Moderne Animation in den Vereinigten Staaten

Die moderne Animation in den Vereinigten Staaten von den späten 1980er- bis zu den frühen 2000er-Jahren wird häufig als Renaissance der amerikanischen Animation bezeichnet . ^{[ 1 ]} In dieser Zeit reformierten und belebten viele große amerikanische Unterhaltungsunternehmen ihre Animationsabteilungen nach einer Phase des Niedergangs neu , und die Vereinigten Staaten beeinflussten die globale und weltweite Animationsszene. ^{[ 2 ]}

Viele Unternehmen, die in der Blütezeit des amerikanischen Animationsfilms entstanden waren, erlebten einen neuen Erfolg bei Kritikern und Publikum. Während der Disney-Renaissance produzierte die Walt Disney Company wieder Animationsfilme , die auf bekannten Geschichten basierten und sowohl bei Kritikern als auch beim Publikum großen Anklang fanden – ganz wie es Mitbegründer Walt Disney zu Lebzeiten getan hatte. Disney begann außerdem mit der Produktion erfolgreicher animierter Fernsehserien – eine Premiere für das Unternehmen –, was zur Gründung und zum Start des Disney Channels führte . ^{[ 3 ] [ 4 ]} Warner Bros. produzierte äußerst erfolgreiche Zeichentrickserien, die von ihren klassischen Looney Tunes -Cartoons inspiriert waren, und rief gleichzeitig das DC Animated Universe ins Leben . ^{[ 5 ] [ 6 ]} Hanna-Barbera stellte die Produktion von Low-Budget-Fernsehserien ein und gründete nach der Übernahme durch Ted Turner den Cartoon Network . ^{[ 7 ]} Nickelodeon , ein Sender, der bis 2019 im Besitz der ersten und zweiten Inkarnation von Viacom Inc., bis 2022 im Besitz von ViacomCBS und danach im Besitz von Paramount Global war, erlangte Berühmtheit durch die Schaffung der Marke Nicktoons im Jahr 1991, die in den 1990er und 2000er Jahren zu verschiedenen gefeierten Programmen unter diesem Label führte.

Zudem erlangten in dieser Zeit neue Animationsstudios große Bedeutung. Allen voran Pixar , das mit dem überaus erfolgreichen „Toy Story“ debütierte – dem ersten Spielfilm, der vollständig computergenerierte Bilder (CGI) verwendete. ^{[ 8 ] [ 9 ] [ 10 ]} DreamWorks Animation , kurz zuvor aus DreamWorks (später DreamWorks Pictures ) hervorgegangen, debütierte zwar erst gegen Ende dieser Ära, entwickelte sich aber im darauffolgenden Jahrzehnt zu einem wichtigen Konkurrenten und einer Alternative zu Disney. ^{[ 11 ]} In dieser Zeit erlebte die Animationstechnologie revolutionäre Umbrüche. Ab Mitte der 1990er-Jahre ging die traditionelle Animation mit handgezeichneten Zelluloidfolien zugunsten fortschrittlicherer, aufstrebender Methoden wie digitaler Tusche- und Farbanimation (einer modernen Form der traditionellen Animation) und 3D-Computeranimation zurück . ^{[ 12 ]} Diese technologischen Veränderungen führten zum Millennium-Zeitalter der amerikanischen Animation , das in den frühen 2000er-Jahren begann und bis heute anhält. ^{[ 13 ]}

Anfang der 1980er-Jahre befand sich die Walt Disney Company seit dem Tod Walt Disneys im Jahr 1966 in einer schwierigen Lage, und der Weggang von Don Bluth und elf weiteren Mitarbeitern der Animationsabteilung im Jahr 1979 war ein schwerer Schlag für Disney. Bluth gründete daraufhin ein neues Studio, das in direkter Konkurrenz zu Disney stand.

Disneys „ Neun Alte Männer “, die Animatoren, die für Disneys berühmteste frühere Werke verantwortlich waren, und ihre Mitarbeiter begannen, ihre Traditionen an eine neue Generation von Disney-Animatoren weiterzugeben. Neue Gesichter wie Glen Keane , Ron Clements , John Musker , Andreas Deja und andere kamen Ende der 1970er und Anfang der 1980er Jahre ins Studio. In dieser Zeit entstanden Filme wie „ Bernard und Bianca – Die Mäusepolizei“ , „Elliot, das Schmunzelmonster“ (eine Mischung aus Realfilm und Animation) und „Cap und Capper“ sowie die Kurzfilme „Der kleine Junge“ (Bluths einzige Regiearbeit für Disney) und „ Mickys Weihnachtsgeschichte“ (der erste Leinwandauftritt von Micky Maus seit 1953).

Gleichzeitig präsentierte der Animator Steven Lisberger dem Studio ein Konzept über einen Programmierer, der in eine computerisierte Welt gerät. Der Film sollte Realfilmsequenzen mit Computeranimationen kombinieren, was bis dahin noch nicht in diesem Umfang üblich war. Das Studio war von der Idee begeistert; das Ergebnis war ein ambitionierter Film mit einem Budget von 17 Millionen Dollar (heute umgerechnet 56,7 Millionen Dollar) ^{[ 14 ]} mit dem Titel „Tron“ . Obwohl Disneys Aktien nach einer Vorführung für wenig begeisterte Analysten um vier Prozent fielen ^{[ 15 ]} und der Film an den Kinokassen nur mäßige Einspielergebnisse erzielte ^{[ 16 ]} , erhielt „Tron“ begeistertes Lob vom Filmkritiker Roger Ebert ^{[ 17 ]} , entwickelte sich zum Kultfilm und hatte – viele Jahre später – einen größeren Einfluss auf die Animationsbranche (bei Disney und anderswo) als erwartet. ^{[ 18 ]}

1984 geriet Disney ins Visier eines Übernahmeversuchs von Saul Steinberg , der das Unternehmen Stück für Stück zerschlagen wollte. Gleichzeitig gab Roy E. Disney , der bereits 1977 als Präsident zurückgetreten war, seinen Sitz im Aufsichtsrat auf, um seinen Einfluss zu nutzen, um den Status quo zu verändern und die sinkenden Gewinne des Unternehmens zu verbessern. Disney entging Steinbergs Versuch durch die Zahlung von Schutzgeld , doch im Nachhinein trat CEO Ron W. Miller zurück und wurde durch Michael Eisner ersetzt . Roy Disney, nun wieder im Aufsichtsrat als stellvertretender Vorsitzender, überzeugte Eisner, ihm die Leitung der Animationsabteilung zu übertragen, deren Zukunft nach dem enttäuschenden Einspielergebnis des teuren, aber mit einer PG-Freigabe versehenen Films „ Taran und der Zauberkessel“ ernsthaft in Frage stand . ^{[ 19 ]} Der nächste Film des Studios, Basil, der große Mäusedetektiv , schnitt im Verhältnis zu seinem deutlich kleineren Budget besser ab, wurde aber von Don Bluths Feivel , der Mauswanderer , ^{[ 20 ]} einem anderen Film mit Mäusefiguren überschattet, der direkt mit Basil, dem großen Mäusedetektiv, in den Kinos konkurrierte.

1988 arbeitete das Studio mit Steven Spielberg und Robert Zemeckis an „ Falsches Spiel mit Roger Rabbit“ , einer komödiantischen Detektivgeschichte, die Realfilm und Animation verband und gleichzeitig eine Hommage an das Goldene Zeitalter der Zeichentrickfilme darstellte. Erstmals in der Geschichte des Animationsfilms traten Disney-Figuren gemeinsam mit Charakteren von Warner Bros. , Metro-Goldwyn-Mayer , Universal Pictures und anderen konkurrierenden Studios auf. Der Film war ein riesiger Kassenerfolg, gewann vier Oscars , weckte das Interesse an Animationsfilmen für das Kino neu und popularisierte die eingehende Auseinandersetzung mit der Geschichte und den Techniken des Animationsfilms. Mehrere alternde Legenden der Branche, wie Chuck Jones und Friz Freleng , standen plötzlich im Mittelpunkt des Interesses und erhielten Anerkennung und Auszeichnungen, nachdem sie jahrzehntelang von Publikum und Branchenexperten gleichermaßen weitgehend ignoriert worden waren. Darüber hinaus hat die Veröffentlichung vieler älterer Disney-Spielfilme und -Kurzfilme auf Video sowie die Produktion neuer Samstagmorgen-Zeichentrickserien für CBS bzw. NBC (wie z. B. „The Wuzzles“ und „Adventures of the Gummi Bears“ ) das Interesse am Studio neu entfacht.

Nach „Falsches Spiel mit Roger Rabbit“ folgte 1988 „ Oliver & Co.“ ^{[ 21 ]} und 1989 „ Arielle, die Meerjungfrau“ , eine Adaption des Märchens von Hans Christian Andersen mit Liedern der Broadway -Komponisten Alan Menken und Howard Ashman . „Arielle, die Meerjungfrau“ war ein riesiger Kritiker- und Publikumserfolg. Der Film gewann zwei Oscars für seine Musik und wurde der erste einer Reihe äußerst erfolgreicher neuer Disney-Animationsfilme. ^{[ 3 ]}

Das Studio investierte massiv in neue Technologien und entwickelte das Computer Animation Production System (CAPS) , das parallel zu traditionellen Animationstechniken eingesetzt werden sollte. Der erste Film, der diese Technologie nutzte, „ Bernard und Bianca im Känguruland“ , spielte lediglich 27.931.461 US-Dollar ^{[ 22 ]} (entspricht etwa 68,8 Millionen US-Dollar in heutiger Kaufkraft) ein und erreichte damit nicht einmal den Einspielerfolg des Originalfilms von 1977. ^{[ 23 ]}

Die nachfolgenden Filme, Die Schöne und das Biest und Aladdin , wurden jedoch von der Kritik gefeiert, erhielten mehrere Oscars und stürmten die Kinocharts. Die Schöne und das Biest war schließlich der erste Animationsfilm, der den Golden Globe Award als Bester Film – Musical oder Komödie gewann und für den Oscar als Bester Film nominiert wurde , gefolgt von Oben (2009) und Toy Story 3 (2010 ) .

1993 veröffentlichte Disney „Nightmare Before Christmas“ , den ersten abendfüllenden Stop-Motion -Animationsfilm. Disneys Erfolg erreichte 1994 seinen Höhepunkt , als „Der König der Löwen“ 328.541.776 US-Dollar (umgerechnet 714 Millionen US-Dollar in heutiger Kaufkraft) einspielte und zum erfolgreichsten Film des Jahres wurde. Stand 2024 belegt „Der König der Löwen“ Platz 22 der erfolgreichsten Filme aller Zeiten in den USA und ist der erfolgreichste handgezeichnete Film aller Zeiten. ^{[ 24 ]} Auch die nachfolgenden Disney-Filme von 1995 bis 2000, darunter „Pocahontas“ , „ Der Glöckner von Notre Dame“ , „Hercules“ , „Mulan“ , „Tarzan “ und „Fantasia 2000“ , waren Kassen- und/oder Kritikererfolge, wenn auch im Vergleich zu Disneys Filmen der frühen 1990er-Jahre etwas weniger.

1994 führte der Tod von Disney-Präsident und Chief Operating Officer Frank Wells und der Weggang von Studiochef Jeffrey Katzenberg zur Mitgründung von DreamWorks dazu, dass Michael Eisner die alleinige Kontrolle über das Unternehmen übernahm. Um die Jahrtausendwende konnten Filme wie „Dinosaurier“ (Disneys erster computeranimierter Spielfilm), „Atlantis – Das Geheimnis der verlorenen Stadt“ , „Der Schatzplanet“ und „Die Kühe sind los“ die von den Phänomenen der 1990er-Jahre geweckten Erwartungen von Kritikern und Publikum nicht erfüllen, trotz Ausnahmen wie „ Ein Königreich für ein Lama“ und „Lilo & Stitch“ . Gleichzeitig löste der große Erfolg von „Toy Story“ , dem ersten computeranimierten Film, einen Branchentrend aus. Aufgrund des kommerziellen Erfolgs der Animationsfilme von Pixar und anderer CGI-Produktionen (insbesondere DreamWorks' Shrek , der zahlreiche Seitenhiebe auf Katzenbergs ehemaligen Arbeitsplatz und Chef enthielt), kam Disney zu der Überzeugung, dass CGI das sei, was das Publikum wolle. Daher stellte das Unternehmen nach Home on the Range die Produktion traditioneller Animationsfilme ein und stellte ab Chicken Little aus dem Jahr 2005 ausschließlich auf CGI um .

Zwischen den Mitarbeitern der Animationsabteilung und dem Management sowie zwischen Michael Eisner und Roy E. Disney vertieften sich die öffentlichen Spannungen. Roy trat 2003 mit einem vernichtenden Brief, in dem er das Unternehmen als „raffgierig und seelenlos“ bezeichnete und hinzufügte, es sei „immer nur auf den schnellen Profit aus“. ^{[ 25 ]} Anschließend startete er die Website SaveDisney.com ^{[ 26 ]} , um die Integrität des Unternehmens zu wahren und Eisner zu stürzen, der 2005 nach einem Stimmungswandel in der Öffentlichkeit zurücktrat.

Robert Iger folgte Eisner nach; eine seiner ersten Amtshandlungen als CEO war die Rückgewinnung der Rechte an Walt Disneys erstem Star, Oswald dem Glückshasen, von NBCUniversal (Iger bot NBC dazu im Tausch die Dienste von Al Michaels an , einem Kommentator, der damals bei der Disney-Tochter ABC Sports unter Vertrag stand). Nachdem Disney Pixar 2006 übernommen hatte, wurde Pixar-Produzent John Lasseter Chief Creative Officer sowohl bei Pixar als auch bei Disney. Er plante, die 2D-Animation wieder einzuführen, beginnend mit „Küss den Frosch“ im Jahr 2009. Dieses Vorhaben wurde jedoch abrupt gestoppt, nachdem „Winnie Puuh“ 2011 kommerziell floppte.

Nachdem Disney 30 Jahre lang Angebote zur Produktion von Zeichentrickserien abgelehnt hatte, gab das Unternehmen schließlich nach, als Michael Eisner, ein Fernsehprofi, die Leitung übernahm. Die ersten Zeichentrickserien unter dem Namen Disney, „ Die Wuzzles“ (CBS) und „ Die Gummibärenbande“ ( NBC ), feierten beide im Herbst 1985 Premiere. Anders als in der Branche üblich, verfügten die Produktionen über deutlich höhere Budgets, was qualitativ hochwertigere Drehbücher und Animationen ermöglichte, in der Erwartung, die Kosten durch Wiederholungen im Fernsehen wieder einzuspielen. Während „ Die Wuzzles“ nur eine Staffel lief, war „Die Gummibärenbande“ mit sechs Staffeln ein anhaltender Erfolg.

1987 adaptierte die Fernsehanimationsabteilung Carl Barks ' Dagobert-Duck- Comics für das Fernsehen und schuf mit der Erfolgsserie DuckTales einen Hit . Der Erfolg führte 1990 zu einem Kinofilm mit dem Titel DuckTales – Der Film: Die verlorene Lampe und zu verstärkten Investitionen in Syndication-Zeichentrickserien. Das Ergebnis dieser Investition war „The Disney Afternoon“ im Jahr 1990, ein zweistündiger, syndizierter Fernsehprogrammblock mit animierten Zeichentrickserien wie: Die neuen Abenteuer von Winnie Puuh (1988–1991), Chip und Chap – Die Ritter des Rechts (1989–1991), Käpt’n Balu und seine tollkühne Crew (1990–1991), Darkwing Duck (1991–1993, auch auf ABC ausgestrahlt ), Goof Troop (1992–1994, auch auf ABC ausgestrahlt ), Bonkers (1993–1994), Marsupilami (1993–1995), die von Kritikern gefeierte und immer noch beliebte Serie Gargoyles (1994–1997) und Pepper Ann (1997–2000). Auch einige animierte Spielfilmfiguren wurden im Fernsehprogramm des Samstagmorgens gezeigt, darunter Die kleine Meerjungfrau (1992–1994), Aladdin (1994–1995), Timon & Pumbaa (1995–1999), Hercules (1998–1999) (die ersten drei auf CBS ) und später Die Legende von Tarzan (2001–2003) und House of Mouse (2001–2003).

Der allseits beliebte Disney-Star Mickey Mouse feierte mit der Zeichentrickserie „Mickey Mouse Works “ (1999–2000) ein fulminantes Comeback im Fernsehen. Die Serie war eine Hommage an alle klassischen Mickey-Mouse- und Walt-Disney-Cartoons. Später folgten die Crossover-Serie „House of Mouse“ (2001–2003), in der Mickey Mouse und andere Disney-Figuren aufeinandertrafen , die Lernserie „Mickey Mouse Clubhouse“ (2006–2016, ausgestrahlt auf Playhouse Disney und später auf Disney Junior ) sowie „Mickey Mouse / The Wonderful World of Mickey Mouse“ (2013–2020, 2020–2023). Darüber hinaus produzierte das Studio Animationsserien für den Disney Channel , darunter Kim Possible (2002–2007), The Proud Family (2001–2005), American Dragon: Jake Long (2005–2007), Phineas und Ferb (2007–2015; seit 2025), Gravity Falls (2012–2016), Star gegen die Mächte des Bösen (2015–2019), Amphibia (2019–2022), The Owl House (2020–2023) und seit Kurzem Kiff (seit 2023). Das Studio ist heute die Muttergesellschaft von Disney Branded Television (ehemals Disney Channels Worldwide).

Die DisneyToon Studios wurden Ende der 1980er Jahre in Paris gegründet, um „ DuckTales – Der Film: Die verlorene Lampe “ zu produzieren, der vom Studio nicht zum offiziellen Disney-Animationskanon gezählt wird. ^{[ 27 ]} Die Praxis, nicht-kanonische Direct-to-Video- Fortsetzungen von Kanon-Filmen zu produzieren, begann 1994 mit „ Die Rückkehr des Dschafar“ , einer Fortsetzung von „Aladdin“ . Dies bedeutete eine Abkehr von der langjährigen Studio-Richtlinie, keine Fortsetzungen von Animationsfilmen zu veröffentlichen (was nicht für Realfilme galt). Walt Disney soll dazu oft gesagt haben: „Man kann Schweine nicht mit Schweinen übertreffen“, eine Anspielung darauf, dass der Kurzfilm „Die drei kleinen Schweinchen“ mehr als drei Fortsetzungen erhielt. ^{[ 28 ]} Aufgrund der guten Videoverkäufe produzierte das Studio diese Filme trotz negativer Kritiken weiter; „Cinderella II: Träume werden wahr“ aus dem Jahr 2002 erhielt auf der Bewertungswebsite Rotten Tomatoes eine seltene Wertung von 11 %. ^{[ 29 ]} Unter John Lasseter wurde diese Praxis im Studio beendet. ^{[ 30 ] [ 31 ]}

DisneyToon produzierte außerdem mehrere nicht zum offiziellen Disney-Kanon gehörende Filme, die dennoch in den Kinos liefen , darunter „Goofy – Der Film“ und „Tigger – Der Film“ . Letzterer brachte die Sherman-Brüder für ihren ersten Disney-Spielfilm-Soundtrack seit „Die tollkühne Hexe in ihrem fliegenden Bett“ (1971) zurück ins Studio .

Don Bluths Firma war zweimal in den Konkurs getrieben worden: einmal als Don Bluth Productions , nachdem der enttäuschende Einspielerfolg von „Mrs. Brisby und das Geheimnis von NIMH“ mit einem Streik der Animatoren zusammenfiel; und ein weiteres Mal als Bluth Group nach dem Videospielcrash von 1983 – als Cinematronics in dem Versuch, seine Verluste zu begrenzen, Bluths Firma Gebühren und Lizenzgebühren von über 3 Millionen Dollar (inflationsbereinigt 9,3 Millionen Dollar) in Rechnung stellte, während diese an einer Fortsetzung des laserdisc-basierten animierten Arcade-Videospiels „Dragon's Lair“ arbeitete .

Bluth gründete die Sullivan Bluth Studios mit Unterstützung des Geschäftsmanns Morris Sullivan . Filmregisseur Steven Spielberg – ein langjähriger Animationsfan, der sich für die Produktion von Kinoanimationsfilmen interessierte – half Bluth bei der Produktion von „ Feivel, der Mauswanderer“ (1986 ). Der Film war ein großer Erfolg und spielte 47.483.002 US-Dollar ein (umgerechnet etwa 139 Millionen US-Dollar in heutiger Kaufkraft). ^{[ 32 ]} Während der Produktion verlegte das Studio seinen Sitz nach Irland und profitierte von staatlichen Steuervergünstigungen für Filmproduktionen. Bluths Nachfolger „ In einem Land vor unserer Zeit “ (1988 ) war ein noch größerer Erfolg mit einem Einspielergebnis von 48.092.846 US-Dollar (umgerechnet etwa 131 Millionen US-Dollar in heutiger Kaufkraft) ^{[ 33 ]} und zog zwölf Fortsetzungen sowie eine Fernsehserie nach sich . Weder Bluth noch Spielberg waren an den Fortsetzungen von „In einem Land vor unserer Zeit“ beteiligt; Spielberg produzierte die Fortsetzung „Feivel, der Mauswanderer im Wilden Westen“ (1991) ohne Bluth.

Um mehr kreative Kontrolle zu erlangen, trennte sich Bluth bei seinem nächsten Film, dem 1989 erschienenen „ Alle Hunde kommen in den Himmel“, von Spielberg . Obwohl der Film das Pech hatte, am selben Tag wie Disneys „ Arielle, die Meerjungfrau“ in die Kinos zu kommen, verkaufte er sich auf Video deutlich besser. ^{[ 34 ]}

Die frühen 1990er-Jahre erwiesen sich für das Studio als schwierig, da mehrere Filme an den Kinokassen floppten. 1992 wurde „Rock-a-Doodle“ von Kritikern verrissen und vom Publikum ignoriert; das desaströse Einspielergebnis von 11.657.385 US-Dollar (entspricht 26,7 Millionen US-Dollar in heutiger Kaufkraft) ^{[ 35 ]} trug zu Sullivan Bluths Insolvenz bei. Bluths nächster Film, „Däumelinchen“ (1994), schnitt bei den Kritikern etwas besser ab, war aber kommerziell noch schlechter, während „Ein Troll im Central Park“ , ebenfalls 1994 erschienen, kaum in die Kinos kam und bei einem Budget von 23.000.000 US-Dollar (entspricht 155.026 US-Dollar bei einem Budget von 50 Millionen US-Dollar in heutiger Kaufkraft) nur 71.368 US-Dollar einspielte. ^{[ 36 ]}

Die Sullivan Bluth Studios schlossen 1995. Bluth und Goldman waren ein Jahr zuvor in die USA zurückgekehrt, um die Gründung einer Animationsfilmabteilung bei 20th Century Fox zu besprechen ; die drei vorherigen Animationsfilme des Studios ( FernGully – Die letzte Regenwald“ , Once Upon a Forest und der Realfilm-Animations-Hybrid The Pagemaster ) waren allesamt Flops. Anastasia , ein Musical-Remake des Films von 1956 mit Ingrid Bergman , schnitt deutlich besser ab als alle Bluth-Filme seit Alle Hunde kommen in den Himmel ^{[ 37 ]} , doch der 2000 erschienene Film Titan AE , der sich stark von Bluths vorherigen Werken unterschied, floppte. Die Fox Animation Studios schlossen kurz darauf; fast alle Animationsfilme von Fox wurden von der Tochtergesellschaft Blue Sky Studios produziert , bis die Fox Animation Studios 2009 ohne Bluth und Goldman wiederbelebt wurden.

Nach der Trennung von Bluth wandte sich Spielberg der Fernsehanimation zu und arbeitete mit Warner Bros. Entertainment zusammen, um die in den 1960er-Jahren aufgelöste Animationsabteilung wiederzubeleben. Ein Team von Animatoren unter der Leitung von Tom Ruegger verließ Hanna-Barbera (das ironischerweise später von Warner Bros. übernommen wurde, als diese 1996 Turner Broadcasting kauften) und wechselte zu Warner Bros. Animation , um die neue Serie „Tiny Toon Adventures“ zu produzieren . Diese Zeichentrickserie war eine Hommage an die Warner Bros.-Cartoons von „Termite Terrace“ . Die Popularität von „Tiny Toon Adventures“ bei jungen Fernsehzuschauern machte das Studio wieder zu einem ernstzunehmenden Konkurrenten im Bereich der Zeichentrickfilme. Auf „Tiny Toon Adventures“ folgten „Steven Spielberg Presents Animaniacs“ und der Ableger „Pinky and the Brain“ . Diese Cartoons brachten Warner Bros. nicht nur neue Zuschauer, sondern begeisterten auch ein älteres Publikum. Warner Bros. setzte, ohne Spielberg, Projekte wie „Batman: Die Zeichentrickserie“ fort . Die Serie erntete schnell große Anerkennung für ihre Animation und die anspruchsvollen Drehbücher und inspirierte einen Kinofilm . Zusammen gewannen diese vier Warner-Bros.-Serien 17 Daytime Emmy Awards .

Als Disneys Animationsfilme in den 1990er-Jahren einen Boom erlebten, versuchte Warner Bros., mit eigenen Animationsfilmen – ohne Spielbergs Unterstützung – vom Erfolg des Konkurrenten zu profitieren. Ihre Filme – „ Cats Don't Dance“ , „Das magische Schwert – Die Legende von Camelot“ und „Der Gigant aus dem All “ – konnten jedoch nicht an Disneys Erfolg anknüpfen, obwohl „Cats Don't Dance“ und „Der Gigant aus dem All“ von der Kritik gelobt wurden und eine treue Fangemeinde entwickelten. Der 2001 erschienene Realfilm-Animationsfilm „Osmosis Jones“ mit Bill Murray in der Hauptrolle war ein kostspieliger kommerzieller Misserfolg ^{[ 38 ]} , obwohl die Heimvideo-Veröffentlichungen so erfolgreich waren, dass die TV-Animationsabteilung des Studios eine kurzlebige Spin-off-Serie namens „Ozzy and Drix“ produzierte .

Die allseits beliebten Looney Tunes -Figuren feierten ein Comeback. Die älteren Kurzfilme wurden weiterhin in zahlreichen Wiederholungen und Kompilationsspecials (sowie einigen Kompilationsfilmen) gezeigt, und in den 1990er-Jahren entstanden neue Looney Tunes- Kurzfilme. Inspiriert vom Erfolg von Disneys „ Falsches Spiel mit Roger Rabbit“ und einer Reihe von Nike- und McDonald’s -Werbespots, in denen die Figuren gemeinsam mit Basketball-Superstar Michael Jordan auftraten, produzierte das Studio 1996 die Realfilm-/Animationskomposition „Space Jam“ . Der Film erhielt gemischte Kritiken, war aber ein großer kommerzieller Erfolg. ^{[ 39 ]} Ein weiterer Film aus dem Jahr 2003, „ Looney Tunes: Back in Action“ , floppte hingegen an den Kinokassen und spielte weltweit nur etwa drei Viertel seines Budgets von 80 Millionen US-Dollar ein (umgerechnet etwa 140 Millionen US-Dollar in heutiger Kaufkraft) ^{[ 40 ]} , erhielt aber positivere Kritiken. Andere moderne Looney Tunes -Projekte verfolgten einen anderen Ansatz. Anders als die Original-Kurzfilme richteten sich „ Taz-Mania“ (1991–1995) und „Baby Looney Tunes “ (2001–2006) vor allem an ein junges Kind, während „Loonatics Unleashed “ (2005–2007) eine umstrittene Neuinterpretation der Charaktere in ferner Zukunft darstellte. „The Sylvester and Tweety Mysteries“ (1995–2000) und „Duck Dodgers“ (2003–2005) waren sehr erfolgreiche Serien und orientierten sich relativ eng an den Original-Kurzfilmen. „The Looney Tunes Show “ (2011–2014) war eine moderne, eher auf Erwachsene ausgerichtete Sitcom, und „Wabbit: A Looney Tunes Production “ (2015–2020) war eine modernisierte Reihe von Bugs-Bunny-Kurzfilmen in der Tradition der Looney Tunes . Beide Serien wurden vom Publikum jedoch etwas besser aufgenommen als „ Baby Looney Tunes“ oder „Loonatics Unleashed“ .

Ralph Bakshi , Regisseur bahnbrechender Animationsfilme wie „Fritz the Cat“ und des ersten „Herr der Ringe“ -Films, kehrte nach einer kurzen Pause Mitte der 1980er-Jahre zum Animationsfilm zurück. 1985 tat er sich mit dem jungen kanadischen Animator John Kricfalusi zusammen , um ein Hybrid-Musikvideo aus Realfilm und Animation für „ Harlem Shuffle “ von den Rolling Stones zu produzieren , das Anfang 1986 veröffentlicht wurde.

Das Musikvideo brachte ein Produktionsteam bei Bakshi Animation zusammen, dessen nächstes Projekt die kurzlebige Fernsehserie „ Mighty Mouse: The New Adventures“ war . Bakshi und sein Team arbeiteten Ende der 1980er-Jahre an mehreren weiteren Projekten, doch sein größtes Projekt, „Cool World“ aus dem Jahr 1992 , war ein von Kritikern verrissener und kommerzieller Misserfolg. ^{[ 41 ]} 2005 kündigte Bakshi an, mit den Arbeiten an einem weiteren Spielfilm, „ Last Days of Coney Island“ , zu beginnen, den er selbst finanziert und unabhängig produziert. Bakshi unterbrach die Produktion des Films 2008 ^{[ 42 ]} , nahm sie aber 2013 nach einer erfolgreichen Kickstarter- Kampagne wieder auf. ^{[ 43 ]} Der Film kam 2015 in die Kinos.

Der Hauptgrund für die Zunahme amerikanischer Animationsfilme lag in der Möglichkeit, die eigentliche Animationsarbeit an günstigere Animationsstudios im Ausland auszulagern . Drehbuch, Charakterdesign und Storyboarding wurden in amerikanischen Büros erstellt. Storyboards, Modellbögen und Farbvorlagen wurden dann nach Übersee geschickt. Dies führte mitunter zu Problemen; das Endprodukt war erst zu sehen, nachdem die fertigen Animationszellen wieder in den Vereinigten Staaten eingetroffen waren.

Obwohl das Budget eine deutlich geringere Rolle spielte, wurden ausländische Produktionsfirmen je nach verfügbarem Budget für jede einzelne Folge oder sogar Szene ausgewählt. Dies führte zu erheblichen Qualitätsunterschieden zwischen den einzelnen Episoden. Besonders auffällig war dies bei Serien wie „ Gargoyles“ und „Batman: The Animated Series“ , wo Charaktere mitunter stark vom Originaldesign abwichen, was zum Ärger der Regisseure Nachdrehs von Szenen erforderlich machte.

Die älteren Bugs Bunny- und Popeye-Cartoons machten Platz für neu ausgestrahlte Syndication- Cartoons wie He-Man and the Masters of the Universe , Rambo: The Force of Freedom , ThunderCats , Dennis the Menace , My Little Pony , The Transformers , GI Joe , Voltron sowie Wiederholungen von Scooby-Doo , Garfield and Friends und The Pink Panther , neben vielen anderen.

1987 versuchte die Walt Disney Company ihr Glück mit der Syndikation; DuckTales startete im September desselben Jahres und lief 100 Folgen lang. Der Erfolg von DuckTales ebnete zwei Jahre später den Weg für eine zweite Serie, Chip und Chap – Die Ritter des Rechts . Im darauffolgenden Jahr wurden beide Serien gemeinsam unter dem Titel „ The Disney Afternoon“ ausgestrahlt . 1991 fügte Disney eine weitere Stunde hinzu; der Sendeplatz wurde bis 1999 im Syndication-Verfahren gezeigt.

Diese Zeichentrickfilme konkurrierten zunächst mit den landesweit ausgestrahlten. In den 1980er-Jahren sendete das nationale Fernsehen nur samstagmorgens und konkurrierte somit nicht mit den wochentags und sonntags ausgestrahlten Syndikationsblöcken lokaler unabhängiger Sender. In den 1990er-Jahren begannen Fox und später WB jedoch, wochentags nachmittags Sendeblöcke auszustrahlen. Ende der 1990er-Jahre verloren sowohl das Syndikations- als auch das nationale Fernsehen den Großteil ihres Kindermarktes an den Aufstieg von Kabelfernsehsendern wie Nickelodeon , Disney Channel und Cartoon Network , die attraktive Kinderunterhaltung die ganze Woche über und fast rund um die Uhr boten.

Die späten 1980er und 1990er Jahre brachten enorme Veränderungen für das Samstagmorgenprogramm mit sich. Die einst so erfolgreiche Hanna-Barbera Productions geriet durch verschiedene Faktoren in Bedrängnis. Die Serien anderer Studios brachen ihre Vormachtstellung in den Sendeplänen der großen Sender, und nachdem NBC die Schlümpfe 1989 abgesetzt hatte, gab es keine weiteren erfolgreichen Serien von Hanna-Barbera mehr im Programm. Zudem neigte sich die Möglichkeit, ältere Charaktere wie die Familie Feuerstein und Scooby-Doo mit neuen Serien erfolgreich zu vermarkten, dem Ende zu. Scooby-Doo beendete seine fast 22-jährige, ununterbrochene Erstausstrahlung, nachdem die jüngste, für Kinder adaptierte Version „ Ein Welpe namens Scooby-Doo“ 1991 eingestellt wurde. Der Kinostart von „Die Jetsons – Der Film“ im Jahr 1990 war ein Erfolg für das angeschlagene Studio und spielte 20 Millionen Dollar ein (umgerechnet etwa 49,3 Millionen Dollar in heutiger Kaufkraft). ^{[ 44 ]} Im Jahr 1987 wurde Carl Lindner Jr. , Eigentümer der Great American Insurance Company, Mehrheitsaktionär der Muttergesellschaft von Hanna-Barbera, Taft Broadcasting , und benannte sie in Great American Communications um.

Great American wollte aus dem Unterhaltungsgeschäft aussteigen, und Hanna-Barbera wurde 1991 an das Turner Broadcasting System verkauft. Ted Turner hatte geäußert, dass er hauptsächlich die Rechte am Backkatalog des Studios erwerben wollte; der Start von Cartoon Network am 1. Oktober 1992 bot ein neues Publikum für Hanna-Barbera- und Warner Brothers-Cartoons, sowohl alte als auch neue.

1989 führte Produzent Tom Ruegger eine Gruppe von Hanna-Barbera-Mitarbeitern an, um Warner Bros. Animation neu zu gründen . Anfangs drohte dem Studio die Schließung. ^{[ 45 ]} Unter der Leitung von Fred Seibert schuf das neue Hanna-Barbera-Team (zu dem unter anderem Craig McCracken , Genndy Tartakovsky , Butch Hartman und Seth MacFarlane gehörten ) in den 1990er-Jahren eine neue Generation von Hanna-Barbera-Cartoons, darunter „ 2 Stupid Dogs“ , „Dexters Labor“ , „Johnny Bravo“ , „Cow and Chicken“ , „ I Am Weasel“ und „The Powerpuff Girls“ . Neben diesen Hanna-Barbera-Cartoons feierten auch Serien anderer Studios Premiere auf dem Sender, darunter „ Space Ghost Coast to Coast“ , „Ed, Edd n Eddy“ und „Courage the Cowardly Dog“ .

Time Warner übernahm 1996 Turner und damit die Rechte an allen kreativen Werken von Hanna-Barbera. Dies ermöglichte es Cartoon Network, auch alle klassischen Looney Tunes- Kurzfilme auszustrahlen (zuvor besaß Turner nur die Looney Tunes- Kurzfilme, die vor August 1948 produziert worden waren und Teil der MGM/UA-Bibliothek geworden waren). ^{[ 46 ]} Der Erfolg von Cartoon Network mit Eigenproduktionen führte dazu, dass die Wiederholungen alter Hanna-Barbera- und Looney Tunes -Cartoons auf den Ablegerkanal Boomerang verlegt wurden .

1997 verließ Fred Seibert Hanna-Barbera, um sein eigenes Studio zu gründen . ^{[ 47 ]} 1998 zog Hanna-Barbera in dasselbe Gebäude wie Warner Bros. Animation; die Verwendung des Namens Hanna-Barbera für neue Produktionen endete mit William Hannas Tod im Jahr 2001. Hanna und Barbera arbeiteten bis zu ihrem Tod 2001 bzw. 2006 weiterhin als Angestellte und Berater für Time Warner; der Name wird noch immer für Produktionen verwendet, die auf in der Hanna-Barbera-Ära entstandenen Werken basieren. Cartoon Network Studios produziert heute den Großteil der Originalanimationen für den Sender.

1991 präsentierte Nickelodeon „The Ren & Stimpy Show“ als erste von drei Serien der Nicktoons -Reihe. Ren & Stimpy war eine wilde und unkonventionelle Serie, die alle Konventionen der Samstagmorgen-Cartoons sprengte und stattdessen den extravaganten Stil der Kurzfilme aus dem Goldenen Zeitalter der Zeichentrickserien aufgriff. Der Schöpfer der Serie, John Kricfalusi – ein Schützling von Ralph Bakshi –, war stark von den klassischen Werken Bob Clampetts beeinflusst . Trotz der Popularität der Serie gab es Produktionsverzögerungen und Auseinandersetzungen mit Nickelodeon über Zensur, woraufhin Kricfalusi 1992 entlassen wurde. Die Serie wurde bis 1996 von der zum Sender gehörenden Games Animationsfirma weiterproduziert, allerdings verließen viele Animatoren zusammen mit Kricfalusi das Unternehmen. TNN belebte die Serie 2003 in einer freizügigeren Form wieder, wobei Kricfalusi mehr kreative Freiheit erhielt, doch die Neuauflage umfasste nur sechs Folgen.

Von den frühen 1990er- bis zu den späten 2000er-Jahren produzierten Nickelodeon Animation Studio und Paramount Animation zahlreiche weitere erfolgreiche Zeichentrickserien wie Doug , Rugrats , Rockos modernes Leben , Aaahh!!! Monsterjagd , Hey Arnold !, KaBlam!, Die Biber Brüder , Die wilden Thornberrys , CatDog , SpongeBob Schwammkopf , Rocket Power, Invader Zim , Jimmy Neutron, Der Wunderknabe , Cosmo & Wanda – Wenn Elfen helfen , Mein Leben als Roboter-Teenie , Danny Phantom und Avatar – Der Herr der Elemente . Viele dieser Serien brachten erfolgreiche Multimedia-Franchises hervor , allen voran Rugrats , SpongeBob Schwammkopf (beide Franchises mit jeweils drei Kinofilmen und Fernsehfilmen) und Avatar – Der Herr der Elemente (der sowohl eine Fortsetzungsserie als auch eine Realfilmserie erhielt ).

Disney hatte von Mitte der 1980er bis Mitte der 1990er Jahre erfolgreiche Zeichentrickserien wie „ Die Gummibärenbande “ (1985), „DuckTales“ (1987), „Chip und Chap – Die Ritter des Rechts“ (1989), „Darkwing Duck“ (1991) und „Gargoyles“ (1994). Diese wurden im Rahmen von Syndication, im Disney Afternoon -Programmblock und auf dem Disney Channel (damals ein Pay-TV-Sender) ausgestrahlt .

Weitere erfolgreiche Zeichentrickserien erschienen Ende der 1990er- bis Anfang der 2000er-Jahre mit „ Recess and Pepper Ann“ (1997), „The Weekenders“ , „Teacher's Pet“ (2000), „The Proud Family“ (2001) und „Kim Possible “ (2002), die auf dem Disney Channel (der 1997 zum Kabelfernsehen wechselte) und ABCs „ One Saturday Morning “ (später ABC Kids) ausgestrahlt wurden. Etwa zur gleichen Zeit startete Disney Toon Disney , einen Sender speziell für Animationsserien.

Disney brachte von Ende der 2000er bis in die 2020er Jahre weiterhin erfolgreiche Zeichentrickserien heraus, darunter Phineas und Ferb , Gravity Falls , Star gegen die Mächte des Bösen , das DuckTales- Reboot von 2017, Big City Greens , Amphibia , The Owl House und The Ghost and Molly McGee . Toon Disney wurde in Disney XD umbenannt ; dort sowie auf dem Disney Channel und Disneys Streaming-Plattform Disney+ wurden weiterhin Zeichentrickserien ausgestrahlt .

In den 1990er-Jahren löste sich das Dreiergespann der großen Fernsehsender (ABC, NBC und CBS) auf . Im Kabelfernsehen entwickelten sich Cartoon Network , Nickelodeon und Disney Channel so stark, dass sie mit den öffentlich-rechtlichen Sendern weltweit konkurrierten und es bis heute tun. Der junge Sender Fox startete 1990 sein Kinderprogramm Fox Kids, das wochentags und samstags ausgestrahlt wurde, während The WB kurz nach seinem Sendestart 1995 mit einem eigenen Kinderprogramm in den Wettbewerb einstieg.

Als NBC den Erfolg der Realfilm-Jugendserie „ Saved by the Bell“ mit dem Mangel an Zeichentrickhits verglich, stellte der Sender 1992 die Ausstrahlung von Zeichentrickfilmen ein und konzentrierte sich stattdessen auf Realfilm-Teenagerserien im Rahmen des Samstagmorgenprogramms „TNBC“ . ABC wurde 1996 von Disney übernommen, und Disney gestaltete das Samstagsprogramm von ABC zu einer Reihe von Disney-produzierten Zeichentrickserien um, die unter dem Titel „ One Saturday Morning“ zusammengefasst wurden . CBS konnte keine neuen Hits mehr landen, nachdem die Serien, die das Samstagmorgenprogramm der späten 1980er/frühen 1990er Jahre geprägt hatten – „Muppet Babies“ , „Teenage Mutant Ninja Turtles“ , „Garfield and Friends“ usw. –, abgesetzt worden waren. Als CBS von Viacom , dem auch Nickelodeon gehörte, übernommen wurde, nutzte Viacom einen Großteil des Nick-Jr. -Programms und fügte eine Samstagsausgabe der CBS-Morgennachrichtensendung „ The Early Show“ hinzu .

Nach jahrelangem Aktivismus von Action for Children's Television und anderen Organisationen gegen Sendungen, die ihrer Ansicht nach die Grenze zwischen Unterhaltung und Werbung verwischten, wurde 1990 der Children's Television Act verabschiedet. Ab 1996 wurde er streng durchgesetzt. Die Federal Communications Commission (FCC) schrieb drei Stunden wöchentliche Bildungs- und Informationsprogramme speziell für Kinder vor, und zwar zu Zeiten, in denen Kinder wach sind. Da diese drei Stunden für Programme, die sich an die breite Öffentlichkeit richten, „gesperrt“ waren, wählten die Sender naturgemäß den Samstagmorgen als Sendezeit, wenn Kinder ohnehin fernsehen. Infolgedessen muss fast jede Samstagmorgensendung im Fernsehen einen gewissen Bildungsanteil enthalten. Fox und The WB umgingen dieses Problem, indem sie unter der Woche kurze, einstündige Kinderprogramme anstelle von Morgennachrichten ausstrahlten; diese Programme existieren jedoch nicht mehr (mit der bemerkenswerten Ausnahme von PBS, das auch 2010 noch umfangreiche Kinderprogramme unter der Woche im Programm hatte). Dennoch gab es in den 1990er Jahren noch einige Kinderprogramme, die auf Spielzeug basierten, insbesondere Power Rangers und Pokémon .

Kabelfernsehsender unterlagen diesen – und den meisten anderen – FCC-Vorgaben nicht, was ihnen im Vergleich zu den Sendungen der großen Fernsehsender mehr inhaltliche Freiheit einräumte. Die Auswirkungen der neuen Bestimmungen waren nahezu unmittelbar: Bereits 1997 hatte Nickelodeon seine Konkurrenten im linearen Fernsehen überholt und war zum meistgesehenen Sender am Samstagmorgen aufgestiegen. ^{[ 48 ]}

Die 1990er Jahre markierten den Beginn einer neuen Welle von Zeichentrickserien, die sich vor allem an Erwachsene und Teenager richteten, nachdem ein Jahrzehnt lang wenig Fokus auf diese Altersgruppen gelegt worden war.

1987 feierten „ Die Simpsons “, ein animiertes Kurzsegment der „Tracey Ullman Show“ , Premiere. Matt Groenings Kreation erhielt 1989 ihre eigene halbstündige Serie – die erste animierte Primetime-Serie seit „Die Flintstones“ . Obwohl 70 Prozent der Animation der ersten Folge neu erstellt werden mussten, wodurch sich der Serienstart um drei Monate verzögerte, wurde sie zu einem der ersten großen Erfolge des jungen Senders Fox . „Die Simpsons“ sorgten für Furore, eroberten die Popkultur und ernteten breite Anerkennung für ihre satirische Auseinandersetzung mit der amerikanischen Kultur, Familien, der Gesellschaft im Allgemeinen und der menschlichen Natur.

Die Serie hat Dutzende von Preisen gewonnen, darunter 24 Emmy Awards , 26 Annie Awards und zwei Peabody Awards . Das Time Magazine kürte sie in seiner Ausgabe vom 31. Dezember 1999 zur besten Fernsehserie des 20. Jahrhunderts; die Figur Bart Simpson wurde zudem in die Liste der 100 wichtigsten Persönlichkeiten des Jahrhunderts aufgenommen und war damit die einzige fiktive Figur auf dieser Liste. ^{[ 49 ]} Der Simpsons-Film spielte weltweit über eine halbe Milliarde Dollar ein. ^{[ 50 ]} Am 26. Februar 2009 verlängerte Fox die Simpsons um zwei weitere Jahre, „…wodurch sie ihren Platz als am längsten laufende Primetime-Serie im Fernsehen sichern wird.“ ^{[ 51 ]} Die 21. Staffel startete am 27. September 2009 und brach damit den Rekord von 20 Staffeln, den sie sich zuvor mit Gunsmoke geteilt hatte . ^{[ 51 ]}

Der Erfolg der Simpsons veranlasste Fox zur Entwicklung weiterer Zeichentrickserien für Erwachsene, darunter Bob’s Burgers (von Loren Bouchard ), King of the Hill (von Mike Judge ), Futurama (ebenfalls von Groening), Family Guy , American Dad! und The Cleveland Show (alle von Seth MacFarlane ). King of the Hill war ein sofortiger Erfolg und lief 13 Staffeln lang. Sowohl Futurama als auch Family Guy wurden vom Sender abgesetzt; nach starken DVD-Verkäufen und guten Einschaltquoten bei Wiederholungen kehrten beide Serien ins Fernsehen zurück – Family Guy auf Fox und Futurama auf Comedy Central, heute Hulu . ^{[ 52 ]} Am 20. März 2019 erwarb Disney 21st Century Fox , wodurch 20th Century Fox Television in Walt Disney Television als Teil der Disney Television Studios integriert wurde ^{. [ 53 ]} Im Dezember 2020 kündigte Disney an, dass 20th Television Animation als eigenständige Einheit des Live-Action-Studios neu gegründet werden würde. ^{[ 54 ]}

1989 startete in San Diego ein Festival für animierte Kurzfilme, organisiert von Craig „Spike“ Decker und Mike Gribble (bekannt als „Spike & Mike“). Das Festival, das unter dem Namen „Classic Festival of Animation “ bekannt wurde, präsentierte eine Sammlung animierter Kurzfilme in Kinos und anderen Veranstaltungsorten im ganzen Land.

Die Sammlungen bestanden größtenteils aus Oscar-nominierten Kurzfilmen, studentischen Arbeiten des California Institute of the Arts und experimentellen Filmen, die vom National Film Board of Canada gefördert wurden . Zu den frühen Festivalteilnehmern zählten Werke von John Lasseter , Nick Park , Mike Judge und Craig McCracken . Judges Film „ Frog Baseball “ markierte den ersten Auftritt seiner beiden trotteligen Kultfiguren Beavis und Butt-head . McCrackens Kurzfilm „The Whoopass Girls in A Sticky Situation“ stellte das Trio kleiner Superheldinnen vor, die später unter ihrem neuen Namen „ The Powerpuff Girls“ große Popularität erlangen sollten .

Das Festival entwickelte sich nach und nach zu einem Filmprogramm namens Spike and Mike's Sick and Twisted Festival of Animation , einer Underground-Bewegung für Humor und Themen für Erwachsene.

1994 genehmigte der amerikanische Kabelfernsehsender Cartoon Network die neue Serie „ Space Ghost: Coast to Coast“ . In einer besonders postmodernen Wendung kombinierte die Show Live-Action-Interviews mit Prominenten und Animationen aus dem Original -Cartoon „Space Ghost“ . Dies war der Beginn der heute gängigen Praxis, alte Hanna-Barbera-Cartoonfiguren für neue, experimentellere Produktionen zu verwenden, wie beispielsweise das surrealistische „Sealab 2021“ , das auf dem kurzlebigen, umweltbezogenen Cartoon „Sealab 2020“ aus den frühen 1970er-Jahren basiert . „Harvey Birdman, Attorney at Law“ handelte von dem eher glanzlosen Superhelden Birdman – ursprünglich der Star von „Birdman and the Galaxy Trio“ –, der Anwalt geworden ist. Seine Mandanten sowie die meisten anderen Charaktere der Serie bestehen ausschließlich aus alten Hanna-Barbera-Figuren.

Adult Swim , ein Programmblock mit Zeichentrickserien für Erwachsene, der nach der Primetime auf Cartoon Network ausgestrahlt wird, feierte 2001 Premiere. Ursprünglich nur sonntagsabends zu sehen, läuft Adult Swim seit 2018 täglich bis 6:00 Uhr morgens Ostküstenzeit. Zu den exklusiv für Adult Swim produzierten Animationsserien gehören „The Brak Show“ , „Aqua Teen Hunger Force“ , „ Sealab 2021“ , „Harvey Birdman, Attorney at Law“ , „Squidbillies “ , „The Venture Bros.“ , „Perfect Hair Forever“ , „Stroker and Hoop“ , „Tom Goes to the Mayor“ , „Robot Chicken“ , „Rick and Morty“ , „Metalocalypse“ und „Smiling Friends“ . Neben amerikanischen Zeichentrickserien zeigt Adult Swim auch beliebte Anime- Serien wie „Cowboy Bebop“ , „Ghost in the Shell“ , „Eureka Seven“ , die „Fullmetal Alchemist“ -Reihe, „ Bleach “ und „My Hero Academia“ .

Auch andere Fernsehsender experimentierten mit Animationsserien für Erwachsene. MTV produzierte mehrere erfolgreiche Zeichentrickserien speziell für sein jugendliches und junges Publikum, darunter Liquid Television , The Brothers Grunt , Æon Flux , Beavis and Butt-head (und dessen Ableger Daria ), The Maxx , Cartoon Sushi und Celebrity Deathmatch . Bis in die frühen 2000er-Jahre experimentierte MTV mit Animationsserien wie Clone High , Spy Groove und 3-South weiter . Gegen Ende des Jahrzehnts kam die Produktion eigener Zeichentrickserien jedoch weitgehend zum Erliegen. Die USA-Network -Serie Duckman mit der Stimme von Jason Alexander erlangte Kultstatus. Auch Pay-TV-Sender experimentierten mit eigenen Zeichentrickserien wie Spawn .

Eine weitere erfolgreiche Zeichentrickserie für Erwachsene war „South Park“ von Trey Parker und Matt Stone , die 1995 mit dem Kurzfilm „The Spirit of Christmas“ ihren Anfang nahm . Wie „Die Simpsons“ wurden auch „ Beavis and Butt-Head“ und „South Park“ als Kinofilme adaptiert: „Beavis and Butt-Head Do America“ und „South Park: Bigger, Longer and Uncut“ waren beide Kassenschlager.

Der Cartoonist Bill Plympton wechselte Ende der 1980er-Jahre vom Printbereich zum Animationsbereich und produziert seither weiterhin Kurzfilme für Erwachsene. Don Hertzfeldt begann seine Karriere im Animationsbereich in den 1990er-Jahren und wurde 2001 für seinen Film „Rejected“ für einen Oscar nominiert .

Spielfilme wie Cool World und Bebe's Kids trugen dazu bei, einen Markt für Animationsfilme für Erwachsene zu etablieren.

In den 1990er-Jahren erlebte der Einsatz computergenerierter Bilder (CGI) einen rasanten Aufschwung , sowohl in Animationssequenzen als auch in Realfilm-Spezialeffekten. Aufwendige computeranimierte Sequenzen dominierten dadurch beide Bereiche. Diese neue Form der Animation prägte bald die Hollywood- Spezialeffekte ; Filme wie „Terminator 2: Tag der Abrechnung “ und „Jurassic Park“ enthielten Oscar-prämierte Spezialeffektsequenzen, die CGI umfassend nutzten. Nachdem Animation und Spezialeffekte jahrzehntelang zwar verwandt, aber getrennt voneinander existiert hatten, verschwamm die Grenze zwischen ihnen durch die Popularisierung computergenerierter Spezialeffekte. Die computergestützte Bearbeitung von Hollywood-Spielfilmen wurde so selbstverständlich, dass sie oft unbemerkt blieb. Der Oscar - prämierte Film „Forrest Gump “ (1994) setzte stark auf computergenerierte Spezialeffekte, um die Illusion zu erzeugen, dass Tom Hanks den Präsidenten John F. Kennedy und Lyndon B. Johnson die Hand schüttelt , und um Gary Sinise überzeugend als beidseitig Beinamputierten darzustellen – ein Erfolg, der ihm einen Oscar für die besten Spezialeffekte einbrachte. Der Film Titanic nutzte in fast jeder Szene seiner dreistündigen Laufzeit Computereffekte; einer der elf Oscars des Films wurde für die visuellen Effekte verliehen.

Obwohl Disney 1982 den Film „Tron“ produzierte – der Realfilm, traditionelle Animation und CGI umfassend miteinander verband – und 1990 in „Bernard und Bianca im Känguruland“ das CAPS- System zur Verbesserung traditioneller Animationen einführte , gab es noch keinen vollständig computeranimierten Spielfilm. 1995 tat sich Disney mit Pixar zusammen, um „Toy Story“ , den ersten computeranimierten Film, zu produzieren . Der Erfolg des Films war so enorm, dass auch andere Studios die Produktion eigener CGI-Animationsfilme in Erwägung zogen . Computeranimierte Filme erwiesen sich als äußerst populär, und Animationsfilme erzielten im Zeitraum von 2004 bis 2013 die höchsten Bruttomargen (rund 52 %) aller Filmgenres. ^{[ 55 ]}

Auch im Fernsehen hielt die Computeranimation Einzug. Die Samstagmorgen-Zeichentrickserie „ReBoot“ erlangte Kultstatus bei Erwachsenen; sie war die erste von mehreren CGI-Animationsserien, darunter „Beast Wars“ , „War Planets “ und „Roughnecks“ . Die Qualität der Computeranimation verbesserte sich mit jeder weiteren Serie deutlich. Viele Realfilm-Fernsehserien (insbesondere Science-Fiction -Serien wie „Babylon 5 “) investierten massiv in CGI-Produktionen und erreichten so ein bis dahin unerreichtes Niveau an Spezialeffekten zu vergleichsweise geringen Kosten.

Pixar, der beliebteste und erfolgreichste Konkurrent im CGI-Wettlauf, entstand 1979, als George Lucas ' Lucasfilm Edwin Catmull vom New York Institute of Technology für den Aufbau der Grafikabteilung seiner Spezialeffekt-Sparte gewinnen konnte . Ende 1983 gelang es Catmull, den Disney-Animator John Lasseter als freiberuflichen Mitarbeiter zu engagieren , kurz nachdem Lasseter (was Catmull damals noch nicht wusste) von der Walt Disney Company wegen seines vehementen Einsatzes für Computeranimation entlassen worden war. Etwa ein Jahr später wurde Lasseter fest angestellt.

Nach Lucas' Scheidung 1983 geriet er in finanzielle Schwierigkeiten, und 1986 wurde Pixar als eigenständiges Unternehmen mit einem Startkapital von 10 Millionen Dollar von Apple- Mitbegründer Steve Jobs ausgegliedert . Pixar entwickelte damals hauptsächlich Hardware für Computeranimationen, doch Lasseter trug maßgeblich zum Erfolg des Unternehmens bei, indem er gefeierte CGI-Kurzfilme wie „ Die Abenteuer von André und Wally B.“ (1984) schuf. Nach der Ausgliederung produzierte er „Tin Toy“ (1988), der mit einem Oscar ausgezeichnet wurde . Das Unternehmen verlagerte seinen Schwerpunkt auf die Produktion von Fernsehwerbespots und Projekte wie das Computer Animation Production System für Disney. Nach dem Erfolg von „Tin Toy“ schloss Pixar einen Vertrag mit Disney zur Produktion von Spielfilmen ab. Der erste dieser Filme, „ Toy Story“ (1995) , war ein Riesenerfolg, der wiederum zu weiteren erfolgreichen Filmen wie „ Das große Krabbeln“ und „Toy Story 2“ führte . Zu diesem Zeitpunkt war Jobs bereits Eigentümer von Pixar geworden, indem er das Unternehmen durch weitere Investitionen über die Jahre hinweg am Leben erhielt. Er hatte oft überlegt, es zu verkaufen, änderte aber nach Toy Story seine Meinung .

Pixars Erfolgsserie bei Kritikern und an den Kinokassen setzte sich mit Monsters, Inc. , Findet Nemo , Die Unglaublichen , Cars , Ratatouille , WALL-E , Oben und Toy Story 3 fort . Alle diese Filme erhielten begeisterte Kritiken, erzielten enorme Gewinne, gewannen Preise und stellten Disneys Eigenproduktionen in den Schatten, bis Cars 2 im Jahr 2011 die Erfolgsserie beendete. Der Film enttäuschte die Kritiker, war aber dennoch ein kommerzieller Erfolg. Disney produzierte ohne Pixar einen eigenen CGI/Realfilm ( Dinosaurier ), der trotz seines finanziellen Erfolgs gemischte Kritiken erhielt. In den späteren Jahren unter Michael Eisner verschärften sich die Spannungen zwischen Disney und Pixar so sehr, dass Pixar die Suche nach einem anderen Partner erwog, da keine Einigung über die Gewinnverteilung erzielt werden konnte. ^{[ 56 ]} Als Eisner 2005 zurücktrat, arrangierte sein Nachfolger Robert Iger die Übernahme von Pixar durch Disney in einem reinen Aktiendeal im Wert von 7,4 Milliarden US-Dollar (heute umgerechnet 12,2 Milliarden US-Dollar). Dadurch wurde Steve Jobs zum größten Einzelaktionär von Disney. ^{[ 57 ]} Der Deal war so strukturiert, dass Disney Animation und Pixar Animation weiterhin als völlig unabhängige Studios unter dem Dach des Disney-Konzerns operierten. Lasseter wurde in seiner neuen Funktion als Chief Creative Officer, die er bereits seit 12 Jahren innehatte, mit der Genehmigung aller neuen Animationsfilme für beide Studios betraut.

Als Jeffrey Katzenberg Disney verließ, um gemeinsam mit Steven Spielberg und David Geffen das neue Studio DreamWorks Pictures zu gründen , entwickelte das Studio natürlich ein Interesse an Animationsfilmen. Der erste Film, „ Antz “, konnte zwar nicht an den Erfolg der Disney-Pixar-Produktionen anknüpfen, war aber ein Kritikererfolg. Mit der Zusammenarbeit mit dem britischen Stop-Motion-Animationsstudio Aardman Animations gelang DreamWorks jedoch der Durchbruch mit „ Chicken Run “ im Jahr 2000 und später mit dem Oscar-prämierten „ Wallace & Gromit – Auf der Jagd nach dem Riesenkaninchen “ im Jahr 2005.

DreamWorks feierte 2001 mit dem computeranimierten Spielfilm „ Shrek “ endlich seinen Durchbruch. Der Film wurde ein gigantischer Kassenschlager und übertraf sogar Disneys Sommerfilm „ Atlantis “. Nach dem Gewinn des ersten Oscars für den besten Animationsfilm etablierte sich DreamWorks mit „Shrek“ als erster ernstzunehmender Konkurrent von Pixar im Bereich der computergenerierten Animation. Der kommerzielle Erfolg von DreamWorks setzte sich mit drei „Shrek“-Fortsetzungen fort: „Große Haie – Kleine Fische “, „ Madagascar “, „ Ab durch die Hecke “, „ Kung Fu Panda “, „ Drachenzähmen leicht gemacht “, „ Megamind “, „ Die Croods “, „ The Boss Baby “ und „ Ruby Gillman, Teenage Kraken “. DreamWorks Animation wurde schließlich ein eigenständiges Unternehmen und gehört seit 2024 über den Mutterkonzern NBCUniversal / Comcast zu Universal Studios .

Im Jahr 2003, angesichts des wachsenden Erfolgs von Studios, die auf Computeranimation setzten, darunter Pixar , Blue Sky Studios und DreamWorks Animation , kündigte Walt Disney Feature Animation an, in ein CGI-Studio umgewandelt zu werden.

Zwei Jahre später erschien „ Chicken Little “, der erste vollständig computeranimierte Film des Studios, der an den Kinokassen mäßigen Erfolg erzielte und gemischte Kritiken erhielt. Am 24. Januar 2006 kündigte Disney die Übernahme von Pixar an (der Deal wurde im Mai desselben Jahres abgeschlossen) ^{[ 58 ]} . Im Zuge der Übernahme übernahmen die Führungskräfte Edwin Catmull und John Lasseter die Leitung von Walt Disney Feature Animation als Präsident bzw. Chief Creative Officer . ^{[ 59 ]} Lasseter räumte später ein, dass es 2006 Gespräche über die Schließung von Feature Animation gegeben hatte, da Disney nun Pixar besaß. Er und Catmull lehnten dies jedoch entschieden ab („Nicht unter unserer Führung. Das werden wir niemals zulassen.“). Sie beschlossen, Walt Disneys kreatives Erbe zu bewahren, indem sie sein Animationsstudio „wieder auf das kreative Niveau brachten, das es haben musste“. ^{[ 60 ] [ 61 ]}

Um die Unabhängigkeit von Disney und Pixar zu wahren (obwohl sie gemeinsame Eigentümer und Führungskräfte haben), wurde festgelegt, dass jedes Studio ausschließlich für seine eigenen Projekte verantwortlich bleibt und es ihm nicht gestattet ist, Personal vom anderen Studio abzuwerben oder Aufgaben an dieses abzugeben. ^{[ 62 ] [ 63 ]}

2007 veröffentlichte das Studio „ Triff die Robinsons“ , der trotz verhaltener Kritiken und Publikumsreaktionen an den Kinokassen floppte. Der darauffolgende Film, „ Bolt “ aus dem Jahr 2008, erhielt die besten Kritiken aller Disney-Animationsfilme seit „Lilo & Stitch“ und wurde ein Achtungserfolg mit einer Oscar-Nominierung. Die Adaption des Grimmschen Märchens „ Rapunzel – Neu verföhnt “ kam 2010 in die Kinos, spielte weltweit 591 Millionen US-Dollar ein und markierte die Rückkehr des Studios zu Märchenfilmen, wie sie in der Ära des traditionellen Animationsfilms üblich waren. Dieser Trend setzte sich 2013 mit dem Welterfolg „Die Eiskönigin – Völlig unverfroren “ fort, einem Film, der von Hans Christian Andersens Märchen „ Die Schneekönigin “ inspiriert wurde. Er wurde von der Kritik gefeiert und war der erste Disney-Animationsfilm, der weltweit über eine Milliarde US-Dollar einspielte ^{[ 64 ] [ 65 ]} und damit Pixars „Toy Story 3“ übertraf. „Die Eiskönigin – Völlig unverfroren“ war außerdem der erste Film der Walt Disney Animation Studios, der den Oscar für den besten animierten Spielfilm gewann . ^{[ 66 ]} Auch mit den Oscar-prämierten Filmen „ Baymax – Riesiges Robowabohu “, „ Zoomania “ und „ Encanto “ feierten sie Kritiker- und Publikumserfolge. Parallel dazu produzierten sie (nach dem Vorbild von Pixar) ihre eigenen animierten Kurzfilme „ Feast “ und „ Paperman “. Letzterer wurde vor „ Ralph reichts “ gezeigt.

Auch andere Studios versuchten, in den CGI-Markt einzusteigen. Nachdem Don Bluth 2001 20th Century Fox Animation verlassen hatte , veröffentlichte das Unternehmen Anfang 2002 seinen ersten vollständig computeranimierten Spielfilm, den äußerst erfolgreichen CGI-Animationsfilm „ Ice Age“ , als ersten abendfüllenden Film der Blue Sky Studios . Paramount und Nickelodeon brachten 2001 „ Jimmy Neutron: Boy Genius“ heraus , und TWC präsentierte 2005 „Hoodwinked! “. Warner Brothers feierte 2006 mit dem Oscar-prämierten Film „ Happy Feet“ einen großen Erfolg , während Sony und Columbia unter Sony Pictures Animation Filme wie „Open Season“ (2006), „Könige der Wellen“ (2007) sowie die erfolgreichen Filmreihen „ Wolkig mit Aussicht auf Fleischbällchen“ und „Hotel Transsilvanien“ produzierten , die 2009 bzw. 2012 starteten. Universal Studios unternahm mehrere Versuche, sich auf dem Markt zu etablieren und erreichte dieses Ziel schließlich 2010 mit „ Ich – Einfach unverbesserlich“ , dem ersten Spielfilm von Illumination Entertainment . In den folgenden zehn Jahren folgten weitere Erfolge. 2013 veröffentlichte das in Dallas, Texas, ansässige Studio Reel FX seinen ersten Spielfilm „ Free Birds“ , der einen mäßigen Erfolg erzielte. Ein Jahr später erschien „ Das Buch des Lebens “, ein Riesenerfolg, der für einen Golden Globe als bester Animationsfilm nominiert wurde.

Trotz aller Erfolge setzt die Computeranimation weiterhin auf cartoonhafte und stilisierte Charaktere. 2001 gab es mit „ Final Fantasy: Die Mächte in dir “ den ersten Versuch, eine vollständig animierte Welt mit fotorealistischen menschlichen Schauspielern zu erschaffen. Der Film erhielt mäßigen Kritikererfolg, war aber an den Kinokassen kein Erfolg.

Im Jahr 2004 erschien der Realfilm „ Sky Captain and the World of Tomorrow “. Er zeichnete sich dadurch aus, dass er komplett vor einem Bluescreen gedreht wurde , der Hintergrund vollständig computergeneriert war; nur die Schauspieler und einige Requisiten waren real. Robert Zemeckis ’ Film „ Der Polarexpress “ mit Tom Hanks in fünf Rollen war ein komplett computeranimierter Film, nutzte aber Motion-Capture- Technologie zur Animation der Charaktere. Nach „Der Polarexpress“ drehte Zemeckis zwei weitere Motion-Capture-Filme: „ Beowulf “ und Disneys „Eine Weihnachtsgeschichte“ .

Der Einsatz von CGI-Spezialeffekten in Realfilmen nahm so stark zu, dass George Lucas seinen Film „Star Wars: Episode II – Angriff der Klonkrieger“ aus dem Jahr 2002 in erster Linie als Animationsfilm mit realen Schauspielern betrachtete. Immer mehr Familienfilme setzten vollständig computergenerierte Charaktere ein, die mit realen Darstellern interagierten, wie beispielsweise Jar Jar Binks in „Star Wars: Episode I – Die dunkle Bedrohung “ , Gollum in „Der Herr der Ringe: Die zwei Türme“ und die Titelfigur Hulk . Obwohl computergenerierte Charaktere vom Kinopublikum mittlerweile akzeptiert werden, gibt es bisher noch keine vollständig animierten Filme mit virtuellen menschlichen Schauspielern, sogenannten „Synthespians“.

Ende der 1990er-Jahre erlebten Flash-Animationen – mit der Animationssoftware Adobe Flash erstellte Animationsfilme – ihren Aufstieg. Sie wurden in den USA und anderen Ländern produziert und über das Internet verbreitet . Waldron, Rick (20. November 2000). „The Flash History“ . Flash Magazine . Archiviert vom Original am 2. August 2018. Abgerufen am 1. April 2008 .

Zu den beliebten Flash-Animationsserien gehören „ Joe Cartoons “, „ Weebl and Bob “, „ Happy Tree Friends “, „ Homestar Runner “, die „Brackenwood“-Serie, „ Making Fiends “ und „ Salad Fingers “.

Historisch gesehen erhielten Animationsfilme trotz der Beibehaltung der Kategorie „Bester animierter Kurzfilm“ bei den Academy Awards selten Anerkennung für etwas anderes als Filmmusik und Lieder. Die beispiellose Nominierung von Disneys „ Die Schöne und das Biest “ für den besten Film und fünf weitere Auszeichnungen änderte dies grundlegend, obwohl der Film zwei Oscars für seine Musik und seine Lieder gewann, während „ Toy Story “ den Oscar für das beste Originaldrehbuch erhielt . Animation war zu Beginn des 21. Jahrhunderts so weit verbreitet, dass die Academy of Motion Picture Arts and Sciences im Jahr 2001 einen neuen Oscar für den besten animierten Spielfilm einführte .

Die drei Anwärter auf den Preis waren: Shrek von DreamWorks, Die Monster AG von Disney/Pixar und Jimmy Neutron – Der geniale Erfinder von Paramount und Nickelodeon. Der Preis ging in jenem Jahr an Shrek. Zu den Filmen, die in diesem Jahr nicht berücksichtigt wurden, gehörten der gefeierte Film für Erwachsene, Waking Life , und der fotorealistische CGI-Film Final Fantasy: Die Mächte in dir .

Hayao Miyazakis von der Kritik gefeierter Film „ Chihiros Reise ins Zauberland“ gewann 2002 den Oscar. Disneys/Pixars „ Findet Nemo“ erhielt die Auszeichnung 2003 und setzte sich gegen die Nominierten „ Die Triplets von Belleville“ und „Bärenbrüder“ durch . Seitdem hat Pixar die meisten Oscars in dieser Kategorie gewonnen. Ausnahmen bilden derzeit „ Wallace & Gromit – Auf der Jagd nach dem Riesenkaninchen“ (2005), „Happy Feet“ (2006), „Rango“ (2011) , „ Die Eiskönigin – Völlig unverfroren“ ( 2013), „ Baymax – Riesiges Robowabohu“ (2014), „ Zoomania “ (2016), „ Spider-Man: A New Universe“ ( 2018), „ Encanto “ (2021), Guillermo del Toros „Pinocchio“ (2022), „ Der Junge und der Reiher“ (2023), „Flow“ (2024) und „K-Pop Demon Hunters“ (2025).

In der Ausgabe des „Hollywood Reporter“ vom 7. März 2013 wurden die Stimmzettel von acht verschiedenen Oscar-Wählern der Academy veröffentlicht. ^{[ 67 ]} Vier dieser acht Wähler enthielten sich in der Kategorie „Bester Animationsfilm“ aufgrund mangelnder Fachkenntnisse. Sie gaben zu, nicht alle Nominierungen gesehen zu haben; einer von ihnen erklärte: „Damit war Schluss, als ich sechs Jahre alt war.“ Diese Missachtung von Animationsfilmen durch die Wähler selbst wird häufig von amerikanischen Animatoren kritisiert, die behaupten: „Hollywood interessiert sich nicht für Animationsfilme und hat keine Ahnung davon.“ ^{[ 68 ]}

Die Annie Awards werden jedes Jahr im Februar von der Hollywood-Sektion der International Animated Film Association für herausragende Leistungen im Bereich Film- und Fernsehanimation in den Vereinigten Staaten verliehen. Ursprünglich 1972 ins Leben gerufen, um das Lebenswerk in den verschiedenen Bereichen der Animation zu würdigen, zeichnen die Awards mittlerweile die Animation als Ganzes aus und würdigen auch aktuelle Produktionen.

Acht abendfüllende Animationsfilme – Arielle, die Meerjungfrau (1989), Die Schöne und das Biest (1991), Nightmare Before Christmas (1993), Der König der Löwen (1994), Toy Story (1995), Shrek (2001), Die Unglaublichen (2004) und WALL-E (2008) – wurden zusammen mit zwei Pixar-Kurzfilmen, Luxo Jr. (1986) und Tin Toy (1988), in das National Film Registry aufgenommen . ^{[ 69 ]}

Studio Ghiblis „ Chihiros Reise ins Zauberland “ (2001) und vier Pixar-Filme („ Findet Nemo“ (2003) , „ Ratatouille“ (2007) , „WALL-E“ (2008) und „ Alles steht Kopf “ (2015 )) wurden in die BBC-Umfrage zu den 100 besten Filmen des 21. Jahrhunderts aufgenommen. ^{[ 70 ]}

• Geschichte der Animation
• Geschichte der Computeranimation
• Listen von animierten Spielfilmen
• Liste computeranimierter Filme
• Liste amerikanischer Zeichentrickserien

• Lenburg, Jeff (Juni 2006). Who's Who in Animated Cartoons: An International Guide to Film and Television's Award-Winning and Legendary Animators . Applause Books. ISBN 1-55783-671-XDie
• Solomon, Charles (1989). Verzauberte Zeichnungen: Die Geschichte der Animation . New York: Random House, Inc. ISBN 978-0-394-54684-1Die

• Die offizielle Website der „Annie Awards“