Kino der Vereinigten Staaten

Die Filmindustrie der Vereinigten Staaten , die vor allem mit den großen Filmstudios verbunden ist , die gemeinsam als „ Hollywood “ bezeichnet werden, hat die globale Filmindustrie seit dem frühen 20. Jahrhundert maßgeblich beeinflusst.

Das klassische Hollywood-Kino , ein in den 1910er-Jahren entwickelter Filmstil, prägt bis heute viele amerikanische Filme. Obwohl die französischen Filmemacher Auguste und Louis Lumière oft als Begründer des modernen Kinos gelten ^{[ 5 ]} , erlangte das amerikanische Kino schnell globale Dominanz. Im Jahr 2017 wurden in den Vereinigten Staaten jährlich über 600 englischsprachige Filme veröffentlicht , womit die USA zum viertgrößten Filmproduzenten weltweit wurden, nach Indien , Japan und China ^{[ 6 ]} . Obwohl auch Großbritannien , Kanada , Australien und Neuseeland englischsprachige Filme produzieren, sind sie nicht direkt Teil des Hollywood-Systems. Aufgrund dieser globalen Reichweite wird Hollywood häufig als transnationales Kino betrachtet ^{[ 7 ]} , da einige Filme in mehreren Sprachfassungen, beispielsweise auf Spanisch und Französisch, veröffentlicht werden.

Das moderne Hollywood lagert die Produktion häufig in Länder wie Großbritannien , Kanada , Australien und Neuseeland aus . Die sechs großen Filmstudios – Universal Pictures , Paramount Pictures , Warner Bros. , Walt Disney Studios , Sony Pictures und Amazon MGM Studios – sind Medienkonzerne , die den amerikanischen Kinomarkt dominieren und einige der weltweit kommerziell erfolgreichsten Film- und Fernsehprogramme produziert haben . ^{[ 8 ] [ 9 ]}

1894 fand in New York City die weltweit erste kommerzielle Filmvorführung mit Thomas Edisons Kinetoskop [ ^{10 ] und} Kinetograph ^{[ 11 ]} statt. In den folgenden Jahrzehnten erlebte die Stummfilmproduktion einen enormen Aufschwung. Neue Studios entstanden, zogen nach Kalifornien und begannen, längere Filme zu produzieren. Die Vereinigten Staaten produzierten 1927 mit „ The Jazz Singer“ [ ^{12 ] den} weltweit ersten Tonfilm und spielten in den folgenden Jahrzehnten eine führende Rolle in der Entwicklung des Tonfilms.

Seit Beginn des 20. Jahrhunderts konzentriert sich die amerikanische Filmindustrie hauptsächlich auf die „ 30-Meilen-Zone“ um Hollywood im Los Angeles County, Kalifornien . Der Regisseur D. W. Griffith spielte eine zentrale Rolle in der Entwicklung der Filmsprache . Orson Welles ’ „Citizen Kane“ (1941) wird in Kritikerumfragen häufig als der beste Film aller Zeiten genannt . ^{[ 13 ]} Hollywood gilt weithin als ältestes Zentrum der Filmindustrie, wo die meisten der ersten Studios und Produktionsfirmen ihren Ursprung haben und wo zahlreiche Filmgenres entstanden sind. ^{[ 14 ]}

Die früheste dokumentierte Anwendung von Bewegungserfassung ist Eadweard Muybridges Fotoserie eines galoppierenden Pferdes, die er in Palo Alto, Kalifornien, mit mehreren in einer Reihe aufgestellten Kameras aufnahm. Muybridges Leistung inspirierte Erfinder weltweit, ähnliche Geräte zu entwickeln. In den Vereinigten Staaten gehörte Thomas Edison zu den Ersten, die ein solches Gerät herstellten: das Kinetoskop und den Kinetographen. ^{[ 15 ] [ 16 ]}

Die Geschichte des Kinos in den Vereinigten Staaten lässt sich bis zur Ostküste zurückverfolgen , wo Fort Lee, New Jersey , einst die Filmhauptstadt Amerikas war. Die amerikanische Filmindustrie begann Ende des 19. Jahrhunderts mit dem Bau von Thomas Edisons „ Black Maria “, dem ersten Filmstudio in West Orange, New Jersey . Die Städte und Gemeinden am Hudson River und den Hudson Palisades boten Land zu deutlich geringeren Preisen als New York City auf der anderen Flussseite und profitierten enorm vom phänomenalen Wachstum der Filmindustrie um die Jahrhundertwende. ^{[ 17 ] [ 18 ] [ 19 ] [ 20 ]}

Die Branche zog zunehmend Kapital und innovative Arbeitskräfte an. Nachdem die Kalem Company 1907 Fort Lee als Drehort nutzte, folgten schnell weitere Filmemacher. 1909 errichtete die Champion Film Company , ein Vorläufer der Universal Studios , das erste Studio. ^{[ 21 ]} Bald darauf bauten andere entweder neue Studios oder mieteten Räumlichkeiten in Fort Lee an. In den 1910er und 1920er Jahren produzierten Filmgesellschaften wie die Independent Moving Pictures Company, Peerless Pictures Studios , Solax Studios , Eclair , Goldwyn Pictures Corporation , Star Film ( Georges Méliès ), World Film Company , Biograph Studios , Fox Film Corporation , Société Pathé Frères , Metro-Goldwyn-Mayer Studios Inc. , Victor Film Company und Selznick International Pictures Filme in Fort Lee. Viele bekannte Schauspieler, darunter Mary Pickford , begannen ihre Karriere bei den Biograph Studios. ^{[ 22 ] [ 23 ] [ 24 ]}

In New York nutzten die Marx Brothers und W.C. Fields die Kaufman Astoria Studios in Queens , die während der Stummfilmzeit erbaut wurden . Die Edison Studios befanden sich in der Bronx . Auch Chelsea in Manhattan wurde häufig als Drehort genutzt.

Andere Städte im Osten der USA, insbesondere Chicago und Cleveland , dienten ebenfalls als frühe Zentren der Filmproduktion. ^{[ 25 ] [ 26 ]}

Im Westen entwickelte sich Kalifornien bereits rasch zu einem bedeutenden Filmproduktionszentrum. In Colorado hatte Denver den Sitz der Art-O-Graf Film Company, und Walt Disneys frühes Laugh-O-Gram Studio befand sich in Kansas City , Missouri.

Ab 1908 entstanden in Jacksonville, Florida, mehr als 30 Stummfilmgesellschaften, die Studios in der Stadt gründeten, darunter Kalem Studios , Metro Pictures (später MGM ), Edison Studios , Majestic Films, ^{[ 27 ]} King-Bee Films Corporation , Vim Comedy Company , Norman Studios , Gaumont Film Company und die Lubin Manufacturing Company .

Picture City, Florida, war in den 1920er Jahren als Standort für ein Filmproduktionszentrum geplant, doch aufgrund des Okeechobee-Hurrikans von 1928 scheiterte das Vorhaben, und Picture City, Florida, erhielt seinen ursprünglichen Namen Hobe Sound zurück . Auch der Versuch, ein Filmproduktionszentrum in Detroit zu errichten, scheiterte. ^{[ 28 ]}

Die Patentkriege um Filmproduktionen zu Beginn des 20. Jahrhunderts trugen zur Ausbreitung von Filmfirmen in andere Teile der USA, außerhalb New Yorks, bei. Viele Filmemacher arbeiteten mit Ausrüstung, für deren Nutzung sie keine Rechte besaßen. Daher konnte das Filmen in New York gefährlich sein, da es in der Nähe von Edisons Firmenzentrale und der von der Firma entsandten Agenten zur Beschlagnahmung von Kameras lag. ^{[ 29 ]}

Eine Alternative war Los Angeles, das milde Winter, eine große Auswahl an Drehorten und – was am wichtigsten war – nur 90 Meilen von der mexikanischen Grenze entfernt lag, falls man vor Edisons Vollstreckungsbeamten fliehen musste. Bis 1912 hatten die meisten großen Filmgesellschaften Produktionsstätten in Südkalifornien , in der Nähe von oder in Los Angeles, errichtet, da die Region ganzjährig günstiges Wetter bot. ^{[ 30 ]}

Die 1908 von der Selig Polyscope Company produzierte Verfilmung von „Der Graf von Monte Christo“ unter der Regie von Francis Boggs mit Hobart Bosworth in der Hauptrolle galt als erster Film, der 1907 in Los Angeles gedreht wurde. 1957 enthüllte die Stadt eine Gedenktafel im Dearden -Flagship-Store an der Ecke Main Street und 7th Street, um an die Dreharbeiten an dem Ort zu erinnern, der zuvor eine chinesische Wäscherei beherbergt hatte. ^{[ 31 ]} Bosworths Witwe vermutete jedoch, dass die Stadt Datum und Ort falsch angegeben hatte und der Film tatsächlich im nahegelegenen Venice gedreht wurde , das damals eine unabhängige Stadt war. ^{[ 32 ]} „ In the Sultan's Power“, ebenfalls von Boggs für die Selig Polyscope Company inszeniert und mit Bosworth in der Hauptrolle, gilt als erster Film, der vollständig in Los Angeles gedreht wurde. Die Dreharbeiten fanden 1909 an der Ecke 7th Street und Olive Street statt. ^{[ 33 ] [ 32 ]}

Anfang 1910 wurde Regisseur D. W. Griffith von der Biograph Company mit seiner Schauspieltruppe, bestehend aus Blanche Sweet , Lillian Gish , Mary Pickford , Lionel Barrymore und anderen, an die Westküste geschickt. Die Dreharbeiten begannen auf einem unbebauten Grundstück nahe der Georgia Street in der Innenstadt von Los Angeles. Während ihres Aufenthalts beschloss die Produktionsfirma, neue Gebiete zu erkunden und reiste einige Kilometer nördlich nach Hollywood: ein kleines, freundliches Dorf, dessen Bewohner die Dreharbeiten der Filmcrew begrüßten. Griffith drehte dort den ersten Film, der jemals in Hollywood gedreht wurde: „ In Old California“ , ein Melodram der Biograph Company über Kalifornien im 19. Jahrhundert, als der Staat unter mexikanischer Herrschaft stand . Griffith blieb mehrere Monate in Hollywood und drehte mehrere Filme, bevor er nach New York zurückkehrte. Ebenfalls 1910 gründete die Selig Polyscope Company aus Chicago das erste Filmstudio im Großraum Los Angeles in Edendale [ ^{31 ]} , und das erste Studio in Hollywood wurde 1912 eröffnet ^{[ 34 ] : 447. Nachdem Griffiths Erfolg in Hollywood bekannt wurde, zogen 1913 viele} Filmemacher in den Westen, um den Gebühren von Thomas Edison zu entgehen , der Patente auf das Filmverfahren besaß ^{[ 35 ]} . Die Nestor Studios aus Bayonne, New Jersey , errichteten 1911 das erste Studio im Hollywood-Viertel. Die Nestor Studios, im Besitz von David und William Horsley, fusionierten später mit den Universal Studios. William Horsleys anderes Unternehmen, das Hollywood Film Laboratory, ist heute das älteste noch existierende Unternehmen in Hollywood und heißt aktuell Hollywood Digital Laboratory. Das angenehmere und kostengünstigere Klima Kaliforniens führte schließlich dazu, dass sich die Filmproduktion bis in die 1930er-Jahre nahezu vollständig an die Westküste verlagerte . Zu jener Zeit besaß Thomas Edison fast alle Patente, die für die Filmproduktion relevant waren, und Filmproduzenten an der Ostküste, die unabhängig von Edisons Motion Picture Patents Company agierten, wurden häufig von Edison und seinen Agenten verklagt oder mit einstweiligen Verfügungen belegt, während Filmemacher an der Westküste unabhängig von Edisons Kontrolle arbeiten konnten. ^{[ 29 ]}

In Los Angeles erlebten die Studios und Hollywood einen Aufschwung. Vor dem Ersten Weltkrieg wurden Filme in mehreren amerikanischen Städten gedreht, doch mit der Entwicklung der Filmindustrie zog es die Filmemacher zunehmend nach Südkalifornien . Sie wurden vom warmen, beständigen Klima mit dem zuverlässigen Sonnenschein angezogen, das ganzjährige Dreharbeiten im Freien ermöglichte. ^{[ 36 ]} Die Kriegsschäden trugen zum Niedergang der damals dominierenden europäischen Filmindustrie zugunsten der Vereinigten Staaten bei, deren Infrastruktur noch intakt war. ^{[ 37 ]} Die im Vergleich zu anderen amerikanischen Städten deutlich effektivere Reaktion der Gesundheitsbehörden auf die Grippeepidemie von 1918 in Los Angeles ^{[ 38 ]} reduzierte die Fallzahlen und führte zu einer schnelleren Erholung, was die zunehmende Dominanz Hollywoods gegenüber New York City begünstigte. ^{[ 37 ]} Während der Pandemie schlossen die Gesundheitsbehörden in einigen Gebieten vorübergehend Kinos, große Studios stellten ihre Produktion wochenlang ein, und einige Schauspieler erkrankten an der Grippe. Dies verursachte erhebliche finanzielle Verluste und große Schwierigkeiten für kleine Studios, doch die Branche insgesamt erholte sich in den Goldenen Zwanzigern mehr als vollständig . ^{[ 39 ]}

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts, als das Medium Film noch neu war, fanden viele jüdische Einwanderer Arbeit in der US-amerikanischen Filmindustrie. Sie konnten sich in einem brandneuen Geschäftszweig etablieren: der Vorführung von Kurzfilmen in kleinen Kinos, den sogenannten Nickelodeons , benannt nach dem Eintrittspreis von fünf Cent . Innerhalb weniger Jahre wechselten Männer wie Samuel Goldwyn , William Fox , Carl Laemmle , Adolph Zukor , Louis B. Mayer und die Warner-Brüder (Harry, Albert, Samuel und Jack) in den Produktionsbereich. Schon bald standen sie an der Spitze einer neuen Unternehmensform: dem Filmstudio . In diesen frühen Jahren gab es in den USA mindestens zwei Regisseurinnen, Produzentinnen und Studioleiterinnen: Lois Weber und die in Frankreich geborene Alice Guy-Blaché . Sie legten auch den Grundstein für die Internationalisierung der Branche; der amerikanischen Filmindustrie wird oft ein amerikanisch geprägter Provinzialismus vorgeworfen .

Nach dem Ersten Weltkrieg kamen weitere Filmproduzenten aus Europa: Regisseure wie Ernst Lubitsch , Alfred Hitchcock , Fritz Lang und Jean Renoir sowie Schauspieler wie Rudolph Valentino , Marlene Dietrich , Ronald Colman und Charles Boyer . Sie gesellten sich zu den einheimischen Schauspielern – die nach der Einführung des Tonfilms von den New Yorker Bühnen in den Westen gelockt worden waren – und trugen so zu einer der bemerkenswertesten Wachstumsbranchen des 20. Jahrhunderts bei. Auf dem Höhepunkt der Popularität des Films Mitte der 1940er-Jahre produzierten die Studios jährlich rund 400 Filme, die wöchentlich von 90 Millionen Amerikanern gesehen wurden. ^{[ 40 ]}

Der Tonfilm hielt Ende der 1920er Jahre auch in Hollywood weite Verbreitung. ^{[ 41 ]} Nachdem „The Jazz Singer“ , der erste Film mit synchronisierten Stimmen, 1927 als Vitaphone- Tonfilm erfolgreich veröffentlicht worden war, reagierten die Hollywood-Filmgesellschaften auf Warner Bros. und begannen, den Vitaphone-Ton – dessen Rechte bis 1928 bei Warner Bros. lagen – in zukünftigen Filmen zu verwenden. Im Mai 1928 hatte Electrical Research Product Incorporated (ERPI), eine Tochtergesellschaft von Western Electric, das Monopol auf den Vertrieb von Filmtonfilmen. ^{[ 40 ]}

Eine Nebenwirkung des Tonfilms war , dass viele Schauspieler, die in Stummfilmen Karriere gemacht hatten, plötzlich arbeitslos wurden, da sie oft eine schlechte Stimme hatten oder sich ihre Texte nicht merken konnten. Zur gleichen Zeit verließ der US-amerikanische Politiker Will H. Hays 1922 die Politik und gründete die Filmproduzenten- und -vertriebsorganisation Motion Picture Producers and Distributors of America (MPPDA). ^{[ 42 ]} Nach Hays’ Rücktritt 1945 wurde die Organisation zur Motion Picture Association of America .

In den Anfängen des Tonfilms stellten amerikanische Studios fest, dass ihre Tonproduktionen auf fremdsprachigen Märkten und sogar bei Sprechern anderer englischer Dialekte auf Ablehnung stießen. Die Synchronisationstechnik war für die Synchronisation noch zu primitiv . Eine Lösung bestand darin, parallele fremdsprachige Versionen von Hollywood-Filmen zu erstellen. Um 1930 eröffneten die amerikanischen Firmen ein Studio in Joinville-le-Pont , Frankreich, wo dieselben Kulissen, Kostüme und sogar Massenszenen von verschiedenen Filmteams im Wechsel verwendet wurden.

Außerdem wurden ausländische arbeitslose Schauspieler, Dramatiker und Gewinner von Fotowettbewerben ausgewählt und nach Hollywood geholt, wo sie Parallelversionen englischsprachiger Filme drehten. Diese Parallelversionen hatten ein geringeres Budget, wurden nachts gedreht und von zweitklassigen amerikanischen Regisseuren inszeniert, die keine Fremdsprache sprachen. Zu den spanischsprachigen Filmteams gehörten unter anderem Luis Buñuel , Enrique Jardiel Poncela , Xavier Cugat und Edgar Neville . Die Produktionen waren in ihren Zielmärkten aus folgenden Gründen nicht sehr erfolgreich:

• Die geringeren Budgets waren offensichtlich.
• Viele Theaterschauspieler hatten keinerlei Vorerfahrung im Filmbereich.
• Die Originalfilme waren oft selbst zweitklassig, da die Studios davon ausgingen, dass sich die Top-Produktionen von selbst verkaufen würden.
• Die Mischung aus ausländischen Akzenten (im spanischen Fall beispielsweise Kastilisch, Mexikanisch und Chilenisch) wirkte auf das Publikum befremdlich.
• In einigen Märkten fehlten Kinos mit Tonanlage.

Das klassische Hollywood-Kino , auch bekannt als das Goldene Zeitalter Hollywoods, bezeichnet einen technischen und erzählerischen Stil, der das amerikanische Kino von 1913 bis 1962 prägte. In diesem Zeitraum wurden Tausende von Filmen von den Hollywood-Studios produziert. Der klassische Stil begann sich 1913 herauszubilden, erlebte 1917 nach dem Eintritt der USA in den Ersten Weltkrieg einen Aufschwung und festigte sich schließlich mit dem Film „Der Jazzsänger“ (The Jazz Singer) im Jahr 1927. Dieser Film beendete die Stummfilmära und steigerte die Kinoeinnahmen der Filmindustrie durch die Einführung des Tonfilms.

Die meisten Hollywood-Filme folgten einem festen Schema – Western , Slapstick-Komödie , Musical , Zeichentrickfilm , Biografie – und oft arbeiteten dieselben Kreativteams an Filmen desselben Studios. So arbeiteten beispielsweise Cedric Gibbons und Herbert Stothart stets für MGM , Alfred Newman war zwanzig Jahre lang bei 20th Century Fox tätig , Cecil B. DeMilles Filme entstanden fast alle bei Paramount , und die Filme von Regisseur Henry King wurden größtenteils für 20th Century Fox produziert.

Gleichzeitig konnte man meist erraten, welches Studio welchen Film produziert hatte, vor allem aufgrund der darin auftretenden Schauspieler; MGM beispielsweise behauptete, „mehr Stars als am Himmel“ unter Vertrag zu haben. Jedes Studio hatte seinen eigenen Stil und seine charakteristischen Merkmale, die dies ermöglichten – eine Eigenschaft, die heutzutage selten anzutreffen ist.

Beispielsweise ist „Haben und Nichthaben “ (1944) nicht nur deshalb bemerkenswert, weil hier die Schauspieler Humphrey Bogart (1899–1957) und Lauren Bacall (1924–2014) zum ersten Mal gemeinsam vor der Kamera standen, sondern auch, weil das Drehbuch von zwei späteren Nobelpreisträgern für Literatur geschrieben wurde : Ernest Hemingway (1899–1961), dem Autor des Romans, auf dem das Drehbuch nominell basiert, und William Faulkner (1897–1962), der an der Drehbuchadaption mitwirkte.

Nach dem Kinostart von „Der Jazzsänger“ im Jahr 1927 feierte Warner Bros. große Erfolge und konnte nach dem Kauf der Stanley Theaters und First National Productions im Jahr 1928 eine eigene Kinokette aufbauen. Im Gegensatz dazu gehörte MGM seit der Gründung 1924 zu Loews Theaters , während die Fox Film Corporation das Fox Theatre besaß . RKO (eine Fusion von Keith-Orpheum Theaters und der Radio Corporation of America im Jahr 1928 ^{[ 43 ]} ) reagierte ebenfalls auf das Monopol von Western Electric/ERPI im Bereich Tonfilme und entwickelte mit dem Photophon ein eigenes Verfahren zur Tonwiedergabe in Filmen. ^{[ 40 ]}

Paramount, das Balaban und Katz 1926 übernommen hatte, reagierte auf den Erfolg von Warner Bros. und RKO, indem es Ende der 1920er Jahre mehrere Kinos kaufte und ein Monopol auf die Kinos in Detroit, Michigan , erlangte . ^{[ 44 ]} In den 1930er Jahren befanden sich fast alle Erstaufführungskinos in den US-amerikanischen Großstädten im Besitz der fünf großen Filmstudios – MGM , Paramount Pictures , RKO , Warner Bros. und 20th Century Fox . ^{[ 45 ]}

Die Filmindustrie operierte im Rahmen des Studiosystems . Die großen Studios beschäftigten Tausende von Menschen – Schauspieler, Produzenten, Regisseure, Drehbuchautoren, Stuntmen, Handwerker und Techniker. Sie besaßen oder pachteten Filmranchs im ländlichen Südkalifornien für Dreharbeiten von Western und anderen groß angelegten Genrefilmen. Zudem besaßen die großen Studios Hunderte von Kinos in Städten und Gemeinden im ganzen Land, in denen sie ihre Filme zeigten und die stets auf der Suche nach neuem Material waren.

1930 schuf Will Hays, Präsident der MPPDA, den Hays Code (Produktionskodex) , der Zensurrichtlinien enthielt und nach zunehmenden staatlichen Zensurdrohungen im Jahr 1930 in Kraft trat. ^{[ 46 ]} Allerdings wurde der Kodex erst 1934 durchgesetzt, nachdem die katholische Bürgerrechtsorganisation „Legion of Decency“ – entsetzt über einige der provokanten Filme und die reißerische Werbung jener Zeit, die später als „Pre-Code Hollywood“ bezeichnet wurde – mit einem Boykott von Filmen drohte, sollte der Kodex nicht in Kraft treten. ^{[ 47 ]} Filme, die keine Genehmigung der Production Code Administration erhielten, mussten eine Geldstrafe von 25.000 US-Dollar (entspricht 481.823 US-Dollar im Jahr 2025) zahlen und durften in den Kinos keinen Gewinn erzielen, da die MPPDA über die fünf großen Filmstudios alle Kinos des Landes kontrollierte.

Während der gesamten 1930er Jahre und des größten Teils des Goldenen Zeitalters dominierte MGM die Filmwelt und hatte die Topstars Hollywoods unter Vertrag. Dem Unternehmen wird außerdem die Schaffung des gesamten Hollywood-Starsystems zugeschrieben . ^{[ 48 ]} Zu den MGM-Stars gehörten unter anderem der „König von Hollywood“ Clark Gable , Lionel Barrymore , Jean Harlow , Norma Shearer , Greta Garbo , Joan Crawford , Jeanette MacDonald , Gene Raymond , Spencer Tracy , Judy Garland und Gene Kelly . ^{[ 48 ]}

Ein weiterer großer Erfolg des amerikanischen Kinos in dieser Ära war Walt Disneys Animationsstudio . 1937 schuf Disney mit Schneewittchen und die sieben Zwerge den damals erfolgreichsten Film . ^{[ 49 ]} Dieser Erfolg wurde jedoch bereits 1939 von Selznick International mit Vom Winde verweht übertroffen, der inflationsbereinigt bis heute der erfolgreichste Film aller Zeiten ist . ^{[ 50 ]}

Viele Filmhistoriker haben die zahlreichen großartigen Werke hervorgehoben, die in dieser Zeit streng reglementierter Filmproduktion entstanden sind. Ein Grund dafür war, dass bei der Vielzahl der produzierten Filme nicht jeder ein Kassenschlager sein musste. Ein Studio konnte mit einem guten Drehbuch und relativ unbekannten Schauspielern auf einen Film mit mittlerem Budget setzen: „ Citizen Kane“ von Orson Welles (1915–1985), der oft als einer der größten Filme aller Zeiten gilt , ist ein gutes Beispiel dafür. In anderen Fällen kämpften willensstarke Regisseure wie Howard Hawks (1896–1977), Alfred Hitchcock (1899–1980) und Frank Capra (1897–1991) gegen die Studios, um ihre künstlerischen Visionen zu verwirklichen.

Der Höhepunkt des Studiosystems war wohl das Jahr 1939, in dem Klassiker wie „ Der Zauberer von Oz“ , „ Vom Winde verweht“ , „Stagecoach“ , „Mr. Smith geht nach Washington“ , „Sturmhöhe“ , „Nur Engel haben Flügel“ , „Ninotschka“ und „Midnight“ erschienen . Zu den weiteren Filmen aus dem Goldenen Zeitalter, die heute als Klassiker gelten, zählen: „Casablanca“ , „Ist das Leben nicht schön?“ , „ Es geschah in einer Nacht“ , der Original -King-Kong , „ Meuterei auf der Bounty“ , „ Top Hat“ , „Lichter der Großstadt“ , „Red River“ , „ Die Lady von Shanghai“ , „ Das Fenster zum Hof“ , „Die Faust im Nacken“ , „…denn sie wissen nicht, was sie tun“ , „Manche mögen’s heiß “ und „Der Manchurian Kandidat“ .

Das Studiosystem und das Goldene Zeitalter Hollywoods erlagen zwei Kräften, die sich in den späten 1940er Jahren entwickelten:

• ein bundesweites Kartellverfahren , das die Filmproduktion von der Filmvorführung trennte; und
• das Aufkommen des Fernsehens .

1938 erschien Walt Disneys „ Schneewittchen und die sieben Zwerge“ inmitten einer Reihe schwacher Filme der großen Studios und avancierte schnell zum bis dahin erfolgreichsten Film. Peinlicherweise für die Studios handelte es sich um einen unabhängig produzierten Animationsfilm ohne die Mitwirkung von Studio-Stars. ^{[ 51 ]} Dies verschärfte die ohnehin schon weit verbreitete Frustration über die Praxis des Block-Bookings , bei der Studios den Kinos jeweils nur die Jahresprogramme verkauften und diese Exklusivität nutzten , um mittelmäßige Veröffentlichungen zu kaschieren.

Der stellvertretende Generalstaatsanwalt Thurman Arnold – ein bekannter „ Trustbekämpfer “ der Roosevelt-Regierung – nutzte diese Gelegenheit, um im Juli 1938 ein Verfahren gegen die acht größten Hollywood-Studios wegen Verstößen gegen den Sherman Antitrust Act einzuleiten . ^{[ 52 ] [ 53 ]} Die Klage vor dem Bundesgericht führte dazu, dass fünf der acht Studios (die „Big Five“: Warner Bros. , MGM , Fox , RKO und Paramount ) im Oktober 1940 einen Vergleich mit Arnold schlossen und eine Einverständniserklärung unterzeichneten , in der sie sich verpflichteten, innerhalb von drei Jahren Folgendes zu tun:

• Die Blockbuchung von Kurzfilmthemen in einer als „One Shot“ oder „Full Force“ Blockbuchung bekannten Formation soll abgeschafft werden.
• Die Blockbuchung von mehr als fünf Filmen in ihren Kinos soll unterbunden werden.
• Verzichten Sie auf Blindkäufe (also den Kauf von Filmen durch Kinobezirke, ohne die Filme vorher gesehen zu haben) und führen Sie stattdessen Fachvorführungen ein , bei denen alle 31 Kinobezirke in den USA alle zwei Wochen Filme sichten, bevor diese in den Kinos gezeigt werden.
• In jedem Theaterbezirk soll ein Verwaltungsausschuss eingerichtet werden, der die Einhaltung dieser Vorgaben überwacht. ^{[ 52 ]}

Die „Kleinen Drei“ ( Universal Studios , United Artists und Columbia Pictures ), die keine Kinos besaßen, weigerten sich, an der Einigung teilzunehmen. ^{[ 52 ] [ 53 ]} Auch einige unabhängige Filmproduzenten waren mit dem Kompromiss unzufrieden und gründeten die „Society of Independent Motion Picture Producers“. Sie verklagten Paramount wegen des weiterhin bestehenden Monopols über die Detroiter Kinos – Paramount gewann bis 1942 durch Schauspieler wie Bob Hope, Paulette Goddard, Veronica Lake, Betty Hutton, den Sänger Bing Crosby, Alan Ladd und den langjährigen Studiodarsteller Gary Cooper zunehmend an Einfluss. Die „Großen Fünf“ Studios erfüllten die Auflagen der Einigung während des Zweiten Weltkriegs nicht ohne größere Folgen. Nach Kriegsende schlossen sie sich jedoch Paramount als Beklagte im Hollywood-Kartellverfahren an, ebenso wie die „Kleinen Drei“. ^{[ 54 ]}

Der Oberste Gerichtshof der Vereinigten Staaten urteilte schließlich im Fall „United States v. Paramount Pictures, Inc.“ , dass der Besitz von Kinos und Filmverleih durch die großen Studios gegen den Sherman Antitrust Act verstieß . Daraufhin begannen die Studios, Schauspieler und technisches Personal aus ihren Verträgen zu entlassen. Dies veränderte die Filmproduktion der großen Hollywood-Studios grundlegend, da nun jedes Studio mit einer völlig anderen Besetzung und einem anderen Kreativteam arbeiten konnte.

Diese Entscheidung führte zum allmählichen Verlust der charakteristischen Merkmale, die Filme von Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount Pictures, Universal Studios, Columbia Pictures, RKO Pictures und 20th Century Fox sofort erkennbar machten. Manche Filmschaffende, wie beispielsweise Cecil B. DeMille , blieben entweder bis zum Ende ihrer Karriere als Vertragskünstler tätig oder arbeiteten mit denselben Kreativteams, sodass ein DeMille-Film unabhängig vom Entstehungsjahr (1932 oder 1956) noch immer als solcher erkennbar war.

Das postklassische Kino beschreibt die veränderten Erzählmethoden im Neuen Hollywood. Es wird argumentiert, dass neue Ansätze in Dramaturgie und Charakterzeichnung die im klassischen Kino geprägten Erwartungen des Publikums aufgreifen: Die Chronologie wird durcheinandergebracht, Handlungsstränge enden mit überraschenden Wendungen , und die Grenzen zwischen Antagonist und Protagonist verschwimmen. Die Wurzeln des postklassischen Erzählens finden sich im Film noir , in „…denn sie wissen nicht, was sie tun“ (1955) und in Hitchcocks bahnbrechendem Film „Psycho“ .

Das Neue Hollywood bezeichnet den Aufstieg einer neuen Generation von Filmhochschul-Absolventen, die die in den 1960er Jahren in Europa im Zuge der Nouvelle Vague entwickelten Techniken übernommen hatten. Der Film „ Bonnie und Clyde“ von 1967 markierte auch den Beginn des Aufschwungs des amerikanischen Kinos, da eine neue Generation von Filmen in der Folge ebenfalls Kassenerfolge feierte. ^{[ 55 ]} Filmemacher wie Francis Ford Coppola , Steven Spielberg , George Lucas , Brian De Palma , Stanley Kubrick , Martin Scorsese , Roman Polanski und William Friedkin produzierten Werke, die der Filmgeschichte Tribut zollten und bestehende Genres und Techniken weiterentwickelten. Mit der Veröffentlichung von Andy Warhols „ Blue Movie“ im Jahr 1969 begann das Phänomen, dass ^erotische Filme für Erwachsene von Prominenten (wie Johnny Carson ^{und Bob Hope) öffentlich diskutiert und von Kritikern (wie Roger Ebert) ernst genommen wurden. [56]} Diese Entwicklung , die Ralph Blumenthal von ^{der New York Times als} „ Porno Chic “ bezeichnete und später als das Goldene Zeitalter der Pornografie bekannt wurde , hielt ihren Anfang in der modernen amerikanischen Kultur. ^{[ 56 ] [ 59 ] [ 60 ] Laut} der preisgekrönten Autorin Toni Bentley gilt Radley Metzgers Film „The Opening of Misty Beethoven“ aus dem Jahr 1976 ^, basierend auf George Bernard Shaws Theaterstück „Pygmalion“ (und dessen Adaption „ My Fair Lady “), aufgrund seiner Mainstream-Tauglichkeit in Handlung und Ausstattung als „Kronjuwel“ dieses „Goldenen Zeitalters“. ^{[ 61 ] [ 62 ] [ 63 ]}

Auf dem Höhepunkt seines Ruhms Anfang der 1970er-Jahre war Charles Bronson der weltweit größte Publikumsmagnet und verdiente eine Million Dollar pro Film. ^{[ 64 ]} In den 1970er-Jahren waren die Filme der New-Hollywood-Regisseure oft sowohl von der Kritik gefeiert als auch kommerziell erfolgreich. Während die frühen New-Hollywood-Filme wie „Bonnie und Clyde“ und „Easy Rider“ relativ kostengünstig produziert wurden und sich durch amoralische Helden sowie vermehrte Sexualität und Gewalt auszeichneten, trugen die enormen Erfolge von Friedkin mit „ Der Exorzist“ , Spielberg mit „ Der weiße Hai“ , Coppola mit „Der Pate“ und „Apocalypse Now“ , Scorsese mit „Taxi Driver“ , Kubrick mit „2001: Odyssee im Weltraum“ , Polanski mit „Chinatown“ und Lucas mit „American Graffiti “ und „ Star Wars “ maßgeblich zur Entstehung des modernen Blockbusters bei und veranlassten die Studios, sich noch stärker auf die Produktion von Kassenschlagern zu konzentrieren. ^{[ 65 ]}

In den USA wurde 1984 die Altersfreigabe PG-13 eingeführt, um Filme zu erfassen, die zwischen PG und R lagen. Dies war hauptsächlich auf die Kontroversen um die Gewaltdarstellung in den PG-Filmen Indiana Jones und der Tempel des Todes und Gremlins (beide 1984) zurückzuführen. ^{[ 66 ]}

Filmemacher  der 1990er-Jahre hatten Zugang zu technologischen, politischen und wirtschaftlichen Innovationen, die in den Jahrzehnten zuvor nicht verfügbar gewesen waren. Kritiker Matt Zoller Seitz argumentierte, dass Filmemacher Robert Zemeckis , mehr noch als George Lucas in den 1970er-Jahren, Hollywood aus der analogen Phase ins digitale Zeitalter geführt habe. Sein Film „ Zurück in die Zukunft II “ von 1989 sei eine „fast rein formale Übung“ gewesen, die mehrere Innovationen wie das VistaGlide-Kamerasystem von ILM nutzte , um Kamerabewegungen in Einstellungen zu ermöglichen, in denen mehrere von demselben Schauspieler dargestellte Charaktere gleichzeitig zu sehen waren. ^{[ 67 ]} „Dick Tracy“ (1990) war der erste 35-mm -Spielfilm mit digitaler Tonspur. „Batman Returns “ (1992) war der erste Film, der den Dolby-Digital -Sechskanal-Stereoton verwendete , der sich seither zum Industriestandard entwickelt hat. Computergenerierte Bilder wurden erheblich erleichtert, als es möglich wurde, Filmaufnahmen auf einen Computer zu übertragen und digital zu bearbeiten. Die Möglichkeiten wurden in James Camerons „ Terminator 2: Tag der Abrechnung “ (1991) anhand der Bilder des formwandelnden T-1000 deutlich . Computergrafik (CG) entwickelte sich so weit, dass „Jurassic Park“ (1993) diese Techniken nutzen konnte, um realistisch aussehende Tiere zu erschaffen. „Jackpot“ (2001) war der erste Film, der vollständig digital gedreht wurde. ^{[ 68 ]} In „ Titanic“ wollte Cameron die Grenzen der Spezialeffekte erweitern und beauftragte Digital Domain und Pacific Data Images mit der Weiterentwicklung der digitalen Technologie, die er bereits bei „Abyss“ und „Terminator 2: Tag der Abrechnung“ vorangetrieben hatte . Viele frühere Filme über die RMS Titanic zeigten Wasser in Zeitlupe , was nicht ganz überzeugend wirkte. ^{[ 69 ]} Cameron ermutigte sein Team, das 14 Meter lange Miniaturmodell des Schiffes so zu drehen, als würden sie einen Werbespot für die Reederei White Star Line produzieren.

Sogar „The Blair Witch Project“ (1999), ein Low-Budget-Indie-Horrorfilm von Eduardo Sanchez und Daniel Myrick , war ein enormer finanzieller Erfolg. Gedreht mit einem Budget von nur 35.000 US-Dollar, ohne große Stars oder Spezialeffekte, spielte der Film dank moderner Marketingtechniken und Online-Werbung 248 Millionen US-Dollar ein. Obwohl er nicht an die Dimensionen von George Lucas ’ 1 Milliarde US-Dollar teurem Prequel zur Star-Wars-Trilogie heranreichte , gilt „The Blair Witch Project“ gemessen am prozentualen Anteil am Einspielergebnis als der profitabelste Film aller Zeiten. ^{[ 68 ]}

Der Erfolg von „Blair Witch“ als Independent-Projekt bleibt jedoch eine der wenigen Ausnahmen, und die Kontrolle der fünf großen Studios über die Filmproduktion  nahm in den 1990er-Jahren weiter zu. Die sechs großen Studios erlebten in den 1990er-Jahren allesamt eine Expansionsphase. Jedes Studio entwickelte unterschiedliche Strategien, um sich an die steigenden Kosten in der Filmindustrie anzupassen, insbesondere an die steigenden Gagen der Filmstars, die von einflussreichen Agenten getrieben wurden. Die größten Stars wie Sylvester Stallone , Russell Crowe , Tom Cruise , Nicole Kidman , Sandra Bullock , Arnold Schwarzenegger , Mel Gibson , Kevin Bacon und Julia Roberts erhielten zwischen 15 und 20 Millionen US-Dollar pro Film und wurden in einigen Fällen sogar am Gewinn beteiligt. ^{[ 68 ]}

Drehbuchautoren hingegen wurden im Allgemeinen schlechter bezahlt als die Top-Schauspieler oder Regisseure, meist unter einer Million Dollar pro Film. Der größte Kostentreiber waren jedoch die Spezialeffekte. 1999 beliefen sich die durchschnittlichen Kosten eines Blockbusters auf 60 Millionen Dollar, bevor Marketing und Werbung weitere 80 Millionen Dollar kosteten. ^{[ 68 ]}

Seit Beginn des 21. Jahrhunderts wird der Kinomarkt zunehmend vom Superhelden -Genre dominiert. Stand 2022 sind Superheldenfilme die bestbezahlten Produktionen für Schauspieler, da die Gagen in anderen Genres selbst für Top-Darsteller gesunken sind. ^{[ 71 ]} In den Jahren 2023 und 2024 wiesen Hollywood-Experten jedoch auf eine zunehmende „Superheldenmüdigkeit“ als neuen Trend hin. ^{[ 72 ]} Schauspieler wie Paul Dano und Regisseure wie Matthew Vaughn vertraten ähnliche Ansichten. ^{[ 73 ] [ 74 ]}

Trotz der COVID-19-Pandemie in den Vereinigten Staaten wurden 2021 Blockbuster wie Black Widow , F9 , Tod auf dem Nil und West Side Story in den Kinos veröffentlicht, nachdem ihre ursprünglichen Kinostarts im Jahr 2020 verschoben worden waren. ^{[ 75 ]}

Verschiedene Studios reagierten auf die Krise mit kontroversen Entscheidungen, auf das Kinofenster zu verzichten und ihre Filme gleichzeitig im Kino und im Fernsehen zu veröffentlichen . NBCUniversal veröffentlichte „Trolls World Tour“ am 10. April direkt als Video-on-Demand ^{[ 76 ]} und zeigte den Film gleichzeitig in begrenzter Anzahl in Autokinos ^{[ 77 ]} . CEO Jeff Shell behauptet, der Film habe innerhalb der ersten drei Wochen fast 100 Millionen US-Dollar eingespielt ^{[ 78 ] [ 79 ]} . AMC Theatres sprach sich gegen diese Entscheidung aus und kündigte an, die Vorführungen von Universal-Pictures-Filmen sofort einzustellen. Schließlich einigten sich die beiden Unternehmen jedoch auf ein zweiwöchiges Kinofenster. ^{[ 80 ] [ 81 ] [ 82 ] [ 83 ] [ 84 ]} Im Dezember 2020 kündigte Warner Bros. Pictures an, seine Filme des Jahres 2021 einen Monat lang gleichzeitig in den Kinos und auf seiner Streaming-Plattform HBO Max zu veröffentlichen, um die Zuschauerzahlen zu maximieren. ^{[ 85 ]} Bis 2023 brachten Streiks der Writers Guild of America (WGA) und der Screen Actors Guild (SAG-AFTRA) jedoch wachsende Streitigkeiten über Streaming-Tantiemen, KI-Technologie im Drehbuchschreiben und Schauspiel sowie faire Bezahlung ans Licht. Dies spiegelte die umfassenderen Herausforderungen des sich wandelnden Wirtschaftsmodells Hollywoods wider. Die Entscheidung wurde von verschiedenen Branchenvertretern heftig kritisiert. Viele von ihnen waren Berichten zufolge vor der Bekanntgabe nicht über die Entscheidung informiert worden und fühlten sich vom Studio getäuscht. ^{[ 86 ]}

Seit 2019 erlebten amerikanische Streaming-Plattformen wie Netflix , Disney+ , Paramount+ und Apple TV+ einen Aufstieg und traten in Konkurrenz zum traditionellen Kino. ^{[ 87 ] [ 88 ]} Branchenbeobachter stellten fest, dass Filme zunehmend als „ Content “ von Unternehmen behandelt werden, was mit der steigenden Popularität von Streaming-Plattformen korreliert. ^{[ 89 ]} Dies führt zu einer Verschmelzung der Grenzen zwischen Filmen, Fernsehen und anderen Medienformen, da immer mehr Menschen diese auf vielfältige Weise konsumieren. Einzelne Filme werden dabei eher durch ihre Markenidentität und ihr kommerzielles Potenzial als durch ihr Medium, ihre Geschichten und ihre künstlerische Qualität definiert. ^{[ 87 ] [ 90 ]} Kritiker Matt Zoller Seitz beschrieb den Kinostart von Avengers: Endgame im Jahr 2019 als „entscheidenden Sieg des ‚Kinos‘ über den ‚Content ‘ “. Der Film sei ein großer Erfolg als „Unterhaltungsprodukt“ gewesen, das von der Marke Marvel geprägt sei und den Höhepunkt einer Reihe von Blockbustern mit Merkmalen einer Fernsehserie darstelle. ^{[ 87 ]}

Die Filme „ Space Jam: A New Legacy“ und „Red Notice“ wurden als Beispiele für diese Behandlung angeführt. Ersterer wurde von vielen Kritikern als „lange Werbesendung für HBO Max“ beschrieben, mit Szenen und Figuren, die an verschiedene Warner-Bros.-Produktionen wie „Casablanca“ , „Matrix“ und „Austin Powers“ erinnern . ^{[ 91 ] [ 92 ] [ 93 ] [ 94 ]} Letzterer ist ein 200-Millionen-Dollar-Heist-Film von Netflix, den Kritiker als „einen Film, der eher wie von einer Maschine produziert wirkt […] anstatt auch nur annähernd künstlerische Absicht oder den ehrlichen Wunsch nach Unterhaltung zu vermitteln“ bezeichneten. ^{[ 95 ] [ 96 ] [ 97 ]} Einige äußerten, dass „Space Jam“ die zunehmend zynische Behandlung von Filmen durch die Branche als bloßes geistiges Eigentum (IP) verdeutlicht, das es auszubeuten gilt – ein Ansatz, den Kritiker Scott Mendelson als „IP um des IP willen“ bezeichnete. ^{[ 92 ] [ 98 ] [ 99 ] [ 93 ]}

Martin Scorsese warnte davor, dass Kino als Kunstform „systematisch abgewertet, an den Rand gedrängt, herabgewürdigt und auf reinen „Inhalt“ reduziert“ werde, und bezeichnete die übermäßige Fokussierung von Blockbustern auf Einspielergebnisse als „abstoßend“. ^{[ 100 ] [ 101 ]} Quentin Tarantino meinte, die gegenwärtige Ära des Kinos sei eine der schlimmsten in der Geschichte Hollywoods. ^{[ 102 ] [ 103 ]} Während einer Masterclass beim Sarajevo Film Festival 2023 kritisierte Charlie Kaufman Mainstream-Blockbuster mit den Worten: „Heutzutage bringt nur noch Schrott Geld ein.“ Er rief Branchenprofis dazu auf, „so oft wie möglich Filme außerhalb des Studiosystems zu produzieren“. ^{[ 104 ] [ 105 ]} James Gray bemerkte in einem Interview mit Deadline : „Wenn man Filme produziert, die nur massenhaft Geld einbringen und sich auf ein bestimmtes Genre beschränken, verliert ein großer Teil der Bevölkerung die Lust am Kinobesuch.“ Dies führe zu sinkenden Zuschauerzahlen. Er stellte jedoch klar, dass er „kein Problem mit Comicverfilmungen“ habe. Als Lösung für den Mangel an „Investitionen in ein breites Publikum“ schlägt er vor, dass Studios „bereit sein sollten, mit ihren Sparten für künstlerische Filme ein paar Jahre lang Verluste in Kauf zu nehmen, und am Ende werden sie zufriedener sein.“ ^{[ 106 ]}

Der Analyst und Nachrichtensprecher Fareed Zakaria beschrieb die Hollywood-Filmindustrie in Los Angeles als in einem Zustand des „langsamen Niedergangs“ befindlich, bedingt durch den kontinuierlichen Rückgang der Beschäftigungsmöglichkeiten für Filmschaffende in den 2020er Jahren. ^{[ 107 ]} Die geplante Übernahme von Warner Bros. Discovery durch Paramount Skydance stellt eine potenziell weitere Konsolidierung der großen Filmstudios dar.

In den 1930er und 1940er Jahren erkannten sowohl Demokraten als auch Republikaner politische Chancen in Hollywood, und Präsident Franklin Roosevelt gehörte zu den Ersten, die die Hollywood-Stars für ihren nationalen Wahlkampf nutzten. ^{[ 108 ]} Melvyn Douglas und seine Frau Helen bereisten 1939 Washington, D.C., und trafen dort die wichtigsten Vertreter des New Deal. ^{[ 109 ]}

Führende Schauspieler unterzeichneten Empfehlungsschreiben, und es wurden Radioauftritte sowie Printanzeigen geschaltet. Filmstars wurden eingesetzt, um ein breites Publikum für die politischen Ansichten der Partei zu gewinnen. In den 1960er Jahren war John F. Kennedy ein neues, junges Gesicht in Washington, und seine enge Freundschaft mit Frank Sinatra verkörperte diese neue Ära des Glamours. Die letzten Hollywood-Mogule waren verschwunden, und jüngere, aufstrebende Führungskräfte und Produzenten begannen, liberalere Ideen zu propagieren. ^{[ 110 ] [ 111 ]}

Prominente und Geld lockten Politiker in den glamourösen Hollywood-Lifestyle. Wie Ron Brownstein in seinem Buch „The Power and the Glitter“ schrieb , war das Fernsehen in den 1970er- und 1980er-Jahren ein enorm wichtiges neues Medium in der Politik, und Hollywood trug dazu bei, indem Schauspieler wie Jane Fonda, die sich gegen den Vietnamkrieg aussprach, Reden zu ihren politischen Überzeugungen hielten. ^{[ 112 ]} Obwohl die meisten Prominenten und Produzenten eher links orientiert waren und tendenziell die Demokratische Partei unterstützten , ^{[ 113 ] [ 114 ]} brachte diese Ära auch einige republikanische Schauspieler und Produzenten hervor, darunter Clint Eastwood und Jerry Bruckheimer . Unterstützergruppen wie die „ Friends of Abe“ wurden gegründet, um konservative Anliegen in Hollywood zu fördern, das als konservativfeindlich wahrgenommen wurde. ^{[ 115 ]} Der ehemalige Schauspieler Ronald Reagan wurde Gouverneur von Kalifornien und später der 40. Präsident der Vereinigten Staaten. Diese Tradition setzte sich 2003 mit Arnold Schwarzenegger als Gouverneur von Kalifornien fort . ^{[ 116 ]}

Direkte Spenden aus Hollywood tragen zur Finanzierung der Bundespolitik bei. ^{[ 117 ]} So veranstaltete beispielsweise der demokratische Präsidentschaftskandidat Barack Obama am 20. Februar 2007 eine Hollywood-Gala im Beverly Hilton , bei der die DreamWorks -Gründer David Geffen , Jeffrey Katzenberg und Steven Spielberg 2.300 US-Dollar pro Person kosteten. ^{[ 117 ]}

Native Advertising bezeichnet Informationen, die subtiler als klassische Propaganda darauf abzielen, zu überzeugen. Ein in den USA verbreitetes Beispiel ist Copaganda , bei der Fernsehsendungen unrealistisch positive Darstellungen von Strafverfolgungsbehörden zeigen, unter anderem um Ausrüstung auszuleihen und deren Unterstützung bei der Absperrung von Straßen für Dreharbeiten vor Ort zu erhalten. ^{[ 118 ]} Auch in der Unterhaltungsindustrie wurden Vorwürfe der Imagepflege erhoben, beispielsweise die Aufpolierung des Mafia-Images. ^{[ 119 ]}

Produktplatzierung wurde ebenfalls kritisiert, da die Tabakindustrie das Rauchen auf der Leinwand bewirbt. ^{[ 120 ]} Die US-amerikanischen Zentren für Krankheitskontrolle und -prävention (CDC) geben an, dass 18 % der jugendlichen Raucher nicht mit dem Rauchen anfangen würden, wenn Filme mit Rauchszenen automatisch eine Altersfreigabe ab 18 Jahren (R-Rating) erhielten, was eine Million Leben retten könnte. ^{[ 121 ]}

Hollywood-Produzenten versuchen mitunter, die Zensurvorgaben der chinesischen Regierung zu erfüllen , um Zugang zum eingeschränkten und lukrativen chinesischen Kinomarkt zu erhalten ^{[ 122 ]} , der 2016 den zweitgrößten Kinoumsatz der Welt verzeichnete. Dies beinhaltet die Bevorzugung positiver Darstellungen chinesischer Charaktere in Filmen, beispielsweise durch die Änderung der Bösewichte in „ Red Dawn“ von Chinesen zu Nordkoreanern ^{[ 122 ]} . Aufgrund vieler in China verbotener Themen, wie etwa der Beteiligung des Dalai Lama und von Winnie Puuh in der South-Park -Folge „ Band in China “, wurde South Park nach der Ausstrahlung der Folge in China komplett verboten ^{[ 123 ]} . Der 2018 erschienene Film „Christopher Robin“ , der neue Winnie-Puuh-Film, erhielt keine Veröffentlichung in China ^{[ 123 ] .}

Obwohl Tibet in Hollywood früher ein viel diskutiertes Thema war und in Filmen wie „Kundun“ und „Sieben Jahre in Tibet“ thematisiert wurde , ist dies im 21. Jahrhundert nicht mehr der Fall. ^{[ 124 ]} 2016 erntete Marvel Entertainment Kritik für die Besetzung von Tilda Swinton als „The Ancient One“ in der Verfilmung von „Doctor Strange “ – eine weiße Schauspielerin für eine traditionell tibetische Rolle. ^{[ 125 ]} Der Schauspieler und prominente Tibet-Unterstützer Richard Gere erklärte, er sei nach seiner Kritik an der chinesischen Regierung und seinem Aufruf zum Boykott der Olympischen Sommerspiele 2008 in Peking nicht mehr in Hollywood-Produktionen willkommen. ^{[ 124 ] [ 126 ]}

Internationale Verleiher üben häufig Selbstzensur aus, um den lokalen Gesetzen und Vorschriften zu entsprechen. So wurde beispielsweise „The Wolf of Wall Street“ in den Vereinigten Arabischen Emiraten aufgrund expliziter erotischer Szenen um etwa 45 Minuten gekürzt ^{[ 127 ]} .

Hollywood zensierte in den 1930er Jahren größtenteils selbst jegliche negative Darstellung von Nazis, um den Zugang zum deutschen Publikum zu erhalten. ^{[ 128 ]} Etwa zur gleichen Zeit führte wirtschaftliche Zensur zu einer Selbstzensur von Inhalten, um die einflussreichen Gruppen zufriedenzustellen. ^{[ 128 ]} Der Hays Code war eine von der Filmindustrie initiierte Initiative von 1930 bis 1967, die durch strenge Selbstzensur religiöse Einwände gegen bestimmte Inhalte beschwichtigen und mögliche staatliche Zensur verhindern sollte. ^{[ 128 ]}

Die politische Ökonomie der Kommunikation beschäftigt sich seit Langem mit der internationalen bzw. globalen Präsenz, Macht, Rentabilität und Popularität von Hollywood-Filmen. Bücher über das globale Hollywood von Toby Miller und Richard Maxwell ^{[ 129 ]} , Janet Wasko und Mary Erickson ^{[ 130 ]} , Kerry Segrave ^{[ 131 ]} , John Trump Bour ^{[ 132 ]} und Tanner Mirles ^{[ 133 ]} untersuchen die internationale politische Ökonomie der Macht Hollywoods.

Laut Tanner Mirles stützt sich Hollywood auf vier kapitalistische Strategien, „um nicht-amerikanische Filmproduzenten, Kinobetreiber und Zuschauer in seinen Einflussbereich zu integrieren: Eigentum, grenzüberschreitende Produktionen mit untergeordneten Dienstleistern, Inhaltslizenzverträge mit Kinobetreibern und Blockbuster, die für eine weltweite Vermarktung konzipiert sind.“ ^{[ 134 ]}

1912 waren amerikanische Filmfirmen größtenteils im Wettbewerb um den heimischen Markt engagiert. Es war schwierig, die durch den Nickelodeon- Boom entstandene enorme Nachfrage nach Filmen zu befriedigen. Mitglieder der Motion Picture Patents Company , wie beispielsweise die Edison Studios , versuchten zudem, die Konkurrenz durch französische, italienische und andere importierte Filme einzudämmen. Der Export von Filmen erwies sich daher für diese Unternehmen als lukrativ. Die Vitagraph Studios waren das erste amerikanische Unternehmen, das eigene Vertriebsbüros in Europa eröffnete: 1906 gründeten sie eine Niederlassung in London und kurz darauf eine zweite in Paris. ^{[ 135 ]}

Auch andere amerikanische Unternehmen expandierten auf ausländische Märkte, und der amerikanische Vertrieb im Ausland wuchs bis Mitte der 1920er Jahre weiter. Ursprünglich verkaufte die Mehrheit der Unternehmen ihre Filme indirekt. Da sie jedoch im Überseehandel unerfahren waren, verkauften sie die Auslandsrechte an ihren Filmen einfach an ausländische Vertriebsfirmen oder Exportagenten. Nach und nach entwickelte sich London zu einem Zentrum für den internationalen Vertrieb von US-Filmen. ^{[ 135 ]}

Viele britische Unternehmen erzielten Gewinne, indem sie als Agenten für dieses Geschäft tätig waren, und schwächten dadurch die britische Filmproduktion, indem sie einen großen Teil des britischen Marktes amerikanischen Filmen überließen. Um 1911 stammten etwa 60 bis 70 Prozent der nach Großbritannien importierten Filme aus den USA. Auch in Deutschland, Australien und Neuseeland waren die Vereinigten Staaten erfolgreich. ^{[ 135 ]}

In jüngerer Zeit, im späten 20. und frühen 21. Jahrhundert, als die Globalisierung zunahm und die US-Regierung aktiv Freihandelsprogramme und den Handel mit Kulturgütern förderte, entwickelte sich Hollywood zu einer weltweiten Kulturquelle. Der Erfolg Hollywoods auf den Exportmärkten spiegelt sich im Boom amerikanischer multinationaler Medienkonzerne weltweit und in der Fähigkeit wider, aufwendige Filme zu produzieren, die den Geschmack vieler verschiedener Kulturen treffen. ^{[ 136 ]}

Hollywood hat sich, trotz des Einflusses der chinesischen Zensur, verstärkt auf dem chinesischen Markt engagiert. Filme aus China werden zensiert, wobei Themen wie „Geister, Gewalt, Mord, Horror und Dämonen“ strikt vermieden werden. Solche Handlungselemente riskieren, herausgeschnitten zu werden. Hollywood musste daher „genehmigte“ Filme produzieren, die den offiziellen chinesischen Standards entsprechen, wobei ästhetische Ansprüche zugunsten der Kassengewinne geopfert wurden. Selbst das chinesische Publikum fand es langweilig, auf die Veröffentlichung großer amerikanischer Filme in ihrer Muttersprache zu warten. ^{[ 137 ]}

Meryl Streep hält den Rekord für die meisten Oscar- Nominierungen als beste Hauptdarstellerin, und Katharine Hepburn ist die einzige Künstlerin , die vier Oscars als beste Hauptdarstellerin erhalten hat .

Frauen sind in kreativen Positionen im Zentrum der US-amerikanischen Filmindustrie, Hollywood, statistisch unterrepräsentiert. Diese Unterrepräsentation wird als „ Celluloid Ceiling “ bezeichnet, eine Abwandlung des Begriffs „ Glass Ceiling “ (gläserne Decke) im Zusammenhang mit Diskriminierung am Arbeitsplatz . Im Jahr 2013 verdienten die bestbezahlten Schauspielerinnen und Schauspieler … 2+Sie verdienten anderthalbmal so viel wie die bestbezahlten Schauspielerinnen.“ ^{[ 138 ]} Ältere männliche Schauspieler verdienten mehr als ihre weiblichen Kolleginnen im gleichen Alter, wobei „weibliche Filmstars im Durchschnitt mit 34 Jahren pro Film am meisten verdienten, während männliche Stars mit 51 Jahren am meisten verdienten.“ ^{[ 139 ]}

Der 2013 vom Center for the Study of Women in Television and Film der San Diego State University erstellte Celluloid Ceiling Report sammelte eine Liste von Statistiken, die von „2.813 Personen, die bei den 250 umsatzstärksten Filmen des Jahres 2012 in den USA beschäftigt waren“, erhoben wurden. ^{[ 140 ]}

Frauenanteil:

• „18 % aller Regisseure, ausführenden Produzenten, Produzenten, Drehbuchautoren, Kameraleute und Cutter. Dies entsprach keiner Veränderung gegenüber 2011 und bedeutete lediglich einen Anstieg von 1 % gegenüber 1998.“ ^{[ 140 ]}
• „9 % aller Direktoren.“ ^{[ 140 ]}
• „15 % der Schriftsteller.“ ^{[ 140 ]}
• „25 % aller Produzenten.“ ^{[ 140 ]}
• „20 % aller Redakteure.“ ^{[ 140 ]}
• „2 % aller Kameraleute.“ ^{[ 140 ]}
• „In 38 % der Filme waren 0 oder 1 Frau in den betrachteten Rollen besetzt, in 23 % 2 Frauen, in 28 % 3 bis 5 Frauen und in 10 % 6 bis 9 Frauen.“ ^{[ 140 ]}

Ein Artikel der New York Times berichtete, dass nur 15 % der erfolgreichsten Filme des Jahres 2013 Frauen in einer Hauptrolle hatten. ^{[ 141 ]} Der Autor der Studie merkte an: „Der Anteil weiblicher Sprechrollen hat sich seit den 1940er-Jahren, als er bei etwa 25 bis 28 Prozent lag, kaum erhöht.“ „Seit 1998 ist die Repräsentation von Frauen in Positionen hinter den Kulissen (abgesehen von der Regie) lediglich um 1 Prozent gestiegen.“ Frauen „führten 2012 bei den 250 umsatzstärksten Filmen denselben Anteil (9 Prozent) Regie wie 1998.“ ^{[ 138 ]}

Am 10. Mai 2021 gab NBC bekannt, die 79. Golden-Globe-Verleihung 2022 nicht zu übertragen. Hintergrund war der Boykott der Hollywood Foreign Press Association (HFPA) durch mehrere Medienunternehmen aufgrund unzureichender Bemühungen um die Förderung von People of Color innerhalb der Vereinigung . NBC erklärte sich jedoch bereit, die Zeremonie 2023 zu übertragen, falls die HFPA mit ihren Reformbemühungen Erfolg hätte. ^{[ 142 ]} Die HFPA wurde zwei Jahre später infolge dieses und weiterer Skandale aufgelöst. ^{[ 143 ] [ 144 ]}

Das amerikanische Kino hat häufig negative Stereotype gegenüber Ausländern und ethnischen Minderheiten widergespiegelt und verbreitet. ^{[ 145 ]} So werden Russen und russischstämmige Amerikaner beispielsweise meist als brutale Gangster, skrupellose Agenten und Schurken dargestellt. ^{[ 146 ] [ 147 ] [ 148 ]} Die russisch-amerikanische Professorin Nina L. Khrushcheva sagte : „Man kann den Fernseher nicht einschalten und ins Kino gehen, ohne dass Russen als schrecklich dargestellt werden.“ ^{[ 149 ]} Italiener und italienischstämmige Amerikaner werden üblicherweise mit dem organisierten Verbrechen und der amerikanischen Mafia in Verbindung gebracht . ^{[ 150 ] [ 151 ] [ 152 ]} Hispanische und lateinamerikanische Amerikaner werden größtenteils als sexualisierte Figuren dargestellt, etwa als Macho oder Femme fatale , als Gangmitglieder , (illegale) Einwanderer oder Entertainer. ^{[ 153 ]} Die Repräsentation in Hollywood hat sich jedoch in den letzten Jahren verbessert und gewann in den 1990er Jahren an Bedeutung. Unterdrückung, Ausbeutung oder Widerstand stehen nicht mehr im Vordergrund. Laut Charles Ramírez Berg betonen Filme der dritten Welle „weder die Unterdrückung noch den Widerstand der Chicanos ; Ethnizität ist in diesen Filmen ein Faktor unter vielen, der das Leben der Figuren prägt und ihre Persönlichkeit formt.“ ^{[ 154 ]} Filmemacher wie Edward James Olmos und Robert Rodriguez konnten die Erfahrungen von Hispanics und Latinos in Amerika wie kein anderer zuvor auf der Leinwand darstellen, und Schauspielerinnen und Schauspieler wie Hilary Swank , Jordana Brewster , Jessica Alba , Camilla Belle , Al Madrigal , Alexis Bledel , Sofía Vergara , Ana de Armas und Rachel Zegler feierten große Erfolge. Im letzten Jahrzehnt erhielten Filmemacher aus Minderheiten wie Chris Weitz , Alfonso Gomez-Rejon und Patricia Riggen die Möglichkeit, sich in ihren Filmen zu engagieren. Zu den Filmen, die hispanische und lateinamerikanische Amerikaner darstellen, gehören La Bamba (1987), Selena (1997), Die Maske des Zorro (1998), Goal II (2007), Overboard (2018) und Vater der Braut .(2022) und Josefina López ' Real Women Have Curves , ursprünglich ein Theaterstück , das 1990 uraufgeführt und 2002 verfilmt wurde. ^{[ 154 ]}

Die Repräsentation von Afroamerikanern in Hollywood verbesserte sich gegen Ende des 20. Jahrhunderts nach dem Niedergang des Studiosystems drastisch, und dieser Trend setzt sich im 21. Jahrhundert fort, da die Repräsentation von Minderheiten weiter zunimmt. ^{[ 155 ] [ 156 ] [ 157 ] [ 158 ]} Im alten Hollywood war es nicht ungewöhnlich, dass weiße Schauspieler Blackface trugen . ^{[ 159 ]}

Laut dem koreanisch-amerikanischen Schauspieler Daniel Dae Kim wurden asiatische und asiatisch-amerikanische Männer „als undurchschaubare Bösewichte und asexualisierte Eunuchen dargestellt.“ ^{[ 152 ]} Das Media Action Network for Asian Americans warf dem Regisseur und dem Studio von „Aloha“ vor, die Besetzung des Films mit Weißen besetzt zu haben . Regisseur Cameron Crowe entschuldigte sich daraufhin für die Fehlbesetzung von Emma Stone in einer Rolle, die zu einem Viertel chinesischer und zu einem Viertel hawaiianischer Abstammung sein soll. ^{[ 160 ] [ 161 ] [ 162 ]} Im 20. Jahrhundert waren Filmrollen relativ rar und oft sehr eng gefasst. Im 21. Jahrhundert haben junge asiatisch-amerikanische Komiker und Filmemacher auf YouTube eine Plattform gefunden, die es ihnen ermöglicht, eine große und treue Fangemeinde unter ihren asiatisch-amerikanischen Landsleuten aufzubauen. ^{[ 163 ]} Obwohl der Film „Crazy Rich Asians“ in den USA jüngst für seine überwiegend asiatische Besetzung gelobt wurde, ^{[ 164 ]} wurde er andernorts dafür kritisiert, dass er Schauspieler mit gemischter Herkunft und nicht-chinesische Schauspieler für ethnisch chinesische Rollen besetzte. Der Film „ Always Be My Maybe“ wurde dafür gelobt, bekannte Elemente der romantischen Komödie aufzugreifen und sie geschickt mit intelligenter Gesellschaftskritik zu verknüpfen. ^{[ 165 ]}

Vor den Anschlägen vom 11. September wurden Araber und Arabischstämmige Amerikaner häufig als Terroristen dargestellt . ^{[ 152 ]} Die Entscheidung, Naomi Scott, die Tochter eines Engländers und einer Gujarati-Uganda-Inderin, für die Hauptrolle der Jasmine im Film Aladdin zu engagieren , stieß ebenfalls auf Kritik und Rassismusvorwürfe , da einige Kommentatoren erwartet hatten, dass die Rolle an eine Schauspielerin arabischer oder nahöstlicher Herkunft gehen würde. ^{[ 166 ]} Im Januar 2018 wurde berichtet, dass weißen Statisten während der Dreharbeiten braunes Make-up aufgetragen wurde, um sie „anzupassen“. Dies löste bei Fans und Kritikern Empörung und Verurteilung aus. Sie bezeichneten die Praxis als „Beleidigung der gesamten Branche“ und warfen den Produzenten vor, keine Menschen mit nahöstlicher oder nordafrikanischer Herkunft zu engagieren. Disney reagierte auf die Kontroverse mit der Aussage: „Die Vielfalt unserer Hauptdarsteller und Statisten war eine Voraussetzung, und nur in wenigen Fällen, in denen es um spezielle Fähigkeiten, Sicherheit und Kontrolle ging (Spezialeffekt-Rigs, Stuntleute und Umgang mit Tieren), wurde die Crew so zusammengestellt, dass sie sich einfügte.“ ^{[ 167 ] [ 168 ]}

Der Arbeitsablauf in Hollywood ist insofern einzigartig, als dass ein Großteil der Filmcrew nicht täglich im selben Studio arbeitet oder denselben Tagesablauf befolgt. Stattdessen wird an weit entfernten Drehorten weltweit gedreht, wobei der Drehplan eher von den jeweiligen Szenen als von der Produktivität abhängt. So müsste beispielsweise bei einem Stadtfilm, der komplett nachts vor Ort gedreht wird, der Großteil der Crew Nachtschichten schieben, während eine Sitcom, die hauptsächlich im Studio und nur ein oder zwei Tage pro Woche an einem Drehort gedreht wird, einem traditionelleren Arbeitsrhythmus folgt. Western werden oft in Wüstenregionen fernab der Heimatorte der Crew gedreht, in Gegenden mit wenigen Hotels. Dies erfordert lange Fahrten vor und nach den Drehtagen, um möglichst viele Sonnenstunden auszunutzen. Letztendlich arbeiten die Crewmitglieder 16 oder 17 Stunden am Tag, von dem Moment an, in dem sie ihr Zuhause verlassen, bis zu ihrer Rückkehr. ^{[ 169 ] [ 170 ]}

Trotz des allgemeinen Machtverlusts der Gewerkschaften in Amerika im 20. und frühen 21. Jahrhundert haben alle großen Studios weiterhin Verträge mit Gewerkschaften über die Alliance of Motion Picture and Television Producers (AMPTP) geschlossen, einem Branchenverband, der die Filmstudios und Fernsehsender vertritt. Aufgrund der prekären Beschäftigungsverhältnisse in Hollywood können einzelne Beschäftigte ihre Rechte auf Mindestlohngarantien und den Zugang zu Renten- und Krankenversicherungen, die produktionsübergreifend gelten, nur durch branchenweite Tarifverhandlungen geltend machen. Dies ermöglicht den Studios den Zugriff auf qualifizierte Arbeitskräfte, die vom ersten Tag an mit dem nötigen Wissen und der Erfahrung im Umgang mit der hochtechnischen Ausrüstung am Set arbeiten können. ^{[ 171 ]}

Die meisten Beschäftigten in Hollywood sind in verschiedenen Gewerkschaften und Verbänden organisiert. Die International Alliance of Theatrical Stage Employees (IATSE) mit 150.000 Mitgliedern vertritt die meisten Berufsgruppen , darunter Bühnenarbeiter, Elektriker und Kameraleute sowie Cutter, Toningenieure und Maskenbildner. Die Screen Actors Guild (SAG) ist mit rund 130.000 Mitgliedern die nächstgrößte Organisation. Die Directors Guild of America (DGA) vertritt die Regisseure und Produktionsleiter, die Writers Guild of America (WGA) die Drehbuchautoren und die International Brotherhood of Teamsters (IBT) die Lkw-Fahrer. ^{[ 172 ] [ 173 ]}

Obwohl das Verhältnis zwischen Arbeitnehmern und Arbeitgebern über die Jahre hinweg im Allgemeinen freundschaftlich war – man arbeitete gemeinsam mit dem Staat an der Entwicklung sicherer Arbeitsprotokolle für die COVID-19-Pandemie und setzte sich gemeinsam für Steueranreize ein –, verliefen Tarifverhandlungen Berichten zufolge aufgrund von Branchenveränderungen und der zunehmenden Einkommensungleichheit zunehmend konfliktgeladen . Im sechsmonatigen Streik der Bühnenbildner im Jahr 1945 eskalierte die Situation zwischen Streikenden, Streikbrechern und dem Sicherheitspersonal des Studios zu blutigen Auseinandersetzungen. ^{[ 174 ] [ 175 ] [ 176 ] [ 177 ]}

In den letzten Jahren sah sich Hollywood mit Herausforderungen wie Streiks von Drehbuchautoren und Schauspielern konfrontiert, die zu erheblichen Produktionskürzungen und Entlassungen in der gesamten Branche führten. Diese Streiks resultierten zwar in Tarifverträgen mit höheren Löhnen und Schutz vor künstlicher Intelligenz, verursachten aber auch eine Produktionsverlangsamung und einen Anstieg der Arbeitslosigkeit unter Film- und Fernsehschaffenden.

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Allgemein

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• Earley, Steven C. (1978). Eine Einführung in den amerikanischen Film . New American Library.
• Fraser, George McDonald (1988). Die Hollywood-Geschichte der Welt, von einer Million Jahren v. Chr. bis „Apocalypse Now “ . London: M. Joseph; „Erste US-Ausgabe“, New York: Beech Tree Books. Beide Ausgaben umfassen: xix, 268 S., reich illustriert (Schwarzweißfotos). ISBN 0-7181-2997-0(UK ed.), 0-688-07520-7 (US ed.).
• Gabler, Neal (1988). Ein eigenes Imperium: Wie die Juden Hollywood erfanden . Crown. ISBN 0-385-26557-3Die
• Scott, AJ (2000). Die Kulturökonomie der Städte . London: Sage Publications. ISBN 0-7619-5455-4Die

• Hallett, Hilary A. Go West, Young Women! The Rise of Early Hollywood . Berkeley, CA: University of California Press, 2013.
• May, Lary (1983). Die Ausblendung der Vergangenheit: Die Entstehung der Massenkultur und der Filmindustrie . University of Chicago Press. ISBN 9780226511733Die
• Ragan, David. Who's Who in Hollywood, 1900–1976 . New Rochelle, NY: Arlington House, 1976.

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