Musical

Das Musical ist eine Form der Theateraufführung , die Gesang, gesprochene Dialoge , Schauspiel und Tanz vereint. Die Geschichte und die emotionalen Inhalte eines Musicals – Humor, Pathos , Liebe, Wut – werden durch Worte, Musik, Bewegung und die technischen Aspekte der Aufführung als integriertes Ganzes vermittelt. Obwohl das Musical Überschneidungen mit anderen Theaterformen wie Oper und Tanz aufweist, zeichnet es sich durch die gleichwertige Bedeutung aus, die der Musik im Vergleich zu Dialog, Bewegung und anderen Elementen beigemessen wird. Seit Beginn des 20. Jahrhunderts werden Bühnenwerke des Musicals im Allgemeinen einfach als Musicals bezeichnet .

Obwohl Musik seit der Antike Bestandteil dramatischer Aufführungen war, entstand das moderne westliche Musiktheater erst im 19. Jahrhundert. Viele seiner Strukturelemente wurden durch die Operetten von Jacques Offenbach in Frankreich, Gilbert und Sullivan in Großbritannien sowie Harrigan und Hart in Amerika geprägt . Darauf folgten die britischen Musicals der Edwardianischen Ära und die Musicals amerikanischer Schöpfer wie George M. Cohan um die Jahrhundertwende. Die Musicals des Princess Theatre (1915–1918) stellten einen künstlerischen Fortschritt gegenüber den Revuen und anderen seichten Unterhaltungsformen des frühen 20. Jahrhunderts dar und führten zu bahnbrechenden Werken wie „ Show Boat“ (1927), „ Of Thee I Sing “ (1931) und „Oklahoma! “ (1943). Zu den bekanntesten Musicals der folgenden Jahrzehnte zählen My Fair Lady (1956), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1985), Das Phantom der Oper (1986), Rent (1996), Wicked (2003) und Hamilton (2015).

Musicals werden weltweit aufgeführt. Sie können in großen Häusern, wie beispielsweise in aufwendigen Broadway- oder West-End -Produktionen in New York oder London, präsentiert werden. Alternativ werden Musicals auch in kleineren Spielstätten, wie Off-Broadway , Off-West-End , Regionaltheatern , freien Theatern oder Amateurtheatern , oder auf Tournee aufgeführt. Oftmals werden Musicals von Amateur- und Schulgruppen in Kirchen, Schulen und anderen Veranstaltungsorten präsentiert. Neben den Vereinigten Staaten und Großbritannien gibt es lebendige Musicalszene in Kontinentaleuropa, Asien, Australien, Neuseeland, Kanada und Lateinamerika.

Seit dem 20. Jahrhundert wird das „Buchmusical“ als ein musikalisches Theaterstück definiert, in dem Lieder und Tänze vollständig in eine gut durchdachte Geschichte mit ernsthaften dramatischen Zielen integriert sind und das neben Lachen auch echte Emotionen hervorrufen kann. ^{[ 2 ] [ 3 ]} Die drei Hauptbestandteile eines Buchmusicals sind Musik , Liedtexte und Buch . Das Buch oder Skript eines Musicals umfasst die Geschichte, die Charakterentwicklung und die dramatische Struktur, einschließlich der gesprochenen Dialoge und Regieanweisungen. Es kann aber auch die Dialoge und Liedtexte zusammen bezeichnen, die manchmal als Libretto (italienisch für „kleines Buch“) bezeichnet werden. Musik und Liedtexte bilden zusammen die Partitur eines Musicals und umfassen Lieder, Bühnenmusik und Musikszenen, die „theatralische Sequenzen sind, die vertont werden und oft Gesang mit gesprochenen Dialogen kombinieren“. ^{[ 4 ]} Die Interpretation eines Musicals liegt in der Verantwortung des Kreativteams, bestehend aus Regisseur, musikalischem Leiter, in der Regel einem Choreografen und manchmal einem Arrangeur . Die Produktion eines Musicals zeichnet sich auch durch technische Aspekte wie Bühnenbild , Kostüme , Requisiten , Licht und Ton aus . Das Kreativteam, die Entwürfe und die Interpretationen ändern sich in der Regel von der Originalproduktion zu den Folgeproduktionen. Einige Produktionselemente können jedoch aus der Originalproduktion übernommen werden, beispielsweise Bob Fosses Choreografie in „Chicago“ .

Es gibt keine festgelegte Länge für Musicals. Sie können von einem kurzen Einakter bis hin zu mehreren Akten und mehreren Stunden Spieldauer (oder sogar einer mehrtägigen Aufführung) reichen, wobei die meisten Musicals zwischen anderthalb und drei Stunden dauern. Musicals werden üblicherweise in zwei Akten mit einer kurzen Pause aufgeführt , wobei der erste Akt oft länger ist als der zweite. Im ersten Akt werden in der Regel fast alle Charaktere und der Großteil der Musik eingeführt. Er endet oft mit der Einführung eines dramatischen Konflikts oder einer Handlungswendung, während im zweiten Akt zwar einige neue Lieder eingeführt werden, aber meist wichtige musikalische Themen wiederholt und der Konflikt oder die Handlung aufgelöst wird. Ein Musical mit festem Text basiert in der Regel auf vier bis sechs Hauptthemen, die im weiteren Verlauf der Aufführung wiederholt werden, obwohl es manchmal auch aus einer Reihe von Liedern besteht, die musikalisch nicht direkt miteinander verbunden sind. Gesprochene Dialoge werden üblicherweise zwischen die Musiknummern eingestreut, wobei auch gesungene Dialoge oder Rezitativformen vorkommen können, insbesondere in sogenannten durchkomponierten Musicals wie Jesus Christ Superstar , Falsettos , Les Misérables , Evita und Hamilton . Mehrere kürzere Musicals am Broadway und im Londoner West End wurden im 21. Jahrhundert in einem Akt aufgeführt.

Die dramatischsten Momente eines Musicals werden oft gesungen. Sprichwort sagt: „Wenn die Emotionen zu stark zum Sprechen werden, singt man; wenn sie zu stark zum Singen werden, tanzt man.“ ^{[ 5 ]} Im Idealfall ist ein Lied in einem Musical perfekt auf die Figur (oder Figuren) und ihre Situation in der Geschichte abgestimmt. Allerdings gab es in der Geschichte des Musicals Zeiten (z. B. von den 1890er bis zu den 1920er Jahren), in denen diese Verbindung zwischen Musik und Handlung weniger stark ausgeprägt war. Der Kritiker der New York Times, Ben Brantley, beschrieb das Ideal des Liedes im Theater in seiner Rezension der Wiederaufführung von „Gypsy“ im Jahr 2008 folgendermaßen: „Es gibt keinerlei Trennung zwischen Lied und Figur, was in jenen seltenen Momenten geschieht, in denen Musicals ihre eigentliche Daseinsberechtigung erreichen.“ ^{[ 6 ]} Typischerweise werden in einem fünfminütigen Lied deutlich weniger Worte gesungen als in einem fünfminütigen Dialog gesprochen. Daher bleibt in einem Musical weniger Zeit für die dramatische Entwicklung als in einem gleich langen Theaterstück, da die Musik im Musical in der Regel mehr Raum einnimmt als der Dialog. Innerhalb des komprimierten Zeitrahmens eines Musicals müssen die Autoren die Charaktere und die Handlung ausarbeiten.

Das Material eines Musicals kann originell sein oder auf Romanen ( Wicked und Der Mann von La Mancha ), Theaterstücken ( Hello, Dolly! und Carousel ), klassischen Legenden ( Camelot ), historischen Ereignissen ( Evita und Hamilton ) oder Filmen ( The Producers und Billy Elliot ) basieren. Umgekehrt wurden viele erfolgreiche Musicals für Musicalfilme adaptiert , darunter West Side Story , My Fair Lady , The Sound of Music , Oliver! und Chicago .

Das Musiktheater ist eng mit der Oper verwandt, doch unterscheiden sich die beiden in der Regel anhand verschiedener Faktoren. Erstens liegt der Fokus von Musicals im Allgemeinen stärker auf gesprochenen Dialogen. ^{[ 7 ]} Einige Musicals sind jedoch vollständig durchkomponiert und werden komplett gesungen, während manche Opern, wie beispielsweise die Zauberflöte , und die meisten Operetten auch unbegleitete Dialoge enthalten. ^{[ 7 ]} Zweitens ist Tanz in Musicals meist ein wesentlicher Bestandteil der Erzählung, insbesondere durch die Hauptdarsteller und den Chor. Drittens greifen Musicals häufig auf verschiedene Genres der Popmusik oder zumindest auf populäre Gesangs- und Musikstile zurück. ^{[ 8 ]}

Schließlich vermeiden Musicals in der Regel bestimmte Konventionen der Oper. Insbesondere wird ein Musical fast immer in der Sprache des Publikums aufgeführt. Musicals, die beispielsweise am Broadway oder im Londoner West End produziert werden, werden ausnahmslos auf Englisch gesungen, selbst wenn sie ursprünglich in einer anderen Sprache geschrieben wurden. Während ein Opernsänger in erster Linie Sänger und erst in zweiter Linie Schauspieler ist (und selten tanzen muss), ist ein Musicaldarsteller oft in erster Linie Schauspieler, muss aber auch Sänger und Tänzer sein. Jemand, der in allen drei Bereichen gleichermaßen versiert ist, wird als „Triple Threat“ bezeichnet. Komponisten von Musicalmusik berücksichtigen bei der Gestaltung der Gesangspartien oft die Bedürfnisse von Musicaldarstellern. Heutzutage verwenden große Theater, die Musicals aufführen, in der Regel Mikrofone und Verstärker für die Gesangsstimmen der Schauspieler in einer Weise, die im Opernkontext im Allgemeinen missbilligt würde. ^{[ 9 ]}

Einige Werke, darunter solche von George Gershwin , Leonard Bernstein und Stephen Sondheim , wurden sowohl als Musical als auch als Oper inszeniert. ^{[ 10 ] [ 11 ]} Auch einige ältere Operetten oder leichte Opern (wie etwa „ Die Piraten von Penzance“ von Gilbert und Sullivan ) wurden in modernen Bearbeitungen als Musicals aufgeführt. Bei manchen Werken ist der Inszenierungsstil fast ebenso wichtig wie der musikalische oder dramatische Inhalt, um die jeweilige Kunstform zu bestimmen. ^{[ 12 ]} Sondheim sagte: „Ich bin der festen Überzeugung, dass ein Stück am Broadway ein Musical und in einem Opernhaus eine Oper ist. Punkt. Es sind das Terrain, die Atmosphäre, die Erwartungen des Publikums, die den Unterschied ausmachen.“ ^{[ 13 ]} Es gibt nach wie vor formale Überschneidungen zwischen leichteren Opernformen und musikalisch komplexeren oder ambitionierteren Musicals. In der Praxis ist es oft schwierig, zwischen den verschiedenen Arten des Musiktheaters zu unterscheiden, darunter „Musical“, „Musicalkomödie“, „Operette“ und „leichte Oper“. ^{[ 14 ]}

Wie in der Oper wird der Gesang im Musical in der Regel von einem Instrumentalensemble, dem sogenannten Orchestergraben , begleitet, der sich in einem tiefer gelegenen Bereich vor der Bühne befindet. Während in der Oper typischerweise ein traditionelles Sinfonieorchester zum Einsatz kommt , sind Musicals meist für Ensembles von 27 bis hin zu nur wenigen Musikern orchestriert . Rockmusicals verwenden üblicherweise eine kleine Gruppe, die hauptsächlich mit Rockinstrumenten spielt ^{[ 15 ]} , und manche Musicals kommen sogar nur mit einem Klavier oder zwei Instrumenten aus ^{[ 16 ]} . Die Musik in Musicals bedient sich einer Reihe von Stilen und Einflüssen, darunter Operette , klassische Techniken, Volksmusik , Jazz sowie lokale oder historische Stile, die dem jeweiligen Setting angemessen sind ^{[ 4 ]} . Musicals beginnen oft mit einer Ouvertüre , die vom Orchester gespielt wird und Ausschnitte der berühmten Melodien der Partitur miteinander verwebt ^{[ 17 ] .}

Es gibt verschiedene östliche Theatertraditionen, die Musik einbeziehen, wie beispielsweise die chinesische Oper , die taiwanesische Oper , das japanische Noh-Theater und das indische Musiktheater , darunter das Sanskrit-Drama , der indische klassische Tanz , das Parsi-Theater und Yakshagana . ^{[ 18 ]} Indien hat seit dem 20. Jahrhundert zahlreiche Musikfilme produziert, die als „ Bollywood “-Musicals bezeichnet werden, und in Japan hat sich in den letzten Jahrzehnten eine Reihe von 2,5D-Musicals entwickelt, die auf populären Anime- und Manga -Comics basieren.

Für Schulen und Jugendgruppen sind kürzere oder vereinfachte „Junior“-Versionen vieler Musicals erhältlich, und sehr kurze Werke, die für Aufführungen durch Kinder geschaffen oder adaptiert wurden, werden manchmal als Minimusicals bezeichnet . ^{[ 19 ] [ 20 ]}

Die Vorläufer des Musiktheaters in Europa lassen sich bis zum Theater des antiken Griechenlands zurückverfolgen , wo Musik und Tanz im 5. Jahrhundert v. Chr. in Bühnenkomödien und -tragödien Einzug hielten. ^{[ 21 ] [ 22 ]} Die Musik dieser antiken Formen ist jedoch verloren gegangen und hatte nur geringen Einfluss auf die spätere Entwicklung des Musiktheaters. ^{[ 23 ]} Im 12. und 13. Jahrhundert dienten religiöse Dramen der Vermittlung der Liturgie . Schauspielergruppen nutzten mobile Bühnenwagen , um die einzelnen Teile der Geschichte im Freien darzustellen. Gedichte wechselten sich mitunter mit den Prosadialogen ab, und liturgische Gesänge wichen neuen Melodien. ^{[ 24 ]}

Die europäische Renaissance brachte ältere Formen hervor, die sich zu zwei Vorläufern des Musiktheaters weiterentwickelten: der Commedia dell’arte , in der ausgelassene Clowns bekannte Geschichten improvisierten, und später der Opera buffa . In England enthielten elisabethanische und jakobinische Stücke häufig Musik ^{[ 25 ]} , und kurze Musikstücke wurden in die abendlichen Theateraufführungen integriert ^{[ 26 ]} . Während der Tudorzeit entwickelten sich höfische Maskenspiele , die Musik, Tanz, Gesang und Schauspiel vereinten, oft mit aufwendigen Kostümen und einem komplexen Bühnenbild ^{[ 27 ] [ 28 ]} . Daraus entwickelten sich gesungene Stücke, die als englische Opern bekannt sind, wobei die erste gemeinhin als „ Die Belagerung von Rhodos“ (1656) gilt ^{[ 29 ]} . In Frankreich verarbeitete Molière im späten 17. Jahrhundert mehrere seiner Farce-Komödien zu musikalischen Darbietungen mit Gesang (Musik von Jean-Baptiste Lully ) und Tanz. Diese beeinflussten eine kurze Periode der englischen Oper ^{[ 30 ]} von Komponisten wie John Blow ^{[ 31 ]} und Henry Purcell . ^{[ 29 ]}

Ab dem 18. Jahrhundert waren in Großbritannien Balladenopern wie John Gays „ The Beggar’s Opera “ die beliebtesten Formen des Musiktheaters. Ihre Texte basierten auf den Melodien populärer Lieder der Zeit und parodierten oft die Oper. Später kamen Pantomime , eine Weiterentwicklung der Commedia dell’arte, und komische Opern mit meist romantischen Handlungssträngen wie Michael Balfes „ The Bohemian Girl “ (1845) hinzu. Auf dem Kontinent entwickelten sich zur gleichen Zeit Singspiel , Comédie en vaudeville , Opéra comique , Zarzuela und andere Formen leichter musikalischer Unterhaltung. „The Beggar’s Opera“ war das erste dokumentierte, über einen längeren Zeitraum laufende Theaterstück überhaupt: Es wurde 1728 62 Mal in Folge aufgeführt. Es sollte fast ein Jahrhundert dauern, bis ein Stück die Marke von 100 Aufführungen überschritt ^{[ 32 ]} , doch Ende der 1820er-Jahre wurde der Rekord bereits bei 150 Aufführungen erreicht. ^{[ 33 ] [ 34 ]} Im 19. Jahrhundert entwickelten sich in England weitere musikalische Theaterformen wie Music Hall , Melodrama und Burletta , die unter anderem deshalb populär wurden, weil die meisten Londoner Theater nur als Music Halls lizenziert waren und keine Stücke ohne Musik aufführen durften.

Bis 1752 gab es in den Kolonien Amerikas keine nennenswerte Theaterlandschaft. Damals entsandte der Londoner Unternehmer William Hallam eine Schauspielertruppe unter der Leitung seines Bruders Lewis in die Kolonien . ^{[ 35 ]} Im Sommer 1753 führten sie in New York Balladenopern wie „ The Beggar’s Opera“ und Balladenfarcen auf. ^{[ 35 ]} In den 1840er Jahren betrieb P. T. Barnum einen Unterhaltungskomplex in Lower Manhattan. ^{[ 36 ]} Andere frühe Formen des Musiktheaters in Amerika basierten auf britischen Darbietungen wie Burlette und Pantomime, ^{[ 23 ]} doch die Bezeichnung eines Stücks war nicht immer aussagekräftig. Die Broadway- Extravaganza „The Magic Deer “ von 1852 warb mit dem Slogan „A Serio Comico Tragico Operatical Historical Extravaganzical Burletical Tale of Enchantment“. ^{[ 37 ]} Das New Yorker Theater verlagerte sich ab etwa 1850 allmählich von der Innenstadt in die Midtown und erreichte den Times Square erst in den 1920er und 1930er Jahren. Die Aufführungszahlen in New York blieben weit hinter denen in London zurück, doch Laura Keenes „musikalische Burlette“ Seven Sisters (1860) brach mit 253 Aufführungen den bisherigen New Yorker Musical-Rekord. ^{[ 38 ]}

Um 1850 experimentierte der französische Komponist Hervé mit einer Form des komischen Musiktheaters, die er Opérette nannte . ^{[ 39 ]} Die bekanntesten Komponisten der Operette waren Jacques Offenbach von den 1850er- bis zu den 1870er-Jahren und Johann Strauss II . in den 1870er- und 1880er-Jahren. ^{[ 23 ]} Offenbachs eingängige Melodien, kombiniert mit der geistreichen Satire seiner Librettisten, bildeten ein Vorbild für das nachfolgende Musiktheater. ^{[ 39 ]} Adaptionen französischer Operetten (meist in schlechten, anzüglichen Übersetzungen), musikalische Burlesken , Varieté, Pantomime und Burletta dominierten die Londoner Musikbühne bis in die 1870er-Jahre. ^{[ 40 ]}

In Amerika umfassten die musikalischen Unterhaltungsformen Mitte des 19. Jahrhunderts einfache Varieté-Revuen , aus denen sich später das Vaudeville entwickelte , Minstrel-Shows , die bald den Atlantik nach Großbritannien überquerten, und viktorianische Burleske, die in den USA zuerst von britischen Truppen populär gemacht wurde. ^{[ 23 ]} Kurt Gänzl betrachtet „Der Doktor von Alcantara“ (1862) mit Musik von Julius Eichberg und Buch und Liedtexten von Benjamin E. Woolf als das „erste amerikanische Musical“ ^{[ 41 ]} , obwohl er auch auf noch frühere Werke verweist. ^{[ 42 ]} Das äußerst erfolgreiche Musical „ Der schwarze Krummspross“ , das 1866 in New York Premiere feierte , kombinierte Tanz mit Originalmusik, die zur Erzählung der Geschichte beitrug. Die spektakuläre Produktion, berühmt für ihre knappen Kostüme, lief rekordverdächtige 474 Mal. ^{[ 43 ]} Im selben Jahr war „ Der schwarze Domino/Zwischen dir, mir und der Post“ die erste Show, die sich selbst als „musikalische Komödie“ bezeichnete. 1874 feierte „Evangeline or The Belle of Arcadia “ von Edward E. Rice und J. Cheever Goodwin , lose basierend auf Longfellows „ Evangeline“ , mit einer originellen amerikanischen Geschichte und Musik, in New York Premiere und wurde in Boston, New York und auf mehreren Tourneen wiederaufgeführt. ^{[ 44 ]} Die Komiker Edward Harrigan und Tony Hart produzierten und spielten zwischen 1878 ( „The Mulligan Guard Picnic “) und 1885 Musicals am Broadway. Diese musikalischen Komödien zeigten Charaktere und Situationen aus dem Alltag der New Yorker Unterschicht. Anstelle der in früheren Musicalformen aufgetretenen Damen mit zweifelhaftem Ruf wirkten hochkarätige Sängerinnen ( Lillian Russell , Vivienne Segal und Fay Templeton ) mit. 1879 war „The Brook“ von Nate Salsbury ein weiterer nationaler Erfolg mit zeitgenössischen amerikanischen Tanzstilen und einer amerikanischen Geschichte über „Mitglieder einer Schauspieltruppe, die eine Flussfahrt unternehmen … mit vielen Hindernissen und Missgeschicken unterwegs“. ^{[ 44 ]}

Mit der Verbesserung des Transportwesens, dem Rückgang der Armut in London und New York und der erhöhten Sicherheit im Nachtverkehr durch Straßenbeleuchtung stieg die Zahl der Theaterbesucher enorm an. Die Aufführungen wurden länger, was zu höheren Gewinnen und verbesserter Produktionsqualität führte, und Männer begannen, ihre Familien mit ins Theater zu bringen. Das erste Musical, das mehr als 500 Aufführungen in Folge erreichte, war die französische Operette „ Die Glocken der Normandie“ im Jahr 1878 (705 Aufführungen). ^{[ 33 ] [ 45 ]} Die englische komische Oper übernahm viele der erfolgreichen Ideen der europäischen Operette, allen voran die über ein Dutzend langlaufenden komischen Opern von Gilbert und Sullivan , darunter „HMS Pinafore“ (1878) und „Der Mikado“ (1885). ^{[ 39 ]} Diese Stücke waren Sensationen beiderseits des Atlantiks und in Australien und trugen dazu bei, den Standard für eine erfolgreiche Show anzuheben. ^{[ 46 ]} Diese Shows waren für ein Familienpublikum konzipiert und bildeten einen deutlichen Kontrast zu den anzüglichen Burlesken, den derben Varieté-Shows und den französischen Operetten, die mitunter ein Publikum anzogen, das nach weniger jugendfreier Unterhaltung suchte. ^{[ 40 ]} Nur wenige Musikstücke des 19. Jahrhunderts übertrafen die Laufzeit von „Der Mikado“ , darunter „Dorothy“ , das 1886 Premiere feierte und mit 931 Aufführungen einen neuen Rekord aufstellte. Der Einfluss von Gilbert und Sullivan auf das spätere Musiktheater war tiefgreifend; sie schufen Beispiele dafür, wie man Musicals so „integrieren“ konnte, dass Liedtexte und Dialoge eine zusammenhängende Geschichte vorantrieben. ^{[ 47 ] [ 48 ]} Ihre Werke wurden von frühen Autoren und Komponisten von Musicals in Großbritannien ^{[ 49 ] [ 50 ] und Amerika [ 46 ] [ 51 ]} bewundert und kopiert .

„A Trip to Chinatown“ (1891) war mit 657 Aufführungender am längsten laufende Broadway-Klassiker (bis „Irene“ 1919). Die Spielzeiten in New York blieben jedoch, mit wenigen Ausnahmen, im Vergleich zu den Londoner Spielzeiten bis in die 1920er-Jahre relativ kurz. ^{[ 33 ]} Gilbert und Sullivan wurden häufig raubkopiert und auch in New York durch Produktionen wie Reginald De Kovens „ Robin Hood“ (1891) und John Philip Sousas „ El Capitan“ (1896) imitiert. „A Trip to Chinatown“ (1898) war die erste Musicalkomödie am Broadway, die vollständig von Afroamerikanern produziert und aufgeführt wurde (maßgeblich inspiriert von den Darbietungen der Minstrel-Shows ), gefolgt von Stücken mit Ragtime -Einflüssen. Hunderte von Musicalkomödien wurden in den 1890er Jahren und im frühen 20. Jahrhundert am Broadway aufgeführt. Sie bestanden aus Liedern, die in der New Yorker Tin Pan Alley geschrieben wurden , darunter auch solche von George M. Cohan , der einen amerikanischen Stil prägen wollte, der sich von den Werken Gilberts und Sullivans unterschied. Auf die erfolgreichsten New Yorker Shows folgten oft ausgedehnte Tourneen durch die USA. ^{[ 52 ]}

In den Goldenen Zwanzigern eroberten Musicals die Londoner Bühnen . Produzent George Edwardes erkannte, dass das Publikum eine neue Alternative zu den komischen Opern im Savoy -Stil mit ihrer intellektuellen, politischen und absurden Satire suchte. Er experimentierte mit einem modernen, familienfreundlichen Musicalstil, der mit beschwingten, populären Liedern, spritzigen, romantischen Dialogen und stilvollen Bühnenbildern im Gaiety Theatre und seinen anderen Theatern aufwartete. Diese Musicals knüpften an die Traditionen der komischen Oper an und integrierten Elemente der Burleske sowie der Stücke von Harrigan und Hart. Er ersetzte die freizügigen Burleske-Damen durch sein „respektables“ Ensemble der Gaiety Girls, um den musikalischen und visuellen Spaß abzurunden. Der Erfolg der ersten beiden Musicals, „ In Town “ (1892) und „A Gaiety Girl“ (1893), prägte den Stil für die nächsten drei Jahrzehnte. Die Handlungen waren zumeist heiter und romantisch – nach dem Motto „Armes Mädchen verliebt sich in Aristokraten und erobert ihn wider Erwarten“ – mit Musik von Ivan Caryll , Sidney Jones und Lionel Monckton . Diese Stücke wurden in Amerika sofort vielfach kopiert, und die musikalische Komödie der Edwardianischen Ära verdrängte die früheren musikalischen Formen der komischen Oper und der Operette. „Die Geisha“ (1896) war eines der erfolgreichsten Stücke der 1890er Jahre, lief über zwei Jahre und feierte große internationale Erfolge.

„The Belle of New York “ (1898) war das erste amerikanische Musical, das in London über ein Jahr lang lief. Die britische Musicalkomödie „Florodora“ (1899) war beidseits des Atlantiks ein großer Erfolg, ebenso wie „A Chinese Honeymoon “ (1901), das in London rekordverdächtige 1074 und in New York 376 Aufführungen erlebte. ^{[ 34 ]} Nach der Jahrhundertwendeschloss sich Seymour Hicks mit Edwardes und dem amerikanischen Produzenten Charles Frohman zusammen , um ein weiteres Jahrzehnt erfolgreicher Shows zu produzieren. Zu den weiteren unvergesslichen Musicalkomödien der Edwardianischen Ära zählen „The Arcadians “ (1909) und „The Quaker Girl“ (1910). ^{[ 53 ]}

Nahezu von der englischsprachigen Bühne verdrängt durch die allgegenwärtigen Musicals der Edwardianischen Ära, kehrten Operetten 1907 mit „ Die lustige Witwe“ nach London und an den Broadway zurück . Adaptionen kontinentaler Operetten traten in direkte Konkurrenz zu Musicals. Franz Lehár und Oscar Straus komponierten neue Operetten, die bis zum Ersten Weltkrieg im englischen Raum populär waren. ^{[ 54 ]} In Amerika schuf Victor Herbert eine Reihe von Operetten, die bis heute Bestand haben, darunter „Die Wahrsagerin “ (1898), „Babes in Toyland “ (1903), „Mlle. Modiste“ (1905), „ Die rote Mühle“ (1906) und „Naughty Marietta“ (1910).

In den 1910er Jahren schufen P. G. Wodehouse , Guy Bolton und Jerome Kern , in der Tradition von Gilbert und Sullivan , die „ Princess Theatre Shows“ und ebneten damit den Weg für Kerns späteres Werk, indem sie zeigten, dass ein Musical leichte, populäre Unterhaltung mit einem roten Faden zwischen Handlung und Liedern verbinden konnte. ^{[ 47 ]} Der Historiker Gerald Bordman schrieb:

Diese Shows schufen und verfeinerten die Grundlage, aus der fast alle späteren großen Musicalkomödien hervorgingen. ... Die Figuren und Situationen waren, im Rahmen der Freiheiten des Musicals, glaubwürdig, und der Humor speiste sich aus den Situationen oder dem Wesen der Figuren. Kerns kunstvoll fließende Melodien wurden eingesetzt, um die Handlung voranzutreiben oder die Charakterisierung zu vertiefen. ... Das [edwardianische] Musical neigte oft dazu, Lieder eher willkürlich einzusetzen. Die Musicals des Princess Theatre brachten einen Paradigmenwechsel. P. G. Wodehouse, der aufmerksamste, belesenste und geistreichste Liedtexter seiner Zeit, und das Team Bolton, Wodehouse und Kern hatten bis heute einen spürbaren Einfluss. ^{[ 55 ]}

Das Theaterpublikum suchte in den dunklen Zeiten des Ersten Weltkriegs nach Unterhaltung und Ablenkung und strömte in die Theater. Das Musical „Irene“ von 1919 lief 670 Mal – ein Broadway-Rekord, der bis 1938 Bestand hatte. ^{[ 56 ]} Das britische Theaterpublikum unterstützte weitaus längere Spielzeiten, wie beispielsweise die von „The Maid of the Mountains“ (1.352 Aufführungen) und insbesondere von „Chu Chin Chow“ . Mit 2.238 Aufführungen lief dieses Musical mehr als doppelt so lange wie jedes andere zuvor und stellte einen Rekord auf, der fast vierzig Jahre lang Bestand hatte. ^{[ 57 ]} Selbst eine Wiederaufnahme der „Bettleroper“ konnte sich 1.463 Mal halten. ^{[ 58 ]} Revuen wie „The Bing Boys Are Here“ in Großbritannien und die von Florenz Ziegfeld und seinen Nachahmern in Amerika waren ebenfalls außerordentlich beliebt. ^{[ 37 ]}

Die Musicals der Goldenen Zwanziger , die sich an Vaudeville, Music Hall und anderen Unterhaltungsformen orientierten, legten den Schwerpunkt auf aufwendige Tanznummern und populäre Lieder, wobei die Handlung oft vernachlässigt wurde. Typisch für das Jahrzehnt waren unbeschwerte Produktionen wie „Sally“ , „ Lady, Be Good“ , „ No, No, Nanette“ , „ Oh, Kay! “ und „Funny Face“ . Trotz eher belangloser Geschichten traten in diesen Musicals Stars wie Marilyn Miller und Fred Astaire auf , und es entstanden Dutzende von unvergesslichen Hits von Kern, George und Ira Gershwin , Irving Berlin , Cole Porter sowie Rodgers und Hart . Die Popmusik wurde von Musical-Klassikern wie „ Fascinating Rhythm “, „ Tea for Two “ und „ Someone to Watch Over Me “ dominiert. Viele Shows waren Revuen , Aneinanderreihungen von Sketchen und Liedern, die kaum oder gar nicht miteinander verbunden waren. Die bekanntesten dieser Shows waren die alljährlichen Ziegfeld Follies , spektakuläre Gesangs- und Tanzrevuen am Broadway mit aufwendigen Bühnenbildern, prunkvollen Kostümen und wunderschönen Chormädchen. ^{[ 23 ]} Diese Spektakel erhöhten auch die Produktionskosten, und die Inszenierung von Musicals wurde generell teurer. ^{[ 37 ]} „Shuffle Along“ (1921), eine Show mit ausschließlich afroamerikanischen Darstellern, war ein großer Erfolg am Broadway. ^{[ 59 ]} In den 1920er-Jahren trat außerdem eine neue Generation von Operettenkomponisten wie Rudolf Friml und Sigmund Romberg in Erscheinung , die eine Reihe populärer Broadway-Hits schufen. ^{[ 60 ]}

In London erlangten Schriftstellerstars wie Ivor Novello und Noël Coward Popularität, doch die Vormachtstellung des britischen Musiktheaters vom 19. Jahrhundert bis 1920 wurde allmählich von amerikanischen Innovationen abgelöst, insbesondere nach dem Ersten Weltkrieg. Kern und andere Komponisten der Tin Pan Alley brachten neue Musikstile wie Ragtime und Jazz auf die Bühnen, und die Shubert-Brüder übernahmen die Kontrolle über die Broadway-Theater. Der Musiktheaterautor Andrew Lamb bemerkt: „Die opernhaften und theatralischen Stile der gesellschaftlichen Strukturen des 19. Jahrhunderts wurden durch einen Musikstil ersetzt, der besser zur Gesellschaft des 20. Jahrhunderts und ihrer Umgangssprache passte. Aus Amerika kam dieser direktere Stil, und in Amerika konnte er sich in einer sich entwickelnden Gesellschaft entfalten, die weniger an die Traditionen des 19. Jahrhunderts gebunden war.“ ^{[ 61 ]} In Frankreich wurde die Comédie musicale in den ersten Jahrzehnten des Jahrhunderts für Stars wie Yvonne Printemps geschrieben . ^{[ 62 ]}

Weit entfernt von den vergleichsweise unbeschwerten Musicals und sentimentalen Operetten des Jahrzehnts, stellte das Broadway-Musical „ Show Boat “ (1927) eine noch vollständigere Verschmelzung von Buch und Musik dar als die Musicals des Princess Theatre. Dramatische Themen wurden durch Musik, Dialoge, Bühnenbild und Bewegung vermittelt. Dies gelang durch die Verbindung der Lyrik von Kerns Musik mit dem gekonnten Libretto von Oscar Hammerstein II . Ein Historiker schrieb: „Hier entsteht ein völlig neues Genre – das Musicaldrama, im Unterschied zur Musicalkomödie. Nun … war alles andere diesem Drama untergeordnet. Nun … verschmolzen Gesang, Humor und Showeinlagen zu einer einzigen, untrennbaren künstlerischen Einheit.“ ^{[ 63 ]}

Als die Weltwirtschaftskrise während der nationalen Tournee von „Show Boat“ nach der Broadway-Premiere einsetzte , wandte sich das Publikum wieder vermehrt leichter, unterhaltsamer Musik- und Tanzunterhaltung zu. ^{[ 55 ]} Die Zuschauer beiderseits des Atlantiks hatten wenig Geld für Unterhaltung übrig, und nur wenige Bühnenshows erreichten in diesem Jahrzehnt mehr als 500 Aufführungen. Die Revue „The Band Wagon“ (1931) mit den Tanzpartnern Fred Astaire und seiner Schwester Adele in den Hauptrollen bestätigte Ethel Mermans Position als First Lady des Musicals, einen Titel, den sie viele Jahre lang innehatte. Coward und Novello brachten weiterhin altmodische, sentimentale Musicals wie „ The Dancing Years“ heraus , während Rodgers und Hart aus Hollywood zurückkehrten, um eine Reihe erfolgreicher Broadway-Shows zu kreieren, darunter „ On Your Toes“ (1936, mit Ray Bolger , das erste Broadway-Musical, das klassischen Tanz dramatisch einsetzte), „ Babes in Arms“ (1937) und „The Boys from Syracuse“ (1938). Porter fügte „Du Barry Was a Lady “ (1939) hinzu. Das am längsten laufende Musikstück der 1930er Jahre in den USA war „Hellzapoppin“ (1938), eine Revue mit Publikumsbeteiligung, die 1404 Mal aufgeführt wurde und damit einen neuen Broadway-Rekord aufstellte. ^{[ 56 ]} In Großbritannien lief „ Me and My Girl“ 1646 Mal. ^{[ 58 ]}

Dennoch begannen einige Kreativteams, auf den Innovationen von „Show Boat“ aufzubauen . „ Of Thee I Sing “ (1931), eine politische Satire der Gershwins, war das erste Musical, das mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnet wurde . ^{[ 23 ] [ 64 ]} „As Thousands Cheer“ (1933), eine Revue von Irving Berlin und Moss Hart, in der jedes Lied oder jeder Sketch auf einer Zeitungsschlagzeile basierte, war die erste Broadway-Show, in der die Afroamerikanerin Ethel Waters neben weißen Schauspielern auftrat. Zu Waters’ Liedern gehörte „ Supper Time “, die Klage einer Frau über ihren gelynchten Ehemann. ^{[ 65 ]} „ Porgy and Bess “ (1935) der Gershwins präsentierte eine rein afroamerikanische Besetzung und verband Elemente aus Oper, Folk und Jazz. „The Cradle Will Rock “ (1937), unter der Regie von Orson Welles , war ein stark politisch engagiertes, gewerkschaftsfreundliches Stück, das trotz der Kontroversen 108 Mal aufgeführt wurde. ^{[ 37 ]} Rodgers und Harts „ I’d Rather Be Right“ (1937) war eine politische Satire mit George M. Cohan in der Rolle von Präsident Franklin D. Roosevelt , und Kurt Weills „ Knickerbocker Holiday“ schilderte die frühe Geschichte New Yorks und persiflierte dabei auf gutmütige Weise Roosevelts gute Absichten.

Der Film stellte eine Herausforderung für die Bühne dar. Stummfilme hatten bis dahin nur geringe Konkurrenz geboten, doch Ende der 1920er-Jahre konnten Filme wie „The Jazz Singer“ mit synchronisiertem Ton gezeigt werden. „Tonfilme“ zu niedrigen Preisen verdrängten das Varieté Anfang der 1930er-Jahre praktisch. ^{[ 66 ]} Trotz der wirtschaftlichen Schwierigkeiten der 1930er-Jahre und der Konkurrenz durch den Film überlebte das Musical. Es entwickelte sich thematisch sogar weiter und ging über die Gag- und Showgirl-Musicals der Goldenen Zwanziger und die sentimentale Romantik der Operette hinaus. Unter der Regie von George Abbott kamen technisches Können, eine temporeiche Inszenierung und ein naturalistischer Dialogstil hinzu . ^{[ 23 ]}

Die 1940er Jahre begannen mit weiteren Erfolgen von Porter, Irving Berlin , Rodgers und Hart, Weill und Gershwin, einige mit über 500 Aufführungen, als sich die Wirtschaft erholte. Doch der künstlerische Wandel war spürbar. Rodgers und Hammersteins „ Oklahoma! “ (1943) vollendete die mit „Show Boat“ begonnene Revolution , indem es alle Aspekte des Musiktheaters eng miteinander verband: eine zusammenhängende Handlung, Lieder, die die Geschichte vorantrieben, und Traumballette sowie andere Tänze, die die Handlung vorantrieben und die Charaktere entwickelten, anstatt den Tanz als Vorwand zu nutzen, um spärlich bekleidete Frauen über die Bühne zu präsentieren. ^{[ 3 ]} Rodgers und Hammerstein engagierten die Ballettchoreografin Agnes de Mille , die alltägliche Bewegungen einsetzte, um den Charakteren zu helfen, ihre Gedanken auszudrücken. Es brach mit den Konventionen des Musicals, indem es den Vorhang im ersten Akt nicht für eine Schar von Chormädchen hob, sondern für eine Frau, die Butter rührte, während eine Stimme aus dem Off die ersten Zeilen von „ Oh, What a Beautiful Mornin' “ a cappella sang. Es erhielt begeisterte Kritiken, löste einen wahren Besucheransturm aus und wurde mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnet . ^{[ 67 ]} Brooks Atkinson schrieb in der New York Times , dass die Eröffnungsnummer des Musicals die Geschichte des Musiktheaters veränderte: „Nach einer solchen Strophe, gesungen zu einer beschwingten Melodie, wurden die Banalitäten der alten Musicalbühne unerträglich.“ ^{[ 68 ]} Es war das erste Broadway-Musical mit einem absoluten Blockbuster-Erfolg, lief insgesamt 2.212 Mal und wurde als Film adaptiert. Es zählt bis heute zu den meistgespielten Projekten des Ensembles. William A. Everett und Paul R. Laird schrieben, dass es sich um eine „Show handelte, die, ähnlich wie Show Boat , zu einem Meilenstein wurde, sodass spätere Historiker, die über wichtige Momente im Theater des 20. Jahrhunderts schrieben, begannen, Epochen anhand ihrer Beziehung zu Oklahoma! zu identifizieren .“ ^{[ 69 ]}

Nach „ Oklahoma! “ waren Rodgers und Hammerstein die bedeutendsten Wegbereiter des Musicals. Ihre kraftvollen, oft sozialkritischen Stücke gaben anderen talentierten Autoren die nötige Ermutigung, eigene Musicals zu schreiben. ^{[ 63 ]} Die beiden schufen eine außergewöhnliche Sammlung einiger der beliebtesten und unvergesslichsten Klassiker des Musiktheaters, darunter „ Carousel “ (1945), „South Pacific“ (1949), „The King and I“ (1951) und „The Sound of Music“ (1959). Einige dieser Musicals behandeln ernstere Themen als die meisten früheren Werke: Der Bösewicht in „Oklahoma!“ ist ein mutmaßlicher Mörder und Psychopath; „Carousel“ thematisiert häusliche Gewalt, Diebstahl, Selbstmord und das Jenseits; „South Pacific“ setzt sich noch intensiver mit Mischehen auseinander als „Show Boat“ ; der Held von „The King and I“ stirbt auf der Bühne; und der Hintergrund von „The Sound of Music“ ist der Anschluss Österreichs an Nazi-Deutschland im Jahr 1938 .

Die Kreativität der Show inspirierte Rodgers und Hammersteins Zeitgenossen und läutete das „Goldene Zeitalter“ des amerikanischen Musiktheaters ein. ^{[ 68 ]} Während des „Goldenen Zeitalters“ wurde am Broadway Americana präsentiert, als die Musicals der Kriegszeit begannen. Ein Beispiel dafür ist „ On the Town “ (1944), geschrieben von Betty Comden und Adolph Green , komponiert von Leonard Bernstein und choreografiert von Jerome Robbins . Die Geschichte spielt während des Krieges und handelt von drei Matrosen, die 24 Stunden Landgang in New York City haben und sich dabei verlieben. Die Show vermittelt auch den Eindruck eines Landes mit einer ungewissen Zukunft, wie sie auch die Matrosen und ihre Frauen teilen. Irving Berlin nutzte die Karriere der Scharfschützin Annie Oakley als Grundlage für sein Musical „Annie Get Your Gun“ (1946, 1147 Aufführungen). Burton Lane , E. Y. Harburg und Fred Saidy verbanden in ihrem Fantasy-Musical „Finian’s Rainbow“ (1947, 725 Aufführungen) politische Satire mit irischem Humor; Cole Porter ließ sich für „Kiss Me, Kate“ (1948, 1077 Aufführungen) von William Shakespeares „ Der Widerspenstigen Zähmung“ inspirieren . Die amerikanischen Musicals verdrängten die altmodischen britischen Shows im Stil von Coward und Novello, deren letzter großer Erfolg Novellos „ Perchance to Dream “ (1945, 1021 Aufführungen) war. ^{[ 58 ]} Die Formel der Musicals des Goldenen Zeitalters spiegelte eine oder mehrere der vier weit verbreiteten Vorstellungen vom „amerikanischen Traum“ wider: Stabilität und Wert beruhen auf einer Liebesbeziehung, die durch protestantische Eheideale sanktioniert und eingeschränkt wird; ein Ehepaar sollte mit Kindern fernab der Stadt in einem Vorort oder einer Kleinstadt ein moralisches Zuhause gründen; die Rolle der Frau ist die der Hausfrau und Mutter; und dass die Amerikaner einen unabhängigen und Pioniergeist verkörpern oder dass ihr Erfolg auf Selbstverdienst beruht. ^{[ 70 ]}

Die 1950er Jahre waren entscheidend für die Entwicklung des amerikanischen Musicals. ^{[ 71 ]} Damon Runyons vielseitige Charaktere standen im Mittelpunkt von Frank Loessers und Abe Burrows ’ „ Guys and Dolls “ (1950, 1200 Aufführungen); und der Goldrausch bildete den Schauplatz für Alan Jay Lerners und Frederick Loewes „ Paint Your Wagon“ (1951). Die relativ kurze Laufzeit von sieben Monaten hielt Lerner und Loewe nicht davon ab , erneut zusammenzuarbeiten, diesmal an „My Fair Lady“ (1956), einer Adaption von George Bernard Shaws „ Pygmalion “ mit Rex Harrison und Julie Andrews in den Hauptrollen , die mit 2717 Aufführungen viele Jahre lang den Rekord für die längste Laufzeit hielt. Alle diese Musicals wurden in Hollywood verfilmt. Zwei große Erfolge britischer Autoren in diesem Jahrzehnt waren „The Boy Friend“ (1954), das in London 2078 Mal aufgeführt wurde und Andrews' amerikanisches Debüt markierte, und „Salad Days “ (1954), das mit 2283 Aufführungen den britischen Rekord für die längste Laufzeit eines Theaterstücks brach. ^{[ 58 ] [ 57 ]}

Ein weiterer Rekord wurde mit der Dreigroschenoper aufgestellt , die 2.707 Aufführungen erlebte und damit bis zum Erfolg von „The Fantasticks“ das am längsten laufende Off-Broadway-Musical war . Die Produktion leistete Pionierarbeit, indem sie bewies, dass Musicals auch in kleinem Rahmen und mit kleinem Orchester Off-Broadway profitabel sein konnten. Dies bestätigte sich 1959 mit der Wiederaufnahme von Jerome Kerns und P. G. Wodehouses „ Leave It to Jane“, die über zwei Jahre lief. Die Off-Broadway -Saison 1959/60 umfasste ein Dutzend Musicals und Revuen, darunter „Little Mary Sunshine“ , „The Fantasticks“ und „Ernest in Love“ , eine Musical-Adaption von Oscar Wildes Hit „The Importance of Being Earnest “ aus dem Jahr 1895. ^{[ 72 ]}

Die West Side Story (1957) verlegte Romeo und Julia ins moderne New York und verwandelte die verfeindeten Familien Montague und Capulet in rivalisierende ethnische Gangs, die Jets und die Sharks. Das Buch wurde von Arthur Laurents adaptiert , die Musik stammt von Leonard Bernstein und die Liedtexte vom Newcomer Stephen Sondheim . Kritiker lobten das Musical für seine musikalischen und choreografischen Innovationen ^{[ 73 ] [ 74 ]} , doch der kommerzielle Erfolg war geringer als der des im selben Jahr erschienenen Musicals „The Music Man“ von Meredith Willson , das den Tony Award für das beste Musical gewann . ^{[ 75 ]} 1961 wurde die West Side Story verfilmt und erwies sich als sowohl bei Kritikern als auch beim Publikum erfolgreich. ^{[ 76 ] [ 77 ]} Laurents und Sondheim arbeiteten für Gypsy (1959)erneut zusammen , wobei Jule Styne die Musik für eine Geschichte über Rose Thompson Hovick , die Mutter der titelgebenden Stripperin Gypsy Rose Lee , beisteuerte .

Obwohl Regisseure und Choreografen den Stil des Musiktheaters mindestens seit dem 19. Jahrhundert maßgeblich beeinflusst haben ^{[ 78 ],} spielten George Abbott und seine Mitarbeiter und Nachfolger im Goldenen Zeitalter des Musicals eine zentrale Rolle bei der vollständigen Integration von Bewegung und Tanz in die Produktionen. ^{[ 79 ]} Abbott führte 1936 in „On Your Toes“ Ballett als Erzählmittel ein , woraufhin Agnes de Mille in „Oklahoma! “ Ballett und Choreografie einsetzte . ^{[ 80 ]} Nachdem Abbott mit Jerome Robbins in „On the Town“ und anderen Stücken zusammengearbeitet hatte, vereinte Robbins die Rollen des Regisseurs und Choreografen und betonte die erzählerische Kraft des Tanzes in „West Side Story“ , „A Funny Thing Happened on the Way to the Forum“ (1962) und „Anatevka“ (1964). Bob Fosse choreografierte für Abbott in „The Pajama Game “ (1956) und „Damn Yankees“ (1957) und verlieh diesen Erfolgen eine spielerische Sinnlichkeit. Später war er Regisseur und Choreograf von „ Sweet Charity“ (1968), „Pippin“ (1972) und „Chicago“ (1975). Zu den weiteren namhaften Regisseuren und Choreografen zählen Gower Champion , Tommy Tune , Michael Bennett , Gillian Lynne und Susan Stroman . Prominente Regisseure sind Hal Prince , der seine Karriere ebenfalls mit Abbott begann ^{[ 79 ]} , und Trevor Nunn . ^{[ 81 ]}

Während des Goldenen Zeitalters begannen Automobilhersteller und andere große Konzerne, Broadway-Talente zu engagieren, um Firmenmusicals zu schreiben – exklusive Aufführungen, die nur ihren Mitarbeitern oder Kunden zugänglich waren. ^{[ 82 ] [ 83 ]} Die 1950er-Jahre endeten mit Rodgers und Hammersteins letztem großen Erfolg, „The Sound of Music“ , der auch für Mary Martin ein weiterer Hit wurde. Das Musical wurde 1443 Mal aufgeführt und mit dem Tony Award als bestes Musical ausgezeichnet. Zusammen mit der äußerst erfolgreichen Verfilmung von 1965 zählt es zu den beliebtesten Musicals der Geschichte.

1960 wurde „The Fantasticks“ erstmals Off-Broadway aufgeführt. Dieses intime, allegorische Stück lief über 40 Jahre lang unauffällig im Sullivan Street Theatre in Greenwich Village und wurde damit zum mit Abstand am längsten laufenden Musical der Geschichte. Die Autoren schufen in den 1960er-Jahren weitere innovative Werke wie „Celebration“ und „I Do! I Do!“ , das erste Broadway-Musical mit nur zwei Darstellern. In den 1960er-Jahren folgten zahlreiche Blockbuster wie „ Anatevka“ (1964; 3.242 Vorstellungen), „ Hello, Dolly!“ (1964; 2.844 Vorstellungen), „Funny Girl“ (1964; 1.348 Vorstellungen) und „Der Mann von La Mancha“ (1965; 2.328 Vorstellungen) sowie einige gewagtere Stücke wie „Cabaret“ , bevor das Rockmusical seinen Siegeszug antrat . In Großbritannien feierte „Oliver!“ seinen Durchbruch. (1960) wurde 2.618 Mal aufgeführt, doch der Dauerbrenner des Jahrzehnts war „The Black and White Minstrel Show“ (1962) mit 4.344 Aufführungen. ^{[ 58 ]} Zwei Männer prägten die Geschichte des Musiktheaters ab diesem Jahrzehnt maßgeblich: Stephen Sondheim und Jerry Herman .

Sondheims erstes Projekt, für das er sowohl Musik als auch Liedtexte schrieb, war „A Funny Thing Happened on the Way to the Forum“ (1962, 964 Aufführungen). Das Buch basierte auf Werken von Plautus und stammte von Burt Shevelove und Larry Gelbart . Die Hauptrolle spielte Zero Mostel . Sondheim entfernte sich in seinen Musicals von der Konzentration auf die für frühere Epochen typischen romantischen Handlungsstränge; seine Werke wurden düsterer und erkundeten die rauen Seiten des Lebens in Gegenwart und Vergangenheit. Zu seinen weiteren frühen Werken zählen „ Anyone Can Whistle “ (1964, das trotz der Stars Lee Remick und Angela Lansbury nur neun Aufführungen erlebte ) sowie die erfolgreichen Musicals „ Company“ (1970), „Follies“ (1971) und „A Little Night Music“ (1973). Später fand Sondheim Inspiration in ungewöhnlichen Quellen: der Öffnung Japans für den westlichen Handel für Pacific Overtures (1976), einem legendären mörderischen Barbier, der im industriellen London Rache sucht, für Sweeney Todd (1979), den Gemälden von Georges Seurat für Sunday in the Park with George (1984), Märchen für Into the Woods (1987) und einer Sammlung von Präsidentenattentätern in Assassins (1990).

Während einige Kritiker argumentieren, dass es manchen Musicals von Sondheim an kommerziellem Erfolg mangelt, loben andere deren lyrische Raffinesse und musikalische Komplexität sowie das Zusammenspiel von Text und Musik in seinen Stücken. Zu Sondheims bemerkenswerten Innovationen zählen ein rückwärts präsentiertes Stück („ Merrily We Roll Along “) und das bereits erwähnte „Anyone Can Whistle“ , in dem der erste Akt damit endet, dass die Darsteller dem Publikum mitteilen, sie seien verrückt.

Jerry Herman prägte das amerikanische Musiktheater maßgeblich. Sein Debüt gab er mit der Broadway-Produktion „ Milk and Honey “ (1961, 563 Aufführungen) über die Gründung des Staates Israel. Es folgten die Kassenschlager „ Hello, Dolly!“ (1964, 2.844 Aufführungen), „Mame“ (1966, 1.508 Aufführungen) und „La Cage aux Folles“ (1983, 1.761 Aufführungen). Selbst seine weniger erfolgreichen Stücke wie „Dear World “ (1969) und „Mack and Mabel“ (1974) konnten sich durch unvergessliche Musiken auszeichnen (wobei „Mack and Mabel“ später in London zu einem großen Erfolg wurde). Da Herman sowohl Text als auch Musik schrieb, wurden viele seiner Showmelodien zu beliebten Standards, darunter „ Hello, Dolly! “, „We Need a Little Christmas“, „I Am What I Am“, „Mame“, „The Best of Times“, „Before the Parade Passes By“, „Put On Your Sunday Clothes“, „It Only Takes a Moment“, „Bosom Buddies“ und „I Won't Send Roses“. Diese Lieder wurden von Künstlern wie Louis Armstrong , Eydie Gormé , Barbra Streisand , Petula Clark und Bernadette Peters interpretiert. Hermans Liederbuch war Gegenstand zweier erfolgreicher Musical-Revuen: „ Jerry's Girls“ (Broadway, 1985) und „Showtune“ (Off-Broadway, 2003).

Das Musical begann sich von den relativ engen Grenzen der 1950er Jahre zu lösen. Rockmusik wurde in mehreren Broadway-Musicals eingesetzt, angefangen mit Hair , das neben Rockmusik auch Nacktheit und kontroverse Meinungen zum Vietnamkrieg , zu Rassenbeziehungen und anderen sozialen Themen enthielt. ^{[ 84 ]}

Nach „Show Boat“ und „Porgy and Bess“ und im Zuge des Kampfes um die Bürgerrechte von Minderheiten in Amerika und anderswo fühlten sich Hammerstein, Harold Arlen , Yip Harburg und andere ermutigt, weitere Musicals und Opern zu schreiben, die die gesellschaftliche Toleranz gegenüber Minderheiten normalisieren und die Rassenharmonie fördern sollten. Zu den frühen Werken des Goldenen Zeitalters, die sich mit Rassentoleranz auseinandersetzten, gehörten „ Finian’s Rainbow“ und „South Pacific“ . Gegen Ende des Goldenen Zeitalters behandelten mehrere Stücke jüdische Themen und Probleme, darunter „ Anatevka“ , „Milk and Honey“ , „Blitz!“ und später „Rags“ . Das ursprüngliche Konzept der „West Side Story“ spielte während der Oster- und Pessachfeierlichkeiten in der Lower East Side ; die rivalisierenden Gangs sollten jüdisch und italienisch- katholisch sein . Das Kreativteam entschied sich später für den Konflikt zwischen Polen (Weißen) und Puertoricanern, da dieser aktueller wirkte. ^{[ 85 ]}

Toleranz als wichtiges Thema in Musicals hat sich in den letzten Jahrzehnten fortgesetzt. Die letzte Inszenierung der West Side Story vermittelte eine Botschaft der Rassentoleranz. Ende der 1960er-Jahre wurden Musicals rassenübergreifend, wobei schwarze und weiße Darsteller sogar gegenseitig Rollen übernahmen, wie beispielsweise in Hair . ^{[ 86 ]} Auch Homosexualität wurde in Musicals thematisiert, angefangen mit Hair und in den letzten Jahrzehnten noch offener in La Cage aux Folles , Falsettos , Rent , Hedwig and the Angry Inch und anderen Stücken. Parade ist eine sensible Auseinandersetzung mit Antisemitismus und dem historischen Rassismus in den USA, und Ragtime beleuchtet auf ähnliche Weise die Erfahrungen von Einwanderern und Minderheiten in Amerika.

Nach dem Erfolg von Hair erlebten Rockmusicals in den 1970er Jahren eine Blütezeit, darunter Jesus Christ Superstar , Godspell , The Rocky Horror Show , Evita und Die zwei Herren aus Verona . Einige dieser Werke, allen voran Jesus Christ Superstar und Evita , begannen als Konzeptalben und wurden später für die Bühne adaptiert. Andere wiederum kamen ohne Dialoge aus oder erinnerten mit ihren dramatischen, emotionalen Themen an Opern; diese entstanden teilweise ebenfalls als Konzeptalben und wurden als Rockopern bezeichnet . Shows wie Raisin , Dreamgirls , Purlie und The Wiz brachten einen bedeutenden afroamerikanischen Einfluss an den Broadway. Vielfältigere Musikgenres und -stile fanden Eingang in Musicals, sowohl am Broadway als auch, insbesondere, Off-Broadway. Gleichzeitig feierte Stephen Sondheim, wie bereits erwähnt, mit einigen seiner Musicals große Erfolge.

1975 entstand das Tanzmusical „A Chorus Line“ aus aufgezeichneten Gruppentherapiesitzungen, die Michael Bennett mit sogenannten „Zigeunern“ – Sängern und Tänzern, die die Hauptdarsteller unterstützten – aus der Broadway-Szene leitete. Aus Hunderten von Stunden Tonmaterial schufen James Kirkwood Jr. und Nick Dante ein Buch über ein Musical-Vorsprechen, in das sie viele wahre Geschichten aus den Sitzungen einfließen ließen; einige der Teilnehmer spielten später Variationen ihrer selbst oder anderer Figuren in der Show. Mit der Musik von Marvin Hamlisch und den Texten von Edward Kleban feierte „A Chorus Line“ Premiere im Public Theater von Joseph Papp in Lower Manhattan. Was ursprünglich als begrenztes Gastspiel geplant war, zog schließlich ins Shubert Theatre am Broadway um ^{[ 87 ]} und wurde dort mit 6.137 Vorstellungen zur bis dahin am längsten laufenden Produktion in der Geschichte des Broadway. Die Show räumte bei den Tony Awards ab und gewann den Pulitzer-Preis , und ihr Hit „ What I Did for Love “ wurde zu einem Klassiker. ^{[ 88 ]}

Das Broadway-Publikum begrüßte Musicals, die sich inhaltlich und stilistisch vom Goldenen Zeitalter unterschieden. John Kander und Fred Ebb thematisierten in „Cabaret“ den Aufstieg des Nationalsozialismus in Deutschland und in „Chicago“ während der Prohibitionszeit Mord und die Rolle der Medien – ein Stück, das auf althergebrachte Vaudeville- Techniken zurückgriff. Stephen Schwartz ’ „ Pippin“ spielte zur Zeit Karls des Großen . Federico Fellinis autobiografischer Film „8½“ wurde von Maury Yeston unter dem Titel „Nine“ verfilmt . Gegen Ende des Jahrzehnts waren „Evita“ und „Sweeney Todd“ Vorboten der düsteren, aufwendig produzierten Musicals der 1980er-Jahre, die auf dramatische Geschichten, mitreißende Musik und spektakuläre Effekte setzten. Gleichzeitig wurden altmodische Werte in Hits wie „Annie“ , „42nd Street“ , „My One and Only“ und beliebten Wiederaufführungen von „No, No, Nanette“ und „Irene“ weiterhin hochgehalten . Obwohl in den 1970er Jahren viele Verfilmungen von Musicals entstanden, waren nur wenige davon Kritiker- oder Kassenerfolge, mit den bemerkenswerten Ausnahmen von Anatevka , Cabaret und Grease . ^{[ 89 ]}

In den 1980er-Jahren prägten europäische Megamusicals den Broadway, das West End und andere Bühnen. Typisch für diese Musicals sind poppige Musik, große Ensembles, spektakuläre Bühnenbilder und Spezialeffekte – wie ein herabstürzender Kronleuchter (in „Das Phantom der Oper“ ) oder ein auf der Bühne landender Hubschrauber (in „Miss Saigon “) – sowie hohe Budgets. Einige basierten auf Romanen oder anderen literarischen Werken. Das britische Team um Komponist Andrew Lloyd Webber und Produzent Cameron Mackintosh begründete das Megamusical-Phänomen mit ihrem Musical „ Cats“ von 1981 , basierend auf den Gedichten von T. S. Eliot . Es überholte „A Chorus Line“ und wurde zur am längsten laufenden Broadway-Show. Lloyd Webber legte mit „Starlight Express“ (1984), aufgeführt auf Rollschuhen, nach; „ Das Phantom der Oper“ (1986; ebenfalls mit Mackintosh), basierend auf dem gleichnamigen Roman ; und „Sunset Boulevard“ (1993), nach dem gleichnamigen Film von 1950 . Das Phantom der Oper übertraf Cats und wurde zur am längsten laufenden Show in der Geschichte des Broadway – ein Rekord, den es bis heute hält. ^{[ 90 ] [ 91 ]} Das französische Autorenteam Claude-Michel Schönberg und Alain Boublil schrieb Les Misérables , basierend auf dem gleichnamigen Roman . Die Londoner Produktion von 1985 wurde von Mackintosh produziert und ist bis heute das am längsten laufende Musical in der Geschichte des West End und des Broadway . Mit Miss Saigon (1989), inspiriert von Puccinis Oper Madama Butterfly , landete das Team einen weiteren Hit. ^{[ 90 ] [ 91 ]}

Die enormen Budgets der Megamusicals veränderten die Erwartungen an den finanziellen Erfolg am Broadway und im Londoner West End. Früher konnte eine Show nach einigen hundert Aufführungen als Hit gelten, doch mit Produktionskosten in Millionenhöhe muss eine Show jahrelang laufen, um überhaupt Gewinn zu erzielen. Megamusicals wurden zudem weltweit reproduziert, wodurch sich ihr Gewinnpotenzial vervielfachte und gleichzeitig das globale Publikum für Musiktheater erweitert wurde. ^{[ 91 ]}

In den 1990er-Jahren trat eine neue Generation von Theaterkomponisten in Erscheinung, darunter Jason Robert Brown und Michael John LaChiusa , die zunächst Off-Broadway-Produktionen aufführten. Der größte Erfolg dieser Künstler war Jonathan Larsons Musical „ Rent“ (1996), ein Rockmusical (basierend auf der Oper „La Bohème “) über eine Künstlergemeinschaft in Manhattan, die ums Überleben kämpft. Während die Ticketpreise für Broadway- und West-End-Musicals für viele Theaterbesucher unerschwinglich wurden, zielte „Rent“ darauf ab, Musicals bei einem jüngeren Publikum populärer zu machen. Mit einer jungen Besetzung und einem stark rockbeeinflussten Soundtrack wurde das Musical ein Hit. Seine jungen Fans, viele von ihnen Studenten, die sich selbst „RENTheads“ nannten, kampierten vor dem Nederlander Theatre in der Hoffnung, bei der Verlosung von Tickets für die erste Reihe für 20 Dollar zu gewinnen, und einige sahen die Show dutzende Male. Andere Broadway-Produktionen folgten dem Beispiel von „Rent “ und boten stark vergünstigte Tickets für den Vorstellungstag oder Stehplätze an, wobei die Ermäßigungen oft nur Studenten vorbehalten waren. ^{[ 92 ]}

In den 1990er Jahren prägten auch große Konzerne die Musicalproduktion. Am wichtigsten war Disney Theatrical Productions , das mit der Bühnenadaption einiger Disney -Zeichentrickfilme begann, angefangen mit Die Schöne und das Biest (1994), Der König der Löwen (1997) und Aida (2000), wobei die beiden letztgenannten mit Musik von Elton John komponiert wurden . Der König der Löwen ist das erfolgreichste Musical in der Geschichte des Broadway. ^{[ 93 ]} The Whos Tommy (1993), eine Bühnenadaption der Rockoper Tommy , erreichte beachtliche 899 Aufführungen, wurde aber dafür kritisiert, die Geschichte zu sehr entschärft und die Rockmusik zu sehr dem Musical-Theater angepasst zu haben. ^{[ 94 ]}

Trotz der zunehmenden Zahl großer Musicalproduktionen in den 1980er und 1990er Jahren konnten einige kleinere, kostengünstigere Musicals sowohl Kritikerlob als auch kommerziellen Erfolg verbuchen, darunter Falsettoland , Little Shop of Horrors , Bat Boy: The Musical und Blood Brothers , das 10.013 Mal aufgeführt wurde. ^{[ 95 ]} Die Themen dieser Stücke sind sehr vielfältig, und die Musik reicht von Rock bis Pop. Sie werden häufig Off-Broadway oder in kleineren Londoner Theatern aufgeführt, und einige dieser Inszenierungen gelten als fantasievoll und innovativ. ^{[ 96 ]}

Im neuen Jahrhundert setzten Produzenten und Investoren, die ihre beträchtlichen Investitionen amortisieren wollten, verstärkt auf Bekanntes. Einige wagten (meist mit bescheidenem Budget) Experimente mit neuem und kreativem Material, wie beispielsweise Urinetown (2001), Avenue Q (2003), The Light in the Piazza (2005), Spring Awakening (2006), In the Heights (2008), Next to Normal (2009), American Idiot (2010) und The Book of Mormon (2011). Hamilton (2015) verwandelte die „unterdramatisierte amerikanische Geschichte“ in einen ungewöhnlichen, Hip-Hop-beeinflussten Hit. ^{[ 97 ]} 2011 argumentierte Sondheim, dass Rap von allen Formen der „zeitgenössischen Popmusik“ dem traditionellen Musiktheater am nächsten stehe und ein Weg in die Zukunft sei. ^{[ 98 ]}

Die meisten großen Musicalproduktionen des 21. Jahrhunderts haben jedoch einen sicheren Weg gewählt und bekannte Stücke wie „ Anatevka“ , „A Chorus Line“ , „South Pacific“ , „Gypsy“ , „Hair“ , „West Side Story“ und „Grease“ wiederaufgeführt oder auf bewährte literarische Werke wie „ Das scharlachrote Siegel“ , „Wicked“ und „Fun Home “ adaptiert, in der Hoffnung, dadurch ein festes Publikum zu erreichen. Dieser Trend ist besonders bei Filmadaptionen wie „The Producers “, „Spamalot “, „Hairspray“ , „Natürlich blond“ , „ Die Farbe Lila“ , „Xanadu“ , „Billy Elliot“ , „Shrek“ , „ Waitress“ und „Und täglich grüßt das Murmeltier“ stark ausgeprägt . ^{[ 99 ]} Einige Kritiker argumentieren, dass die Wiederverwendung von Filmhandlungen, insbesondere von Disney (wie „ Mary Poppins“ und „Arielle, die Meerjungfrau “), das Broadway- und West-End-Musical zu einer Touristenattraktion degradiert, anstatt es als kreative Ausdrucksform zu nutzen. ^{[ 37 ]}

Heutzutage ist es weniger wahrscheinlich, dass ein einzelner Produzent wie David Merrick oder Cameron Mackintosh eine Produktion finanziert. Unternehmenssponsoren dominieren den Broadway, und oft werden Allianzen gebildet, um Musicals zu inszenieren, die eine Investition von 10 Millionen Dollar oder mehr erfordern. Im Jahr 2002 wurden bei „Thoroughly Modern Millie“ zehn Produzenten aufgeführt, darunter auch Gruppen, die aus mehreren Einzelpersonen bestanden. ^{[ 100 ]} Off-Broadway- und Regionaltheater produzieren typischerweise kleinere und daher kostengünstigere Musicals, und die Entwicklung neuer Musicals findet zunehmend außerhalb von New York und London oder in kleineren Spielstätten statt. So wurden beispielsweise „ Spring Awakening“ , „Fun Home“ und „Hamilton“ Off-Broadway entwickelt, bevor sie am Broadway Premiere feierten.

Mehrere Musicals griffen auf das in den 1980er-Jahren so erfolgreiche Spektakelformat zurück und erinnerten damit an die extravaganten Aufführungen , die im Laufe der Theatergeschichte immer wieder stattfanden, seit die alten Römer Seeschlachten nachstellten. Beispiele hierfür sind die Musical-Adaptionen von „ Der Herr der Ringe“ (2007), „ Vom Winde verweht“ (2008) und „Spider-Man: Turn Off the Dark “ (2011). Diese Musicals wurden von Songwritern mit wenig Theatererfahrung geschrieben, und die aufwendigen Produktionen waren meist verlustreich. Im Gegensatz dazu wurden unter anderem „The Drowsy Chaperone“ , „ Avenue Q“ , „The 25th Annual Putnam County Spelling Bee“ , „Xanadu“ und „Fun Home “ in kleineren, meist ohne Pause und mit kurzer Spieldauer aufgeführt und waren finanziell erfolgreich. Das Time Magazine berichtete 2013 , dass „immersives“ Theater ein Trend am Off-Broadway sei, und nannte als Beispiele Stücke wie „Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812“ (2012) und „Here Lies Love“ (2013), bei denen die Inszenierung um und mitten im Publikum stattfindet. ^{[ 101 ]} Die Stücke stellten einen gemeinsamen Rekord auf, indem sie jeweils elf Nominierungen für den Lucille Lortel Award erhielten ^[ 102 ] ^{und zeitgenössische} Musik einsetzten. ^{[ 103 ] [ 104 ]}

2013 war Cyndi Lauper die erste Komponistin, die den Tony Award für die beste Filmmusik ohne männliche Mitwirkung für ihre Musik und Texte zu „ Kinky Boots “ gewann. 2015 gewann mit Lisa Kron und Jeanine Tesori erstmals ein rein weibliches Autorenteam den Tony Award für die beste Filmmusik ( und Kron auch für das beste Buch ) für „Fun Home“ ^{[ 105 ]} , obwohl Werke männlicher Songwriter weiterhin häufiger ausgezeichnet werden ^{[ 106 ] .}

Ein weiterer Trend besteht darin, eine minimalistische Handlung zu entwickeln, die zu einer Sammlung bereits erfolgreicher Songs passt. Nach dem Erfolg von „Buddy – The Buddy Holly Story“ folgten weitere Beispiele wie „Movin' Out “ (2002, basierend auf den Liedern von Billy Joel ), „Jersey Boys“ (2006, mit The Four Seasons ), „ Rock of Ages “ (2009, mit Classic Rock der 1980er Jahre), „Thriller – Live“ (2009, mit Michael Jackson ) und viele andere. Dieser Stil wird oft als „ Jukebox-Musical “ bezeichnet . ^{[ 107 ]} Ähnliche, aber handlungsintensivere Musicals basieren auf dem Repertoire einer bestimmten Popgruppe, darunter „Mamma Mia!“ (1999, basierend auf den Liedern von ABBA ), „Our House“ (2002, basierend auf den Liedern von Madness ) und „We Will Rock You“ (2002, basierend auf den Liedern von Queen ).

Realverfilmte Musicals waren in den 1980er und frühen 1990er Jahren nahezu ausgestorben, mit Ausnahme von Victor/Victoria , Little Shop of Horrors und der Verfilmung von Evita aus dem Jahr 1996. ^{[ 108 ]} Im neuen Jahrhundert leitete Baz Luhrmann mit Moulin Rouge! (2001) eine Renaissance des Filmmusicals ein . Es folgten Chicago (2002), Das Phantom der Oper (2004), Rent (2005), Dreamgirls (2006), Hairspray , Verwünscht und Sweeney Todd (alle 2007), Mamma Mia! (2008) und Nine (2009). Zu den bekanntesten Filmen zählen „Les Misérables“ und „Pitch Perfect“ (beide 2012), „ Into the Woods“ , „ The Last Five Years “ ( 2014 ), „ La La Land“ (2016), „The Greatest Showman“ (2017), „ A Star Is Born“ und „Mary Poppins Returns“ (beide 2018), „Rocketman“ (2019) sowie „ In the Heights“ und Steven Spielbergs Version der „West Side Story“ (beide 2021). Auch Dr. Seuss ’ „ Der Grinch“ (2000) und „Der Kater mit Hut “ (2003) wurden als Realfilm-Musicals adaptiert. Nach dem immensen Erfolg von Disney und anderen Studios mit animierten Musicalfilmen, beginnend mit „ Arielle, die Meerjungfrau“ (1989) und den gesamten 1990er-Jahren (darunter auch Filme für Erwachsene wie „ South Park: Der Film – Größer, länger & ungeschnitten “ (1999)), erschienen im ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts deutlich weniger animierte Musicalfilme. ^{[ 108 ]} Das Genre erlebte ab 2010 mit Rapunzel – Neu verföhnt (2010), Rio (2011) und Die Eiskönigin – Völlig unverfroren (2013) ein Comeback. In Asien produziert Indien weiterhin zahlreiche Bollywood -Filmmusicals, und Japan produziert Anime- und Manga -Filmmusicals.

In den 1990er-Jahren erfreuten sich Fernsehmusicals großer Beliebtheit, darunter „Gypsy“ (1993), „Cinderella“ (1997) und „Annie“ (1999). Mehrere Fernsehmusicals des ersten Jahrzehnts des 21. Jahrhunderts basierten auf Bühnenversionen, wie beispielsweise „South Pacific “ (2001), „The Music Man“ (2003) und „ Once Upon a Mattress“ (2005), sowie eine Fernsehfassung des Bühnenmusicals „Legally Blonde“ (2007). Darüber hinaus wurden einige Musicals auf der Bühne gefilmt und im öffentlich-rechtlichen Fernsehen ausgestrahlt, beispielsweise „Contact“ (2002) sowie „Kiss Me, Kate“ und „Oklahoma!“ (beide 2003). Das Fernsehmusical „ High School Musical“ (2006) und seine Fortsetzungen waren besonders erfolgreich und wurden für Bühnenmusicals und andere Medien adaptiert.

2013 startete NBC mit „The Sound of Music Live!“ eine Reihe von Live-Fernsehübertragungen von Musicals. ^{[ 109 ]} Obwohl die Produktion gemischte Kritiken erhielt, war sie ein Quotenerfolg. ^{[ 110 ]} Weitere Übertragungen folgten unter anderem „Peter Pan Live!“ (NBC 2014), „The Wiz Live!“ (NBC 2015), ^{[ 111 ]} eine britische Ausstrahlung, „The Sound of Music Live“ ( ITV 2015), ^{[ 112 ]} „Grease: Live“ ( Fox 2016), ^{[ 113 ] [ 114 ]} „ Hairspray Live!“ (NBC 2016), „ A Christmas Story Live!“ (Fox 2017) ^{[ 115 ]} und „ Rent: Live“ (Fox 2019). ^{[ 116 ]}

Einige Fernsehserien haben Episoden als Musical inszeniert. Beispiele hierfür sind Folgen von Ally McBeal , Xena – Die Kriegerprinzessin („Die bittere Suite“ und „Lyre, Lyre, Heart's On Fire“), Psych („ Psych: Das Musical “), Buffy – Im Bann der Dämonen („ Noch einmal mit Gefühl “), Raven blickt durch , Daria , Dexters Labor , Die Powerpuff Girls , The Flash , Once Upon a Time , Oz , Scrubs – Die Schwesternschaft (eine Folge wurde von den Machern von Avenue Q geschrieben ), Batman: The Brave and the Bold und Die wilden Siebziger (die 100. Folge, „ Die wilden Siebziger Musical “). Andere Serien enthalten Szenen, in denen Charaktere während einer Episode plötzlich im Musical-Stil zu singen und zu tanzen beginnen, wie beispielsweise in mehreren Folgen von Die Simpsons , 30 Rock , Hannah Montana , South Park , Bob’s Burgers und Family Guy . ^{[ 117 ]} Fernsehserien, die das Musical-Format ausgiebig genutzt haben, sind unter anderem Cop Rock , Flight of the Conchords , Glee , Smash und Crazy Ex-Girlfriend .

Es wurden auch Musicals für das Internet produziert, darunter „Dr. Horrible's Sing-Along Blog“ über einen billigen Superschurken , gespielt von Neil Patrick Harris . Es entstand während des Autorenstreiks der Writers Guild of America (WGA) . ^{[ 118 ]} Seit 2006 werden Reality-TV-Shows zur Vermarktung von Musical-Revivals eingesetzt, indem in einem Talentwettbewerb die (meist weiblichen) Hauptrollen besetzt werden. Beispiele hierfür sind „ How Do You Solve a Problem like Maria?“ , „ Grease: You're the One That I Want!“ , „ Any Dream Will Do“ , „Legally Blonde: The Musical – The Search for Elle Woods“ , „I'd Do Anything“ und „ Over the Rainbow “. 2021 war „ Schmigadoon!“ eine Parodie und Hommage an die Musicals des Goldenen Zeitalters der 1940er und 1950er Jahre. ^{[ 119 ]}

Die COVID-19-Pandemie führte Anfang 2020 weltweit zur Schließung von Theatern und Theaterfestivals, darunter auch aller Broadway- ^{[ 120 ]} und West-End-Theater. ^{[ 121 ]} Viele darstellende Kunstinstitutionen versuchten, sich anzupassen oder ihre Verluste zu minimieren, indem sie neue (oder erweiterte) digitale Angebote einführten. Dies führte insbesondere zum Online-Streaming zuvor aufgezeichneter Aufführungen zahlreicher Ensembles ^{[ 122 ] [ 123 ] [ 124 ]} sowie zu maßgeschneiderten Crowdsourcing-Projekten. ^{[ 125 ] [ 126 ]} So beauftragte beispielsweise die Sydney Theatre Company Schauspieler, sich zu Hause beim Besprechen und anschließenden Vortragen eines Monologs einer ihrer Bühnenfiguren zu filmen. ^{[ 127 ]} Die Ensembles von Musicals wie Hamilton und Mamma Mia! kamen per Zoom zusammen, um Einzelpersonen und die Öffentlichkeit zu unterhalten. ^{[ 128 ] [ 129 ]} Einige Aufführungen wurden live gestreamt oder im Freien bzw. unter Einhaltung der Abstandsregeln präsentiert, wobei die Zuschauer teilweise mit den Darstellern interagieren konnten. ^{[ 130 ]} Hörspielfestivals wurden ausgestrahlt. ^{[ 131 ]} Virtuelle und sogar per Crowdsourcing produzierte Musicals entstanden, wie beispielsweise „Ratatouille – Das Musical“ . ^{[ 132 ] [ 133 ]} Verfilmungen bekannter Musicals wie „Hamilton “ wurden auf Streaming-Plattformen veröffentlicht. ^{[ 134 ]} Andrew Lloyd Webber veröffentlichte Aufnahmen seiner Musicals auf YouTube. ^{[ 135 ]}

Aufgrund der Schließungen und des damit einhergehenden Einbruchs der Ticketverkäufe gerieten viele Theaterunternehmen in finanzielle Not. Einige Regierungen boten der Kunstszene Soforthilfe an. ^{[ 136 ] [ 137 ] [ 138 ]} Anfang 2021 begannen einige Musical-Theatermärkte schrittweise wieder zu öffnen, ^{[ 139 ]} wobei die Theater im Londoner West End ihre Wiedereröffnung von Juni auf Juli verschoben, ^{[ 140 ]} und der Broadway im September startete. ^{[ 141 ]} Im Laufe des Jahres 2021 führten jedoch erneute Infektionswellen zu Schließungen, selbst nachdem die Märkte wieder geöffnet hatten. ^{[ 142 ] [ 143 ]}

Die Theater kämpfen seit der Schließung seit mehreren Jahren mit Schwierigkeiten; die Zuschauerzahlen und Einnahmen im Londoner West End und später am Broadway erholten sich größtenteils, ^{[ 144 ] [ 145 ]} aber regionale und lokale Theater hatten weiterhin mit Herausforderungen zu kämpfen, da die Kosten stiegen und die Ticketverkäufe niedrig blieben. ^{[ 144 ] [ 146 ]}

Die USA und Großbritannien waren vom 19. Jahrhundert bis weit ins 20. Jahrhundert hinein die wichtigsten Produktionsstätten für Musicals (obwohl Europa in dieser Zeit und sogar schon früher verschiedene Formen populärer Operetten und Operetten hervorbrachte, beispielsweise die spanische Zarzuela ). In den letzten Jahrzehnten hat die Musicalbühne in anderen Ländern jedoch an Bedeutung gewonnen.

Musicals aus anderen englischsprachigen Ländern (insbesondere Australien und Kanada) sind oft lokal erfolgreich und schaffen es gelegentlich sogar bis zum Broadway oder ins West End (z. B. „ The Boy from Oz“ und „The Drowsy Chaperone “). Südafrika verfügt über eine lebendige Musicalszene mit Revuen wie „African Footprint “ und „Umoja“ sowie international tourenden Musicals wie „Kat and the Kings “ und „Sarafina!“ . In Südafrika wurden Musicals wie „Vere“ , „Love and Green Onions“ , „ Over the Rainbow: the all-new all-gay... extravaganza“ , „Bangbroek Mountain“ und „In Briefs – a queer little Musical“ erfolgreich produziert.

Zu den erfolgreichen Musicals vom europäischen Festland zählen unter anderem Produktionen aus Deutschland ( Elixier und Ludwig II ), Österreich ( Tanz der Vampire , Elisabeth , Mozart! und Rebecca ), Tschechien ( Dracula ), Frankreich ( Starmania , Notre-Dame de Paris , Les Misérables , Roméo et Juliette und Mozart, l'opéra rock ) und Spanien ( Hoy no me puedo levantar und The Musical Sancho Panza ).

In Japan hat sich in jüngster Zeit eine eigene Form des Musiktheaters entwickelt, sowohl in animierter als auch in Realverfilmung, die größtenteils auf Anime und Manga basiert , wie beispielsweise „Kikis kleiner Lieferservice“ und „Tenimyu“ . Die beliebte Sailor-Moon -Metaserie brachte über einen Zeitraum von dreizehn Jahren 29 Sailor-Moon-Musicals hervor. Seit 1914 werden von der rein weiblichen Takarazuka Revue , die aktuell fünf Ensembles umfasst, eine Reihe beliebter Revuen aufgeführt . Auch in anderen Teilen Asiens ist das indische Bollywood- Musical, vorwiegend in Form von Filmen, enorm erfolgreich. ^{[ 147 ]}

Beginnend mit einer Tournee von Les Misérables im Jahr 2002 wurden verschiedene westliche Musicals nach Festlandchina importiert und in englischer Sprache aufgeführt. ^{[ 148 ]} Versuche zur Lokalisierung westlicher Produktionen in China begannen 2008 mit der Aufführung von Fame in Mandarin mit einer rein chinesischen Besetzung an der Zentralen Theaterakademie in Peking. ^{[ 149 ]} Seitdem wurden weitere westliche Produktionen in China in Mandarin mit chinesischer Besetzung aufgeführt. Die erste chinesische Produktion im Stil des westlichen Musiktheaters war The Gold Sand im Jahr 2005. ^{[ 148 ]} Darüber hinaus produzierte Li Dun, ein bekannter chinesischer Produzent, 2007 Butterflies , basierend auf einer klassischen chinesischen Liebestragödie, sowie 2011 Love U Teresa. ^{[ 148 ]}

Musicals werden häufig von Amateur- und Schulgruppen in Kirchen, Schulen und anderen Aufführungsräumen aufgeführt. ^{[ 150 ] [ 151 ]} Obwohl Amateurtheater schon seit Jahrhunderten existiert, auch in der Neuen Welt, ^{[ 152 ]} schrieben François Cellier und Cunningham Bridgeman 1914, dass Laienschauspieler bis zum Ende des 19. Jahrhunderts von Profis verachtet wurden. Nach der Gründung von Amateur- Gilbert-und-Sullivan -Ensembles mit Lizenz zur Aufführung der Savoy-Opern erkannten die Profis, dass die Amateurvereine „die Musik- und Theaterkultur fördern. Sie gelten heute als nützliche Ausbildungsstätten für das professionelle Theater, und aus ihren Reihen sind viele heutige Publikumslieblinge hervorgegangen.“ ^{[ 153 ]} Die National Operatic and Dramatic Association wurde 1899 in Großbritannien gegründet. Sie berichtete 1914, dass in diesem Jahr fast 200 Amateurtheatergruppen in Großbritannien Werke von Gilbert und Sullivan aufführten. ^{[ 153 ]} Ähnlich wurden Anfang des 20. Jahrhunderts in den USA über 100 Amateurtheater gegründet. Diese Zahl ist in den USA auf schätzungsweise 18.000 angewachsen. ^{[ 152 ]} Die Educational Theater Association in den USA hat fast 5.000 Mitgliedsschulen. ^{[ 154 ]}

Die Broadway League gab bekannt, dass in der Saison 2007/08 12,27 Millionen Tickets für Broadway-Shows verkauft wurden, was einem Bruttoumsatz von fast einer Milliarde Dollar entspricht. ^{[ 155 ]} Die League berichtete außerdem, dass in der Saison 2006/07 rund 65 % der Broadway-Tickets von Touristen gekauft wurden und dass ausländische Touristen 16 % der Besucher ausmachten. ^{[ 156 ]} Die Society of London Theatre berichtete, dass 2007 einen Besucherrekord in London verzeichnete. Die großen kommerziellen und geförderten Theater in der Londoner Innenstadt zählten insgesamt 13,6 Millionen Besucher, und die gesamten Ticketeinnahmen beliefen sich auf 469,7 Millionen Pfund. ^{[ 157 ]} Die internationale Musicalszene hat sich in den letzten Jahrzehnten zunehmend entwickelt. Dennoch bemerkte Stephen Sondheim im Jahr 2000:

Am Broadway gibt es zwei Arten von Shows – Wiederaufführungen und immer wieder die gleichen Musicals, alles Spektakel. Man kauft seine Karten für „ Der König der Löwen“ ein Jahr im Voraus, und im Grunde vermittelt eine Familie ihren Kindern die Vorstellung, dass das Theater nichts anderes ist – ein spektakuläres Musical, das man einmal im Jahr sieht, eine Bühnenversion eines Films. Das hat überhaupt nichts mit Theater zu tun. Es geht darum, etwas Vertrautes zu sehen. … Ich glaube nicht, dass das Theater an sich aussterben wird , aber es wird nie wieder so sein wie früher. … Es ist eine Touristenattraktion.“ ^{[ 158 ]}

Der Theaterhistoriker John Kenrick wies jedoch auf den Erfolg von Originalwerken und kreativen Neuinterpretationen von Filmen, Theaterstücken und Literatur in den letzten Jahrzehnten hin und entgegnete:

Ist das Musical tot? ... Ganz und gar nicht! Im Wandel? Ständig! Seit Offenbach es in den 1850er Jahren erstmals überarbeitete, hat sich das Musical stetig verändert. Und gerade dieser Wandel ist das deutlichste Zeichen dafür, dass das Musical ein lebendiges und wachsendes Genre ist. Werden wir jemals zum sogenannten „goldenen Zeitalter“ zurückkehren, in dem Musicals im Zentrum der Popkultur standen? Wohl kaum. Der Publikumsgeschmack hat sich grundlegend gewandelt, und die kommerziellen Künste können sich nur dort entfalten, wo das zahlende Publikum es zulässt. ^{[ 37 ]}

• Castaufnahme
• Listen von Musicals
• Liste der Musicals, die live auf der Bühne gefilmt wurden
• Langlaufende Musical-Theaterproduktionen
• Musiktheater
• Parsi-Theater
• 2,5D-Musical

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