Vaudeville

Vaudeville ( / ˈ v ɔː d ( ə ) v ɪ l , ˈ v oʊ -/ ; ^{[ 1 ]} Französisch: [vodvil] ) ist einGenrederVarieté-Unterhaltung, das in den Vereinigten Staaten und Kanada von den frühen 1870er Jahren bis zu den frühen 1930er Jahren populär wurde. ^{[ 2 ]}

Ähnlich wie die Music Halls im viktorianischen Großbritannien [ ^{3 ]} bestand eine typische nordamerikanische Vaudeville-Vorstellung aus einer Reihe von separaten, voneinander unabhängigen Darbietungen, die auf einem gemeinsamen Programm zusammengefasst wurden. Zu den Darbietungen gehörten unter anderem ^populäre und klassische Musiker , Sänger , Tänzer , Komiker , dressierte Tiere , Magier , Bauchredner , Kraftsportler , Travestiekünstler (Frauen und Männer) , Akrobaten , Clowns , Pantomimen , illustrierte Lieder , Jongleure , Athleten , prominente Redner sowie Szenen aus Theaterstücken , Einaktern , Minnesängern und Filmen . Ein Vaudeville-Künstler wird oft als Vaudeville- Künstler bezeichnet .

Das Vaudeville entwickelte sich aus vielen Quellen, darunter Konzertsalons , Minstrel- Shows , Kuriositätenkabinette , Groschenromane und die literarische amerikanische Burleske . Als „Herzstück des amerikanischen Showbusiness“ bezeichnet, war das Vaudeville über mehrere Jahrzehnte eine der beliebtesten Unterhaltungsformen in Nordamerika , Südamerika , Australien und Europa . ^{[ 4 ]}

Der Ursprung des Begriffs ist noch nicht geklärt, doch wird er häufig mit dem französischen Ausdruck „ voix de ville “ ( Stimme der Stadt ) in Verbindung gebracht. Eine andere Hypothese besagt, dass er von den satirischen Liedern „Vau de Vire“ des Dichters Olivier Basselin aus dem 15. Jahrhundert stammt . ^{[ 5 ]} In seiner Fernsehserie „ Connections “ argumentiert der Wissenschaftshistoriker James Burke , dass der Begriff eine Verballhornung des französischen „ Vau de Vire “ ( Tal des Flusses Vire ) sei , einer Gegend, die für ihre derben Trinklieder bekannt war und in der Basselin lebte. ^{[ 6 ]} Als das Vaudeville 1949 nach jahrelanger Abwesenheit ins New Yorker Palace Theatre zurückkehrte, schrieb die New York Times : „Abgeleitet von Val de Vire (Tal des Flusses Vire), einem Gebiet in der Normandie, wo die ausgelassenen Trinklieder ihren Ursprung haben.“ ^{[ 7 ]} Auch das Oxford English Dictionary bestätigt den Ursprung „vau de vire“ , eine Kurzform von „chanson du Vau de Vire “ („ Lied aus dem Tal des Vire “) . ^{[ 8 ]} Um 1610 sammelte Jean le Houx diese Werke unter dem Titel „Le Livre des Chants nouveaux de Vaudevire“ , was wahrscheinlich der direkte Ursprung des Wortes ist.

Mit seinen ersten, eher unauffälligen Auftritten in den frühen 1860er Jahren war das Vaudeville zunächst keine weit verbreitete Unterhaltungsform. Es entwickelte sich in den 1870er und 1880er Jahren allmählich aus Konzertsälen und Varietéhallen zu seiner ausgereiften Form. Diese vornehmere Variante war als „Polite Vaudeville“ bekannt. ^{[ 9 ]}

In den Jahren vor dem Amerikanischen Bürgerkrieg gab es Unterhaltung in ganz anderem Ausmaß. Ähnliche Varietétheater existierten bereits vor 1860 in Europa und anderswo. In den USA konnten Theaterbesucher schon in den ersten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts Aufführungen genießen, die Shakespeare- Stücke, Akrobatik, Gesang, Tanz und Komödie umfassten. ^{[ 10 ] [ 2 ]} Im Laufe der Jahre fanden Menschen, die nach abwechslungsreicher Unterhaltung suchten, immer mehr Möglichkeiten, sich zu amüsieren. Vaudeville zeichnete sich durch reisende Theatergruppen aus, die durch Städte und Gemeinden tourten. ^{[ 11 ]} Einige wenige Zirkusse tourten regelmäßig durch das Land; Kuriositätenkabinette zogen Neugierige an; Vergnügungsparks, Flussdampfer und Rathäuser boten oft „sauberere“ Varieté-Vorstellungen im Vergleich zu Saloons, Musikhallen und Burlesque- Theatern, die ein Publikum mit einem Faible für das Anstößige bedienten . In den 1840er Jahren erfreuten sich Minstrel-Shows , eine weitere Form der Varieté-Darbietung und „die erste Ausprägung einer allgegenwärtigen und rein amerikanischen Massenkultur“, enormer Beliebtheit und bildeten das, was Nick Tosches als „das Herzstück des Showbusiness des 19. Jahrhunderts“ bezeichnete. ^{[ 12 ]} Einen bedeutenden Einfluss übten auch „holländische“ (d. h. deutsche oder pseudo-deutsche) Minstrels und Komiker aus. ^{[ 13 ]} Medizinshows zogen durchs Land und boten neben Stärkungsmitteln, Salben und Wundermitteln auch Programme mit Komödie, Musik, Jongleuren und anderen Neuheiten an, während „ Wildwest “-Shows romantische Visionen der verschwindenden Grenze mit Kunstreiten, Musik und Theater präsentierten. Das Vaudeville integrierte diese verschiedenen Wanderunterhaltungen in eine stabile, institutionalisierte Form, die sich in den wachsenden urbanen Zentren Amerikas konzentrierte. ^{[ 14 ]}

Ab Mitte der 1860er-Jahre nutzte der Impresario Tony Pastor , ein ehemaliger singender Zirkusclown, der sich zu einem prominenten Varieté-Künstler und -Manager entwickelt hatte, die Kaufkraft und die Sensibilität der Mittelschicht, indem er in seinen New Yorker Theatern „höfliche“ Varieté-Programme einführte . ^{[ 2 ]} Pastor eröffnete 1865 sein erstes „Opernhaus“ in der Bowery und verlegte sein Varieté-Theater später an den Broadway und schließlich in die 14. Straße nahe dem Union Square . Erst Anfang 1876 begann er, den Begriff „Vaudeville“ anstelle von „Varieté“ zu verwenden. ^{[ 15 ]} In der Hoffnung, ein potenzielles Publikum aus dem weiblichen und familienorientierten Einkaufsverkehr der Upper East Side anzulocken , verbot Pastor den Alkoholverkauf in seinen Theatern, entfernte anzügliche Inhalte aus seinen Shows und bot den Besuchern Kohle und Schinken als Geschenke an. Pastors Experiment erwies sich als erfolgreich, und andere Manager folgten bald seinem Beispiel. ^{[ 16 ]}

Aufführungsliste für das Temple Theatre, Detroit, 1. Dezember 1902

Die Kommentare des Managers, die wöchentlich an die Zentrale des Veranstalters zurückgeschickt werden, folgen der jeweiligen Programmbeschreibung. Das Programm verdeutlicht das typische Muster: Die Show beginnt mit einem eher unscheinbaren Act, damit die Zuschauer ihre Plätze finden können, starke Acts folgen an zweiter und vorletzter Stelle, und der schwächste Act wird für den Schluss aufgehoben, um den Saal zu leeren. In diesem Programm, wie in vielen Varieté-Shows, teilten sich Darbietungen, die oft mit „anspruchsvoller“ oder populärer Unterhaltung in Verbindung gebracht werden (Akrobaten, ein dressiertes Maultier), die Bühne mit Darbietungen, die üblicherweise als „anspruchsvoll“ oder klassische Unterhaltung gelten (Opernsänger, klassische Musiker). (1) Burt Jordan und Rosa Crouch. „Sensationelle, groteske und wilde Tänzer. Ein guter Auftritt …“ (2) Das Weiße Tscherkess Trio. „Ein Mann und zwei Frauen, die einen Gesangsakt im Stil der Oper darbieten. Sie tragen ein kunstvoll gestaltetes Bühnenbild und ihre Kostüme sind originell und elegant. Ihre Stimmen sind gut und harmonieren hervorragend. Der Auftritt kommt beim Publikum sehr gut an.“ (3) Sarah Midgely und Gertie Carlisle. „Präsentiert den Sketch ‚ After School‘ … sie sind ein Volltreffer. “ (4) Theodor F. Smith und Jenny St. George-Fuller. „Verfeinerte Instrumentalisten.“ (5) Milly Capell. „Europäische Springreiterin. Dies ist ihre zweite Woche. Aufgrund ihrer sehr ansehnlichen Erscheinung schlägt sie sich genauso stark wie letzte Woche.“ (6) RJ Jose. „Tenorsänger. Der allerbeste von allen.“ (7) Die Nelson-Familie der Akrobaten. „Diese Darbietung besteht aus drei Männern, zwei jungen Frauen, drei Jungen und zwei kleinen Mädchen. Die großartigste noch existierende Akrobatikdarbietung.“ (8) James Thornton. „Monologe und Sänger. Er ist wie ein Wirbelwind. Von seinem Auftritt bis zu seinem Abgang sorgt er für ununterbrochenes Gelächter.“ (9) Burk und Andrus und ihr dressiertes Maultier. „Dieser Akt, sofern er so bezeichnet werden kann, wurde nach der Abendvorstellung abgesetzt.“ Die „Oper“ in Kirksville, Missouri, war Teil des Vaudeville-Tourneeprogramms. Vaudeville-Shows gastierten in großen und kleinen Spielstätten in Städten und Gemeinden.

B. F. Keith ging den nächsten Schritt und begann in Boston , wo er ein Theaterimperium aufbaute und das Vaudeville in die USA und nach Kanada brachte. Später führte E. F. Albee , der Adoptivgroßvater des Pulitzerpreisträgers Edward Albee , die Theaterkette zu ihrem größten Erfolg. Theaterketten wie die von Keith-Albee stellten die größte wirtschaftliche Innovation des Vaudeville und die wichtigste Quelle seiner industriellen Stärke dar. Sie ermöglichten ein Netzwerk verbundener Vaudeville-Theater, das das Chaos des Buchungssystems einzelner Theater durch die Verpflichtung von Künstlern für regionale und nationale Tourneen beseitigte. Diese Tourneen konnten problemlos von wenigen Wochen auf bis zu zwei Jahre ausgedehnt werden.

Albee verhalf dem Vaudeville zu nationaler Bekanntheit, indem er dessen Anspruch auf „höfliche“ Unterhaltung propagierte – ein Anspruch, der für Männer, Frauen und Kinder gleichermaßen unbedenklich war. Darbietungen, die gegen dieses Ethos verstießen (z. B. solche, die Wörter wie „Hölle“ verwendeten), wurden gerügt und mit dem Ausschluss von den verbleibenden Vorstellungen der Woche oder der kompletten Absage bedroht. Trotz dieser Drohungen setzten sich die Künstler regelmäßig über diese Zensur hinweg , oft zur Freude eben jener Zuschauer, deren Empfindsamkeit angeblich gefährdet war. Schließlich führte er Verhaltensregeln für seine Zuschauer ein, deren Einhaltung von den Platzanweisern im Theater überwacht wurde. ^{[ 5 ]}

Diese „höfliche Unterhaltung“ erstreckte sich auch auf Keiths Ensemblemitglieder. Er scheute keine Mühen, dieses Maß an Anstand zu wahren. Keith ging sogar so weit, hinter der Bühne Warnungen wie diese auszuhängen: „Sagt nicht ‚Schlampe‘, ‚Mistkerl‘ oder ‚Hully Gee‘ auf der Bühne, es sei denn, ihr wollt sofort rausgeworfen werden … Wer etwas Sakrilegisches oder auch nur Anzügliches von sich gibt, wird sofort rausgeworfen und darf nie wieder ein Theater betreten, in dem Mr. Keith das Sagen hat.“ Im Sinne dieser Disziplin verschickten Keiths Theaterleiter gelegentlich blaue Umschläge mit Anweisungen, bestimmte anzügliche Liedzeilen zu streichen und mögliche Alternativen vorzuschlagen. Wer diese Anweisungen ignorierte oder kündigte, bekam einen „schwarzen Fleck“ in seinem Namen und durfte nie wieder im Keith-Circuit auftreten. Daher lernten die Schauspieler, B. F. Keiths Anweisungen zu befolgen, aus Angst, ihre Karriere für immer zu verlieren. ^{[ 5 ]}

Ende der 1890er-Jahre hatte sich das Varieté zu einem florierenden Unternehmen entwickelt. Fast überall in den USA und Kanada gab es große Theaterketten (kleine wie große), standardisierte Buchungsverfahren, ein breites Angebot an talentierten Künstlern und eine treue nationale Anhängerschaft. Eine der größten Ketten war Martin Becks Orpheum Circuit . Sie wurde 1919 gegründet und vereinte 45 Varietétheater in 36 Städten sowie bedeutende Anteile an zwei weiteren Varietéketten. Eine weitere wichtige Kette war die von Alexander Pantages . In seiner Blütezeit besaß Pantages über 30 Varietétheater und kontrollierte über Managementverträge weitere schätzungsweise 60 in den USA und Kanada.

In seiner Blütezeit erreichte das Vaudeville ein Publikum aus allen Gesellschaftsschichten und in Sälen jeder Größe. Auf den Vaudeville-Bühnen hieß es, wenn eine Nummer in Peoria, Illinois , Erfolg hätte, würde sie überall funktionieren. ^{[ 17 ] [ 18 ] [ 19 ] [ 20 ]} Die Frage „ Wird es in Peoria funktionieren? “ ist heute eine Metapher dafür, ob etwas das amerikanische Mainstream-Publikum anspricht.

Die drei gängigsten Stufen waren die „kleine Bühne“ (schlechter bezahlte Verträge für häufigere Auftritte in einfacheren, oft umgebauten Theatern), die „mittlere Bühne“ (mäßige Gagen für zwei Vorstellungen täglich in eigens dafür gebauten Theatern) und die „große Bühne“ (mögliche Vergütung von mehreren Tausend Dollar pro Woche in großen, urbanen Theatern, die hauptsächlich von der Mittel- und oberen Mittelschicht besucht wurden). Mit steigendem Bekanntheitsgrad und wachsender regionaler und nationaler Fangemeinde arbeiteten sich die Künstler in die weniger beschwerlichen Arbeitsbedingungen und die bessere Bezahlung der großen Bühne hoch.

Das Mekka des großen Showbusiness war das Palace Theatre in New York City (oder einfach „The Palace“, wie es im Jargon der Vaudeville-Künstler hieß), 1913 von Martin Beck erbaut und von Keith geleitet. Mit einem Programm voller einfallsreicher Showeinlagen, nationaler Berühmtheiten und anerkannter Meister des Vaudeville (wie dem Komiker und Lasso-Künstler Will Rogers ) bot das Palace vielen Vaudeville-Künstlern den Höhepunkt ihrer bemerkenswerten Karriere.

Ein typisches Showprogramm begann mit einem Sketch, gefolgt von einem Soloauftritt (eines männlichen oder weiblichen Künstlers); anschließend folgte ein Alley-Oop (eine Akrobatiknummer); dann ein weiterer Soloauftritt, gefolgt von einem weiteren Sketch, beispielsweise einer Blackface-Komödie. Die darauffolgenden Darbietungen reichten von Musicals über Jongleure bis hin zu Gesangs- und Tanzeinlagen und endeten mit einer großen, fulminanten Show – entweder einem Musical oder einem Theaterstück – mit dem gesamten Ensemble. In diesen Shows traten Stars wie der Ragtime- und Jazzpianist Eubie Blake , der Magier Harry Houdini und der Kinderstar Baby Rose Marie auf . ^{[ 21 ]}

In einem Artikel der New-York Tribune über das Vaudeville heißt es, dass die Vaudeville-Branche zu jedem Zeitpunkt über zwölftausend Menschen beschäftigte. Jeder Künstler war jeweils 42 Wochen am Stück auf Tournee und arbeitete für einen bestimmten „Circuit“ – also eine einzelne Theaterkette eines großen Unternehmens. ^{[ 22 ]}

Während der lokale Charakter des Varietébesuchs schon immer die Tendenz förderte, das Programm auf ein bestimmtes Publikum zuzuschneiden, entwickelten sich im reifen Varieté Theater und Veranstaltungsreihen, die sich gezielt an bestimmte Bevölkerungsgruppen richteten. Schwarze Besucher, die in den auf Weiße ausgerichteten Theatern oft im hinteren Teil der zweiten Galerie untergebracht waren, hatten ihre eigenen kleineren Veranstaltungsreihen, ebenso wie Sprecher des Italienischen und Jiddischen (siehe unten). Diese ausländische Komponente, kombiniert mit Comedy, brachte Darbietungen wie die „Minstrel-Shows des Amerikas der Vorkriegszeit“ und das jiddische Theater hervor. Viele ethnische Familien beteiligten sich an diesem Unterhaltungsgeschäft, und für sie war dieser reisende Lebensstil einfach eine Fortsetzung der Umstände, die sie nach Amerika geführt hatten. Durch diese Darbietungen konnten sie sich in ihrer neuen Heimat integrieren und gleichzeitig Teile ihrer eigenen Kultur in diese neue Welt einbringen. ^{[ 23 ]} Auf Weiße ausgerichtete regionale Veranstaltungsreihen, wie die „Peanut Circuit“ in Neuengland , boten zudem wichtige Übungsmöglichkeiten für neue Künstler und ermöglichten es etablierten Künstlern, mit neuem Material zu experimentieren und es zu verfeinern. In seiner Blütezeit konnte das Varieté unter den wichtigsten öffentlichen Versammlungsorten des Landes nur mit Kirchen und öffentlichen Schulen konkurrieren.

Ein weiterer, etwas anderer Aspekt des Vaudeville war das wachsende Interesse an der weiblichen Figur. Die bereits erwähnte unheilvolle Vorstellung der „blauen Umschläge“ führte zum Begriff „blaues Material“, der die provokanten Inhalte vieler Vaudeville-Darbietungen jener Zeit beschrieb. ^{[ 5 ]} Viele Theaterdirektoren sahen dieses skandalöse Material sogar als Marketingstrategie, um ein breites Publikum anzusprechen. Wie Andrew Erdman in seinem Buch „ Blue Vaudeville“ schreibt , war die Vaudeville-Bühne „ein hochsexualisierter Raum …, in dem nackte Körper, provokante Tänzerinnen und Sängerinnen mit anzüglichen Texten um Aufmerksamkeit buhlten.“ Solche Darbietungen hoben den weiblichen Körper hervor und objektivierten ihn als „sexuelles Vergnügen“. Darüber hinaus gehen Historiker davon aus, dass das Vaudeville eine Zeit markierte, in der der weibliche Körper selbst zu einem „sexuellen Spektakel“ wurde. Dieses sexuelle Bild verbreitete sich überall im Leben der Amerikaner: in Geschäften, Restaurants, Supermärkten usw. Je mehr Einnahmen dieses Bild generierte, desto stärker konzentrierte sich das Vaudeville auf Darbietungen mit Frauen. Selbst so harmlose Darbietungen wie ein Geschwisterpaar verkauften sich besser als ein gutes Geschwisterpaar. Erdman fügt hinzu, dass sich weibliche Vaudeville-Künstlerinnen wie Julie Mackey und Gibsons Badende Mädchen daher weniger auf ihr Talent und mehr auf ihre körperliche Attraktivität durch ihre Figur, enge Kleider und andere freizügige Kleidung konzentrierten. Es war schließlich eine Überraschung für das Publikum, wenn solch schöne Frauen neben ihrem ansprechenden Aussehen auch noch Talent besaßen. Dieses Überraschungsmoment prägte die Reaktionen auf die weibliche Unterhaltung jener Zeit maßgeblich. ^{[ 24 ]}

In den 1920er Jahren erschienen in Fachzeitschriften wie Billboard und Variety sowie in Zeitungen Anzeigen, in denen reine Frauengruppen für Vaudeville-Auftritte gesucht wurden . Gruppen wie die Ingenues und die Dixie Sweethearts wurden stark beworben, während andere Gruppen schlicht als „Frauenrevue“ bezeichnet wurden. Laut feministischer Theorie objektivierten ähnliche Tendenzen in Theater und Film Frauen – ein Beispiel für den männlichen Blick –, während sich die Rolle der Frau im öffentlichen Leben erweiterte. ^{[ 25 ]} Diese Erwartungen an Frauen im 19. Jahrhundert trugen maßgeblich zur Faszination des Vaudeville bei. Durch das Vaudeville konnten viele Frauen gemeinsam mit ihren männlichen Kollegen auf der Bühne stehen und Erfolge feiern.

Leila Marie Koerber, später Marie Dressler , war eine kanadische Schauspielerin, die sich auf Vaudeville-Komödie spezialisierte und später in ihrer Karriere einen Oscar als Beste Hauptdarstellerin gewann. Als Tochter eines Musikers zog sie in ihrer Kindheit in die Vereinigten Staaten von Amerika. Mit nur vierzehn Jahren verließ sie ihr Elternhaus, um ihre Karriere zu beginnen. Sie log über ihr Alter und schickte ihrer Mutter die Hälfte ihres Gehalts. Dressler feierte große Erfolge und war bekannt für ihr komödiantisches Timing und ihre Slapstick-Einlagen, wie beispielsweise das Tragen ihrer männlichen Kollegen. Schließlich arbeitete sie am Broadway, wo sie den großen Wunsch hegte, eine ernsthafte Schauspielerin zu werden, ihr aber geraten wurde, bei der Komödie zu bleiben. ^{[ 26 ]} Sie spielte in einigen Filmen mit, kehrte aber schließlich zum Vaudeville zurück, ihrem ursprünglichen Beruf.

Eine weitere berühmte Vaudeville-Künstlerin war Trixie Friganza , geborene Delia O'Callaghan. Ihr berühmter Ausspruch lautete: „Ihr kennt doch Trixie mit ihren Tricks.“ ^{[ 27 ]} Sie begann ihre Karriere in der Oper, wo sie auftrat, um ihre Familie zu unterstützen. Als älteste von drei Töchtern wollte sie ihre Familie finanziell unterstützen, musste dies aber heimlich tun, da Künstlerinnen zu jener Zeit verpönt waren. Sie arbeitete hauptsächlich im Comedy-Genre und erlangte Anerkennung und Erfolg, weil sie bereit war, für erkrankte und anderweitig nicht auftretende Kollegen einzuspringen. In ihren Auftritten betonte sie oft ihre kurvige Figur und bezeichnete sich selbst als die „perfekte Sechsundvierzig“. Friganza war auch Dichterin und Schriftstellerin. Viele ihrer Auftritte nutzte sie, um Geld für Arme und Benachteiligte zu sammeln, und setzte sich wiederholt öffentlich für diese sozialen Belange ein. Friganza verbrachte einen Großteil ihres Lebens damit, für die Gleichberechtigung der Frauen zu kämpfen und sich für die Selbstakzeptanz der Frauen einzusetzen, sowohl in der Öffentlichkeit als auch in ihrem Inneren, sowie für ihre Rechte im Vergleich zu Männern.

Betty Felsen war eine amerikanische Ballerina, Vaudeville-Star und Lehrerin. Sie wurde am 9. Juni 1905 in Chicago, Illinois, geboren. Bereits mit acht Jahren nahm sie Unterricht an einer örtlichen Ballettschule in Chicago und trat häufig als Solistin in den dortigen Shows auf. Kurz vor ihrem zehnten Geburtstag im Jahr 1916 meldeten ihre Eltern sie an der Pavley-Oukrainsky- Ballettschule der Chicago Opera Association an. 1919 wurde Betty in das Corps de ballet des Pavley-Oukrainsky-Balletts der Chicago Opera aufgenommen. Von Dezember 1920 bis Herbst 1922 war sie als Solotänzerin tätig und tourte mit dem Ensemble durch Nordamerika. Unter dem Namen Buddye Felsen erhielt sie eine Hauptrolle in einer neuen Show in Fred Manns „Million Dollar Rainbo Room“ in den Rainbo Gardens . Die Show „ Rainbo Trail “ unter der Regie von Frank Westphal feierte am 15. Dezember 1922 Premiere und lief bis zum 1. März 1923. Im Winter 1923 begann Betty eine Partnerschaft mit Jack Broderick. Von da an bis Ende 1927 traten Broderick & Felsen in den Vaudeville-Theatern BF Keith und Pantages in den USA und Kanada auf. Ihre Darbietung entwickelte sich von einem einfachen Tanzprogramm zu einer Show mit über zwanzig Tänzern, Orchester und aufwendigen Kostümen und Bühnenbildern. Von 1925 bis 1926 spielten sie 20 Wochen lang ununterbrochen im Colony Theater am Broadway in New York City. 1926 und 1927 wirkten sie in zwei spektakulären Musicalproduktionen mit und tourten durch die USA und Kanada: zunächst etwa drei Monate lang mit Emil Boreos „ Mirage de Paris“, gefolgt von neun Monaten mit ihrem eigenen Ballett „Ballet Caprice“ . Nachdem Jack Ende 1927 ausgestiegen war, leitete Betty die Truppe weiter und tourte mit einem neuen Tanzpartner die nächsten sechs Monate als „Betty Felsen and Company“ durch den Nordosten der USA. Die letzte Vorstellung von „Ballet Caprice“ fand am 4. Juni 1928 im Palace Theatre am Broadway in New York City statt.

Eine weitere berühmte Komikerin, die mit ihren unverwechselbaren Improvisationskünsten Tausende von Zuschauern begeisterte, war May Irwin . Sie war von etwa 1875 bis 1914 aktiv. Geboren als Ada Campbell, begann sie nach dem Tod ihres Vaters im Alter von dreizehn Jahren ihre Bühnenkarriere. Gemeinsam mit ihrer älteren Schwester gründete sie das Gesangsduo „Irwin Sisters“. Viele Jahre später feierte ihr Programm große Erfolge mit Auftritten im Varieté und Burlesque in bekannten Music Halls, bis Irwin beschloss, ihre Karriere solo fortzusetzen. Sie veränderte ihren Ansatz im Varieté und präsentierte afroamerikanisch beeinflusste Lieder, die sie später auch selbst schrieb. ^{[ 28 ]} Ihr bekanntestes Lied im Varieté, „The Bully Song“, wurde später auch in einer Broadway-Show aufgeführt. In dieser Zeit begann sie mit Improvisationskomik zu experimentieren und feierte schnell einzigartige Erfolge. Ihre Auftritte führten sie sogar in die ganze Welt, unter anderem nach Großbritannien.

Sophie Tucker , eine russisch-jüdische Einwanderin, wurde vom Promoter Chris Brown gesagt, dass sie ohne Blackface nicht attraktiv genug sei, um im Showgeschäft Erfolg zu haben. Deshalb trat sie die ersten zwei Jahre so auf, bis sie eines Tages beschloss, darauf zu verzichten, und von da an als sie selbst viel größeren Erfolg hatte, insbesondere mit ihrem Lied „Some of These Days“. ^{[ 29 ]}

Moms Mabley war eine Komikerin, die in den 1920er Jahren im Vaudeville und in den Chitlin-Theatern begann und im 20. Jahrhundert großen Erfolg feierte. ^{[ 30 ]} Zu den anderen Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts, die ihre Karriere im Vaudeville begannen, gehörten die Blues-Sängerinnen Ma Rainey , Ida Cox und Bessie Smith . ^{[ 31 ]} Von Frauen geleitete Tourneegruppen wie Black Patti's Troubadours , die Whitman Sisters und die Hyers Sisters waren sehr beliebt. Andere Frauen arbeiteten im Management des Vaudeville, wie Amanda Thorpe, eine weiße Frau, die ein schwarzes Theater in Virginia gründete, ^{[ 32 ]} und die Griffin Sisters , die mehrere Theater leiteten, um ein schwarzes Vaudeville-Netzwerk aufzubauen. ^{[ 33 ]}

Schwarze Künstler und Besucher nahmen an einem nach Rassen getrennten Vaudeville-Zirkus teil. Obwohl viele populäre Künstler wie Lewis und Walker, Ernest Hogan , Irving Jones und die Hyers Sisters sowohl vor weißem als auch vor schwarzem Publikum auftraten, war das Angebot an schwarzen Künstlern in frühen Vaudeville-Vorstellungen für weißes Publikum auf einen schwarzen Künstler pro Show beschränkt, und die Künstler waren in Restaurants und Unterkünften Diskriminierung ausgesetzt. Entertainer und Unternehmer wie die Whitman Sisters , Pat Chappelle und John Isham gründeten und leiteten ihre eigenen Tournee-Unternehmen; andere übernahmen Theaterbesitz und -management und gründeten Vaudeville-Zirkel für Schwarze, wie beispielsweise Sherman H. Dudley und die Griffin Sisters ^{[ 34 ].} Später, in den 1920er Jahren, wurden viele Buchungen von der Theatre Owners Booking Association verwaltet . ^{[ 35 ]}

Afroamerikaner stellten die vorherrschenden Blackface- Stereotype weißer Künstler in Frage, indem sie ihre eigene Authentizität und ihren eigenen Stil auf die Bühne brachten, Musik, Comedy und Tanznummern komponierten und den Grundstein für spezifisch amerikanische Kulturphänomene wie Blues , Jazz , Ragtime und Stepptanz legten . Zu den namhaften schwarzen Künstlern im Vaudeville gehörten die Komiker Bert Williams und George Walker , die Tänzerin und Choreografin Ada Overton Walker und viele andere. ^{[ 35 ]} Schwarze Songwriter und Komponisten wie Bob Cole , Ernest Hogan , Irving Jones , Rosamond Johnson , George Johnson , Tom Lemonier , Gussie L. Davis und Chris Smith schrieben viele der Lieder, die von weißen Sängern auf der Bühne populär gemacht wurden, und ebneten den Weg für das afroamerikanische Musiktheater . ^{[ 36 ]}

Neben der Bedeutung des Vaudeville als amerikanische Unterhaltungsform spiegelte es die sich neu entwickelnde urbane Kultur der Innenstädte und die Interaktion zwischen Künstlern und Publikum wider. Irische Amerikaner, die Mitte des 19. Jahrhunderts einen großen Teil der Einwanderer in die Vereinigten Staaten ausmachten, interagierten mit der etablierten amerikanischen Bevölkerung und wurden aufgrund ihrer vermeintlichen ethnischen, physischen und kulturellen Merkmale Diskriminierung ausgesetzt. Die ethnischen Stereotype der Iren, insbesondere ihre Darstellung als unerfahrene Neulinge, verdeutlichten ihren Status als Einwanderer in Amerika, und dieses Stereotyp fand Eingang in die Unterhaltungsbranche. ^{[ 37 ]}

Nach der irischen Einwanderungswelle folgten mehrere Wellen, in denen neue Einwanderer unterschiedlicher Herkunft in den amerikanischen Städten mit den Iren in Kontakt kamen. Die bereits ansässigen und englischsprachigen Iren nutzten diese Vorteile und begannen, ihre Positionen in der auf Hautfarbe und Integration basierenden Einwandererhierarchie zu festigen. Dadurch sicherten sie sich Arbeitsplätze, die ihnen als Neuankömmlingen zuvor verwehrt geblieben waren. ^{[ 38 ]} Infolgedessen wurden Iren in der Vaudeville-Unterhaltung als Kuratoren und Schauspieler prominent und schufen ein einzigartiges ethnisches Zusammenspiel zwischen dem selbstironischen Humor der Iren und ihrem vielfältigen Umfeld in den Innenstädten. ^{[ 39 ]}

Die Interaktionen zwischen neu angekommenen und bereits ansässigen Einwanderern vor dem Hintergrund der unbekannten amerikanischen Stadtlandschaft ermöglichten es, das Vaudeville als Ausdrucksmittel und zur Förderung des gegenseitigen Verständnisses zu nutzen. Die oft feindseligen Erfahrungen der Einwanderer in ihrem neuen Land wurden nun auf der Vaudeville-Bühne für komische Einlagen verwendet, wobei Stereotype verschiedener ethnischer Gruppen weiterverbreitet wurden. ^{[ 40 ]} Die dabei entstandenen groben Stereotype waren nicht nur an ihren ausgeprägten ethnischen und kulturellen Merkmalen leicht erkennbar, sondern auch daran, wie sehr sich diese Merkmale von der etablierten amerikanischen Mainstream-Kultur und -Identität unterschieden. ^{[ 41 ]}

Durch ihre historische Präsenz auf englischen Bühnen, wo sie für komische Einlagen sorgten ^{[ 39 ]} , und als Künstler und Darsteller im Vaudeville-Theater wurden irischstämmige Amerikaner zu Interpreten von Einwandererkulturbildern in der amerikanischen Populärkultur. Neuankömmlinge fanden ihren ethnischen Gruppenstatus innerhalb der Einwandererbevölkerung und in ihrem neuen Land insgesamt durch die irischen Bühnenfiguren definiert. ^{[ 42 ]} Leider führten dieselben Interaktionen zwischen ethnischen Gruppen unter den beengten Wohnverhältnissen in den Städten auch zu Rassenspannungen, die sich im Vaudeville widerspiegelten. Der Konflikt zwischen Iren und Afroamerikanern führte zur Förderung von Blackface- Minstrel-Shows , die gezielt eingesetzt wurden, um Afroamerikaner in der städtischen Rassen- und Sozialhierarchie unter die Iren zu stellen. ^{[ 43 ]}

Obwohl die Iren im Vaudeville und in der Verbreitung ethnischer Stereotype eine starke keltische Präsenz hatten, bedienten sich auch die von ihnen dargestellten ethnischen Gruppen desselben Humors. Während die Iren ihre Trachten trugen, nutzten Gruppen wie Chinesen, Italiener, Deutsche und Juden ethnische Karikaturen, um sich selbst und die Iren besser zu verstehen. ^{[ 44 ]} Die städtische Vielfalt auf der Vaudeville-Bühne und im Publikum spiegelte auch ihren gesellschaftlichen Status wider, wobei die Arbeiterklasse zwei Drittel des typischen Vaudeville-Publikums ausmachte. ^{[ 44 ]}

Die ethnischen Karikaturen, die den amerikanischen Humor prägten, spiegelten die positiven und negativen Interaktionen zwischen ethnischen Gruppen in amerikanischen Städten wider. Sie dienten dazu, verschiedene Gruppen und ihre gesellschaftliche Stellung in den Städten zu verstehen. ^{[ 44 ]} Die Darstellung unerfahrener Einwanderer für komische Effekte verdeutlichte, wie Einwanderer als Neuankömmlinge wahrgenommen wurden, aber auch, welche Aufstiegschancen ihnen offenstanden. Neben der Interpretation visueller ethnischer Karikaturen wurde das irisch-amerikanische Ideal des Aufstiegs aus der Slumlage ^{[ 45 ]} in die Luxusklasse ^{[ 41 ]} zu einem Modell für den wirtschaftlichen Aufstieg von Einwanderergruppen.

Das anhaltende Wachstum der preisgünstigeren Kinos in den frühen 1910er Jahren versetzte dem Vaudeville den schwersten Schlag (ähnlich wie das Aufkommen des frei empfangbaren Fernsehens die kulturelle und wirtschaftliche Bedeutung des Kinos schwächte). Kino wurde in den USA erstmals regelmäßig kommerziell in Vaudeville-Theatern präsentiert. Die erste öffentliche Filmvorführung auf einer Leinwand fand 1896 in Koster and Bial's Music Hall statt . Angelockt von höheren Gagen und weniger harten Arbeitsbedingungen nutzten viele Künstler und Persönlichkeiten wie Al Jolson , W. C. Fields , Mae West , Charlie Chaplin , Buster Keaton , die Marx Brothers , Jimmy Durante , Bill „Bojangles“ Robinson , Edgar Bergen , Fanny Brice , Burns & Allen und Eddie Cantor ihre Bekanntheit aus Live-Varieté-Auftritten, um in das neue Medium Film einzusteigen. Dadurch verspielten solche Künstler oft in wenigen Augenblicken ihrer Bühnenpräsenz den Neuheitswert einer Nummer, die sie sonst jahrelang auf Tournee gehalten hätte. Andere Künstler, die in den späteren Jahren des Vaudeville auftraten, darunter Jack Benny , Abbott und Costello , Laurel und Hardy , Kate Smith , Cary Grant , Bob Hope , Milton Berle , Judy Garland , Rose Marie , Sammy Davis Jr. , Red Skelton , Larry Storch , Nicola Paone und die Three Stooges , nutzten das Vaudeville lediglich als Sprungbrett für ihre späteren Karrieren. Sie verließen die Live-Auftritte, bevor sie den nationalen Ruhm früherer Vaudeville-Stars erreichten, und feierten Erfolge in neuen Bühnen.

Die Grenze zwischen Live- und Filmvorführungen verschwamm durch die zahlreichen Varietékünstler, die mehr oder weniger erfolgreich ins Filmgeschäft einstiegen. Alexander Pantages beispielsweise erkannte früh die Bedeutung von Filmen als Unterhaltungsform. Bereits 1902 integrierte er sie in seine Shows. Später ging er eine Partnerschaft mit Famous Players–Lasky ein , einer großen Hollywood-Produktionsfirma und Tochtergesellschaft von Paramount Pictures .

In den späten 1920er Jahren umfassten die meisten Varieté-Shows ein umfangreiches Filmprogramm. Zu Beginn des Jahrhunderts hatten viele Varietékünstler, die sich der Bedrohung durch das Kino bewusst waren, gehofft, dass die Stummheit der „flackernden Schattenlieblinge“ verhindern würde, dass Filme das Varieté jemals an Popularität überflügeln würden. Mit der Einführung des Tonfilms im Jahr 1926 beseitigten die aufstrebenden Filmstudios jedoch das, was bis dahin der Hauptunterschied zur Live-Theateraufführung gewesen war: den gesprochenen Dialog. Der Historiker John Kenrick schrieb dazu:

Die bekanntesten Vaudeville-Stars ließen ihre Auftritte für einmalige Gagen filmen und trugen so ungewollt zum Niedergang des Vaudeville bei. Denn wer konnte schon von seinem Publikum höhere Summen für weniger beeindruckende Live-Auftritte verlangen, wenn „kleine“ Theater „große“ Künstler für fünf Cent pro Platz auf der Leinwand zeigen konnten? Die neu gegründeten RKO Studios übernahmen den berühmten Orpheum-Vaudeville-Circuit und wandelten ihn rasch in eine Kinokette um. Die fünfzigjährige Tradition des Vaudeville wurde innerhalb von weniger als vier Jahren praktisch ausgelöscht. ^{[ 46 ]}

Unweigerlich senkten die Manager die Kosten weiter, indem sie die letzten Live-Auftritte einstellten. Auch der Aufstieg des Rundfunks, der durch die zunehmende Verfügbarkeit preiswerter Empfangsgeräte gegen Ende des Jahrzehnts ausgelöst wurde, setzte dem Vaudeville zu. Selbst die Hartgesottensten der Vaudeville-Branche erkannten den Niedergang dieser Kunstform; die Weitsichtigen ahnten, dass es bald vorbei sein würde. Die standardisierte Filmverbreitung und der Tonfilm der 1930er-Jahre besiegelten das Ende des Vaudeville. Bis 1930 waren die meisten ehemaligen Live-Theater auf Tontechnik umgerüstet, und keines der großen Studios produzierte Stummfilme. Eine Zeit lang boten die luxuriösesten Theater noch Live-Unterhaltung an, doch die meisten waren durch die Weltwirtschaftskrise gezwungen zu sparen.

Manche Branchenkenner gaben dem Abfluss von Talenten aus dem Varieté durch das Kino die Schuld am Niedergang des Mediums. Andere argumentierten, dass das Varieté zugelassen habe, dass seine Darbietungen seinem einst treuen, nun aber scheinbar wankelmütigen Publikum zu vertraut geworden seien.

Das Vaudeville endete nicht abrupt, obwohl die Kunstform Ende der 1920er Jahre deutlich an Bedeutung verlor. Joseph Kennedy Sr. erwarb im Rahmen einer feindlichen Übernahme die Keith-Albee-Orpheum Theatres Corporation (KAO), die über 700 Vaudeville-Theater in den Vereinigten Staaten betrieb und dort auch Filme zeigte. Die Umstellung des Palace Theatre in New York City, dem Zentrum des Vaudeville, auf ein reines Kinoprogramm am 16. November 1932 gilt oft als dessen Todesstoß. ^{[ 47 ]}

Obwohl in den 1930er Jahren und später immer wieder von einer Wiederbelebung des Vaudeville die Rede war, machten der Niedergang der dazugehörigen Strukturen der Tourneen und die höheren Kosten für Live-Auftritte eine groß angelegte Erneuerung des Vaudeville unrealistisch.

Die eindrucksvollsten Beispiele der Theaterarchitektur des Gilded Age wurden von den großen Vaudeville-Magnaten in Auftrag gegeben und galten als Denkmäler ihres Reichtums und ihrer Ambitionen. Zu diesen Bauwerken zählen die Theater des Impresarios Alexander Pantages . Pantages beauftragte häufig den Architekten B. Marcus Priteca (1881–1971), der wiederum regelmäßig mit dem Wandmaler Anthony Heinsbergen zusammenarbeitete . Priteca entwarf einen exotischen, neoklassizistischen Stil, den sein Auftraggeber „Pantages Greek“ nannte.

Obwohl das klassische Varieté in den von nationalen Ketten und großen Theatern dominierten Ballungsräumen seinen Höhepunkt an Kommerzialisierung und Raffinesse erreichte, gab es unzählige kleinere, intimere und lokal geführte Varietéhäuser. Diese kleinen Theater waren oft umgebaute Saloons, einfache Theater oder Mehrzweckhallen und boten ein breites Publikum an. Viele Kleinstädte besaßen eigens dafür errichtete Theater. Ein kleines, aber interessantes Beispiel sind die sogenannten Grange Halls im Norden Neuenglands, die noch heute genutzt werden. Es handelt sich dabei um altmodische Holzbauten mit knarrenden, schwach beleuchteten Bühnen, die die Isolation des bäuerlichen Lebens auflockern sollten. Auf diesen Bühnen wurde alles geboten, von Kinderdarstellern über Contra-Tänze und Besuche vom Weihnachtsmann bis hin zu lokalen Musikern und hausgemachten Speisen wie Whoopi's Pies.

Einige der bekanntesten Vaudeville-Künstler schafften den Sprung zum Film, andere weniger. Manche, wie beispielsweise Bert Lahr, machten Karriere, indem sie Live-Auftritte mit Radio- und Filmrollen kombinierten. Viele andere traten später in den Catskill -Kinos auf, die den sogenannten „ Borscht Belt “ bildeten .

Das Vaudeville trug maßgeblich zum Erfolg der neuen Medien Film, Radio und Fernsehen bei. Komödien der neuen Ära übernahmen viele der dramatischen und musikalischen Stilmittel klassischer Vaudeville-Darbietungen. Filmkomödien der 1920er- bis 1940er-Jahre nutzten Künstler der Vaudeville-Bühne und folgten der Vaudeville-Ästhetik der Varieté-Unterhaltung, sowohl in Hollywood als auch in Asien, einschließlich China. ^{[ 48 ]}

Das reiche Repertoire der Vaudeville-Tradition diente als Grundlage für prominente Radio- Varietéshows zur Hauptsendezeit wie die „Rudy Vallée Show“ . Das Format, bei dem ein Moderator eine Reihe von Darbietungen ankündigt, wurde zu einem beliebten Fernsehstil und prägte die Entwicklung des Fernsehens von der „Milton Berle Show“ im Jahr 1948 bis zu „Late Night with David Letterman“ in den 1980er-Jahren. ^{[ 49 ]} Das Format mit mehreren Darbietungen feierte in Shows wie „Your Show of Shows with Sid Caesar“ und der „Ed Sullivan Show“ erneute Erfolge . Heute werden Künstler wie Bill Irwin , ein MacArthur-Stipendiat und Tony-Preisträger , häufig als „Neue Vaudeville-Künstler“ gefeiert. ^{[ 50 ] [ 51 ]}

Verweise auf das Vaudeville und seine charakteristische Sprache finden sich weiterhin in der nordamerikanischen Popkultur. Wörter wie „Flop“ und „Gag“ stammen aus der Vaudeville-Ära und sind in den amerikanischen Sprachgebrauch eingegangen. Vaudeville-Techniken sind häufig im Fernsehen und in Filmen zu sehen, insbesondere im jüngsten weltweiten Phänomen von Fernsehshows wie „ America’s Got Talent“ .

Im professionellen Wrestling gab es ein bekanntes Tag-Team namens The Vaudevillains , das bei der WWE unter Vertrag stand . ^{[ 52 ]}

Im Jahr 2018 gründete der bekannte Filmregisseur Christopher Annino, Schöpfer des Stummfilms „ Silent Times“ , die Vaudeville Con, ein Treffen zur Feier der Geschichte des Vaudeville. Das erste Treffen fand in Pawcatuck, Connecticut , statt . ^{[ 53 ] [ 54 ]}

Auf den Philippinen lassen sich bestimmte Vaudeville-Elemente in zwei Sendungen erkennen – Eat Bulaga! und It's Showtime –, hauptsächlich weil viele Menschen Vaudeville ( Bodabil ) als Mittel zur Aufführung von Live-Darbietungen sehen und in den meisten ihrer Segmente, insbesondere mittags, auffällige komödiantische Elemente integrieren.

Die Aufzeichnungen des Tivoli Theatre befinden sich in der State Library of Victoria in Melbourne , Australien . Zusätzliche persönliche Unterlagen von Vaudeville-Künstlern des Tivoli Theatre, darunter umfangreiche Kostüm- und Bühnenbildbestände, werden von der Performing Arts Collection im Arts Centre Melbourne aufbewahrt .

Das American Vaudeville Museum, eine der größten Sammlungen von Vaudeville-Memorabilia, befindet sich an der University of Arizona. ^{[ 55 ]}

Die Elgin und Winter Garden Theatres in Toronto beherbergen die weltweit größte Sammlung an Requisiten und Bühnenbildern für Varietétheater.

Die Benjamin Franklin Keith und Edward F. Albee Sammlung an der University of Iowa umfasst eine große Sammlung von Managerberichten, in denen die Besetzung und die Qualität der Künstler jedes Abends festgehalten und kommentiert werden. ^{[ 56 ]}

• Barrett, James (2012). Der irische Weg: Amerikanisch werden in der multiethnischen Stadt . New York: The Penguin Press.

• Vaudeville- und Varieté-Sammlungen ; archiviert am 7. März 2017 in der Wayback Machine , aufbewahrt in der Performing Arts Collection ; archiviert am 3. November 2012 in der Wayback Machine , Arts Centre Melbourne.
• Modernes Varietétheater in Austin, Texas
• Vaudeville-Bauchredner
• Virtuelles Varieté ; archiviert am 2. Juli 2014 im Internetarchiv Wayback Machine
• Digitale Sammlungen der Universitätsbibliothek Washington – Fotografien von J. Willis Sayre
• Digitale Sammlungen der Universitätsbibliothek Washington – Fotografien der Prior- und Norris-Truppe
• Digitale Sammlungen der Universitätsbibliothek Washington – Fotografien von Schauspielern des 19. Jahrhunderts
• Universitätsbibliothek von Arizona: Digitale Ausstellung des Archivs des American Vaudeville Museum
• Sondersammlungen der Universitätsbibliothek von Iowa – Keith/Albee Vaudeville Theater Sammlung
• Ruckus! Amerikanische Unterhaltung um die Jahrhundertwende. Aus der Sammlung der Beinecke Rare Book and Manuscript Library der Yale University.
• Gary Stephens' Vortrag über Vaudeville, ICA 1988 (Archiviert am 29. August 2011 im Internet Archive).
• Digitale Zeitungssammlungen aus Illinois: Vaudeville News (1920–1929)
• Vaudeville-Kino in Hollywood und China
• Die amerikanische Varietébühne: Vaudeville und populäre Unterhaltung – digitalisierte Objekte aus der Abteilung für seltene Bücher und Sondersammlungen der Library of Congress
• Sondersammlungen der Universitätsbibliothek von Arizona – Sammlung des American Vaudeville Museums ; archiviert am 9. Juli 2022 im Internet Archive (Wayback Machine).
• Vom Varieté zum Kino  – Eine kurze Dokumentation über die Geschichte des Varietés und wie es schließlich vom Kino abgelöst wurde.