Volksmusik

Volksmusik ist ein Musikgenre, das sowohl traditionelle Volksmusik als auch die zeitgenössischen Formen umfasst, die sich im Zuge der Folk-Revival-Bewegung des 20. Jahrhunderts aus ersterer entwickelten . Manche Arten von Volksmusik werden auch als Weltmusik bezeichnet . Traditionelle Volksmusik wurde auf verschiedene Weise definiert: als mündlich überlieferte Musik, Musik unbekannter Komponisten, Musik, die auf traditionellen Instrumenten gespielt wird, Musik, die die kulturelle oder nationale Identität widerspiegelt, Musik, die sich über Generationen hinweg verändert (Volkstradition), Musik, die mit der Folklore eines Volkes verbunden ist , oder Musik, die über lange Zeit aus Tradition aufgeführt wird. Sie steht im Gegensatz zu kommerziellen und klassischen Musikstilen . Der Begriff entstand im 19. Jahrhundert, doch die Volksmusik reicht weit darüber hinaus.

Ab Mitte des 20. Jahrhunderts entwickelte sich aus der traditionellen Volksmusik eine neue Form populärer Folkmusik. Dieser Prozess und diese Periode werden als (zweite) Folk-Revival-Bewegung bezeichnet und erreichten in den 1960er Jahren ihren Höhepunkt. Diese Musikrichtung wird mitunter auch als zeitgenössische Folkmusik oder Folk-Revival-Musik bezeichnet, um sie von früheren Volksmusikformen abzugrenzen. ^{[ 1 ]} Kleinere, ähnliche Revivals gab es zu anderen Zeiten auch andernorts auf der Welt, doch wurde der Begriff „Volksmusik“ in der Regel nicht auf die im Zuge dieser Revivals entstandene neue Musik angewendet. Zu dieser Art von Volksmusik gehören auch Fusion-Genres wie Folk-Rock , Folk-Metal und andere. Obwohl zeitgenössische Folkmusik im Allgemeinen ein eigenständiges Genre ist, das sich von traditioneller Volksmusik unterscheidet, trägt sie im US-amerikanischen Englisch denselben Namen und teilt sich oft dieselben Interpreten und Veranstaltungsorte mit traditioneller Volksmusik.

Die Begriffe Volksmusik , Volkslied und Volkstanz sind vergleichsweise junge Ausdrücke. Sie leiten sich vom Begriff Folklore ab , der 1846 von dem englischen Altertumsforscher William Thoms geprägt wurde , um „die Traditionen, Gebräuche und den Aberglauben der ungebildeten Bevölkerungsschichten“ zu beschreiben. ^{[ 3 ]} Der Begriff leitet sich wiederum vom deutschen Ausdruck „Volk“ ab , der im Sinne von „das Volk als Ganzes“ verwendet wurde und über ein halbes Jahrhundert zuvor von Johann Gottfried Herder und den deutschen Romantikern auf populäre und nationale Musik angewendet wurde. ^{[ 4 ]} Obwohl allgemein anerkannt ist, dass Volksmusik die Musik des Volkes ist, fällt es Beobachtern schwer, eine präzisere Definition zu finden. ^{[ 5 ] [ 6 ]} Manche sind sogar der Ansicht, dass der Begriff Volksmusik nicht verwendet werden sollte. ^{[ 5 ]} Volksmusik mag zwar bestimmte Merkmale aufweisen, ^{[ 3 ]} lässt sich aber rein musikalisch nicht eindeutig abgrenzen. Eine häufig angegebene Bedeutung ist die von „alten Liedern ohne bekannte Komponisten“ ^{[ 7 ],} eine andere die von Musik, die einem evolutionären „Prozess der mündlichen Überlieferung ... der Gestaltung und Umgestaltung der Musik durch die Gemeinschaft, die ihr ihren volkstümlichen Charakter verleiht“ ^{[ 8 ]} unterworfen war .

Solche Definitionen stützen sich eher auf „(kulturelle) Prozesse als auf abstrakte Musiktypen…“, auf „ Kontinuität und mündliche Überlieferung … die eine Seite einer kulturellen Dichotomie charakterisieren , deren andere Seite sich nicht nur in den unteren Schichten feudaler , kapitalistischer und einiger orientalischer Gesellschaften, sondern auch in ‚primitiven‘ Gesellschaften und Teilen der ‚Populärkultur‘ findet.“ ^{[ 9 ]} Eine weit verbreitete Definition lautet schlicht: „Volksmusik ist das, was die Leute singen.“ ^{[ 10 ]}

Für Scholes ^{[ 3 ]} sowie für Cecil Sharp und Béla Bartók [ ^{11 ] gab es ein Bewusstsein für die Musik des Landes ,} die sich von der der Stadt unterschied. Volksmusik wurde bereits als „authentischer Ausdruck einer vergangenen oder im Verschwinden begriffenen Lebensweise (oder in manchen Fällen als zu bewahren oder auf irgendeine Weise wiederzubeleben)“ ^{[ 12 ]} angesehen , insbesondere in „einer Gemeinschaft, die nicht von Kunstmusik“ ^{[ 8 ]} und kommerziellen sowie gedruckten Liedern beeinflusst war. Lloyd lehnte dies zugunsten einer einfachen Unterscheidung nach Wirtschaftsklasse ab ^{[ 11 ].} Für ihn war wahre Volksmusik jedoch, in den Worten von Charles Seeger , „mit einer niedrigeren Klasse verbunden“ ^{[ 13 ]} in kulturell und sozial geschichteten Gesellschaften. In diesem Sinne kann Volksmusik als Teil eines „Schemas mit vier musikalischen Typen“ betrachtet werden: „primitiv“ oder „tribal“, „elitär“ oder „Kunst“, „Volksmusik“ und „populär“ ^{[ 14 ] .}

Musik dieses Genres wird oft auch als „traditionelle Musik“ bezeichnet. Obwohl der Begriff meist nur beschreibend ist, wird er in manchen Fällen auch als Genrebezeichnung verwendet. So verwendete der Grammy Award früher die Begriffe „traditionelle Musik“ und „traditionelle Volksmusik“ für Volksmusik, die nicht der zeitgenössischen Volksmusik zuzuordnen ist. ^{[ 15 ]} Volksmusik kann die meisten indigenen Musikrichtungen umfassen . ^{[ 5 ]}

Aus historischer Sicht wies die traditionelle Volksmusik folgende Merkmale auf: ^{[ 13 ]}

• Die Überlieferung erfolgte mündlich . Vor dem 20. Jahrhundert waren die meisten Menschen Analphabeten und lernten Lieder auswendig. Bücher oder andere Medien dienten dabei in erster Linie nicht der Unterstützung. Sängerinnen und Sänger erweiterten ihr Repertoire zwar möglicherweise mithilfe von Liedblättern oder Liederbüchern , doch diese Ergänzungen waren im Wesentlichen die gleichen wie die ursprünglich live erlebten Lieder.
• Die Musik war oft eng mit der nationalen Kultur verbunden . Sie war kulturell geprägt, stamme aus einer bestimmten Region oder Kultur. Im Kontext von Einwanderergruppen gewinnt die Volksmusik eine zusätzliche Bedeutung für den sozialen Zusammenhalt. Dies zeigt sich besonders deutlich in Einwanderergesellschaften, wo griechische Australier , somalische Amerikaner , Punjabi-Kanadier und andere bestrebt sind, ihre kulturelle Identität zu betonen. Sie lernen Lieder und Tänze, die aus den Herkunftsländern ihrer Großeltern stammen.
• Sie erinnern an historische und persönliche Ereignisse. An bestimmten Tagen des Jahres, darunter Feiertage wie Weihnachten, Ostern und der 1. Mai, werden mit besonderen Liedern der Jahreszyklus gefeiert. Auch Geburtstage, Hochzeiten und Beerdigungen werden mit Liedern, Tänzen und festlicher Kleidung begangen. Religiöse Feste beinhalten oft Volksmusik. Chorgesang bei diesen Anlässen bringt Kinder und Laiensänger zusammen, die so gemeinsam in der Öffentlichkeit auftreten und eine emotionale Verbundenheit schaffen, die unabhängig von den ästhetischen Qualitäten der Musik besteht.
• Die Lieder werden seit langer Zeit, meist über mehrere Generationen hinweg, traditionell aufgeführt .

Als Nebenwirkung treten mitunter folgende Merkmale auf:

• Die Lieder sind nicht urheberrechtlich geschützt . Hunderte von Volksliedern aus dem 19. Jahrhundert haben bekannte Autoren, wurden aber so lange mündlich überliefert, dass sie für die Zwecke des Musikverlags als traditionell gelten. Dies ist seit den 1940er Jahren deutlich seltener geworden. Heute wird fast jedes aufgenommene Volkslied mit einem Arrangeur angegeben.
• Verschmelzung der Kulturen: Da Kulturen miteinander interagieren und sich im Laufe der Zeit verändern, können traditionelle Lieder, die sich über die Zeit entwickeln, Einflüsse aus verschiedenen Kulturen aufnehmen und widerspiegeln. Zu den relevanten Faktoren gehören Instrumentierung , Stimmung , Stimmführung , Phrasierung , Thematik und sogar Produktionsmethoden.
• Die Begleitakkorde und Harmonien eines Liedes wurden improvisiert. Flugblätter und Liederbücher enthielten nur wenige (wenn überhaupt) Angaben zur Melodie und Harmonie eines Liedes, sodass die Interpreten ihre eigenen Entscheidungen trafen und spontane Arrangements komponierten. Dies steht im Gegensatz zu den detaillierten, vorschreibenden Noten, die damals zur Transkription klassischer Musikkompositionen verwendet wurden.

In der Volksmusik ist eine Melodie ein kurzes Instrumentalstück , oft mit sich wiederholenden Abschnitten , das in der Regel mehrmals gespielt wird. ^{[ 16 ]} Eine Sammlung von Melodien mit strukturellen Ähnlichkeiten wird als Melodienfamilie bezeichnet . In „America’s Musical Landscape“ ^{[ 17 ]} heißt es: „Die häufigste Form für Melodien in der Volksmusik ist AABB, auch bekannt als binäre Form .“ ^{[ 18 ]}

In einigen Traditionen werden Melodien zu Medleys oder Sätzen aneinandergereiht . ^{[ 19 ]} Studien zeigen, dass bestimmte traditionelle Musikmuster des europäischen Musikerbes mathematischen Sequenzen folgen , was dazu beiträgt, dass traditionelle Lieder durch mündliche Überlieferung von Generationen erhalten bleiben. ^{[ 20 ]}

Über weite Strecken der Menschheitsgeschichte war das Hören von Musikaufnahmen nicht möglich. ^{[ 21 ] [ 22 ]} Musik wurde von einfachen Leuten sowohl bei der Arbeit als auch in der Freizeit sowie bei religiösen Zeremonien gemacht. Die Arbeit in der Wirtschaft war oft manuell und gemeinschaftlich. ^{[ 23 ]} Zu den manuellen Arbeiten gehörte häufig das Singen der Arbeiter, was mehrere praktische Zwecke erfüllte. ^{[ 24 ]} Es vertrieb die Langeweile bei sich wiederholenden Aufgaben, gab den Rhythmus bei synchronisierten Bewegungen vor und bestimmte das Tempo vieler Tätigkeiten wie Pflanzen , Jäten , Ernten , Dreschen , Weben und Mahlen . In der Freizeit waren Singen und Musizieren gängige Formen der Unterhaltung und des Geschichtenerzählens – sogar noch verbreiteter als heute, wo elektrische Technologien und die weitverbreitete Alphabetisierung andere Formen der Unterhaltung und des Informationsaustauschs in Konkurrenz setzen. ^{[ 25 ]}

Manche glauben, dass Volksmusik ihren Ursprung in der Kunstmusik hat , die durch mündliche Überlieferung verändert und möglicherweise verfälscht wurde, während sie den Charakter der Gesellschaft widerspiegelte, aus der sie hervorging. ^{[ 3 ]} In vielen Gesellschaften, insbesondere in schriftlosen, erfordert die kulturelle Weitergabe von Volksmusik das Erlernen nach Gehör , obwohl sich in einigen Kulturen eine Notation entwickelt hat. ^{[ 26 ]} Verschiedene Kulturen haben möglicherweise unterschiedliche Vorstellungen von der Unterscheidung zwischen „Volksmusik“ einerseits und „Kunstmusik“ und „Hofmusik“ andererseits. Im Zuge der Verbreitung populärer Musikgenres werden einige traditionelle Volksmusikstücke auch als „ Weltmusik “ oder „Roots-Musik“ bezeichnet. ^{[ 27 ]}

Der englische Begriff „ Folklore “ zur Beschreibung traditioneller Volksmusik und -tänze fand Eingang in den Wortschatz vieler kontinentaleuropäischer Länder, die jeweils ihre Volksliedsammler und -bewahrer hatten. ^{[ 3 ]} Die Unterscheidung zwischen „authentischer“ Volksmusik und nationalen sowie populären Liedern im Allgemeinen war schon immer fließend, insbesondere in Amerika und Deutschland ^{[ 3 ]} – so könnten beispielsweise populäre Liedermacher wie Stephen Foster in Amerika als „Folk“ bezeichnet werden. ^{[ 3 ] [ 28 ]} Die Definition des International Folk Music Council erlaubt, dass der Begriff auch auf Musik angewendet werden kann, die „…von einem einzelnen Komponisten stammt und anschließend in die ungeschriebene, lebendige Tradition einer Gemeinschaft aufgenommen wurde. Der Begriff umfasst jedoch kein Lied, keinen Tanz oder keine Melodie, die vorgefertigt übernommen wurde und unverändert bleibt.“ ^{[ 29 ]}

Die Folk-Revival-Bewegung nach dem Zweiten Weltkrieg in Amerika und Großbritannien begründete ein neues Genre, die zeitgenössische Folkmusik , und erweiterte den Begriff „Folkmusik“ um eine neue Bedeutung: neu komponierte, formal festgelegte Lieder bekannter Komponisten, die traditionelle Musik in irgendeiner Form imitierten. Die Popularität zeitgenössischer Folk-Aufnahmen führte 1959 zur Einführung der Kategorie „Folk“ bei den Grammy Awards . ^{[ 30 ]} 1970 wurde diese Kategorie zugunsten von „Best Ethnic or Traditional Recording (including Traditional Blues)“ wieder abgeschafft. ^{[ 31 ]} 1987 wurde dann zwischen „Best Traditional Folk Recording“ und „Best Contemporary Folk Recording“ unterschieden. ^{[ 32 ]} Anschließend gab es die Kategorie „Traditional Music“, aus der später weitere Kategorien hervorgingen. Zu Beginn des 21. Jahrhunderts umfasste der Begriff „Folk“ Singer-Songwriter wie Donovan ^{[ 33 ]} aus Schottland und Bob Dylan ^{[ 34 ]} aus den USA, die in den 1960er Jahren bekannt wurden, und vieles mehr. Damit war ein Prozess abgeschlossen, in dem „Folkmusik“ nicht mehr nur traditionelle Volksmusik bedeutete. ^{[ 7 ]}

Traditionelle Volksmusik beinhaltet oft gesungene Texte , obwohl volkstümliche Instrumentalmusik in Tanzmusiktraditionen weit verbreitet ist . Erzählende Verse spielen in der traditionellen Volksmusik vieler Kulturen eine wichtige Rolle. ^{[ 35 ] [ 36 ]} Dazu gehören Formen wie die traditionelle epische Dichtung , die ursprünglich größtenteils für den mündlichen Vortrag bestimmt war und mitunter von Instrumenten begleitet wurde. ^{[ 37 ] [ 38 ]} Viele Epen verschiedener Kulturen wurden aus kürzeren Fragmenten traditioneller erzählender Verse zusammengesetzt, was ihre episodische Struktur, die Wiederholungen und die häufigen Handlungswendungen mitten im Geschehen erklärt . Andere Formen traditioneller erzählender Verse schildern den Ausgang von Schlachten oder beklagen Tragödien oder Naturkatastrophen . ^{[ 39 ]}

Manchmal, wie im triumphierenden Lied der Deborah ^{[ 40 ]} aus dem biblischen Buch der Richter , preisen diese Lieder den Sieg. Klagelieder über verlorene Schlachten und Kriege sowie die dabei gefallenen Menschen sind in vielen Traditionen ebenso prominent; diese Klagelieder halten die Sache, für die die Schlacht geführt wurde, lebendig. ^{[ 41 ] [ 42 ]} Die Erzählungen traditioneller Lieder erinnern oft auch an Volkshelden wie John Henry ^{[ 43 ] [ 44 ]} oder Robin Hood . ^{[ 45 ]} Einige traditionelle Liederzählungen erinnern an übernatürliche Ereignisse oder mysteriöse Todesfälle. ^{[ 46 ]}

Hymnen und andere Formen religiöser Musik sind oft traditionellen und unbekannten Ursprungs. ^{[ 47 ]} Die westliche Notenschrift wurde ursprünglich entwickelt, um die Melodie des Gregorianischen Chorals zu bewahren, der vor ihrer Erfindung in Klostergemeinschaften mündlich überliefert wurde . ^{[ 48 ] [ 49 ]} Traditionelle Lieder wie „Green grow the rushes, O“ vermitteln religiöse Überlieferungen in einer einprägsamen Form, ebenso wie westliche Weihnachtslieder und ähnliche traditionelle Lieder. ^{[ 50 ]}

Arbeitslieder weisen häufig Wechselgesänge auf und sind so gestaltet, dass die singenden Arbeiter ihre Anstrengungen im Rhythmus der Lieder koordinieren können. ^{[ 51 ]} In den amerikanischen Streitkräften ist eine lebendige mündliche Tradition erhalten geblieben: die Jody-Rufe („Duckworth-Gesänge“), die während des Marsches gesungen werden. ^{[ 52 ]} Berufssegler nutzten eine große Anzahl von Seemannsliedern in ähnlicher Weise . ^{[ 53 ] [ 54 ]} Liebeslyrik , oft tragischer oder wehmütiger Natur, spielt in vielen Volkstraditionen eine wichtige Rolle. ^{[ 55 ] [ 56 ]} Auch Kinderreime , Kinderlieder und Nonsensverse, die Kinder unterhalten oder beruhigen sollen, sind häufige Themen traditioneller Lieder. ^{[ 57 ]}

Musik, die innerhalb einer Gemeinschaft mündlich überliefert wird, entwickelt im Laufe der Zeit viele Varianten, da diese Überlieferung keine wortgetreue und notengetreue Wiedergabe gewährleisten kann. Darüber hinaus können Volkssänger die Lieder, die sie hören, verändern.

So verbreitete sich beispielsweise um 1970 das Lied „Mulla Mohammed Jān“ von Herat aus im restlichen Afghanistan und im Iran , wo es auch aufgenommen wurde. Dank seines sich wiederholenden Refrains und der Vorhersehbarkeit der zweiten Hälfte jeder Strophe trug es sowohl zu seiner Popularisierung bei als auch dazu, dass jeder Sänger seine eigene Version des Liedes kreieren konnte, ohne sich allzu sehr an eine Melodie oder einen strengen poetischen Rhythmus halten zu müssen. ^{[ 58 ]}

Da sich Varianten naturgemäß stark verbreiten, gibt es im Allgemeinen keine „autoritative“ Version des Liedes. Forscher im Bereich traditioneller Lieder sind in der gesamten englischsprachigen Welt auf unzählige Versionen der Barbara-Allen -Ballade gestoßen, und diese unterscheiden sich oft erheblich voneinander. Das Original ist unbekannt; viele Versionen erheben gleichermaßen Anspruch auf Authentizität.

Der einflussreiche Folklorist Cecil Sharp war der Ansicht, dass diese konkurrierenden Varianten eines traditionellen Liedes einen Verbesserungsprozess durchlaufen würden, der der natürlichen Selektion in der Biologie ähnelte : Nur jene neuen Varianten, die den Sängern am meisten zusagten, würden von anderen übernommen und weitergegeben. Daher wäre zu erwarten, dass jedes traditionelle Lied im Laufe der Zeit durch die schrittweise Verbesserung innerhalb der Gemeinschaft ästhetisch ansprechender würde.

Das literarische Interesse an der populären Balladenform lässt sich mindestens bis zu Thomas Percy und William Wordsworth zurückverfolgen . Englische Komponisten der elisabethanischen und Stuart-Zeit entwickelten ihre Musik oft aus Volksthemen, die klassische Suite basierte auf stilisierten Volkstänzen, und Joseph Haydns Verwendung von Volksmelodien ist bekannt. Doch das Aufkommen des Begriffs „Volksmusik“ fiel mit einem „Ausbruch nationalistischen Gefühls in ganz Europa“ zusammen, der besonders an den Rändern Europas stark ausgeprägt war, wo die nationale Identität am deutlichsten zum Ausdruck kam. Nationalistische Komponisten traten in Mitteleuropa, Russland, Skandinavien, Spanien und Großbritannien hervor: Die Musik von Dvořák , Smetana , Grieg , Rimski-Korsakow , Brahms , Liszt , de Falla , Wagner , Sibelius , Vaughan Williams , Bartók und vielen anderen schöpfte aus Volksmelodien.

Der Verlust traditioneller Volksmusik angesichts des Aufstiegs der Popmusik ist zwar ein weltweites Phänomen ^{[ 59 ]} , verläuft aber nicht überall gleich schnell ^{[ 60 ]} . Am weitesten fortgeschritten ist der Prozess dort, „wo Industrialisierung und Kommerzialisierung der Kultur am weitesten entwickelt sind“ ^{[ 61 ]} , aber er vollzieht sich auch in Regionen mit geringerem technologischen Entwicklungsstand, wenn auch langsamer. Der Verlust traditioneller Musik verlangsamt sich jedoch in Ländern oder Regionen, in denen traditionelle Volksmusik ein Symbol kultureller oder nationaler Identität ist. Musikethnologen weisen darauf hin, dass das UNESCO -Programm zum Schutz des immateriellen Kulturerbes zu den wichtigsten Maßnahmen von Regierungen zählt, die regionale Musiktraditionen vor dem Verschwinden bewahren sollen ^{[ 62 ] .}

Ein Großteil unseres Wissens über die Volksmusik vor der Entwicklung der Tonaufnahmetechnik im 19. Jahrhundert stammt aus Feldforschungen und den Schriften von Wissenschaftlern, Sammlern und Befürwortern. ^{[ 63 ]}

Ab dem 19. Jahrhundert unternahmen Akademiker und Amateurmusiker angesichts des drohenden Verlusts musikalischer Traditionen verschiedene Anstrengungen, die Musik des Volkes zu bewahren. ^{[ 64 ]} Eine dieser Anstrengungen war die Sammlung der Texte von über dreihundert Balladen englischer und schottischer Tradition durch Francis James Child im späten 19. Jahrhundert (die sogenannten Child Ballads ), von denen einige aus der Zeit vor dem 16. Jahrhundert stammen. ^{[ 10 ]}

Zeitgleich mit Child arbeiteten Reverend Sabine Baring-Gould und später Cecil Sharp unter der Schirmherrschaft der späteren und bis heute bestehenden English Folk Dance and Song Society (EFDSS) daran, einen großen Teil der englischen ländlichen Volksmusik, -lieder und -tänze zu bewahren. ^{[ 65 ]} Sharp setzte sich mit einigem Erfolg dafür ein, dass englische Volkslieder (in seinen stark bearbeiteten und zensierten Fassungen) an Schulen gelehrt wurden, um deren Popularität wiederzubeleben und zu erhalten. ^{[ 66 ] [ 67 ]} In den 1960er und frühen bis mittleren 1970er Jahren veröffentlichte der amerikanische Gelehrte Bertrand Harris Bronson eine umfassende, vierbändige Sammlung der damals bekannten Variationen der Texte und Melodien des sogenannten Child-Kanons. ^{[ 68 ]} Er entwickelte zudem wichtige Theorien zur Funktionsweise mündlicher Überlieferung. ^{[ 69 ]}

Ähnliche Aktivitäten fanden auch in anderen Ländern statt. Eine der umfangreichsten war wohl die Arbeit von Krišjānis Barons in Riga , der zwischen 1894 und 1915 sechs Bände mit den Texten von 217.996 lettischen Volksliedern , den „Latvju dainas“ , veröffentlichte und diese im „Kabinett der Volkslieder“ aufbewahrte . ^{[ 70 ]} In Norwegen nutzte Edvard Grieg die Werke von Sammlern wie Ludvig Mathias Lindeman in seinen „Lyrischen Stücken für Klavier“ und anderen Werken, die sich großer Beliebtheit erfreuten. ^{[ 71 ]}

Um diese Zeit entwickelten Komponisten klassischer Musik ein starkes Interesse am Sammeln traditioneller Lieder, und einige führten eigene Feldforschungen zur traditionellen Musik durch. Dazu gehörten Percy Grainger ^{[ 72 ]} und Ralph Vaughan Williams ^{[ 73 ]} in England sowie Béla Bartók ^{[ 74 ]} in Ungarn. Diese Komponisten fertigten, wie viele ihrer Vorgänger, sowohl Bearbeitungen von Volksliedern an als auch die Integration traditionellen Materials in eigene klassische Kompositionen. ^{[ 75 ] [ 76 ]}

Die Entwicklung der Tonaufnahmetechnik bot Volkskundlern ein revolutionäres Werkzeug zur Bewahrung verschwindender Musikformen. ^{[ 77 ]} Die ersten amerikanischen Volksmusikforscher waren Mitglieder der American Folklore Society (AFS), die Ende des 19. Jahrhunderts gegründet wurde. ^{[ 78 ]} Ihre Studien umfassten auch die Musik der indigenen Bevölkerung Nordamerikas , betrachteten Volksmusik aber weiterhin als historisches Gut, das auch in isolierten Gesellschaften bewahrt wurde. ^{[ 79 ]} In Nordamerika arbeitete die Library of Congress in den 1930er und 1940er Jahren mit den Sammlern traditioneller Musik Robert Winslow Gordon ^{[ 80 ]} , Alan Lomax ^{[ 81 ] [ 82 ] [ 83 ]} und anderen zusammen, um möglichst viel nordamerikanisches Feldmaterial zu sichern. ^{[ 84 ]} John Lomax (der Vater von Alan Lomax) war der erste bedeutende Wissenschaftler, der sich mit spezifisch amerikanischer Volksmusik, wie der von Cowboys und Afroamerikanern im Süden der USA, befasste. Sein erstes größeres veröffentlichtes Werk, „ Cowboy Songs and Other Frontier Ballads“ , erschien 1911 . ^{[ 85 ]} John Lomax war wohl der bedeutendste US-amerikanische Folkmusikforscher seiner Zeit, insbesondere in der Frühphase der Folk-Revival-Bewegung in den 1930er und frühen 1940er Jahren. Auch Cecil Sharp arbeitete in Amerika und nahm 1916–1918 in Zusammenarbeit mit Maud Karpeles und Olive Dame Campbell traditionelle Lieder der Appalachen auf . Er gilt als der erste bedeutende Wissenschaftler, der sich mit amerikanischer Folkmusik befasste. ^{[ 86 ]} Campbell und Sharp werden im Film „Songcatcher“ unter anderen Namen von Schauspielern dargestellt . ^{[ 87 ]}

Ein zentrales Thema der Volksmusikforschung in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts war der Regionalismus ^{[ 88 ]} , die Analyse der Vielfalt der Volksmusik (und verwandter Kulturen) anhand der Regionen der USA anstatt der historischen Wurzeln eines bestimmten Liedes ^{[ 89 ] [ 90 ]} . Später wurde die Dynamik von Klasse und Lebensumständen hinzugefügt ^{[ 91 ]} . Die prominentesten Regionalisten waren Literaten mit einem besonderen Interesse an Folklore ^{[ 92 ] [ 93 ]} . Carl Sandburg bereiste als Schriftsteller und Dichter häufig die USA ^{[ 94 ]} . Auf seinen Reisen sammelte er auch Lieder und veröffentlichte sie 1927 in dem Buch „The American Songbag“ . ^{[ 95 ]} Rachel Donaldson, eine Historikerin, die für Vanderbilt arbeitete, äußerte sich später in ihrer Analyse der Folk-Revival-Bewegung wie folgt zu „ The American Songbag“ : „In seinen Volksliedsammlungen fügte Sandburg dem gängigen Verständnis amerikanischer Volksmusik eine Klassendynamik hinzu. Dies war das letzte Element des Fundaments, auf dem die frühen Folk-Revivalisten ihre eigene Auffassung von Amerikanismus konstruierten. Sandburgs Amerikaner aus der Arbeiterklasse schlossen sich den ethnisch , rassisch und regional vielfältigen Bürgern an, die andere Wissenschaftler, Intellektuelle und Folkloristen feierten und deren Definitionen des amerikanischen Volkes sie prägten – Definitionen, die die Folk-Revivalisten nutzten, um ihr eigenes Verständnis amerikanischer Volksmusik und einer übergreifenden amerikanischen Identität zu konstruieren.“ ^{[ 96 ]}

Vor den 1930er Jahren war die Erforschung der Volksmusik vorwiegend Gelehrten und Sammlern vorbehalten. In den 1930er Jahren entwickelten sich – oft im Zusammenhang mit der Weltwirtschaftskrise – auch in der Bevölkerung und unter den Musikern selbst übergreifende Themen, Gemeinsamkeiten und Verbindungen in der Volksmusik . ^{[ 97 ]} Regionalismus und kultureller Pluralismus gewannen als Einflüsse und Themen an Bedeutung. In dieser Zeit begann sich die Volksmusik mit politischen und sozialen Aktivismusthemen und -bewegungen zu verflechten. ^{[ 97 ]} Zwei damit verbundene Entwicklungen waren das Interesse der Kommunistischen Partei der USA an der Volksmusik als Mittel, die amerikanische Bevölkerung zu erreichen und zu beeinflussen, ^{[ 98 ]} und die Tatsache, dass politisch aktive, prominente Volksmusiker und -wissenschaftler den Kommunismus im Lichte der Weltwirtschaftskrise als möglicherweise besseres System ansahen. ^{[ 99 ]} Woody Guthrie ist ein Beispiel für einen Liedermacher und Künstler mit einer solchen Weltanschauung. ^{[ 100 ]}

In den 1930er Jahren erlebten Folk-Musikfestivals einen Boom. ^{[ 101 ]} Präsident Franklin Roosevelt war ein begeisterter Folk-Musiker, veranstaltete Folk-Konzerte im Weißen Haus und besuchte regelmäßig Folk-Festivals. ^{[ 102 ]} Ein bedeutendes Festival war Sarah Gertrude Knotts National Folk Festival , das 1934 in St. Louis , Missouri, gegründet wurde. ^{[ 103 ]} Unter der Schirmherrschaft der Washington Post fand das Festival von 1937 bis 1942 in der Constitution Hall in Washington, D.C., statt. ^{[ 104 ]} Die Folk-Musikbewegung, die Festivals und die Kriegsanstrengungen wurden als Triebkräfte für gesellschaftliche Errungenschaften wie Demokratie, kulturellen Pluralismus und den Abbau kultureller und rassistischer Barrieren gesehen. ^{[ 105 ]}

Die amerikanischen Folk-Revivalisten der 1930er Jahre näherten sich der Folkmusik auf unterschiedliche Weise. ^{[ 106 ]} Drei Hauptströmungen kristallisierten sich heraus: Die „Traditionalisten“ (z. B. Sarah Gertrude Knott und John Lomax ) betonten die Bewahrung von Liedern als Zeugnisse untergegangener Kulturen. Die „funktionalen“ Folkloristen (z. B. Botkin und Alan Lomax) vertraten die Ansicht, dass Lieder nur dann relevant bleiben, wenn sie von jenen Kulturen verwendet werden, die die Traditionen bewahren, aus denen diese Lieder hervorgegangen sind. Die „linken“ Folk-Revivalisten (z. B. Charles Seeger und Lawrence Gellert) hoben die Rolle der Musik im Kampf der Bevölkerung für soziale und politische Rechte hervor. ^{[ 106 ]} Bis Ende der 1930er Jahre hatten diese und andere die amerikanische Folkmusik zu einer sozialen Bewegung gemacht. ^{[ 106 ]}

Manchmal wurden Volksmusiker selbst zu Gelehrten und Fürsprechern ihrer Traditionen. So war beispielsweise Jean Ritchie (1922–2015) das jüngste Kind einer kinderreichen Familie aus Viper, Kentucky , die viele der alten traditionellen Lieder der Appalachen bewahrt hatte . ^{[ 107 ]} Ritchie lebte in einer Zeit, in der sich die Appalachen Einflüssen von außen öffneten, studierte und zog schließlich nach New York City, wo sie zahlreiche klassische Aufnahmen des Familienrepertoires anfertigte und eine bedeutende Sammlung dieser Lieder veröffentlichte. ^{[ 108 ]}

Im Januar 2012 kündigte das American Folklife Center der Library of Congress zusammen mit der Association for Cultural Equity an, Lomax’ umfangreiches Archiv mit Aufnahmen aus dem Jahr 1946 und später digital zu veröffentlichen. Lomax hatte die letzten 20 Jahre seines Lebens an einem interaktiven Multimedia- Bildungsprojekt namens „ Global Jukebox“ gearbeitet , das 5.000 Stunden Tonaufnahmen, 121.940 Meter Film, 3.000 Videokassetten und 5.000 Fotografien umfasste. ^{[ 109 ]} Im März 2012 war die Digitalisierung abgeschlossen. Rund 17.400 von Lomax’ Aufnahmen aus dem Jahr 1946 und später sind seitdem kostenlos online verfügbar. ^{[ 110 ] [ 111 ]} Dieses Material aus Alan Lomax’ unabhängigem Archiv, das 1946 begann und von der Association for Cultural Equity digitalisiert und zur Verfügung gestellt wurde, unterscheidet sich von den Tausenden früheren Aufnahmen auf Acetat- und Aluminiumplatten, die er von 1933 bis 1942 unter der Schirmherrschaft der Library of Congress anfertigte. Diese frühere Sammlung – zu der die berühmten Sessions mit Jelly Roll Morton , Woody Guthrie, Lead Belly und Muddy Waters sowie Lomax’ umfangreiche Sammlungen aus Haiti und Ost-Kentucky (1937) gehören – ist im Besitz des American Folklife Center ^{[ 110 ]} der Library of Congress.

Afrika ist ein riesiger Kontinent ^{[ 112 ]} und seine Regionen und Nationen haben jeweils eigene musikalische Traditionen. ^{[ 113 ] [ 114 ]} Die Musik Nordafrikas hat größtenteils eine andere Geschichte als die Musiktraditionen Subsahara-Afrikas . ^{[ 115 ]}

Die Musik- und Tanzformen der afrikanischen Diaspora , darunter afroamerikanische Musik und viele karibische Genres wie Soca , Calypso und Zouk sowie lateinamerikanische Musikgenres wie Samba , kubanische Rumba und Salsa und andere auf Clave (Rhythmus) basierende Genres, gründen sich in unterschiedlichem Maße auf die Musik versklavter Afrikaner , welche wiederum die afrikanische Popmusik beeinflusst hat . ^{[ 116 ] [ 117 ]}

Viele asiatische Kulturen unterscheiden zwischen höfischer /klassischer Kunst und Volksmusik. ^{[ 118 ] [ 119 ]} Der verstorbene Alam Lohar ist beispielsweise ein südasiatischer Sänger, der als Volksmusiker klassifiziert wurde. ^{[ 120 ]}

Khunung Eshei/Khuland Eshei ist ein altes Volkslied aus Indien, einem Land in Asien, genauer gesagt von den Meitei in Manipur . Es ist ein Beispiel für asiatische Volksmusik und zeigt, wie diese ein eigenes Genre bildet. ^{[ 121 ]}

Archäologische Funde datieren die chinesische Volksmusik auf ein Alter von 7000 Jahren zurück; ^{[ 122 ]} sie basiert größtenteils auf der pentatonischen Tonleiter . ^{[ 123 ]}

Traditionelle Hochzeiten und Beerdigungen der Han-Dynastie beinhalten üblicherweise eine Oboenart namens Suona [ ^{124 ]} und Perkussionsensembles namens Chuigushou ^{[ 125 ]} . Ensembles aus Mundharmonikas ( Sheng ), Schalmeien ( Suona ), Flöten ( Dizi ) und Perkussionsinstrumenten (insbesondere Yunluo- Gongs ) sind in den Dörfern Nordchinas beliebt [126]; ^{ihre Musik stammt} von der kaiserlichen Tempelmusik Pekings, Xi’ans , Wutai Shans und Tianjins ab . Die Trommelmusik aus Xi’an , bestehend aus Blasinstrumenten und Perkussionsinstrumenten ^{[ 127 ] ,} ist in der Region um Xi’an populär und hat auch außerhalb Chinas kommerziellen Erfolg erzielt ^{[ 128 ]} . Ein weiteres wichtiges Instrument ist die Sheng , eine Art chinesische Pfeife , ein uraltes Instrument, das als Vorfahre aller westlichen Rohrblattinstrumente wie dem Akkordeon gilt . ^{[ 129 ]} Paraden, die von Blaskapellen westlicher Art angeführt werden , sind üblich und konkurrieren oft um die Lautstärke mit einer Schalmei-/Chuigushou-Kapelle.

In Süd- Fujian und Taiwan ist Nanyin oder Nanguan ein Genre traditioneller Balladen. ^{[ 130 ]} Sie werden von einer Frau gesungen, begleitet von einer Xiao und einer Pipa sowie anderen traditionellen Instrumenten. ^{[ 131 ]} Die Musik ist im Allgemeinen melancholisch und handelt typischerweise von Liebeskummer. ^{[ 132 ] [ 133 ]} Weiter südlich, in Shantou , Hakka und Chaozhou , sind Zheng- Ensembles beliebt. ^{[ 134 ]} Sizhu -Ensembles verwenden Flöten und gestrichene oder gezupfte Saiteninstrumente, um harmonische und melodische Musik zu spielen, die im Westen bei einigen Zuhörern Anklang gefunden hat. ^{[ 135 ]} Diese sind in Nanjing und Hangzhou sowie anderswo entlang des südlichen Jangtse- Gebiets beliebt . ^{[ 136 ]} Jiangnan Sizhu (Seiden- und Bambusmusik aus Jiangnan ) ist ein Stil der Instrumentalmusik, der oft von Amateurmusikern in Teehäusern in Shanghai gespielt wird. ^{[ 137 ]} Guangdong-Musik oder Kantonesische Musik ist Instrumentalmusik aus Guangzhou und Umgebung. ^{[ 138 ]} Die Musik dieser Region beeinflusste die Yueju -Musik (Kantonesische Oper), ^{[ 139 ]} die später während des selbsternannten „Goldenen Zeitalters“ Chinas unter der Volksrepublik China an Popularität gewann . ^{[ 140 ]}

Volkslieder werden in China seit der Antike aufgezeichnet. Der Begriff Yuefu umfasste eine breite Palette von Liedern, darunter Balladen, Klagelieder, Volkslieder, Liebeslieder und Hoflieder. ^{[ 141 ]} China ist ein riesiges Land mit einer Vielzahl sprachlicher und geografischer Regionen. Volkslieder werden nach geografischer Region, Sprachtyp, Ethnie, sozialer Funktion (z. B. Arbeitslied, Rituallied, Werbelied) und musikalischer Art kategorisiert. Moderne Anthologien chinesischer Volkskundler unterscheiden zwischen traditionellen Liedern, Revolutionsliedern und neu entstandenen Liedern. ^{[ 142 ]} Die Lieder Nordwestchinas sind als „Blumenlieder“ ( hua'er ) bekannt, was auf schöne Frauen anspielt, obwohl sie in der Vergangenheit für ihren erotischen Inhalt berüchtigt waren. ^{[ 143 ]} Auch die dörflichen „Berglieder“ ( shan'ge ) der Provinz Jiangsu waren für ihre Liebesthemen bekannt. ^{[ 144 ] [ 145 ]} Zu den weiteren regionalen Gesangstraditionen gehören die „gezupften Lieder“ ( tanci ) des unteren Jangtse-Deltas, die kantonesische Tradition der Holzfische ( muyu oder muk-yu ) und die Trommellieder ( guci ) Nordchinas. ^{[ 146 ]}

Im 21. Jahrhundert wurden viele beliebte chinesische Volkslieder in die Repräsentative Liste des immateriellen Kulturerbes der Menschheit der UNESCO aufgenommen . ^{[ 147 ]} Im Zuge dessen werden Lieder, die einst als vulgär galten, heute als romantische Liebeslieder neu interpretiert. ^{[ 148 ]} Regionale Gesangswettbewerbe, die in vielen Gemeinden populär sind, haben den professionellen Volksgesang als Beruf gefördert, und einige Volkssänger haben nationale Bekanntheit erlangt. ^{[ 149 ]}

Kunst, Musik und Tanz Sri Lankas sind von Naturelementen inspiriert und wurden im buddhistischen Umfeld gepflegt und weiterentwickelt. ^{[ 150 ]} Die Musik ist vielfältig und verwendet nur wenige Instrumente. ^{[ 151 ]} Volkslieder und -gedichte dienten der geselligen Zusammenkunft und dem gemeinsamen Tun. Die indisch beeinflusste klassische Musik hat sich zu einer einzigartigen Kunstform entwickelt. ^{[ 152 ] [ 153 ] [ 154 ] [ 155 ]} Traditionelles Theater, Musik und Lieder der singhalesischen Unterhaltungsmusik sind typisch sri-lankisch. ^{[ 156 ]} Tempelmalereien und -schnitzereien zeigen Vögel, Elefanten, Wildtiere, Blumen und Bäume, und die 18 traditionellen Tänze stellen den Tanz von Vögeln und Tieren dar. ^{[ 157 ]} Zum Beispiel:

• Mayura Wannama – Der Tanz des Pfaus ^{[ 158 ] [ 159 ]}
• Hanuma Wannama – Der Tanz des Affen ^{[ 160 ]}
• Gajaga Wannama – Der Tanz des Elefanten. Musikalische Typen umfassen:
• Die lokale Theatermusik umfasst Kolam ^{[ 161 ]} und Nadagam ^{[ 162 ]} . Kolam-Musik basiert auf Melodien aus dem Tiefland und dient vorwiegend der Begleitung von Maskentänzen bei Exorzismusritualen . ^{[ 163 ] [ 164 ]} Sie gilt als weniger entwickelt, der Volkstradition treu und bewahrt eine ältere Kunstform. ^{[ 165 ]} Sie beschränkt sich auf etwa drei bis vier Töne und wird von der Bevölkerung zur Unterhaltung und zum Vergnügen genutzt. ^{[ 166 ]}
• Die Nadagam-Musik ist eine weiterentwickelte Form des Theaters, beeinflusst vom südindischen Straßentheater, die von einigen südindischen Künstlern eingeführt wurde. Phillippu Singho aus Negombo führte 1824 in Hnguranketha das „Harishchandra Nadagama“ auf , das ursprünglich in Telugu verfasst war. Später kamen weitere Stücke wie „Maname“ ^{[ 167 ]} und „Sanda Kinduru“ ^{[ 168 ]} hinzu. Don Bastian aus Dehiwala führte das Noorthy-Theater ein, indem er sich an indischen Dramen orientierte. John de Silva entwickelte es weiter, ebenso wie das Ramayana im Jahr 1886. ^{[ 169 ]}
• Die singhalesische Unterhaltungsmusik ist derzeit die beliebteste Musikrichtung in Sri Lanka und ist von Einflüssen aus Volksmusik, Kolam-Musik, Nadagam-Musik, Noorthy-Musik, Filmmusik , klassischer Musik, westlicher Musik und anderen Stilrichtungen geprägt. ^{[ 170 ]} Einige Künstler reisten nach Indien, um Musik zu lernen, und begannen später, Unterhaltungsmusik einzuführen. Ananda Samarakone war ein Pionier dieser Richtung ^{[ 171 ] [ 172 ]} und komponierte auch die Nationalhymne. ^{[ 173 ]}

Das klassische singhalesische Orchester besteht aus fünf Instrumentenkategorien, wobei die Trommel unter den Schlaginstrumenten für den Tanz unerlässlich ist. ^{[ 174 ]} Der lebhafte Rhythmus der Trommeln bildet die Grundlage des Tanzes. ^{[ 175 ]} Die Füße der Tänzer federn vom Boden ab, sie springen und wirbeln in Mustern, die die komplexen Rhythmen des Trommelschlags widerspiegeln. Dieser Trommelschlag mag beim ersten Hören einfach erscheinen, doch es braucht viel Zeit, die verschlungenen Rhythmen und Variationen zu beherrschen, die der Trommler mitunter zu einem Crescendo der Intensität steigern kann. Es gibt sechs gängige Trommeltypen, die sich in drei Stile einteilen lassen (einseitig, zweiseitig und flach): ^{[ 176 ] [ 177 ]}

• Der typische singhalesische Tanz wird als Kandyan -Tanz bezeichnet, und die Gatabera- Trommel ist für diesen Tanz unverzichtbar. ^{[ 178 ]}
• Die Yak-bera ist die Dämonentrommel oder die Trommel, die beim Lowcountry-Tanz verwendet wird, bei dem die Tänzer Masken tragen und Teufelstänze aufführen, die sich zu einer hochentwickelten Kunstform entwickelt haben. ^{[ 179 ]}
• Die Daula ist eine fassförmige Trommel und wurde früher zusammen mit der Thammattama als Begleittrommel verwendet, um den Takt genau einzuhalten. ^{[ 180 ]}
• Die Thammattama ist eine flache, zweiseitige Trommel. Der Trommler schlägt die beiden oberen Flächen mit Stöcken an, im Gegensatz zu anderen Trommeln, bei denen die Seitenflächen bespielt werden. Sie ist eine Begleittrommel zur bereits erwähnten Dawula. ^{[ 181 ]}
• Eine kleine, doppelfellige Handtrommel wird zur Begleitung von Liedern verwendet. Sie ist vor allem bei Poesietänzen wie Vannam zu hören.
• Die Rabana ist eine flache, runde Trommel in verschiedenen Größen. ^{[ 182 ]} Die große Rabana – Banku Rabana genannt – wird wie ein runder, kurzbeiniger Tisch auf den Boden gestellt . Mehrere Personen (traditionell Frauen) können um sie herum sitzen und mit beiden Händen darauf schlagen. ^{[ 183 ]} Sie wird bei Festen wie dem singhalesischen Neujahr und Zeremonien wie Hochzeiten verwendet. ^{[ 184 ]} Der klangvolle Schlag der Rabana symbolisiert die freudige Stimmung des Anlasses. Die kleine Rabana ist eine Art mobile Trommel, da der Spieler sie überallhin mitnimmt. ^{[ 185 ]}

Weitere Instrumente sind:

• Die Thalampata – 2 kleine Becken, die durch eine Schnur verbunden sind. ^{[ 186 ]}
• Die Bläsersektion wird von einem Instrument dominiert, das der Klarinette ähnelt. Dieses Instrument wird normalerweise nicht für Tänze verwendet. Dies ist wichtig zu wissen, da der singhalesische Tanz nicht nach westlicher Musikrichtung getanzt wird; der Rhythmus steht im Vordergrund.
• Metallflöten wie Silber- und Messingflöten erzeugen schrille Klänge zur Begleitung der Kandyan-Tänze, während die klagenden Töne der Schilfflöte beim Teufelstanz die Luft durchdringen. Das Muschelhorn ( Hakgediya ) ist ein weiteres Naturinstrument, das zur Ankündigung prunkvoller Zeremonien geblasen wird. ^{[ 187 ]}
• Die Ravanahatha (auch Ravanhatta, Rawanhattha, Ravanastron oder Ravana Hasta Veena) ist eine Streichfiedel, die einst in Westindien weit verbreitet war. ^{[ 188 ] [ 189 ]} Man nimmt an, dass sie ihren Ursprung in der Hela-Kultur Sri Lankas zur Zeit von König Ravana hat. ^{[ 190 ]} Der Korpus besteht aus einer geschnittenen Kokosnussschale, deren Öffnung mit Ziegenhaut bespannt ist. Ein aus Bambus gefertigter Dandi ist an dieser Schale befestigt. ^{[ 190 ]} Es gibt zwei Hauptsaiten: eine aus Stahl und die andere aus Pferdehaar. Der lange Bogen ist mit Schellen versehen. ^{[ 191 ] [ 192 ]}

Die Musik der australischen Ureinwohner umfasst die Musik der Aborigines und der Torres-Strait-Insulaner , die gemeinsam als australische Ureinwohner bezeichnet werden . ^{[ 193 ]} Sie beinhaltet eine Vielzahl unverwechselbarer traditioneller Musikstile der australischen Ureinwohner sowie eine Reihe zeitgenössischer Musikstile und Verschmelzungen mit europäischen Traditionen, wie sie von australischen Künstlern interpretiert und aufgeführt werden. ^{[ 194 ]} Musik ist seit Jahrtausenden, von ihrer individuellen bis in die Gegenwart, ein integraler Bestandteil der sozialen , kulturellen und zeremoniellen Bräuche dieser Völker. ^{[ 195 ] [ 196 ]} Die traditionellen Formen beinhalten viele Aspekte der Aufführungspraxis und der Musikinstrumente, die für bestimmte Regionen oder Gruppen australischer Ureinwohner einzigartig sind . ^{[ 197 ]} Gleichermaßen sind Elemente der musikalischen Tradition in weiten Teilen des australischen Kontinents und darüber hinaus verbreitet. ^{[ 198 ]} Die Kultur der Torres-Strait-Insulaner ist mit der Kultur angrenzender Gebiete Neuguineas verwandt , und so besteht auch eine Verwandtschaft in ihrer Musik. Musik ist ein wesentlicher Bestandteil der kulturellen Bewahrung der australischen Ureinwohner. ^{[ 199 ]}

Die Volksliedtraditionen wurden von frühen Siedlern aus England, Schottland und Irland nach Australien gebracht und fanden insbesondere im ländlichen Outback Anklang . ^{[ 200 ] [ 201 ]} Die gereimten Lieder, Gedichte und Erzählungen in Form von Buschballaden spiegeln oft den wandernden und rebellischen Geist Australiens in „The Bush“ wider , und die Autoren und Interpreten werden häufig als Buschbarden bezeichnet. ^{[ 202 ]} Das 19. Jahrhundert gilt als das goldene Zeitalter der Buschballaden. ^{[ 203 ]} Mehrere Sammler haben die Lieder katalogisiert, darunter John Meredith , dessen Aufnahmen aus den 1950er Jahren die Grundlage der Sammlung in der Nationalbibliothek von Australien bildeten . ^{[ 202 ]}

Die Lieder erzählen persönliche Geschichten aus dem Leben im weiten australischen Outback. ^{[ 204 ] [ 205 ]} Typische Themen sind Bergbau, Viehzucht und -trieb, Schafschur , Wanderschaften, Kriegsgeschichten, der australische Schafschererstreik von 1891 , Klassenkonflikte zwischen der landlosen Arbeiterklasse und den Squattern (Landbesitzern) sowie Gesetzlose wie Ned Kelly , aber auch Liebesgeschichten und modernere Themen wie das Lkw-Fahren . ^{[ 206 ]} Die bekannteste Buschballade ist „ Waltzing Matilda “, die als „inoffizielle Nationalhymne Australiens“ bezeichnet wird. ^{[ 207 ]}

Keltische Musik ist ein Begriff, der von Künstlern, Plattenfirmen, Musikgeschäften und Musikmagazinen verwendet wird, um eine breite Gruppe musikalischer Genres zu beschreiben , die sich aus den volkstümlichen Musiktraditionen der keltischen Völker entwickelt haben . ^{[ 208 ]} Zu diesen Traditionen gehören irische , schottische , manxische , kornische , walisische und bretonische . ^{[ 209 ]} Asturische und galicische Musik wird oft mit einbezogen, obwohl es keine aussagekräftigen Forschungsergebnisse gibt, die eine enge musikalische Verwandtschaft belegen. ^{[ 210 ] [ 211 ]} Die bretonische Folk-Revival-Bewegung begann in den 1950er Jahren mit dem „Bagadoù“ und dem „Kan-ha-Diskan“ und erlangte durch Alan Stivells Werk seit Mitte der 1960er Jahre weltweite Bekanntheit. ^{[ 212 ]}

In Irland haben ^die Clancy Brothers und Tommy Makem (obwohl alle Mitglieder in Irland geboren waren, erlangte die Gruppe Berühmtheit während ihrer Zeit im New Yorker Greenwich Village ^{[ 213 ]} ), die Dubliners ^{[ 214 ]} , Clannad , Planxty [ ^{215 ]} , die Chieftains ^{[ 216 ] [ 217 ]} , die Pogues ^{[ 218 ]} , die Corrs ^{[ 219 ]} , die Irish Rovers ^{[ 220 ]} und eine Vielzahl anderer Folkbands in den letzten Jahrzehnten viel zur Wiederbelebung und Popularisierung der irischen Folkmusik beigetragen . ^{[ 221 ]} Diese Bands waren mehr oder weniger in der irischen Musiktradition verwurzelt und profitierten von den Bemühungen von Künstlern wie Seamus Ennis und Peter Kennedy . ^{[ 212 ]}

In Schottland haben The Corries [ ^{222 ] ,} Silly Wizard ^{[ 223 ] [ 224 ]} , Capercaillie ^{[ 225 ]} , Runrig [ ^{226 ] ,} Jackie Leven [ ^{227 ] ,} Julie Fowlis ^{[ 228 ]} , Karine Polwart ^{[ 229 ]} , Alasdair Roberts ^{[ 230 ] [ 231 ]} , Dick Gaughan ^{[ 232 ]} , Wolfstone ^{[ 233 ]} , Boys of the Lough [ ^{234 ]} und The Silencers ^{[ 235 ] die schottische Folkmusik lebendig und frisch gehalten ,} indem sie traditionelle schottische und gälische Volkslieder mit zeitgenössischen Genres vermischten. ^{[ 236 ]} Diese Künstler waren auch in Kontinentaleuropa und Nordamerika kommerziell erfolgreich. ^{[ 237 ]} In der schottischen traditionellen Musikszene gibt es eine wachsende Zahl talentierter Musiker. Bands wie Mànran , ^{[ 238 ]} Skipinnish , ^{[ 239 ]} Barluath ^{[ 240 ]} und Breabach ^{[ 241 ]} sowie Solokünstler wie Patsy Reid, ^{[ 242 ]} Robyn Stapleton ^{[ 243 ]} und Mischa MacPherson ^{[ 244 ]} konnten in den letzten Jahren große Erfolge feiern. ^{[ 245 ]}

Während der Ostblockzeit wurde der nationale Volkstanz vom Staat aktiv gefördert. ^{[ 246 ]} Tanzgruppen aus Russland und Polen tourten von etwa 1937 bis 1990 durch das nichtkommunistische Europa. ^{[ 247 ]} Der Chor der Roten Armee nahm zahlreiche Alben auf und wurde zur populärsten Militärkapelle. ^{[ 248 ]} Osteuropa ist auch der Ursprung der jüdischen Klezmer- Tradition. ^{[ 249 ]}

Die Polka ist ein mitteleuropäischer Tanz und zugleich ein in ganz Europa und Amerika verbreitetes Genre der Tanzmusik . Sie entstand Mitte des 19. Jahrhunderts in Böhmen . ^{[ 250 ]} Die Polka ist in vielen europäischen Ländern nach wie vor ein beliebtes Genre der Volksmusik und wird von Volksmusikern in Polen , Lettland , Litauen , Tschechien , den Niederlanden , Kroatien , Slowenien , Deutschland, Ungarn , Österreich , der Schweiz, Italien, der Ukraine , Weißrussland , Russland und der Slowakei aufgeführt . ^{[ 251 ]} Lokale Varianten dieses Tanzes finden sich auch in den nordischen Ländern , Großbritannien, Irland , Lateinamerika (insbesondere Mexiko) und den Vereinigten Staaten.

Deutsche Volkslieder, die in Liederhandschriften wie den Carmina Burana ^{[ 252 ]} überliefert sind, gehen auf die mittelalterliche Minnesang- und Meistersingertradition zurück . ^{[ 253 ]} Diese Volkslieder erlebten im späten 18. Jahrhundert, der Zeit der deutschen Romantik , eine Renaissance. ^{[ 254 ]} Sie wurden zunächst von Johann Gottfried Herder ^{[ 255 ] [ 256 ]} und anderen Vertretern der Aufklärung ^{[ 257 ]} gefördert und später von Achim von Arnim ^{[ 258 ]} und Clemens Brentano ( Des Knaben Wunderhorn ) ^{[ 259 ]} sowie von Ludwig Uhland ^{[ 260 ]} zusammengetragen .

Die Volksmusik und die Volkstänze , insbesondere in den Alpenregionen Bayerns , Österreichs , der Schweiz ( Kuhreihen ) und Südtirols , haben sich bis heute in ländlichen Gemeinden trotz der Industrialisierung erhalten ^{[ 261 ]} – bemerkenswerte Ausnahmen bilden hier die niederdeutschen Seemannslieder oder das Wienerlied ^{[ 262 ]} ( Schrammelmusik ). Auch die slowenische Volksmusik in Oberkrain und der Steiermark hat ihren Ursprung in den alpinen Traditionen, wie beispielsweise das produktive Lojze Slak Ensemble. ^{[ 263 ]} Traditionelle Volksmusik ist nicht mit kommerzieller Volkstümlicher Musik zu verwechseln , die eine Ableitung davon darstellt. ^{[ 264 ]}

Die ungarische Gruppe Muzsikás absolvierte zahlreiche Tourneen in den USA ^{[ 265 ]} und wirkte im Hollywood-Film „ Der englische Patient“ mit ^{[ 266 ]} , während die Sängerin Márta Sebestyén mit der Band Deep Forest zusammenarbeitete ^{[ 267 ]} . Die in den 1970er Jahren entstandene ungarische Táncház -Bewegung zeichnet sich durch die enge Zusammenarbeit von Musikwissenschaftlern und begeisterten Laien aus ^{[ 268 ]} . Traditionelle ungarische Volksmusik und -kultur waren jedoch in einigen ländlichen Gebieten Ungarns kaum noch vorhanden und begannen auch unter den ethnischen Ungarn in Siebenbürgen zu verschwinden . Die Táncház-Bewegung belebte die breiteren Volkstraditionen von Musik, Tanz und Tracht wieder und schuf eine neue Art von Musikverein ^{[ 269 ]} . Die Bewegung verbreitete sich in ethnisch ungarischen Gemeinschaften weltweit ^{[ 269 ] .}

Die Balkan-Volksmusik wurde durch die Vermischung der ethnischen Gruppen des Balkans während der osmanischen Herrschaft beeinflusst . ^{[ 270 ]} Sie umfasst die Musik von Bosnien und Herzegowina , Bulgarien , Kroatien , Griechenland , Montenegro , Serbien , Rumänien , Nordmazedonien , Albanien , einigen der ehemaligen Staaten Jugoslawiens bzw. Serbiens und Montenegros sowie geografischen Regionen wie Thrakien . ^{[ 271 ]} Manche Musikstücke zeichnen sich durch komplexe Rhythmen aus. ^{[ 272 ]}

Ein bemerkenswerter Beitrag ist „Mystery of the Bulgarian Voices“ , das bei der 32. jährlichen Grammy-Verleihung den Preis für die beste traditionelle Folk-Aufnahme gewann . ^{[ 273 ] [ 274 ]}

Ein wichtiger Bestandteil der gesamten Balkan-Volksmusik ist die Musik der dort ansässigen ethnischen Minderheit der Roma , die als Tallava und Blasmusik bezeichnet wird . ^{[ 275 ] [ 276 ]}

Die nordische Volksmusik umfasst eine Reihe von Traditionen in nordeuropäischen, insbesondere skandinavischen Ländern. Zu den nordischen Ländern zählen im Allgemeinen Island , Norwegen , Finnland , ^Schweden , Dänemark und Grönland . ^{[ 277 ]} Manchmal werden auch die baltischen Länder Estland , Lettland und Litauen dazu gezählt . ^{[ 278} ]

Die vielen Regionen der nordischen Länder teilen bestimmte Traditionen, von denen viele jedoch deutlich auseinanderentwickelt sind, wie beispielsweise das Psalmodicon in Dänemark, Schweden und Norwegen. ^{[ 279 ]} Die baltischen Staaten (manchmal auch nur Estland) und Teile Nordwestrusslands lassen sich aufgrund ihrer kulturellen Gemeinsamkeiten zusammenfassen, ^{[ 280 ]} obwohl die Beziehungen in den letzten Jahren etwas abgekühlt sind. ^{[ 281 ]} Im Gegensatz dazu weisen Norwegen, Schweden, Dänemark und die Atlantikinseln Island und Färöer praktisch keine derartigen Gemeinsamkeiten auf. Die Inuit-Kultur Grönlands besitzt ihre eigenen, einzigartigen musikalischen Traditionen. ^{[ 282 ]} Finnland teilt viele kulturelle Gemeinsamkeiten sowohl mit den baltischen als auch mit den skandinavischen Ländern. Die Samen in Schweden, Norwegen, Finnland und Russland haben ihre eigene, einzigartige Kultur mit Verbindungen zu den Kulturen ihrer Nachbarn. ^{[ 283 ]}

Schwedische Volksmusik ist ein Musikgenre , das größtenteils auf folkloristischen Sammlungen basiert, die im frühen 19. Jahrhundert in Schweden ihren Anfang nahmen. ^{[ 284 ]} Das Hauptinstrument der schwedischen Volksmusik ist die Fiedel . ^{[ 285 ]} Ein weiteres , für die schwedische Tradition einzigartiges Instrument ist die Nyckelharpa . ^{[ 286 ]} Die meisten schwedischen Instrumentalstücke der Volksmusik sind Tanzmusik ; die charakteristische Musik- und Tanzform der schwedischen Volksmusik ist die Polska . ^{[ 287 ]} Historisch gesehen teilten sich Vokal- und Instrumentaltraditionen in Schweden oft Melodien , obwohl sie auch getrennt aufgeführt wurden. ^{[ 288 ]} Seit der Volksmusik-Renaissance der 1970er Jahre treten Sänger und Instrumentalisten auch gemeinsam in Volksmusikensembles auf .

Die Volksmusik Amerikas besteht aus der Begegnung und Vereinigung dreier Hauptmusikrichtungen: europäischer traditioneller Musik, traditioneller Musik der amerikanischen Ureinwohner und afrikanischer Stammesmusik, die mit Sklaven von diesem Kontinent nach Amerika gelangte.

Der besondere Fall der lateinamerikanischen und südamerikanischen Musik verweist unter anderem auf die Andenmusik ^{[ 289 ]} sowie auf andere einheimische Musikstile (wie die karibische ^{[ 290 ]} und die Pampa-Musik), die iberische Musik Spaniens und Portugals und allgemein auf die afrikanische Stammesmusik. Diese drei Stilrichtungen verschmolzen miteinander und entwickelten sich in Mittel- und Südamerika zu differenzierten musikalischen Formen.

Die Andenmusik stammt aus der Region der Quechua , Aymara und anderer Völker, die vor dem Kontakt mit Europäern das Gebiet des Inka-Reiches bewohnten. ^{[ 291 ]} Sie umfasst die Volksmusik von Teilen Boliviens , Ecuadors , ^{[ 292 ]} Chiles, Kolumbiens , Perus und Venezuelas . Andenmusik ist in Lateinamerika unterschiedlich populär, vor allem in ländlichen Gebieten und unter indigenen Bevölkerungsgruppen. Die Nueva-Canción- Bewegung der 1970er-Jahre belebte das Genre in ganz Lateinamerika und brachte es an Orte, wo es unbekannt oder in Vergessenheit geraten war.

Nueva canción (spanisch für „neues Lied“) ist eine Strömung und ein Genre innerhalbder lateinamerikanischenundiberischenVolksmusik, der volksmusikinspirierten Musik und der sozial engagierten Musik. In mancher Hinsicht ähnelt seine Entwicklung und Rolle der zweiten Folk-Revival-Bewegung in Nordamerika. Dies schließt die Weiterentwicklung dieses neuen Genres aus der traditionellen Volksmusik ein, im Wesentlichen zeitgenössische Volksmusik, auch wenn der englische Genrebegriff dafür nicht gebräuchlich ist. Nueva canción spielte nachweislich eine wichtige Rolle bei den sozialen Umbrüchen in Portugal, Spanien und Lateinamerika in den 1970er und 1980er Jahren.

Nueva canción entstand in den 1960er Jahren in Chile unter dem Namen „The Chilean New Song“. Kurz darauf verbreitete sich der Musikstil in Spanien und Teilen Lateinamerikas, wo er unter ähnlichen Bezeichnungen bekannt wurde. Nueva canción erneuerte die traditionelle lateinamerikanische Volksmusik und wurde aufgrund seiner politischen Texte bald mit revolutionären Bewegungen, der Neuen Linken Lateinamerikas , der Befreiungstheologie , der Hippie- und der Menschenrechtsbewegung in Verbindung gebracht. Er erlangte in ganz Lateinamerika große Popularität und gilt als Vorläufer des Rock en español .

Cueca ist eine Familie von Musikstilen und dazugehörigen Tänzen aus Chile, Bolivien und Peru .

Trova und Son sind Stile traditioneller kubanischer Musik, die ihren Ursprung in der Provinz Oriente haben und Einflüsse spanischer Lieder und Tänze wie Bolero und Contradanza sowie afro-kubanische Rhythmus- und Perkussionselemente enthalten.

„Moda de viola“ ist die Bezeichnung für brasilianische Volksmusik. Sie wird oft mit einer sechssaitigen Nylon-Akustikgitarre gespielt, das traditionellste Instrument ist jedoch die Viola Caipira . Die Lieder schildern im Wesentlichen die Schwierigkeiten des Lebens der Landbevölkerung. Die Themen drehen sich meist um das Land, Tiere, Folklore, unerfüllte Liebe und Trennung. Obwohl es auch einige fröhliche Lieder gibt, sind die meisten nostalgisch und melancholisch.

Kanadas traditionelle Volksmusik ist besonders vielfältig. ^{[ 293 ]} Schon vor der Liberalisierung der Einwanderungsgesetze in den 1960er Jahren war Kanada ethnisch vielfältig, mit Dutzenden verschiedener indigener und europäischer Bevölkerungsgruppen. In Bezug auf die Musik sprechen Wissenschaftler nicht von einer kanadischen Tradition, sondern von ethnischen Traditionen ( Akadische Musik , Irisch-Kanadische Musik , Blackfoot-Musik , Innu-Musik , Inuit-Musik , Métis-Fiddle usw.) und später von regionalen Traditionen in Ostkanada ( Neufundland-Musik , Cape-Breton-Fiddle , Quebecer Musik usw.).

Traditionelle Volksmusik europäischen Ursprungs ist in Kanada seit der Ankunft der ersten französischen und britischen Siedler im 16. und 17. Jahrhundert präsent. Sie fischten in den Küstengewässern und bewirtschafteten die Ufer des späteren Neufundlands, Nova Scotias, New Brunswicks, Prince Edward Islands und des Sankt-Lorenz-Stromtals von Quebec.

Der Pelzhandel und seine Pelzhändler brachten dies weiter nach Norden und Westen bis nach Kanada; später setzten Holzfällerbetriebe und Holzfäller diesen Prozess fort.

Die landwirtschaftliche Besiedlung Ost- und Südontarios sowie Westquebecs im frühen 19. Jahrhundert schuf günstige Bedingungen für den Erhalt vieler anglo-kanadischer Volkslieder und Balladen aus Großbritannien und den USA. Trotz der massiven Industrialisierung haben sich die Volksmusiktraditionen in vielen Gebieten bis heute erhalten. Im Norden Ontarios bewahrte eine große franko-ontarische Bevölkerung die Volksmusik französischen Ursprungs.

Die bevölkerungsreichen akadischen Gemeinschaften in den Atlantikprovinzen trugen mit ihren Liedvarianten zum umfangreichen Korpus französischer Volksmusik bei, dessen Zentrum in der Provinz Québec liegt. Eine reiche Quelle anglo-kanadischer Volksmusik findet sich in der Atlantikregion, insbesondere in Neufundland. Vervollständigt wird dieses Mosaik musikalischer Folklore durch die gälische Musik schottischer Siedlungen, vor allem in Cape Breton, und die Hunderte von irischen Liedern, deren Verbreitung in Ostkanada auf die irische Hungersnot der 1840er Jahre zurückgeht, welche die großen Migrationen von Iren nach Nordamerika erzwang. ^{[ 293 ]}

„Kenntnisse der kanadischen Geschichte “, schrieb Isabelle Mills 1974, „sind unerlässlich, um das Mosaik der kanadischen Volksmusik zu verstehen. Ein Teil dieses Mosaiks besteht aus den Volksliedern Kanadas, die von europäischen und angelsächsischen Siedlern in das neue Land gebracht wurden.“ ^{[ 13 ]} Sie beschreibt, wie die französische Kolonie in Québec französische Einwanderer anzog, denen bald darauf Einwanderungswellen aus Großbritannien, Deutschland und anderen europäischen Ländern folgten. Alle brachten Musik aus ihrer Heimat mit, von der einiges bis heute erhalten geblieben ist. Der Ethnologe und Volkskundler Marius Barbeau schätzte, dass in Kanada weit über zehntausend französische Volkslieder und ihre Varianten gesammelt worden waren. Viele der älteren Lieder waren zu dieser Zeit in Frankreich bereits ausgestorben.

Musik als professionelle, bezahlte Unterhaltung entwickelte sich in Kanada, insbesondere in abgelegenen ländlichen Gebieten, im 19. und frühen 20. Jahrhundert relativ langsam. Während in den Städten Tanz- und Varietéclubs populär wurden, gefolgt vom Jazz, blieb das ländliche Kanada größtenteils ein Land der traditionellen Musik. Als jedoch in den 1920er und 1930er Jahren amerikanische Radiosender begannen, in Kanada zu senden, ging das Publikum für kanadische traditionelle Musik zugunsten amerikanischer Country-Musik im Nashville-Stil und urbaner Stile wie Jazz stetig zurück.

Die Amerikanisierung der kanadischen Musik veranlasste die Canadian Radio League in den 1930er Jahren, sich für einen nationalen öffentlich-rechtlichen Rundfunksender einzusetzen, was schließlich 1936 zur Gründung der Canadian Broadcasting Corporation (CBC) führte. Die CBC förderte kanadische Musik, darunter auch traditionelle Musik, in ihren Radio- und später Fernsehprogrammen. Die Mitte des Jahrhunderts einsetzende Begeisterung für alles „Moderne“ führte jedoch zum Niedergang der Folkmusik im Vergleich zu Rock und Pop. Kanada wurde jedoch von der Folk-Revival-Bewegung der 1950er und 60er Jahre beeinflusst, als lokale Veranstaltungsorte wie der Montreal Folk Workshop und andere Folkclubs und Cafés im ganzen Land zu Brutstätten für aufstrebende Songwriter und Interpreten sowie zum Austausch mit Künstlern aus dem Ausland wurden.

Amerikanische traditionelle Musik wird auch als Roots-Musik bezeichnet. Roots-Musik ist eine breite Musikkategorie, die Bluegrass , Country , Gospel , Old-Time-Musik , Jug-Bands , Appalachian Folk , Blues , Cajun und indianische Musik umfasst . Diese Musik gilt als amerikanisch, entweder weil sie in den Vereinigten Staaten entstanden ist oder weil sie sich dort aus ausländischen Einflüssen so stark weiterentwickelt hat, dass sie Musikwissenschaftler als etwas völlig Neues wahrnahmen. Sie wird als „Roots-Musik“ bezeichnet, weil sie die Grundlage für später in den Vereinigten Staaten entwickelte Musikrichtungen wie Rock ’n’ Roll , zeitgenössische Folkmusik, Rhythm and Blues und Jazz bildete . Einige dieser Genres gelten als traditionelle Volksmusik.

• Die Cajun-Musik , ein charakteristisches Merkmal der Musik Louisianas , hat ihre Wurzeln in den Balladen der französischsprachigen Akadier Kanadas. Sie wird oft zusammen mit dem kreolisch geprägten und von der Cajun -Musik beeinflussten Zydeco erwähnt , die beide ihren Ursprung in Akadien haben . Diese französisch-louisianischen Klänge prägen die amerikanische Popmusik seit Jahrzehnten, insbesondere die Country-Musik , und haben die Popkultur durch Massenmedien wie Fernsehwerbung beeinflusst.
• Die Appalachenmusik ist die traditionelle Musik der Appalachenregion im Osten der Vereinigten Staaten. Sie ist von verschiedenen europäischen und afrikanischen Einflüssen geprägt, darunter englische Balladen , irische und schottische traditionelle Musik (insbesondere Fiddle -Musik), Hymnen und afroamerikanischer Blues . Die ersten Aufnahmen entstanden in den 1920er Jahren. Appalachenmusiker hatten maßgeblichen Einfluss auf die frühe Entwicklung von Old-Time-Musik , Country-Musik und Bluegrass und spielten eine wichtige Rolle in der amerikanischen Folk-Revival-Bewegung . Typische Instrumente der Appalachenmusik sind Banjo , amerikanische Fiddle , Hackbrett und Gitarre. ^{[ 294 ]}

Zu den ersten aufgenommenen Appalachenmusikern zählen Fiddlin' John Carson , Henry Whitter , Bascom Lamar Lunsford , die Carter Family , Clarence Ashley , Frank Proffitt und Dock Boggs , die alle in den 1920er und 1930er Jahren erstmals Aufnahmen machten. Mehrere Appalachenmusiker erlangten während der Folk-Revival-Bewegung der 1950er und 1960er Jahre Bekanntheit, darunter Jean Ritchie , Roscoe Holcomb , Ola Belle Reed , Lily May Ledford und Doc Watson . Country- und Bluegrass-Künstler wie Loretta Lynn , Roy Acuff , Dolly Parton , Earl Scruggs , Chet Atkins und Don Reno wurden stark von traditioneller Appalachenmusik beeinflusst. ^{[ 294 ]} Künstler wie Bob Dylan , Dave Van Ronk , Jerry Garcia und Bruce Springsteen haben Lieder aus den Appalachen aufgeführt oder Versionen von Liedern aus den Appalachen neu geschrieben.

• Die Carter Family war eine traditionelle amerikanische Folk- Gruppe, die zwischen 1927 und 1956 Aufnahmen machte. Ihre Musik hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf Bluegrass- , Country- , Southern-Gospel- , Pop- und Rockmusiker. Sie waren die erste Gesangsgruppe, die zu Country-Stars wurde; ein Beginn der Abgrenzung der Country-Musik von der traditionellen Folk-Musik. Ihre Aufnahmen von Liedern wie „ Wabash Cannonball “ (1932), „ Will the Circle Be Unbroken “ (1935), „ Wildwood Flower “ (1928) und „ Keep On the Sunny Side “ (1928) machten sie zu Country-Standards. ^{[ 295 ]}
• Oklahoma und die südlichen Ebenen der USA: Schon vor Beginn der Geschichtsschreibung nutzten die amerikanischen Ureinwohner dieser Region Lieder und Instrumente; Musik und Tanz bilden bis heute den Kern ihrer zeremoniellen und sozialen Aktivitäten. ^{[ 296 ]} Der „ Stomp Dance “, eine Wechselgesangsform , ist nach wie vor zentral ; die Instrumente bestehen aus Rasseln oder Fesseln, die Frauen an den Beinen tragen. ^{[ 296 ]} „Andere südöstliche Völker haben ihre eigenen Sammlungen sakraler und sozialer Lieder, darunter solche für Tier- und Freundschaftstänze sowie Lieder, die Stockballspiele begleiten . Zentral für die Musik der südlichen Plains-Indianer ist die Trommel, die als Herzschlag der Plains-Indianer-Musik bezeichnet wird. Der Großteil dieses Genres lässt sich auf Jagd und Krieg zurückführen, auf denen die Kultur der Plains basierte.“ ^{[ 296 ]} Die Trommel ist zentral für die Musik der südlichen Plains-Indianer. Während der Reservatszeit nutzten sie Musik, um Langeweile zu vertreiben. Nachbarn trafen sich, tauschten Lieder und Tänze aus und schufen gemeinsam neue; dies ist ein Teil der Wurzeln des modernen intertribalen Powwows . Ein weiteres gebräuchliches Instrument ist die Werbeflöte . ^{[ 296 ]}
• Die afroamerikanische Volksmusik der Region hat ihre Wurzeln in der Sklaverei und der Emanzipation. Geistliche Musik – a cappella und instrumental begleitet – bildet das Herzstück der Tradition. Frühe Spirituals betteten christliche Glaubensvorstellungen in einheimische Bräuche ein und waren stark von der Musik und den Rhythmen Afrikas beeinflusst. ^{[ 296 ]} Spirituals sind weit verbreitet und verwenden oft ein Wechselgesangsmuster. ^{[ 296 ]} „ Gospel entwickelte sich nach dem Bürgerkrieg (1861–1865). Es orientierte sich stark an biblischen Texten, und die Verwendung von Metaphern und Bildern war üblich. Gospel ist ein „freudiger Lärm“, manchmal von Instrumenten begleitet und fast immer von Händeklatschen, Fußwippen und Körperbewegungen untermalt.“ ^{[ 296 ]} „ Shape-Note- oder Sacred-Harp- Gesang entwickelte sich im frühen 19. Jahrhundert als Methode für wandernde Gesangslehrer, Kirchenlieder in ländlichen Gemeinden zu unterrichten.“ Sie unterrichteten mithilfe von Liederbüchern, in denen die musikalischen Noten durch geometrische Formen dargestellt wurden , die jeweils eine Form mit ihrer Tonhöhe verknüpften. Der Gesang der Sacred Harp erfreute sich in vielen ländlichen Gemeinden Oklahomas unabhängig von der ethnischen Zugehörigkeit großer Beliebtheit. ^{[ 296 ]} Später entwickelte sich die Blues-Tradition mit Wurzeln in und Parallelen zur geistlichen Musik. ^{[ 296 ]} Daraus entstand der Jazz, geboren aus einer „Mischung aus Ragtime, Gospel und Blues“. ^{[ 296 ]}
• Anglo-schottisch-irische Musiktraditionen hielten nach dem Land Run von 1889 in Oklahoma Einzug . Aufgrund ihrer Größe und Transportierbarkeit bildete die Geige den Kern der frühen anglo-amerikanischen Musik Oklahomas, später kamen jedoch weitere Instrumente wie Gitarre, Mandoline , Banjo und Steelgitarre hinzu. Verschiedene Musiktraditionen Oklahomas, darunter Cowboy-Balladen , Western Swing und zeitgenössische Country- und Westernmusik , haben ihre Wurzeln auf den Britischen Inseln. ^{[ 296 ]} Andere Europäer (wie Böhmen und Deutsche) siedelten sich im späten 19. Jahrhundert an. Ihre gesellschaftlichen Aktivitäten konzentrierten sich auf Gemeindehäuser, „wo einheimische Musiker Polkas und Walzer auf Akkordeon, Klavier und Blechblasinstrumenten spielten “. ^{[ 296 ]}

Mexikanische Einwanderer erreichten Oklahoma ab den 1870er Jahren und brachten wunderschöne Canciones und Corridos – Liebeslieder, Walzer und Balladen – mit. Ähnlich wie in indigenen Gemeinschaften wird auch in hispanischen Gemeinden jeder Übergangsritus von traditioneller Musik begleitet. Akustikgitarre, Kontrabass und Violine bilden die Grundinstrumente der mexikanischen Musik, ergänzt durch Maracas , Flöte, Blasinstrumente oder gelegentlich Akkordeon . ^{[ 296 ]} Später trugen auch Asiaten zur musikalischen Vielfalt bei. „Alte Musik- und Tanztraditionen aus den Tempeln und Höfen Chinas , Indiens und Indonesiens werden in asiatischen Gemeinschaften im ganzen Bundesstaat bewahrt, und populäre Liedgenres fließen stetig in diese klassischen Musikformen ein.“ ^{[ 296 ]}

Der Begriff „Folk-Musik-Revival“ bezeichnet entweder eine Phase erneuten Interesses an traditioneller Volksmusik oder ein Ereignis bzw. einen Zeitraum, der diese transformiert; Letzteres beinhaltet üblicherweise eine sozialkritische Komponente. Ein prominentes Beispiel für Ersteres ist die britische Folk-Revival-Bewegung von etwa 1890–1920. Das prominenteste und einflussreichste Beispiel für Letzteres – so sehr, dass es üblicherweise als „ Folk -Musik-Revival“ bezeichnet wird – ist die Folk-Revival-Bewegung der Mitte des 20. Jahrhunderts, die ihren Schwerpunkt in der englischsprachigen Welt, insbesondere in den Vereinigten Staaten, hatte und die die zeitgenössische Folkmusik hervorbrachte . ^{[ 298 ]}

Eine frühere Wiederbelebung beeinflusste die westliche klassische Musik. Komponisten wie Percy Grainger , Ralph Vaughan Williams und Béla Bartók fertigten Feldaufnahmen oder Transkriptionen von Volkssängern und -musikern an.

In Spanien schuf Isaac Albéniz (1860–1909) Klavierwerke, die sein spanisches Erbe widerspiegeln, darunter die Suite Iberia (1906–1909). Enrique Granados (1867–1918) komponierte Zarzuelas , spanische Operetten, und Danzas Españolas (Spanische Tänze). Manuel de Falla (1876–1946) interessierte sich für den Cante Jondo des andalusischen Flamenco , dessen Einfluss in vielen seiner Werke deutlich spürbar ist, darunter „ Nächte in spanischen Gärten“ und „Siete canciones populares españolas “ („Sieben spanische Volkslieder“, für Gesang und Klavier). Komponisten wie Fernando Sor und Francisco Tárrega etablierten die Gitarre als spanisches Nationalinstrument. Zahlreiche moderne spanische Folk-Künstler (z. B. Mil i Maria , Russian Red ) modernisieren die Musik, ohne die Traditionen ihrer Vorfahren zu vernachlässigen.

Der Flamenco erfreute sich im Laufe des 20. Jahrhunderts wachsender Beliebtheit, ebenso wie nordische Musikstile, beispielsweise die keltische Musik Galiciens . Auch französische Komponisten der Klassik, von Bizet bis Ravel , griffen auf spanische Themen zurück, und unverwechselbare spanische Genres erlangten allgemeine Anerkennung.

Volksmusik-Revivals oder Roots-Revivals umfassen weltweit eine Reihe von Phänomenen, die ein erneutes Interesse an traditioneller Musik zeigen. Dieses Interesse wird häufig von jungen Menschen geweckt, die sich oft der traditionellen Musik ihres Heimatlandes zuwenden und dabei häufig soziale Themen, Anliegen und die Weiterentwicklung neuer Musikstile im selben Stil einbeziehen. Eine ähnliche Entwicklung, die sogenannte Nueva canción , einer neuen Form sozial engagierter Musik, fand in mehreren spanischsprachigen Ländern statt.

Manchmal wird behauptet, das erste US-amerikanische Folk-Festival sei das Mountain Dance and Folk Festival ^{[ 299 ] [ 300 ]} 1928 in Asheville, North Carolina , gewesen, das von Bascom Lamar Lunsford gegründet wurde . ^{[ 301 ]} Das National Folk Festival (USA) ist ein Wanderfestival in den Vereinigten Staaten. ^{[ 302 ]} Seit 1934 wird es vom National Council for the Traditional Arts (NCTA) veranstaltet und fand bereits in 26 Städten und Gemeinden landesweit statt. ^{[ 303 ]} Nach dem Ende einiger dieser Veranstaltungen entstanden im Anschluss mehrere lokale Folk-Festivals, darunter das Lowell Folk Festival ^{[ 304 ]} , das Richmond Folk Festival ^{[ 305 ]} , das American Folk Festival ^{[ 306 ]} und zuletzt das Montana Folk Festival. ^{[ 307 ]}

Das Newport Folk Festival ist ein jährlich stattfindendes Folkfestival in der Nähe von Newport, Rhode Island. ^{[ 308 ]} Es fand in den meisten Jahren von 1959 bis 1970 und von 1985 bis heute statt und zog jährlich etwa 10.000 Besucher an. ^{[ 309 ]}

Das viertägige Philadelphia Folk Festival fand erstmals 1962 statt. ^{[ 310 ]} Es wird von der gemeinnützigen Philadelphia Folksong Society veranstaltet. ^{[ 311 ]} Das Festival präsentiert zeitgenössische und traditionelle Künstler verschiedenster Genres, darunter Weltmusik/Fusion, Celtic, Singer-Songwriter, Folk-Rock, Country, Klezmer und Dance. ^{[ 312 ] [ 313 ]} Es findet jährlich am dritten Augustwochenende statt. ^{[ 314 ]} Mittlerweile zieht das Festival rund 12.000 Besucher an und bietet Bands auf sechs Bühnen ein abwechslungsreiches Programm. ^{[ 315 ]}

Das Fest des Jägermondes in Indiana zieht jährlich etwa 60.000 Besucher an. ^{[ 316 ]}

Das Sidmouth Festival fand erstmals 1954 statt ^{[ 317 ]} , das Cambridge Folk Festival 1965 ^{[ 318 ].} Das Cambridge Folk Festival in Cambridge , England, ist bekannt für seine sehr weite Definition von eingeladenen Folkmusikern ^{[ 319 ]} . In den „Clubzelten“ können die Besucher zahlreiche unbekannte Künstler entdecken, die jeweils zehn bis fünfzehn Minuten lang ihr Werk dem Festivalpublikum präsentieren ^{[ 320 ] .}

Das National Folk Festival ist Australiens bedeutendstes Folkfestival und zieht über 50.000 Besucher an. ^{[ 321 ] [ 322 ]} Auch das Woodford Folk Festival und das Port Fairy Folk Festival zählen zu den größten jährlichen Veranstaltungen Australiens und locken international bekannte Folk-Künstler sowie zahlreiche lokale Künstler an. ^{[ 323 ] [ 324 ]}

Stan Rogers ist eine feste Größe beim kanadischen Folkfestival Summerfolk , das jährlich in Owen Sound, Ontario , stattfindet. Die Hauptbühne und das Amphitheater sind ihm als „Stan Rogers Memorial Canopy“ gewidmet. ^{[ 325 ]} Das Festival ist fest in der Tradition verwurzelt; Rogers’ Lied „ The Mary Ellen Carter “ wird von allen Beteiligten, einschließlich des Publikums und eines Medleys von Künstlern, gesungen. ^{[ 326 ] [ 327 ]} Das Canmore Folk Music Festival ist Albertas ältestes Folk-Musikfestival. ^{[ 328 ]}

In ganz Kanada gibt es unzählige Folkfestivals. Canso in Nova Scotia veranstaltet seit 1997 jedes Jahr am letzten Juliwochenende das Stan Rogers Folk Festival. Die Stadt Wolfville ist jedes Jahr im September Gastgeber des Deep Roots Music Festivals. Das Celtic Colours Celtic Music Festival findet jeden Herbst, etwa zur Zeit der Laubfärbung, auf Cape Breton Island an verschiedenen Veranstaltungsorten statt. Lunenburg in Nova Scotia veranstaltet seit 1986 das Lunenburg Folk Harbour Festival.

Urkult Näsåker, Ångermanland, das jedes Jahr im August stattfindet, ist angeblich Schwedens größtes Weltmusikfestival. ^{[ 329 ]}

• Anthologie amerikanischer Volksmusik
• Kanadische Volksmusikpreise
• Volksprozess
• Liste der klassischen und Kunstmusiktraditionen
• Die Anthologie „Die Stimme des Volkes “ britischer Volkslieder