenspitzen wie von Zauberhand über die Bühne zu gleiten, ein ätherisches Wesen, das den Boden nie ganz berührte. In dieser Zeit überstrahlte der Aufstieg der Ballerina die Rolle des armen Tänzers, der oft zu einer leblosen Statue degradiert wurde, die nur dazu diente, die Ballerina zu tragen. Dieser traurige Zustand wurde erst durch den Aufstieg des Ballettstars Vaslav Nijinsky mit den Ballets Russes zu Beginn des 20. Jahrhunderts behoben. Das Ballett, wie wir es heute kennen, hatte sich zu dieser Zeit bereits vollständig weiterentwickelt, wobei alle bekannten Konventionen von Kostüm, choreografischer Form, Handlung, Pomp und Zeremoniell fest etabliert waren. Nijinsky brachte die Athletik ins Ballett ein. Obwohl seine Choreografien damals als kontrovers galten, werden sie heute als eines der ersten zeitgenössischen Ballette angesehen. [1]

Seit die Ballets Russes Anfang des 20. Jahrhunderts das Ballett revolutionierten, gab es immer wieder Versuche, die Grenzen des klassischen Balletts aufzubrechen. Heute ist das künstlerische Spektrum der Balletttechnik (und der dazugehörigen Musik, Springer und Multimedia-Elemente ) umfassender denn je. Die Grenzen, die ein Werk des klassischen Balletts definieren, werden ständig erweitert, verwischt und ausgereizt, bis vielleicht nur noch Spuren technischer Merkmale wie die Auswärtsdrehung übrig bleiben .

Das 20. Jahrhundert war in der Tat eine Zeit des Bruchs mit allem, wofür das Ballett stand. Es war eine Zeit beispiellosen kreativen Wachstums für Tänzer und Choreografen. Gleichzeitig erweiterte sich der Tanzbegriff. Die Ballets Russes markierten einen Wendepunkt für die Zukunft des Balletts im Westen und weltweit. In Zusammenarbeit mit Genies jener Zeit wie Coco Chanel, Pablo Picasso und anderen [2] vereinten die Ballets Russes großartige Musik, Bühnenbild und Tanz zu einer vollendeten Aufführung. [3]

Afrikanischer Tanz bezeichnet hauptsächlich die Tanzstile Subsahara-Afrikas , von denen viele auf traditionellen Rhythmen und Musiktraditionen der Region basieren. Moderne afrikanische Tanzstile sind tief in Kultur und Tradition verwurzelt. Viele Stämme haben eine eigene Aufgabe, die ausschließlich der Weitergabe ihrer Tanztraditionen dient; Tänze, die über Jahrhunderte hinweg oft unverändert und mit wenig bis gar keinem Raum für Improvisation überliefert wurden. ^{[ 22 ] [ 23 ]} Jeder Stamm entwickelte seinen eigenen, einzigartigen Tanzstil, der sich je nach Zweck in drei Kategorien einteilen lässt.

• Die erste Form sind religiöse Tänze, von denen viele Stämme behaupten, sie förderten Frieden, Gesundheit und Wohlstand. ^{[ 20 ]} Religiöse Tänze beinhalteten oft maskierte Tänzer, die sowohl Geister als auch deren Beschwichtiger darstellten. ^{[ 22 ]} Religion und Spiritualität durchdrangen alle Bereiche des traditionellen afrikanischen Lebens und prägen auch heute noch den afrikanischen Tanz.
• Der zweite Tanz ist der Griot-Tanz, eine Form des Geschichtenerzählens. Er ist nach dem Griot benannt , einem traditionellen Geschichtenerzähler in Westafrika. Bestimmte Griot-Tänze wurden früher ausschließlich vom Griot eines Stammes aufgeführt; heute tanzen Gruppen dieselben Tänze, die einst den Griots vorbehalten waren .
• Der dritte Typ ist zeremonieller Natur. Diese Tänze werden bei Zeremonien wie Hochzeiten, Jubiläen und Übergangsriten aufgeführt. ^{[ 20 ]}

Viele Tänze hatten jedoch nicht nur einen einzigen Zweck. Vielmehr gab es oft einen Hauptzweck, der mit vielen Nebenzwecken verschmolz. Tanz war häufig sehr wichtig für die Aufrechterhaltung des Status eines Herrschers in der Stammesgesellschaft. Kolonialismus und Globalisierung haben zur Auslöschung bestimmter afrikanischer Tanzstile geführt. Andere Stile wurden miteinander vermischt oder mit Tanzstilen außerhalb Afrikas kombiniert. ^{[ 22 ]}

Als Menschen ab dem 16. Jahrhundert aus Afrika verschleppt und als Sklaven verkauft wurden, brachten sie ihre Tanzstile mit. Ganze Kulturen wurden in die Neue Welt importiert, insbesondere in Gebiete, in denen Sklaven mehr Freiheiten zur Pflege ihrer Kulturen hatten und in denen es mehr afrikanische Sklaven als Europäer oder indigene Amerikaner gab, wie beispielsweise in Brasilien . Afrikanische Tanzstile verschmolzen mit neuen kulturellen Erfahrungen und bildeten so neue Tanzstile. So reagierten Sklaven beispielsweise auf die Ängste ihrer Herren vor energiegeladenen Tanzstilen, indem sie ihre Schrittfolge durch einen schlurfenden Gang ersetzten. ^{[ 20 ]} In Nordamerika hingegen hatten Sklaven nicht so viel Freiheit, ihre Kultur und ihre Tänze weiterzuführen. ^{[ 23 ] [ 20 ]} Viele dieser Tänze entwickelten sich zu modernen Tanzstilen wie dem afroamerikanischen und dem brasilianischen Tanz . Die Calenda beispielsweise entstand in Brasilien aus einem Stammestanz. Aus der Calenda entwickelte sich der Cakewalk, der ursprünglich getanzt wurde, um Plantagenbesitzer zu verspotten; daraus entwickelte sich schließlich der Charleston . ^{[ 20 ]} Capoeira war eine ursprünglich in Afrika praktizierte Kampfkunst, die von versklavten Afrikanern als Tanz getarnt wurde, um den Verdacht der Plantagenbesitzer nicht zu erregen. ^{[ 24 ]}

Nach dem Aufschwung des modernen Tanzes zu Beginn des 20. Jahrhunderts erlebte der Postmodernismus in den 1960er Jahren seinen Aufschwung . Er strebte nach Einfachheit, der Schönheit des Kleinen, der Anmut des ungeschulten Körpers und ungeschliffener Bewegung. Das berühmte „No“-Manifest von Yvonne Rainer , das Kostüme, Inszenierungen und jeglichen äußeren Schnickschnack zugunsten roher, ungeschliffener Bewegung ablehnte, markierte wohl den Höhepunkt dieser Denkrichtung. Doch schon bald kehrten Bühnenbilder, Dekorationen und Schockeffekte in das Repertoire moderner Choreografen zurück.

Gleichzeitig erlebte die Massenkultur einen Aufschwung des Streetdance . 1973 führte die berühmte Gruppe Jackson 5 im Fernsehen den Tanz „ Robot“ auf (choreografiert vom postmodernen Künstler Michael Jackson ^{[ 25 ]} ), eine Tanzform, die in Richmond, Kalifornien, entstanden war. Dieses Ereignis und spätere Auftritte schwarzer Tänzer (wie Don Campbell) in der Fernsehsendung „Soul Train“ entfachten gewissermaßen eine Revolution der Straßenkultur. Breakdance in New York, Locking in Los Angeles, Popping in Fresno, Boogaloo in Oakland und Robot in Richmond erlebten alle Ende der 1960er und Anfang der 1970er Jahre ihre kreativen Höhepunkte. Jede dieser Tanzformen hatte ihre eigene Geschichte, ihre eigenen Praktiken, Innovatoren und Grundlagen.

Zur Entstehung des modernen Tanzes im 20. Jahrhundert siehe auch: Mary Wigman , Gret Palucca , Harald Kreutzberg , Yvonne Georgi und Isadora Duncan .

Hip-Hop-Tanz entstand, als Clive Campbell, alias Kool DJ Herc und Vater des Hip-Hop, 1967 von Jamaika nach New York kam. Mit den Reggae-Einflüssen seiner Heimat im Gepäck, gilt er als der erste DJ, der zwei Plattenspieler und identische Kopien derselben Schallplatte verwendete, um seine Jams zu kreieren. Doch erst seine Erweiterung der Breaks in diesen Songs – jener musikalischen Abschnitte mit den aggressivsten perkussiven Beats – ermöglichte es ihm, eine Kultur von Breakboys und Breakgirls zu schaffen und zu benennen, die in den Breaks ihre Moves zeigten. Diese Tänzer, kurz B-Boys und B-Girls genannt, begründeten Breakdance , der heute ein Eckpfeiler des Hip-Hop-Tanzes ist.

• Geschichte des Balletts
• Geschichte des Eiskunstlaufs

• Adshead-Lansdale, J. (Hrsg.) (1994). Tanzgeschichte: Eine Einführung . Routledge. ISBN 0-415-09030-XDie
• Charman, S., Kraus, R., G., Chapman, S. und Dixon-Stowall, B. (1990). Geschichte des Tanzes in Kunst und Erziehung . Pearson Education. ISBN 0-13-389362-6Die
• Dils, A. (2001). Bewegte Geschichte/Tanzkulturen: Ein Reader zur Tanzgeschichte . Wesleyan University Press. ISBN 0-8195-6413-3Die
• Wallace, Carol McD.; et al. (1986). Tanz: Eine sehr soziale Geschichte . New York: The Metropolitan Museum of Art. ISBN 9780870994869Die
• Wood, Melusine (1952). Einige historische Tänze des zwölften bis neunzehnten Jahrhunderts; ihre Aufführungsart und ihre Bedeutung im gesellschaftlichen Leben der damaligen Zeit , London: Imperial Society of Teachers of Dancing.

• Historische Illustrationen von Tänzen aus der Zeit von 3300 v. Chr. bis 1911 n. Chr. aus dem Projekt Gutenberg
• Die Geschichte der Spitzenschuhe und der Technik (Ballett)