Filmgeschichte

Die Geschichte des Films schildert die künstlerische und kulturelle Entwicklung einer visuellen Kunstform , die sich Filmtechnologien bedient , welche Ende des 19. Jahrhunderts entstanden und von der bestehenden Bildschirmkultur der Laterna magica sowie von Traditionen in der Fotografie, im Theater und anderen populären Medien beeinflusst wurden.

Der Beginn des Films als künstlerisches Medium ist nicht eindeutig definiert. Bereits lange vor der kommerziellen, öffentlichen Vorführung von zehn Kurzfilmen der Brüder Lumière am 28. Dezember 1895 in Paris, die allgemein als Durchbruch des projizierten Kinofilms gilt, gab es Filmvorführungen. Die frühesten Filme waren typischerweise schwarz-weiß , kürzer als eine Minute, ohne Ton und bestanden aus einer einzigen Einstellung mit einer festen Kamera. In den ersten Jahrzehnten entwickelte sich der Film von einer Neuheit zu einer etablierten Massenunterhaltungsindustrie, und Filmproduktionsfirmen und Studios entstanden weltweit. Es entwickelten sich Konventionen hin zu einer allgemeinen Filmsprache, wobei Filmschnitt, Kamerabewegungen und andere filmische Techniken spezifische Rollen in der Filmerzählung spielten . ^{[ 1 ]}

Die populären neuen Medien, darunter Fernsehen (seit den 1950er-Jahren Mainstream), Heimvideos (1980er-Jahre) und das Internet (1990er-Jahre), beeinflussten den Vertrieb und Konsum von Filmen. Die Filmproduktion reagierte in der Regel mit Inhalten, die den neuen Medien entsprachen, technischen Innovationen (wie Breitbild (1950er-Jahre), 3D- und 4D-Film ) und spektakuläreren Filmen, um die Kinos attraktiv zu halten. Kostengünstigere und einfacher zu handhabende Systeme (wie 8-mm-Film , Video und Smartphone-Kameras ) ermöglichten es immer mehr Menschen, Filme unterschiedlicher Qualität für jeden Zweck zu erstellen, darunter auch Heimvideos und Videokunst , außerhalb der Konventionen der Produktionssysteme großer Studios. Die technische Qualität war tendenziell geringer als bei professionellen Filmen, verbesserte sich aber mit digitalem Video und erschwinglichen, hochwertigen Digitalkameras . Die digitalen Produktionsmethoden verbesserten sich stetig und wurden in den 1990er-Jahren immer beliebter, was zu immer realistischeren visuellen Effekten und populären abendfüllenden Computeranimationen führte .

Im Laufe der Filmgeschichte sind verschiedene Filmgenres entstanden, die unterschiedlich erfolgreich waren.

Die Verwendung von Film als Kunstform lässt sich auf verschiedene ältere Kunsttraditionen wie mündliche Erzählkunst , Literatur, Theater, Oper und bildende Kunst zurückführen. Die Cantastoria und ähnliche antike Traditionen verbanden das Erzählen von Geschichten mit Bildfolgen, die nacheinander gezeigt oder angedeutet wurden. Vorläufer des Films, die bereits vor der Entwicklung moderner Filmtechnik Licht und Schatten zur Kunst nutzten, sind beispielsweise Schattenspiel , Schattentheater , Camera obscura und Laterna magica .

Um 1790 entwickelten sich alte Traditionen von Scharlatanen und Unterhaltern, die mit der Camera obscura (Laterna magica) Bilder von Dämonen oder Geistern projizierten, zu einer Art Multimedia-Show, der sogenannten Phantasmagorie. [2][3] Diese populären Shows unterhielten das Publikum mit mechanischen Dias, Rückprojektion, mobilen Projektoren, Überblendungen , Live ^{- Schauspielern , Rauch ( auf} den die Projektionen geworfen wurden), Gerüchen, Geräuschen und sogar elektrischen Schlägen. ^{[ 4 ] [ 5 ]} Während die frühesten Laterna-magica-Vorführungen oft darauf abzielten, die Zuschauer zu erschrecken, ermöglichten Fortschritte der Projektionisten kreatives und sogar lehrreiches Geschichtenerzählen, das ein breiteres Familienpublikum ansprach. ^{[ 6 ]} Neue Laterna-magica-Techniken wie die Verwendung von Überblendungen ermöglichten sanftere Übergänge zwischen zwei projizierten Bildern und trugen zu einer stärkeren Erzählung bei, während Chromotrope farbenfrohe Animationen komplexer abstrakter Muster ermöglichten. ^{[ 7 ]}

Die wissenschaftliche Untersuchung einer stroboskopischen Illusion in Speichenrädern durch Joseph Plateau , Michael Faraday und Simon Stampfer im Jahr 1833 führte zur Erfindung des Fantaskops, auch bekannt als Stroboskopscheibe oder Phänakistiskop . Dieses erfreute sich in mehreren europäischen Ländern zeitweise großer Beliebtheit. Plateau sah Potenzial für die Weiterentwicklung des Fantaskops, insbesondere für Phantasmagorien, und Stampfer entwarf ein System für längere Szenen mit Streifen auf Rollen sowie eine transparente Version (vermutlich für Projektionen). Plateau, Charles Wheatstone , Antoine Claudet und andere versuchten, die Technik mit dem Stereoskop (eingeführt 1838) und der Fotografie (eingeführt 1839) zu kombinieren, um eine vollständigere Illusion der Realität zu erzeugen. Doch solange Innovationen bei lichtempfindlichen Chemikalien und Technologien zum Bildaustausch keine scharfen Aufnahmen von Sequenzen ermöglichten, basierten solche Experimente auf Stop-Motion -Techniken zur Darstellung einfacher periodischer Bewegungen.

Eadweard Muybridges Kabinettkarten „ Das Pferd in Bewegung“ nutzten die Technik der Chronofotografie , um Bewegung zu studieren.

Ein Anschütz -Elektrotachyskop

Mit der Veröffentlichung der Kabinettkarten „The Horse in Motion“ im Jahr 1878 führte Eadweard Muybridge eine Methode zur Aufzeichnung von Bewegungssequenzen ein, die als Chronofotografie bekannt wurde . Muybridge und spätere Chronofotografen wie Étienne-Jules Marey , Georges Demenÿ , Albert Londe und Ottomar Anschütz nutzten diese Technik fast ausschließlich für die wissenschaftliche Erforschung der Fortbewegung von Tieren und Menschen. 1880 begann Muybridge, Vorlesungen über Tierbewegungen zu halten und projizierte mithilfe seines Zoopraxiskops Animationen der Konturen seiner Aufnahmen, die er auf Glasscheiben übertragen hatte. ^{[ 8 ] [ 9 ]} 1887 präsentierte Anschütz seine chronofotografischen Aufnahmen in Bewegung mit seinem Elektrotachyskop , das kurze Schleifen auf einem kleinen Milchglasschirm darstellte. Bis 1891 hatte er mit der Massenproduktion eines sparsameren, münzbetriebenen Guckkastens gleichen Namens begonnen, der auf internationalen Ausstellungen und Messen, darunter der Weltausstellung in Chicago 1893 , sowie über längere Zeiträume beispielsweise im Berliner Ausstellungspark (mit fast 34.000 zahlenden Besuchern im Sommer 1892), im Crystal Palace in London und in mehreren US-amerikanischen Geschäften gezeigt wurde. Er verlagerte den Fokus des Mediums von technischen und wissenschaftlichen Aspekten der Bewegung hin zur Unterhaltung für die breite Masse und filmte Ringer, Tänzer, Akrobaten, Szenen aus dem Alltag und vermutlich auch einige inszenierte komische Sequenzen. Erhaltene Aufzeichnungen legen nahe, dass einige seiner Werke spätere Arbeiten der Edison Company, wie den Film „ Fred Otts Niesen“ von 1894, direkt beeinflussten . ^{[ 10 ]}

Von Oktober 1892 bis März 1900 stellte der Erfinder Émile Reynaud sein Filmsystem Théâtre Optique („Optisches Theater“) im Musée Grévin in Paris aus. Reynauds Vorführungen animierter Geschichten wie „Pauvre Pierrot“ und „Autour d'une cabine“ wurden von Live-Musik, Gesang und synchronisierten Geräuscheffekten begleitet und zogen im Laufe von 12.800 Vorstellungen über 500.000 Besucher an. ^{[ 11 ] [ 12 ]}

Edisons Kinetoskop , ein Guckkasten, der hauptsächlich von seinem Laborassistenten William Kennedy Dickson entwickelt wurde , wurde 1893 der Öffentlichkeit vorgestellt. ^{[ 13 ]} Es zeigte Bilder auf Zelluloidschleifen, die etwa eine halbe Minute Filmunterhaltung boten. ^{[ 14 ]} Die Darbietungen wurden zumeist von bekannten Varietékünstlern im Black Maria Studio des Unternehmens aufgeführt . ^{[ 15 ]} Das Kinetoskop wurde schnell zu einer weltweiten Sensation, und bis 1895 gab es zahlreiche Vorführräume in den größten Städten. ^{[ 13 ]} Da der anfängliche Neuheitswert der Bilder nachließ, diversifizierte die Edison Company ihr Filmrepertoire nur langsam, und das schwindende öffentliche Interesse führte im Frühjahr 1895 zu einem Geschäftsrückgang. Um den sinkenden Gewinnen entgegenzuwirken, wurden Experimente wie der „Dickson Experimental Sound Film“ durchgeführt, um Edisons ursprüngliches Ziel der Kombination von Phonograph und Bildaufzeichnung zu erreichen. Schwierigkeiten bei der Synchronisation von Ton und Bild verhinderten jedoch eine breite Anwendung. ^{[ 16 ]} In der gleichen Zeit begannen Erfinder, Technologien für die Filmprojektion weiterzuentwickeln, die schließlich Edisons Guckkastenformat ablösen sollten. ^{[ 17 ]}

Am 25., 29. und 30. November 1894 projizierte Anschütz bewegte Bilder von Elektrotachyskop -Scheiben auf eine große Leinwand im abgedunkelten Großen Saal eines Postgebäudes in Berlin. ^{[ 18 ]} Vom 22. Februar bis zum 30. März 1895 wurde im alten Reichstag ein 1,5-stündiges kommerzielles Programm mit 40 verschiedenen Szenen vor 300 Zuschauern gezeigt und lockte rund 4000 Besucher an. ^{[ 19 ]}

Im Laufe des späten 19. Jahrhunderts entwickelten mehrere Erfinder wie Wordsworth Donisthorpe , Louis Le Prince , William Friese-Greene und die Brüder Skladanowsky Geräte, die bewegte Bilder aufnehmen und projizieren konnten. Die Szenen dieser Experimente dienten in erster Linie der Demonstration der Technologie selbst und wurden üblicherweise mit Familie, Freunden oder vorbeifahrenden Verkehrsteilnehmern gefilmt. ^{[ 20 ]}

Das Kino, wie wir es heute kennen, wurde in Lyon von Auguste und Louis Lumière erfunden . Am 26. Dezember 1894 berichtete die Zeitung „Lyon républicain“, dass die Brüder Lumière an der Entwicklung eines neuen Kinetographen arbeiteten . Das Patent für ihre Erfindung, den „ Cinematographen “, wurde am 13. Februar 1895 beim INPI eingereicht , und am 22. März desselben Jahres veranstalteten die Brüder ihre erste öffentliche Vorführung in Paris. ^{[ 21 ] [ 22 ]} Die erste kommerzielle Vorführung fand am 28. Dezember 1895 statt und umfasste zehn Filme mit einer Dauer von etwa 20 Minuten. Das Programm bestand hauptsächlich aus Dokumentarfilmen wie „ Arbeiter verlassen die Lumière-Fabrik“, die als authentische Darstellungen der damaligen Welt galten, enthielt aber auch die inszenierte Komödie „L’Arroseur Arrosé“ . ^{[ 23 ]} Der Cinématographe , die bis dahin fortschrittlichste Vorführung von Filmprojektion, war ein sofortiger Erfolg und brachte bis Ende Januar 1896 durchschnittlich 2.500 bis 3.000 Francs täglich ein. ^{[ 13 ]} Nach der ersten Vorführung wurden die Reihenfolge und die Auswahl der Filme häufig geändert. ^{[ 17 ]}

Das Hauptgeschäft der Brüder Lumière bestand im Verkauf von Kameras und Filmausrüstung an Kinobetreiber, nicht in der eigentlichen Filmproduktion. Trotzdem begeisterte das Potenzial des Films Filmemacher weltweit, als Kinobetreiber ihre Vorführungen in neue Länder brachten. Diese Ära des Filmemachens, vom Filmhistoriker Tom Gunning als „Kino der Attraktionen“ bezeichnet, bot eine relativ günstige und einfache Möglichkeit, die Massen zu unterhalten. Anstatt sich auf Geschichten zu konzentrieren, argumentiert Gunning, setzten Filmemacher hauptsächlich darauf, das Publikum durch die „illusorische Kraft“ bewegter Sequenzen zu begeistern, ähnlich wie in der vorangegangenen Kinetoskop-Ära. ^{[ 24 ]} Dennoch gab es frühe Experimente mit fiktionalen Filmen (sowohl im Dokumentarfilm als auch in anderen Genres). Filme wurden zumeist in provisorischen Ladenlokalen, in Zelten von Wanderkinobetreibern auf Jahrmärkten oder als „stumme“ Darbietungen in Varietéprogrammen gezeigt. ^{[ 25 ]} In dieser Zeit, bevor die Postproduktion klar definiert war, konnten die Kinobetreiber bei ihren Präsentationen ihrer kreativen Freiheit freien Lauf lassen. Um das Erlebnis der Zuschauer zu bereichern, wurden einige Vorführungen von Live-Musikern in einem Orchester, einer Theaterorgel, Live- Soundeffekten und Kommentaren des Vorführers oder Filmvorführers begleitet. ^{[ 26 ] [ 27 ]}

Experimente mit Filmschnitt, Spezialeffekten, Erzählstruktur und Kameraführung in dieser Zeit, durchgeführt von Filmemachern in Frankreich, England und den Vereinigten Staaten, prägten maßgeblich die zukünftige Identität des Films. Sowohl in den Edison- als auch in den Lumière-Studios etablierten lose Erzählstrukturen wie Edisons Film „ Washday Troubles“ von 1895 kurze Beziehungsdynamiken und einfache Handlungsstränge. ^{[ 28 ]} 1896 kam „La Fée aux Choux “ ( Die Kohlfee ) in die Kinos. Unter der Regie und dem Schnitt von Alice Guy gilt der Film als einer der frühesten narrativen Filme der Geschichte und zugleich als erster Film einer Regisseurin. ^{[ 29 ]} Im selben Jahr veröffentlichte die Edison Manufacturing Company „The May Irwin Kiss in May“, der ein großer finanzieller Erfolg wurde. Der Film, der den ersten Kuss der Filmgeschichte enthielt, führte zu den ersten bekannten Forderungen nach Filmzensur . ^{[ 30 ]}

Ein weiterer früher Filmproduzent war das Limelight Department in Australien . Es wurde 1898 von der Heilsarmee in Melbourne , Australien, gegründet. Das Limelight Department produzierte evangelistisches Material für die Heilsarmee, darunter bereits 1891 Laternenbilder , sowie Filme für private und staatliche Auftraggeber. In seinen neunzehn Jahren des Bestehens produzierte das Limelight Department rund 300 Filme unterschiedlicher Länge und zählte damit zu den größten Filmproduzenten seiner Zeit. Das Limelight Department produzierte 1904 einen Film von Joseph Perry mit dem Titel „Bushranging in North Queensland“ , der als erster Film über Buschräuber gilt.

In seinen Anfängen wurde der Film von Veranstaltern und Publikum selten als Kunstform anerkannt. Von der Oberschicht als „vulgäre“ und „anspruchslose“ Unterhaltung betrachtet, sprachen Filme vorwiegend die Arbeiterklasse an und waren oft zu kurz, um ein starkes erzählerisches Potenzial zu entfalten. ^{[ 31 ]} Anfängliche Werbungen bewarben eher die Filmvorführtechnik als die Filme selbst. Mit zunehmender Vertrautheit des Publikums mit den Geräten wurde deren Potenzial zur Darstellung und Nachstellung von Ereignissen vor allem in Form von Wochenschauen und Reportagen genutzt. ^{[ 32 ]} Bei der Produktion dieser Filme griffen Kameraleute häufig auf ästhetische Werte zurück, die von früheren Kunstformen etabliert worden waren, wie etwa die Bildkomposition und die bewusste Platzierung der Kamera . ^{[ 33 ]} In einem Artikel von 1955 für „The Quarterly of Film, Radio and Television“ argumentierte der Filmproduzent und -historiker Kenneth Macgowan , dass die bewusste Inszenierung und Nachstellung von Ereignissen für Wochenschauen „das Geschichtenerzählen auf die Leinwand brachte“. ^{[ 34 ]}

Da die Filmtechnik im Vordergrund stand und der Inhalt in den Hintergrund rückte, begannen die sogenannten „Actualities“ zunächst als „Reihe von Ansichten“, die oft Aufnahmen schöner und lebendiger Orte oder Aufführungen zeigten. ^{[ 33 ]} Nach dem Erfolg ihrer Vorführung im Jahr 1895 gründeten die Brüder Lumière eine Firma und entsandten Kameraleute in die ganze Welt, um neue Themen für ihre Filme einzufangen. Nachdem die Kameraleute die Szenen gedreht hatten, zeigten sie die Aufnahmen oft lokal und schickten sie anschließend zur firmeneigenen Fabrik in Lyon, um Kopien für den Verkauf an Interessenten anzufertigen. ^{[ 35 ]} Bei den Dreharbeiten zu „Actualities“, insbesondere zu solchen, die reale Ereignisse dokumentierten, entdeckten und experimentierten die Filmemacher mit verschiedenen Kameratechniken, um deren Unvorhersehbarkeit gerecht zu werden. ^{[ 36 ]} Aufgrund der Kürze vieler „Actualities“ (oft nur eine Einstellung) zeigen Katalogaufzeichnungen, dass Produktionsfirmen Kinobetreiber mit der Vermarktung mehrerer „Actualities“ zu verwandten Themen ansprachen, die sich gegenseitig ergänzten. Kinobetreiber, die die Filme kauften, präsentierten sie oft in einem Programm und boten einen gesprochenen Kommentar an, um dem Publikum die Handlung auf der Leinwand zu erklären. ^{[ 33 ]}

Das erste zahlende Publikum für einen Kinofilm versammelte sich am 20. Mai 1895 im Madison Square Garden, um eine inszenierte Realität zu sehen, die einen von Woodville Latham mit einem Gerät namens Eidoloskop gefilmten Boxkampf darstellte. Im Auftrag Lathams entwickelte der französische Erfinder Eugène Augustin Lauste das Gerät mit Unterstützung von William Kennedy Dickson und konstruierte einen Mechanismus, der als Latham-Schleife bekannt wurde . Dieser ermöglichte längere, ununterbrochene Laufzeiten und schonte den Zelluloidfilm. ^{[ 37 ]}

In den folgenden Jahren erwiesen sich Vorführungen von Dokumentarfilmen und Wochenschauen als profitabel. 1897 kam der Film „Der Kampf Corbett-Fitzsimmons“ in die Kinos. Der Film war eine vollständige Aufzeichnung eines Boxweltmeisterschaftskampfes im Schwergewicht in Carson City, Nevada . Er generierte an den Kinokassen mehr Einnahmen als durch Live- Einnahmen und war der längste Film, der zu dieser Zeit produziert wurde. Das Publikum war vermutlich massenhaft in den Corbett-Fitzsimmons-Film geströmt, weil James J. Corbett (auch bekannt als Gentleman Jim) seit seiner Rolle als fiktionalisierte Version seiner selbst in einem Theaterstück zum Filmstar avanciert war. ^{[ 38 ]}

Ab 1910 wurden regelmäßig Wochenschauen gezeigt, die sich vor dem Aufkommen des Fernsehens schnell zu einer beliebten Nachrichtenquelle entwickelten. So wurde beispielsweise die britische Antarktisexpedition zum Südpol für die Wochenschauen gefilmt, ebenso wie die zeitgleich stattfindenden Suffragettendemonstrationen . F. Percy Smith , ein Pionier des Naturdokumentarfilms, arbeitete für Charles Urban und führte 1910 in seinem Dokumentarfilm über das Wachstum von Blumen die Zeitraffer- und Mikrokinematografie ein. ^{[ 39 ] [ 40 ]}

Nach der erfolgreichen Vorführung des Cinématographen erlebte die Filmindustrie in Frankreich einen rasanten Aufschwung. Zahlreiche Filmemacher experimentierten mit der Technologie, um denselben Erfolg wie die Brüder Lumière mit ihrer Vorführung zu erzielen. Diese Filmemacher gründeten neue Unternehmen wie die Star Film Company , Pathé Frères und Gaumont .

Der am häufigsten genannte Wegbereiter des narrativen Films ist der französische Filmemacher Georges Méliès . Méliès war Illusionist und hatte zuvor Laterna-magica-Projektionen zur Unterstützung seiner Zaubervorstellung eingesetzt. 1895 besuchte er eine Vorführung des Cinématographe und erkannte dessen Potenzial für seine Darbietung. Er versuchte, ein Gerät von den Brüdern Lumière zu erwerben, was diese jedoch ablehnten. ^{[ 41 ]} Monate später kaufte er eine Kamera von Robert W. Paul und begann mit dem Gerät zu experimentieren, indem er Aktualitäten schuf. Während dieser Experimentierphase entdeckte und implementierte Méliès verschiedene Spezialeffekte, darunter den Stopptrick , die Mehrfachbelichtung und die Verwendung von Überblendungen in seinen Filmen. ^{[ 14 ]} Ende 1896 gründete Méliès die Star Film Company und begann, ein Werk zu produzieren, zu inszenieren und zu vertreiben, das schließlich über 500 Kurzfilme umfassen sollte. ^{[ 42 ]} Méliès erkannte das erzählerische Potenzial, das sich durch die Kombination seiner Theatererfahrung mit den neu entdeckten Kameraeffekten bot, und entwarf eine aufwendige Bühne mit Falltüren und einem Bühnenzugsystem . ^{[ 34 ]} Die Bühnenkonstruktion und die Schnitttechniken ermöglichten die Entwicklung komplexerer Geschichten, wie etwa des Films „Le Manoir du Diable“ (Das Haus des Teufels) von 1896 , der als Pionier des Horrorfilms gilt, und des Films „Cendrillon “ ( Aschenputtel ) von 1899. ^{[ 43 ] [ 44 ]} In seinen Filmen orientierte sich Méliès bei der Kamerapositionierung an der Theaterkonstruktion der Guckkastenbühne , der metaphorischen vierten Wand , die Schauspieler und Publikum trennt. ^{[ 45 ]} Zeit seines Lebens platzierte Méliès die Kamera konsequent in einer festen Position und verlor schließlich an Beliebtheit beim Publikum, da andere Filmemacher mit komplexeren und kreativeren Techniken experimentierten. ^{[ 46 ]} Méliès ist heute vor allem für seinen Film „ Die Reise zum Mond“ (Le Voyage dans la lune) aus dem Jahr 1902 bekannt , in dem er sein Fachwissen über Spezialeffekte und Erzählstruktur nutzte, um den ersten Science-Fiction-Film zu schaffen . ^{[ 47 ]}

1900 begann Charles Pathé unter dem Namen Pathé-Frères mit der Filmproduktion . Ferdinand Zecca wurde als Leiter des kreativen Prozesses engagiert. ^{[ 48 ]} Zuvor hatte Pathé bereits in seinem Phonographengeschäft Kinetoskope – vermutlich gefälschte Versionen – ausgestellt und verkauft. Dank Zeccas kreativer Führung und der Möglichkeit, durch eine Partnerschaft mit einem französischen Werkzeughersteller Filmkopien in Serie zu produzieren, strebte Charles Pathé danach, Pathé-Frères zum führenden Filmproduzenten des Landes zu machen. Innerhalb weniger Jahre entwickelte sich Pathé-Frères zum größten Filmstudio der Welt mit Niederlassungen in Großstädten und einem stetig wachsenden Filmangebot. ^{[ 49 ]} Die Filme des Unternehmens deckten ein breites Spektrum ab, und die Regisseure spezialisierten sich in den frühen 1900er-Jahren auf verschiedene Genres für Jahrmarktsvorführungen. ^{[ 48 ]}

Gaumont war der wichtigste regionale Konkurrent von Pathé-Frères. Das 1895 von Léon Gaumont gegründete Unternehmen verkaufte zunächst Fotoausrüstung und begann 1897 unter der Regie von Alice Guy , der ersten Regisseurin der Branche, mit der Filmproduktion. ^{[ 50 ]} Ihre frühen Filme weisen viele Gemeinsamkeiten und Themen mit denen ihrer zeitgenössischen Konkurrenten wie Lumières und Méliès auf . Sie widmete sich Tanz- und Reisefilmen und kombinierte beide Genres oft, beispielsweise in „Le Boléro“ , aufgeführt von Miss Saharet (1905), und „Tango “ (1905). Viele von Guys frühen Tanzfilmen waren in Varietés beliebt, darunter die Serpentinentanzfilme – auch ein fester Bestandteil der Filmkataloge von Lumières und Thomas Edison . ^{[ 51 ]} 1906 drehte sie „Das Leben Christi“ , eine für die damalige Zeit aufwendige Produktion mit 300 Statisten.

Der deutsche Erfinder und Filmmagnat Oskar Messter war eine Schlüsselfigur in den Anfängen des Kinos. Seine Firma Messter Film gehörte vor dem Aufstieg der UFA, mit der sie später fusionierte, zu den führenden deutschen Filmproduzenten. Messter führte als Erster einen Genfer Antrieb in den Projektoren ein, der durch oszillierende, intermittierende Bewegungen die Filmbilder weitertransportierte, und gründete 1900 das erste Filmstudio in Deutschland.

Ab 1896 suchte Messter nach einer Methode zur Wiedergabe und Synchronisation der Toneffekte von Stummfilmen . Er erfand das Tonbilder-Biophon, um Filme vorzuführen, bei denen ein Grammophon „ Unter den Linden“ spielte, während die bewegten Bilder projiziert wurden. Es handelte sich jedoch nicht um eine einfache Ergänzung, sondern um eine präzise Abstimmung der Musikstücke mit den bewegten Bildern. Um dem Stummfilm Ton hinzuzufügen, mussten Synchronisationsprobleme gelöst werden, da Bild und Ton mit getrennten Geräten aufgezeichnet und wiedergegeben wurden, deren Einrichtung und Wartung schwierig waren. Am 31. August 1903 veranstaltete Messter im Berliner Apollo-Theater die erste Tonfilmvorführung in Deutschland.

Sowohl Cecil Hepworth als auch Robert W. Paul experimentierten in ihren Filmen mit verschiedenen Kameratechniken. Pauls „Cinematograph Camera No. 1“ von 1895 war die erste Kamera mit Rückwärtskurbel, die es ermöglichte, dasselbe Filmmaterial mehrfach zu belichten und so Mehrfachbelichtungen zu erzeugen . Diese Technik kam erstmals in seinem Film „Scrooge, or, Marley's Ghost“ von 1901 zum Einsatz . Beide Filmemacher experimentierten mit der Kamerageschwindigkeit, um neue Effekte zu erzielen. Paul drehte Szenen aus „ On a Runaway Motor Car through Piccadilly Circus “ (1899), indem er die Kamera sehr langsam kurbelte. ^{[ 52 ]} Bei der Projektion des Films mit den üblichen 16 Bildern pro Sekunde wirkte die Szenerie, als würde sie in rasanter Geschwindigkeit vorbeiziehen. Hepworth nutzte in „ The Indian Chief and the Seidlitz Powder “ (1901) den gegenteiligen Effekt. Die Bewegungen des Häuptlings wurden beschleunigt, indem die Kamera deutlich schneller als mit 16 Bildern pro Sekunde gekurbelt wurde, wodurch ein Effekt entstand, den das moderne Publikum als Zeitlupe bezeichnen würde. ^{[ 53 ]}

Die ersten Filme, die von Einzeleinstellungen zu aufeinanderfolgenden Szenen übergingen, entstanden um die Jahrhundertwende zum 20. Jahrhundert. Da viele frühe Filme verloren gegangen sind , lässt sich ein eindeutiger Übergang von statischen Einzeleinstellungen zu einer Szenenfolge nur schwer feststellen. Trotz dieser Einschränkungen schreibt Michael Brooke vom British Film Institute die echte Filmkontinuität, bei der die Handlung fließend von einer Sequenz in die nächste übergeht, Robert W. Pauls Film „ Come Along, Do! “ von 1898 zu . Nur ein Standbild aus der zweiten Einstellung ist heute erhalten. ^{[ 54 ]} Der 1901 erschienene britische Film „ Attack on a China Mission“ war einer der ersten Filme, der eine Handlungskontinuität über mehrere Szenen hinweg zeigte. ^{[ 34 ]} Die Verwendung von Zwischentiteln zur Erklärung von Handlungen und Dialogen auf der Leinwand begann in den frühen 1900er Jahren. Gefilmte Zwischentitel wurden erstmals in Robert W. Pauls Film „ Scrooge, or Marley's Ghost“ verwendet. ^{[ 55 ]} In den meisten Ländern wurden Zwischentitel allmählich verwendet, um Dialoge und Erzählungen für den Film bereitzustellen, wodurch die Notwendigkeit einer Erzählung durch die Kinobetreiber entfiel.

Die Entwicklung von durchgehenden Handlungssequenzen über mehrere Einstellungen hinweg wurde in England von einer losen Gruppe von Filmpionieren vorangetrieben, die gemeinsam als „ Brighton School “ bezeichnet wurden. Zu diesen Filmemachern gehörten unter anderem George Albert Smith und James Williamson . Smith und Williamson experimentierten mit Handlungskontinuität und waren wahrscheinlich die Ersten, die Zwischenschnitte und Nahaufnahmen zwischen den Einstellungen einsetzten . ^{[ 34 ]} Eine grundlegende Technik der Trickkinematografie war die Doppelbelichtung des Films in der Kamera. Smith wandte diesen Effekt erstmals in seinem Film „ Photographing a Ghost“ von 1898 an . Laut Smiths Katalogaufzeichnungen schildert der (heute verschollene ) Film den Kampf eines Fotografen, einen Geist einzufangen. Mithilfe der Doppelbelichtung legte Smith auf komische Weise eine transparente Geistergestalt über den Hintergrund, um den Fotografen zu verspotten. ^{[ 56 ]} Smiths „Die korsischen Brüder“ wurde 1900 im Katalog der Warwick Trading Company wie folgt beschrieben: „Durch äußerst sorgfältige Fotografie erscheint der Geist *völlig transparent*. Nachdem er angedeutet hat, von einem Schwertstich getötet worden zu sein, und um Rache fleht, verschwindet er. Daraufhin erscheint eine ‚Vision‘, die das tödliche Duell im Schnee zeigt.“ ^{[ 57 ]} Smith entwickelte auch die Spezialeffekttechnik der Rückwärtsbewegung . Er wiederholte die Handlung ein zweites Mal, filmte sie mit einer umgedrehten Kamera und fügte anschließend das Ende des zweiten Negativs mit dem des ersten zusammen. ^{[ 58 ]} Die ersten Filme, die mit dieser Technik entstanden, waren „Tipsy, Topsy, Turvy“ und „The Awkward Sign Painter“ . Das früheste erhaltene Beispiel dieser Technik ist Smiths „ The House That Jack Built“ , entstanden vor September 1900. Cecil Hepworth entwickelte diese Technik weiter, indem er die Negative der Vorwärtsbewegung Bild für Bild rückwärts kopierte und so einen Abzug erstellte, in dem die ursprüngliche Handlung exakt umgekehrt war. Dazu konstruierte er einen Spezialdrucker, bei dem das durch einen Projektor laufende Negativ mithilfe einer Speziallinse in das Bildfeld einer Kamera projiziert wurde, wodurch ein gleichgroßes Bild entstand. Diese Anordnung wurde als „Projektionsdrucker“ und schließlich als „ optischer Drucker “ bezeichnet. ^{[ 59 ]}

1898 experimentierte George Albert Smith mit Nahaufnahmen und filmte einen Mann beim Biertrinken und eine Frau beim Tabakschnupfen. ^{[ 34 ]} Im darauffolgenden Jahr drehte Smith „Der Kuss im Tunnel“ , eine Sequenz aus drei Einstellungen: Ein Zug fährt in einen Tunnel ein; ein Mann und eine Frau tauschen einen kurzen Kuss in der Dunkelheit und kehren dann zu ihren Plätzen zurück; der Zug verlässt den Tunnel. Smith entwickelte dieses Szenario als Reaktion auf den Erfolg des Genres der „ Phantom Ride“ . In einem Phantom-Ride-Film fingen Kameras die Bewegung und die Umgebung von der Spitze eines fahrenden Zuges aus ein. ^{[ 60 ] [ 61 ]} Die einzelnen Einstellungen ergaben in der Montage eine klare Abfolge von Ereignissen und stellten einen kausalen Zusammenhang zwischen den einzelnen Einstellungen her. ^{[ 62 ]} Nach „Der Kuss im Tunnel“ experimentierte Smith verstärkt mit der Kontinuität der Handlung über mehrere Einstellungen hinweg und begann, Zwischensequenzen in seinen Filmen zu verwenden, wie beispielsweise in „Grandma's Reading Glass“ und „Mary Jane's Mishap“ . ^{[ 34 ]} Im Jahr 1900 drehte Smith „Wie durch ein Teleskop gesehen“ . Die Haupteinstellung zeigt eine Straßenszene: Ein junger Mann bindet seiner Freundin die Schnürsenkel und streichelt ihr dann über den Fuß, während ein alter Mann dies durch ein Teleskop beobachtet. Darauf folgt eine Nahaufnahme der Hände am Fuß des Mädchens, die hinter einer schwarzen, kreisförmigen Maske zu sehen sind, und anschließend ein Schnitt zurück zur Fortsetzung der ursprünglichen Szene. ^{[ 63 ]}

James Williamson perfektionierte in seinem Film „ Attack on a China Mission“ (1900) die Techniken des Erzählaufbaus . Der Film, den der Filmhistoriker John Barnes später als den bis dahin in England am weitesten entwickelten Erzählstil bezeichnete, beginnt mit einer ersten Einstellung, die chinesische Boxerrebellen am Tor zeigt. Anschließend sieht man die Missionarsfamilie im Garten, wo es zu einer Schlägerei kommt. Die Frau gibt britischen Seeleuten vom Balkon aus ein Zeichen, woraufhin diese sie retten. ^{[ 64 ]} Der Film verwendete außerdem den ersten „Gegenschnitt“ der Filmgeschichte. ^{[ 65 ]} Im darauffolgenden Jahr schuf Williamson „The Big Swallow “. In diesem Film ist ein Mann von der Anwesenheit des Filmemachers genervt und „verschluckt“ die Kamera samt Kameramann durch interpolierte Nahaufnahmen. ^{[ 66 ]} Er kombinierte diese Effekte mit Überblendungen, Wischblenden für Szenenwechsel und anderen Techniken, um eine Filmsprache oder „ Filmgrammatik “ zu entwickeln. ^{[ 67 ] [ 68 ]} James Williamsons Verwendung von durchgehender Action in seinem Film „ Stop Thief! “ von 1901 inspirierte ein Filmgenre, das als „Verfolgungsfilm“ bekannt wurde. ^{[ 69 ]} In dem Film stiehlt ein Landstreicher in der ersten Einstellung einem Metzgerjungen eine Hammelkeule, wird in der nächsten Einstellung von dem Metzgerjungen und mehreren Hunden gejagt und schließlich in der dritten Einstellung von den Hunden gefasst. ^{[ 69 ]}

Der 1895 von der Edison Company für das Kinetoskop produzierte Film „Die Hinrichtung von Maria Stuart“ zeigtein voller Kameraansicht. Der Effekt, bekannt als Stopptrick , wurde erzielt, indem die Schauspielerin in der letzten Einstellung durch eine Puppe ersetzt wurde. ^{[ 70 ] [ 71 ]} Die in diesem Film angewandte Technik gilt als eine der frühesten bekannten Anwendungen von Spezialeffekten im Film. ^{[ 72 ]}

Der amerikanische Filmemacher Edwin S. Porter begann 1901 für die Edison Company zu arbeiten . Porter, ein ehemaliger Filmvorführer, der von Thomas Edison mit der Entwicklung seines neuen Projektionsmodells, des Vitascope , beauftragt worden war, ließ sich unter anderem von den Werken von Méliès, Smith und Williamson inspirieren und nutzte deren neu entwickelte Techniken, um die kontinuierliche Erzählweise durch den Schnitt weiterzuentwickeln. ^{[ 14 ]} Als er 1902 begann, längere Filme zu drehen, fügte er, wie bereits Georges Méliès, zwischen jede Einstellung eine Überblendung ein und ließ dieselbe Handlung häufig in den Überblendungen wiederholen.

1902 drehte Porter im Auftrag der Edison Manufacturing Company den Film „Life of an American Fireman“ und brachte ihn im darauffolgenden Jahr in den Handel. Darin kombinierte er Archivmaterial aus früheren Edison-Filmen mit neu gedrehtem Material und schnitt beides zu einer dramatischen Geschichte über die Rettung einer Frau und ihres Kindes durch heldenhafte Feuerwehrleute zusammen. ^{[ 14 ]}

Porters Film „ Der große Eisenbahnraub “ (1903) hatte eine Laufzeit von zwölf Minuten, bestand aus zwanzig Einzeleinstellungen und spielte an zehn verschiedenen Orten, sowohl drinnen als auch draußen. Der Film gilt als Pionier des Western-Genres und ist bedeutsam für die Verwendung von Einstellungen, die simultane Handlungsabläufe an verschiedenen Orten suggerieren. ^{[ 14 ]} Porters Einsatz von inszenierten und realen Außenkulissen trug zur Schaffung eines Raumgefühls bei, während die Kameraführung in einer Weitwinkelaufnahme Tiefe erzeugte und eine längere Bewegungsdarstellung auf der Leinwand ermöglichte. ^{[ 73 ]} „Der große Eisenbahnraub“ war einer der Filme, die dem Medium Film zu breiter Popularität verhalfen. ^{[ 41 ] [ 74 ]} Im selben Jahr eröffneten die Miles Brothers die erste Filmbörse des Landes, die es Kinobetreibern ermöglichte, Filme von der Firma zu einem günstigeren Preis als die Produzenten, die ihre Filme direkt verkauften, auszuleihen. ^{[ 75 ]}

John P. Harris eröffnete 1905 in Pittsburgh, Pennsylvania, das erste permanente Kino, das ausschließlich Filmen gewidmet war – das Nickelodeon . Die Idee fand schnell Anklang, und bis 1908 gab es landesweit rund 8.000 Nickelodeon-Kinos. ^{[ 76 ]} Mit dem Aufkommen der Nickelodeons stieg die Nachfrage des Publikums nach einer größeren Anzahl von Spielfilmen mit unterschiedlichen Themen und Schauplätzen. Dies führte zu einem Bedarf an mehr kreativen Talenten und veranlasste die Studios, in aufwendigere Bühnenbilder zu investieren. ^{[ 75 ]}

1908 initiierte Thomas Edison die Gründung der Motion Picture Patents Company (MPPC), eines Treuhandfonds der großen US-amerikanischen Filmgesellschaften, um Patentverletzungen einzudämmen. Die Mitglieder des Fonds kontrollierten alle Aspekte der Filmproduktion – von der Herstellung des Filmmaterials über die Filmproduktion bis hin zum Vertrieb an die Kinos durch Lizenzvereinbarungen. Der Fonds führte zu einer Steigerung der Filmqualität durch internen Wettbewerb und begrenzte die Anzahl ausländischer Filme, um das Wachstum der amerikanischen Filmindustrie zu fördern. Gleichzeitig hemmte er jedoch die Produktion von Spielfilmen. Bis 1915 hatte die MPPC ihren Einfluss auf die Filmindustrie weitgehend verloren, da die Unternehmen verstärkt Spielfilme produzierten. ^{[ 47 ]}

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts war der französische Konzern Pathé Marktführer in den Vereinigten Staaten und hielt fast 50 % des Weltmarktes. ^{[ 77 ] [ 78 ]}

Mit dem weltweiten Filmboom schlossen sich immer mehr Länder Großbritannien, Frankreich, Deutschland und den USA an und produzierten ernsthaft Filme. In Italien verteilte sich die Produktion auf mehrere Zentren. Turin war das erste bedeutende Filmproduktionszentrum, und Mailand und Neapel brachten die ersten Filmzeitschriften hervor. ^{[ 79 ]} In Turin war Ambrosio 1905 das erste Unternehmen der Branche und blieb in dieser Zeit das größte des Landes. Sein bedeutendster Konkurrent war Cines in Rom, das 1906 mit der Produktion begann. Die große Stärke der italienischen Filmindustrie waren historische Epen mit großen Ensembles und aufwendigen Kulissen. Bereits 1911 sorgte Giovanni Pastrones Zweiakter „La Caduta di Troia“ ( Der Fall Trojas ) weltweit für Furore, gefolgt von noch größeren Produktionen wie „Quo Vadis?“ (1912) mit einer Laufzeit von 90 Minuten und Pastrones „ Cabiria“ von 1914 mit einer Laufzeit von zweieinhalb Stunden. ^{[ 80 ]}

Italienische Theatergruppen hatten auch eine starke Linie im Bereich der Slapstick-Komödie, wobei Schauspieler wie André Deed , der lokal als „Cretinetti“ und anderswo als „Foolshead“ und „Gribouille“ bekannt war, mit seinen fast surrealistischen Gags weltweiten Ruhm erlangten.

Bis zum Ersten Weltkrieg war Dänemark das wichtigste Filmproduktionsland Nordeuropas . ^{[ 80 ] [ 81 ]} Die Firma Nordisk wurde dort 1906 von Ole Olsen , einem Schausteller, gegründet . Nach einer kurzen Phase, in der er die Erfolge französischer und britischer Filmemacher imitierte, produzierte er 1907 67 Filme, die meisten unter der Regie von Viggo Larsen, mit aufsehenerregenden Themen wie „ Den hvide Slavinde“ (Die weiße Sklavin) , „Isbjørnejagt“ (Die Eisbärenjagd) und „Løvejagten“ (Die Löwenjagd) . Ab 1910 traten neue, kleinere dänische Firmen in das Geschäft ein und produzierten neben weiteren Filmen über den Menschenhandel auch andere neue Themen. Die bedeutendste dieser Entdeckungen war „Asta Nielsen in Afgrunden “ (Der Abgrund) , unter der Regie von Urban Gad für Kosmorama. Diese Kombination aus Zirkus, Sex, Eifersucht und Mord, die mit großer Überzeugungskraft dargestellt wurde, bestärkte die anderen dänischen Filmemacher in ihrem Vorhaben. Bis 1912 vermehrten sich die dänischen Filmgesellschaften rasant. ^{[ 80 ]}

Die schwedische Filmindustrie war kleiner und kam langsamer in Gang als die dänische. Hier begann Charles Magnusson , ein Kameramann für Wochenschauen bei der Kinokette Svenskabiografteatern , 1909 mit der Produktion von Spielfilmen und führte bei einigen Filmen selbst Regie. Die Produktion nahm 1912 zu, als das Unternehmen Victor Sjöström und Mauritz Stiller als Regisseure engagierte. Anfangs ahmten sie die von der dänischen Filmindustrie bevorzugten Themen nach, doch bereits 1913 produzierten sie ihre eigenen, bemerkenswert originellen Werke, die sich sehr gut verkauften. ^{[ 80 ]}

Russlands Filmindustrie begann 1908 mit den Dreharbeiten einiger Spielfilme durch Pathé und der anschließenden Gründung realer russischer Filmgesellschaften durch Aleksandr Drankov und Aleksandr Khanzhonkov . Die Khanzhonkov-Gesellschaft entwickelte sich rasch zur mit Abstand größten russischen Filmgesellschaft und blieb dies bis 1918. ^{[ 80 ]}

In Deutschland war Oskar Messter seit 1896 im Filmgeschäft tätig, produzierte aber erst ab 1910 eine nennenswerte Anzahl von Filmen pro Jahr. Als der weltweite Filmboom einsetzte, verkauften er und die wenigen anderen Akteure der deutschen Filmbranche weiterhin Kopien ihrer eigenen Filme, was ihnen einen Nachteil verschaffte. Erst als Paul Davidson , der Besitzer einer Kinokette, 1911 Asta Nielsen und Urban Gad aus Dänemark nach Deutschland holte und die Produktionsfirma Projektions-AG „Union“ ( PAGU ) gründete, begann der Übergang zum Verleih von Filmkopien. ^{[ 80 ]} Messter reagierte mit einer Reihe längerer Filme mit Henny Porten in der Hauptrolle. Obwohl diese im deutschsprachigen Raum erfolgreich waren, blieben sie international, anders als die Filme mit Asta Nielsen, hinter den Erwartungen zurück. Ein weiterer aufstrebender deutscher Filmproduzent kurz vor dem Ersten Weltkrieg war die deutsche Niederlassung des französischen Éclair- Konzerns, die Deutsche Éclair. Dieses Unternehmen wurde von der deutschen Regierung enteignet und zu Kriegsbeginn in DECLA umgewandelt. Insgesamt hatten deutsche Produzenten 1914 jedoch nur einen geringen Anteil am deutschen Markt.

Entgegen der Behauptung, amerikanische Filme hätten ab Mitte der 1910er-Jahre den europäischen Markt dominiert, blieb die französische Filmindustrie bis zum Ausbruch des Ersten Weltkriegs im Juli 1914 weltweit führend. 1913 belegten französische Filme 85 % der weltweiten Leinwände, wobei allein Pathé mit seinem umfangreichen Netzwerk an Tochtergesellschaften, Produktions- und Vertriebskanälen rund 50 % des Weltmarkts ausmachte. Auch Gaumont spielte international eine bedeutende Rolle und übertraf amerikanische Studios oft. Erst die durch den Krieg verursachten Umwälzungen ermöglichten es amerikanischen Unternehmen, allmählich die Weltmarktführer im Kino zu werden. ^{[ 82 ] [ 83 ] [ 84 ] [ 85 ]}

Zu den in dieser Zeit eingeführten neuen Filmtechniken gehören der Einsatz von künstlichem Licht, Feuereffekten und Low-Key-Beleuchtung (d. h. Beleuchtung, bei der der größte Teil des Bildes dunkel ist) zur Verstärkung der Atmosphäre in unheimlichen Szenen. ^{[ 80 ]}

Die Kontinuität der Handlung von Einstellung zu Einstellung wurde ebenfalls verfeinert, wie beispielsweise in Pathés „ Le Cheval emballé“ (Das entlaufene Pferd) (1907), wo Parallelmontagen verwendet wurden. Auch D. W. Griffith begann in seinem Film „The Fatal Hour“ (Juli 1908) mit der Parallelmontage. Eine weitere Entwicklung war die Verwendung der subjektiven Kameraeinstellung , die erstmals 1910 in Vitagraphs „ Back to Nature“ zum Einsatz kam . Zwischenschnitte wurden auch aus künstlerischen Gründen verwendet; der italienische Film „La mala planta“ (Die böse Pflanze) von Mario Caserini enthielt einen Zwischenschnitt einer Schlange, die über die „böse Pflanze“ kriecht. 1914 herrschte in der amerikanischen Filmindustrie die weitverbreitete Ansicht vor, dass die Parallelmontage im Allgemeinen am nützlichsten sei, da sie es ermöglichte, uninteressante Handlungsteile, die nicht zur Weiterentwicklung der Geschichte beitrugen, zu eliminieren. ^{[ 86 ]}

Im Jahr 1909 wurde 35 mm zum international anerkannten Kinofilmformat. ^{[ 47 ]}

Mit zunehmender Filmlänge wurden spezialisierte Drehbuchautoren engagiert, um komplexere, auf Romanen oder Theaterstücken basierende Geschichten so zu vereinfachen, dass sie auf eine Filmrolle passten. Genres wurden als Kategorien eingeführt; die Hauptunterteilung erfolgte in Komödie und Drama, wobei diese Kategorien weiter unterteilt wurden. ^{[ 80 ]}

Ab 1908 wurden Zwischentitel mit Dialogzeilen regelmäßig verwendet ^{[ 87 ]} , beispielsweise in Vitagraphs „ An Auto Heroine; or, The Race for the Vitagraph Cup and How It Was Won“ . Die Dialoge wurden schließlich mitten in die Szene eingefügt und waren bis 1912 üblich. Die Einführung von Dialogtiteln veränderte die Erzählweise im Film grundlegend. Als Dialogtitel immer unmittelbar nach Beginn des Sprechens einer Figur in die Szene eingeblendet und kurz vor deren Ende wieder auf die Figur zurückgeschnitten wurden, entstand etwas, das im Grunde dem heutigen Tonfilm entsprach . ^{[ 80 ]}

Die Jahre des Ersten Weltkriegs waren eine komplexe Übergangszeit für die Filmindustrie. Die Filmvorführung wandelte sich von kurzen Einakteren zu abendfüllenden Filmen. Die Kinosäle wurden größer und verlangten höhere Preise. ^{[ 80 ]}

In den Vereinigten Staaten führten diese Veränderungen zum Niedergang vieler Filmfirmen; die Vitagraph Company bildete eine Ausnahme. Während des Ersten Weltkriegs verlagerte sich die Filmproduktion nach Los Angeles. Die Universal Film Manufacturing Company wurde 1912 als Dachgesellschaft gegründet. Zu den neuen Marktteilnehmern zählten die Jesse Lasky Feature Play Company und Famous Players, die beide 1913 gegründet wurden und später zu Famous Players–Lasky fusionierten . Der größte Erfolg dieser Jahre war David Wark Griffiths „ Die Geburt einer Nation“ (1915). Griffith legte mit dem noch erfolgreicheren Film „Intoleranz “ (1916) nach , doch aufgrund der hohen Qualität der in den USA produzierten Filme war der Markt für ihre Werke groß. ^{[ 80 ]}

In Frankreich wurde die Filmproduktion aufgrund der allgemeinen Mobilmachung zu Kriegsbeginn eingestellt. Zwar wurde sie 1915 wieder aufgenommen, jedoch nur in reduziertem Umfang, und die größten Filmgesellschaften zogen sich nach und nach zurück. Die italienische Filmproduktion hielt sich besser, obwohl die sogenannten „Divenfilme“ mit gequälten weiblichen Hauptrollen kommerziell floppten. In Dänemark steigerte die Nordisk Company ihre Produktion 1915 und 1916 so stark, dass sie nicht alle Filme verkaufen konnte, was zu einem drastischen Rückgang der dänischen Filmproduktion und dem Ende der Bedeutung Dänemarks in der internationalen Filmszene führte. ^{[ 80 ]}

Die deutsche Filmindustrie wurde durch den Krieg schwer geschwächt. Der bedeutendste der neuen Filmproduzenten jener Zeit war Joe May , der während der Kriegsjahre eine Reihe von Thrillern und Abenteuerfilmen drehte. Auch Ernst Lubitsch erlangte mit einer Reihe sehr erfolgreicher Komödien und Dramen Bekanntheit. ^{[ 80 ]}

Zu dieser Zeit wurden die Studios abgedunkelt, um Aufnahmen unabhängig von wechselndem Sonnenlicht zu ermöglichen. Später kamen Flutlichter und Scheinwerfer zum Einsatz. In dieser Zeit setzte sich die Irisblende für den Anfang und das Ende von Szenen durch. Dabei wird ein Film mithilfe einer kreisförmigen Maske gedreht, die sich allmählich vergrößert, bis sie den Bildausschnitt überschreitet. Auch andere Schlitzformen, darunter vertikale und diagonale Blenden, wurden verwendet. ^{[ 80 ]}

Eine neue Idee, die aus der Fotografie übernommen wurde, war der „ Weichzeichner “. Dieser entstand 1915, als einige Aufnahmen absichtlich unscharf gemacht wurden, um eine ausdrucksstarke Wirkung zu erzielen, wie beispielsweise bei Mary Pickford in Fanchon the Cricket . ^{[ 80 ]}

In dieser Zeit etablierten sich Kameraeffekte, die die subjektiven Gefühle von Filmfiguren vermitteln sollten. Diese konnten nun als Point-of-View-Aufnahmen ( POV ) realisiert werden, wie beispielsweise in Sidney Drews „ The Story of the Glove“ (1915), wo eine verwackelte Handkameraaufnahme einer Tür und ihres Schlüssellochs die Perspektive eines Betrunkenen darstellt. Die Verwendung anamorphotischer (im allgemeinen Sinne verzerrter) Bilder tauchte in diesen Jahren erstmals auf, als Abel Gance „La Folie du Docteur Tube“ (Der Wahnsinn des Dr. Tube) drehte . In diesem Film wurde die Wirkung eines Medikaments, das einer Gruppe von Menschen verabreicht wurde, durch Aufnahmen in einem Zerrspiegel , wie er auf Jahrmärkten üblich ist, angedeutet . ^{[ 80 ]}

Symbolische Effekte, die der konventionellen literarischen und künstlerischen Tradition entlehnt waren, tauchten in diesen Jahren weiterhin vereinzelt in Filmen auf. In D. W. Griffiths „ The Avenging Conscience“ (1914) geht dem Titel „Die Geburt des bösen Gedankens“ eine Sequenz von drei Einstellungen voraus, in denen der Protagonist eine Spinne betrachtet und Ameisen ein Insekt fressen. Symbolistische Kunst und Literatur der Jahrhundertwende hatten auch einen allgemeineren Einfluss auf einige wenige Filme aus Italien und Russland. Die bedingungslose Akzeptanz des Todes als Folge von Leidenschaft und verbotenen Sehnsüchten war ein Hauptmerkmal dieser Kunst, und auch ausführlich dargestellte Deliriumszustände spielten eine wichtige Rolle. ^{[ 80 ]}

Die Verwendung von Insert-Shots , also Nahaufnahmen von Objekten, die nicht Gesichter zeigen, war bereits von der Brighton School etabliert, wurde aber vor 1914 nur selten eingesetzt. Erst mit Griffiths „ The Avenging Conscience“ beginnt eine neue Phase im Einsatz des Insert-Shots. ^{[ 80 ]} Neben den bereits erwähnten symbolischen Insert-Shots nutzte der Film auch zahlreiche Großaufnahmen von geballten Händen und wippenden Füßen, um diese Körperteile als Indikatoren psychischer Anspannung hervorzuheben. ^{[ 87 ]}

Atmosphärische Einblendungen sind Aufnahmen, die weder Figuren der Geschichte zeigen noch aus deren Perspektive gefilmt werden. Ein frühes Beispiel findet sich in Maurice Tourneurs Film „Der Stolz des Clans “ (1917), in dem eine Reihe von Aufnahmen von Wellen, die gegen eine felsige Küste schlagen, das harte Leben der Fischer verdeutlicht. Maurice Elveys „ Nelson – Die Geschichte von Englands unsterblichem Marinehelden“ (1919) enthält eine symbolische Sequenz, die von einem Bild Kaiser Wilhelms II. über einen Pfau zu einem Schlachtschiff überblendet. ^{[ 87 ]}

Bis 1914 hatte sich das Kontinuitäts-Kino als Standard im kommerziellen Kino etabliert. Eine der fortschrittlichen Kontinuitätstechniken bestand in einem präzisen und fließenden Übergang von einer Einstellung zur nächsten. ^{[ 80 ]} Auch der Schnitt innerhalb einer Szene zu verschiedenen Blickwinkeln etablierte sich als Technik zur Zerlegung einer Szene in einzelne Einstellungen im amerikanischen Film. ^{[ 87 ]} Ändert sich die Einstellungsrichtung um mehr als neunzig Grad, spricht man von einem Gegenschnitt. ^{[ 88 ]} Ralph Ince war maßgeblich an der Weiterentwicklung des Gegenschnitts beteiligt , unter anderem in Filmen wie „The Right Girl and His Phantom Sweetheart“ . ^{[ 87 ]}

Die Verwendung von Rückblenden wurde in dieser Zeit weiterentwickelt, wobei der übliche Übergang in und aus einer Rückblende durch eine Überblendung erfolgte. Der Film „ The Man That Might Have Been“ ( William J. Humphrey , 1914) der Vitagraph Company ist noch komplexer und enthält eine Reihe von Träumereien und Rückblenden, die den tatsächlichen Lebensweg des Protagonisten dem gegenüberstellen, was hätte sein können, wäre sein Sohn nicht gestorben.

Nach 1914 wurde der Parallelmontage- Effekt – vor allem in amerikanischen, weniger in europäischen Filmen – eingesetzt. Mit Parallelmontage ließen sich neue Kontrasteffekte erzielen, wie beispielsweise in der Parallelmontage-Sequenz in Cecil B. DeMilles „ Der flüsternde Chor“ (1918), in der ein vermeintlich toter Ehemann eine Affäre mit einer chinesischen Prostituierten in einer Opiumhöhle hat, während seine ahnungslose Frau gleichzeitig in der Kirche wiederverheiratet wird. ^{[ 87 ]}

Auch die Farbgebung von Stummfilmen erfreute sich in dieser Zeit großer Beliebtheit. Bernsteinfarbene Töne kennzeichneten den Tag oder eine hell erleuchtete Nacht, blaue Töne die Morgendämmerung oder eine schwach beleuchtete Nacht, rote Töne Feuerszenen, grüne Töne eine geheimnisvolle Atmosphäre und braune Töne (auch Sepia-Tönung genannt ) wurden üblicherweise für abendfüllende Filme und nicht für einzelne Szenen verwendet. D. W. Griffiths ' „ Die Geburt einer Nation“ (1915), John S. Robertsons „ Dr. Jekyll und Mr. Hyde“ (1920) und Robert Wienes „ Das Cabinet des Dr. Caligari“ (1920) sind einige bemerkenswerte Beispiele für getönte Stummfilme. ^{[ 89 ] [ 90 ] [ 91 ]}

Das 1914 uraufgeführte Filmdrama „Die Schöpfung“ war das erste bedeutende Drehbuch, das synchronisierten Ton, bewegten Film und Farbdias kombinierte. ^{[ 92 ]} Bis 1927 wurden die meisten Kinofilme ohne Ton produziert. Diese Periode wird gemeinhin als Stummfilmzeit bezeichnet . ^{[ 93 ] [ 94 ]}

Der allgemeine Trend in der Entwicklung des Kinos, ausgehend von den Vereinigten Staaten, ging dahin, die neu entwickelten filmischen Mittel zur Darstellung des Erzählinhalts von Filmgeschichten zu nutzen und diese mit den im kommerziellen Theater bereits üblichen dramatischen Strukturen zu kombinieren. D. W. Griffith genoss unter den amerikanischen Regisseuren der Branche höchstes Ansehen, da er mit seinen Filmen dramatische Spannung auf das Publikum ausübte. Cecil B. DeMilles „ The Cheat“ (1915) beleuchtete die moralischen Dilemmata seiner Figuren subtiler als Griffith. DeMille war zudem näher an der Realität des zeitgenössischen amerikanischen Lebens. Auch Maurice Tourneur wurde für die bildhafte Schönheit seiner Filme und die Subtilität seines Umgangs mit Fantasieelementen hoch geschätzt. Gleichzeitig gelang es ihm, seinen Schauspielern in passenden Momenten, wie beispielsweise in „A Girl's Folly “ (1917), einen größeren Naturalismus zu entlocken. ^{[ 80 ]}

Sidney Drew war führend in der Entwicklung der „höflichen Komödie“, während Slapstick von Fatty Arbuckle und Charles Chaplin verfeinert wurde , die beide ihre Karriere bei Mack Sennetts Keystone-Truppe begannen. Sie reduzierten das üblicherweise rasante Tempo von Sennetts Filmen, um dem Publikum die Möglichkeit zu geben, die Subtilität und Finesse ihrer Bewegungen sowie die Raffinesse ihrer Gags zu würdigen. Ab 1917 integrierte Chaplin zudem dramatischere Handlungsstränge in seine Filme und vermischte Komik mit Gefühl. ^{[ 80 ]}

In Russland brachte Jewgeni Bauer eine langsame, intensive Schauspielkunst, verbunden mit symbolistischen Anklängen, auf einzigartige Weise in den Film ein. ^{[ 80 ]}

In Schweden schuf Victor Sjöström eine Reihe von Filmen, die die Lebensrealität der Menschen auf eindrucksvolle Weise mit ihrer Umgebung verbanden, während Mauritz Stiller die anspruchsvolle Komödie auf ein neues Niveau hob. ^{[ 80 ]}

In Deutschland ließ sich Ernst Lubitsch von den Bühnenwerken Max Reinhardts inspirieren , sowohl von der bürgerlichen Komödie als auch vom Spektakel, und wandte dies auf seine Filme an, die in seinen Werken „ Die Puppe “, „ Die Austernprinzessin “ und „Madame Dubarry“ gipfelten . ^{[ 80 ]}

Zu Beginn des Ersten Weltkriegs waren das französische und das italienische Kino weltweit am beliebtesten. Der Krieg bedeutete eine verheerende Unterbrechung für die europäische Filmindustrie.

Im frühen 20. Jahrhundert perfektionierten Filmschaffende ihre Fähigkeiten im Umgang mit Kameras und der Erzeugung von Illusionen durch Raum und Zeit in ihren Aufnahmen. Diese neue Form der Kreativität ebnete einer ganzen Reihe neuer Talente den Weg zum Ruhm, darunter David W. Griffith, der sich mit seinem Film „ Die Geburt einer Nation“ von 1915 einen Namen machte . 1920 erlebte die Filmindustrie zwei bedeutende Veränderungen: die Einführung des Tonfilms und die Entstehung von Studiosystemen. In den 1920er-Jahren schlossen sich bis dahin unabhängige Künstler Studios an und arbeiteten mit anderen Schauspielern und Regisseuren zusammen. 1927 erschien „Der Jazzsänger“ und brachte den Tonfilm in die Kinoleinwand.

Das deutsche Kino jener Zeit erlebte die Ära des deutschen Expressionismus . Berlin war mit dem Filmstudio Babelsberg dessen Zentrum . ^{[ 100 ] [ 96 ]} Die ersten expressionistischen Filme kompensierten den Mangel an üppigen Budgets durch Bühnenbilder mit extrem unrealistischen, geometrisch absurden Winkeln sowie durch auf Wände und Böden gemalte Muster, die Licht, Schatten und Objekte darstellten. Die Handlungen und Geschichten der expressionistischen Filme behandelten oft Wahnsinn, Verrat und andere „intellektuelle“ Themen , die durch die Erfahrungen des Ersten Weltkriegs ausgelöst wurden. Filme wie Das Cabinet des Dr. Caligari (1920), Nosferatu (1922) und M (1931) hatten einen großen internationalen Einfluss, der sich noch heute in den Werken zeitgenössischer Filmemacher, Spieledesigner und Künstler wiederfindet. ^{[ 101 ]}

Filme wie Metropolis (1927) und Woman in the Moon (1929) schufen teilweise das Genre der Science-Fiction-Filme ^{[ 102 ]} und Lotte Reiniger wurde zu einer Pionierin des Animationsfilms, indem sie animierte Spielfilme wie Die Abenteuer des Prinzen Achmed , den ältesten erhaltenen und ältesten in Europa produzierten Animationsfilm, produzierte.

Viele deutsche und in Deutschland ansässige Regisseure, Schauspieler, Schriftsteller und andere emigrierten nach der Machtergreifung der Nazis in die USA , was Hollywood und der amerikanischen Filmindustrie im Wettbewerb mit anderen Filmproduktionsländern den entscheidenden Vorteil verschaffte. ^{[ 103 ]}

Die amerikanische Filmindustrie, oder „Hollywood“, wie sie nach ihrem neuen geografischen Zentrum in Kalifornien genannt wurde , erlangte die Stellung, die sie seither mehr oder weniger innehatte: Filmfabrik für die Welt und Exporteur ihrer Produkte in die meisten Länder der Erde.

In den 1920er Jahren erreichten die Vereinigten Staaten ihre bis heute produktivste Zeit mit durchschnittlich 800 Spielfilmen pro Jahr [104], was 82 % der weltweiten Produktion entsprach ( Eyman ^{, 1997 )} . Die Komödien von Charlie Chaplin und Buster Keaton , die Abenteuerfilme von Douglas Fairbanks und die Romanzen von Clara Bow , um nur einige Beispiele zu nennen, machten diese Schauspieler auf allen Kontinenten bekannt. Die westliche visuelle Norm, die später als klassischer Kontinuitätsschnitt bekannt werden sollte, wurde entwickelt und exportiert – obwohl ihre Verbreitung in einigen nicht-westlichen Ländern ohne ausgeprägte realistische Traditionen in Kunst und Theater, wie beispielsweise Japan , langsamer verlief .

Diese Entwicklung fiel zeitlich mit dem Wachstum des Studiosystems und seiner wichtigsten Werbemethode, dem Star-System , zusammen, das den amerikanischen Film über Jahrzehnte prägte und Vorbildern für andere Filmindustrien diente. Die effiziente, von oben verordnete Kontrolle der Studios über alle Produktionsphasen ermöglichte ein neues und stetig wachsendes Niveau an aufwendiger Produktion und technischer Raffinesse. Gleichzeitig hemmte die kommerzielle Reglementierung des Systems und seine Ausrichtung auf glamouröse Unterhaltung Wagemut und Ehrgeiz bis zu einem gewissen Grad. Ein Paradebeispiel hierfür ist die kurze, aber legendäre Regiekarriere des unkonventionellen Erich von Stroheim in den späten 1910er und 1920er Jahren.

Im Jahr 1924 gründeten Sam Goldwyn , Louis B. Mayer und die Metro Pictures Corporation MGM . ^{[ 47 ]}

Ende 1927 veröffentlichte Warner Bros. „The Jazz Singer“ , einen größtenteils stummen Film, der jedoch als erster synchronisierter Dialog (und Gesang) in einem Spielfilm gilt. ^{[ 105 ]} Dieses Verfahren wurde jedoch bereits 1914 von Charles Taze Russell mit dem Langfilm „The Photo-Drama of Creation“ angewendet . Dieses Drama bestand aus Dias und bewegten Bildern, die mit Schallplattenaufnahmen von Gesprächen und Musik synchronisiert waren . Die frühen Tonaufzeichnungsverfahren wie Vitaphone wurden bald von Tonfilmverfahren wie Fox Movietone , DeForest Phonofilm und RCA Photophone abgelöst. Dieser Trend überzeugte die zunächst skeptischen Industriellen, dass der Tonfilm die Zukunft war. Vor dem Erfolg von „The Jazz Singer “ gab es zahlreiche Versuche , die in der Liste der Filmtonsysteme aufgeführt sind . 1926 brachte Warner Bros. den Film „Don Juan“ mit synchronisierten Toneffekten und Musik heraus. ^{[ 47 ]}

Der Wandel vollzog sich bemerkenswert schnell. Ende 1929 war Hollywood fast vollständig auf Tonfilm umgestiegen, mit mehreren konkurrierenden Tonsystemen (die bald standardisiert werden sollten). Im Rest der Welt verlief die Umstellung etwas langsamer, hauptsächlich aus wirtschaftlichen Gründen. Auch kulturelle Faktoren spielten in Ländern wie China und Japan eine Rolle , wo Stummfilme und Tonfilme bis weit in die 1930er-Jahre hinein erfolgreich nebeneinander existierten und einige der meistverehrten Klassiker dieser Länder hervorbrachten, wie Wu Yonggangs „ Die Göttin“ (China, 1934) und Yasujirō Ozus „ Ich wurde geboren, aber…“ (Japan, 1932). Doch selbst in Japan ging die Schauspielkarriere eines Mannes wie des Benshi , des Live-Erzählers, der einen wichtigen Teil des japanischen Stummfilms ausmachte, zu Ende.

Der Tonfilm festigte die Vormachtstellung der großen Studios in zahlreichen Ländern: Die enormen Kosten des Übergangs erdrückten kleinere Konkurrenten, während die Neuheit des Tons den verbliebenen Produzenten ein deutlich größeres Publikum bescherte. Im Falle der USA schreiben einige Historiker dem Tonfilm die Rettung des Hollywood-Studiosystems während der Weltwirtschaftskrise zu (Parkinson, 1995). So begann das, was heute oft als „Goldenes Zeitalter Hollywoods“ bezeichnet wird und grob die Zeit von der Einführung des Tonfilms bis Ende der 1940er-Jahre umfasst. Das amerikanische Kino erreichte in dieser Zeit seinen Höhepunkt an professionell inszeniertem Glamour und weltweiter Anziehungskraft. Die Top-Schauspieler dieser Ära gelten heute als die klassischen Filmstars, darunter Clark Gable , Katharine Hepburn , Humphrey Bogart , Greta Garbo und der größte Kassenschlager der 1930er-Jahre, die Kinderdarstellerin Shirley Temple .

Kreativ gestaltete sich der rasante Übergang jedoch schwierig, und in mancher Hinsicht fiel der Film kurzzeitig in die Anfänge zurück. Die späten 1920er-Jahre waren geprägt von statischen, bühnenhaften Tonfilmen, da Künstler vor und hinter der Kamera mit den strengen Beschränkungen der frühen Tontechnik und ihrer eigenen Unsicherheit im Umgang mit dem neuen Medium zu kämpfen hatten. Viele Bühnenschauspieler, Regisseure und Autoren kamen zum Film, da Produzenten nach erfahrenen Mitarbeitern für dialogbasiertes Erzählen suchten. Viele bedeutende Stummfilmregisseure und -schauspieler konnten sich nicht anpassen und sahen ihre Karrieren stark eingeschränkt oder gar beendet.

Diese schwierige Phase war recht kurz. 1929 markierte einen Wendepunkt: William Wellman mit „Chinatown Nights“ und „The Man I Love“ , Rouben Mamoulian mit „Applause“ und Alfred Hitchcock mit „Blackmail“ (Großbritanniens erstem Tonfilm) gehörten zu den Regisseuren, die den Tonfilm flüssiger gestalteten und mit dem expressiven Einsatz von Ton experimentierten (Eyman, 1997). Dabei profitierten sie von den technischen Fortschritten bei Mikrofonen und Kameras sowie den Möglichkeiten der Tonbearbeitung und -synchronisation (anstatt den Ton direkt während des Drehs aufzunehmen) und trieben diese gleichzeitig voran.

Tonfilme förderten und bereicherten verschiedene Genres stärker als Stummfilme. Am deutlichsten zeigte sich dies in der Geburtsstunde des Musicalfilms ; das erste Hollywood-Musical im klassischen Stil war „The Broadway Melody“ (1929), und der Choreograf und Regisseur Busby Berkeley ( „42nd Street“ , 1933; „Dames“ , 1934) sollte den ersten bedeutenden Schöpfer dieser Form hervorbringen. In Frankreich nutzte der Avantgarde- Regisseur René Clair Gesang und Tanz auf surreale Weise in Komödien wie „ Unter den Dächern von Paris“ (1930) und „Le Million“ (1931). Universal Pictures begann mit der Veröffentlichung von Gothic- Horrorfilmen wie „Dracula“ und „Frankenstein“ (beide 1931). 1933 veröffentlichte RKO Pictures Merian C. Coopers Klassiker „ King Kong “ . Der Trend blühte in Indien am stärksten auf , wo der Einfluss des traditionellen Gesangs- und Tanzdramas des Landes das Musical zur Grundform der meisten Tonfilme machte (Cook, 1990). Jahrzehntelang von der westlichen Welt nahezu unbeachtet, sollte dieses indische Populärkino dennoch zum produktivsten der Welt werden. ( Siehe auch Bollywood . )

Zu dieser Zeit erfreuten sich amerikanische Gangsterfilme wie „Little Caesar“ und Wellmans „ Der öffentliche Feind“ (beide 1931) großer Beliebtheit. In Hollywood-Komödien traten nun die Dialoge an die Stelle von Slapstick: die rasanten, witzigen Wortgefechte in „ Die Titelseite “ (1931) oder „Es geschah in einer Nacht “ (1934), die sexuellen Doppeldeutigkeiten von Mae West („ Sie hat ihn falsch behandelt“ , 1933) oder der oft subversiv-anarchische Nonsens der Marx Brothers ( „Die Entensuppe“ , 1933). Walt Disney , der zuvor im Bereich der Kurzfilme tätig gewesen war, wagte mit dem ersten englischsprachigen Zeichentrickfilm „Schneewittchen und die sieben Zwerge“ , der 1937 von RKO Pictures veröffentlicht wurde , den Schritt ins Spielfilmgeschäft. 1939, ein bedeutendes Jahr für das amerikanische Kino, brachte Filme wie „ Der Zauberer von Oz“ und „Vom Winde verweht“ hervor .

Etwa 80 Prozent der Filme aus den Jahren 1890 bis 1920 waren farbig. ^{[ 106 ]} Viele verwendeten monochrome Farbbäder , bei einigen wurden die Rahmen von Hand mit mehreren transparenten Farben bemalt, und seit 1905 gab es ein mechanisiertes Schablonenverfahren ( Pathécolor ).

Kinemacolor , das erste kommerziell erfolgreiche kinematographische Farbverfahren, produzierte von 1908 bis 1914 Filme in zwei Farben (Rot und Cyan).

Das natürliche Drei-Streifen-Farbverfahren von Technicolor wurde 1932 mit Walt Disneys animiertem, Oscar-prämiertem Kurzfilm „ Flowers and Trees “ unter der Regie von Burt Gillett sehr erfolgreich eingeführt . Technicolor wurde zunächst hauptsächlich für Musicals wie „ Der Zauberer von Oz “ (1939), Kostümfilme wie „ Die Abenteuer des Robin Hood “ und Animationsfilme verwendet. Nachdem sich das Fernsehen Anfang der 1950er-Jahre durchgesetzt hatte, wurde Farbe im Kino nahezu zum Standard.

Der Wunsch nach Kriegspropaganda gegen die Opposition führte in Großbritannien zu einer Renaissance des Films. Realistische Kriegsdramen wie „ 49th Parallel “ (1941), „ Went the Day Well?“ (1942), „ The Way Ahead“ (1944) und Noël Cowards und David Leans gefeierter Marinefilm „ In Which We Serve“ ( 1942), der mit einem Ehrenoscar ausgezeichnet wurde , entstanden in dieser Zeit. Daneben gab es auch aufwendigere Filme wie Michael Powells und Emeric Pressburgers „ The Life and Death of Colonel Blimp“ (1943), „A Canterbury Tale“ (1944) und „A Matter of Life and Death “ (1946) sowie Laurence Oliviers Verfilmung von Shakespeares „Henry V. “ (1944 ). Der Erfolg von Schneewittchen und die sieben Zwerge ermöglichte es Disney, weitere Zeichentrickfilme wie Pinocchio (1940), Fantasia (1940), Dumbo (1941) und Bambi (1942) zu produzieren.

Der Eintritt der USA in den Zweiten Weltkrieg führte zu einer Vielzahl von Filmen, die sowohl patriotisch als auch propagandistisch wirkten. Zu den amerikanischen Propagandafilmen zählten „ Desperate Journey“ (1942), „Mrs. Miniver“ (1942), „ Forever and a Day“ (1943) und „Objective, Burma!“ (1945). Zu den bemerkenswerten amerikanischen Filmen der Kriegsjahre gehören der Anti-Nazi- Film „Watch on the Rhine“ (1943) mit einem Drehbuch von Dashiell Hammett ; „ Im Schatten des Zweifels“ (1943), Hitchcocks Regiearbeit nach einem Drehbuch von Thornton Wilder ; der biografische Film „ Yankee Doodle Dandy“ (1942) über George M. Cohan mit James Cagney in der Hauptrolle und der überaus populäre Film „Casablanca“ mit Humphrey Bogart . Bogart spielte zwischen 1934 und 1942 in 36 Filmen mit, darunter John Hustons „ Der Malteser Falke“ (1941), einer der ersten Filme, die heute als Klassiker des Film noir gelten . 1941 veröffentlichte RKO Pictures Orson Welles ' Film „Citizen Kane“ . Er gilt oft als einer der größten Filme aller Zeiten. Er legte den Grundstein für das moderne Kino, da er das filmische Erzählen revolutionierte.

Die Zwänge der Kriegszeit führten auch zu einem verstärkten Interesse an fantastischen Themen. Dazu zählten die britischen Gainsborough- Melodramen (darunter „Der Mann in Grau“ und „Die böse Lady “) sowie Filme wie „Here Comes Mr. Jordan“ , „Heaven Can Wait“ , „I Married a Witch“ und „Blithe Spirit“ . Val Lewton produzierte zudem eine Reihe atmosphärischer und einflussreicher Low-Budget-Horrorfilme, darunter so bekannte Beispiele wie „ Cat People“ , „ Isle of the Dead“ und „The Body Snatcher“ . In diesem Jahrzehnt erlebten vermutlich auch die sogenannten „ Frauenfilme “ wie „Now, Voyager“ , „Random Harvest “ und „Mildred Pierce“ ihre Blütezeit.

1946 veröffentlichte RKO Radio „ Ist das Leben nicht schön? “ , unter der Regie des in Italien geborenen Filmemachers Frank Capra . Heimkehrende Soldaten lieferten die Inspiration für Filme wie „ Die besten Jahre unseres Lebens“ , und viele Filmschaffende hatten während des Krieges in irgendeiner Funktion gedient. Samuel Fullers Erfahrungen im Zweiten Weltkrieg prägten seine weitgehend autobiografischen Filme der späteren Jahrzehnte, wie beispielsweise „ Die große rote Eins“ . Das Actors Studio wurde im Oktober 1947 von Elia Kazan , Robert Lewis und Cheryl Crawford gegründet , und im selben Jahr drehte Oskar Fischinger „Motion Painting Nr. 1“ .

1943 wurde „Ossessione“ in Italien uraufgeführt und markierte den Beginn des italienischen Neorealismus . Zu den bedeutendsten Filmen dieser Richtung in den 1940er Jahren zählten „Fahrraddiebe“ , „Rom, offene Stadt“ und „La Terra Trema“ . 1952 erschien „Umberto D“ , der gemeinhin als letzter Film dieser Art gilt.

Ende der 1940er-Jahre begannen die Ealing Studios in Großbritannien mit der Produktion ihrer gefeierten Komödienreihe, darunter „Whisky Galore!“ , „ Passport to Pimlico“ , „Adel verpflichtet“ und „Der Mann im weißen Anzug“ . Carol Reed inszenierte seine einflussreichen Thriller „Der Außenseiter“ , „Der gefallene Idol“ und „Der dritte Mann“ . David Lean etablierte sich mit „Begegnung“ und seinen Dickens -Verfilmungen „Große Erwartungen“ und „Oliver Twist“ rasch als feste Größe im Weltkino. Michael Powell und Emeric Pressburger erlebten mit Filmen wie „Schwarzer Narziss“ und „Die roten Schuhe“ den Höhepunkt ihrer kreativen Zusammenarbeit .

Der Ausschuss für unamerikanische Umtriebe untersuchte Hollywood in den frühen 1950er Jahren. Die Anhörungen, gegen die die „Hollywood Ten“ protestierten, führten zur Aufnahme vieler Schauspieler, Autoren und Regisseure auf die Schwarze Liste , darunter Chayefsky, Charlie Chaplin und Dalton Trumbo . Viele von ihnen flohen nach Europa, insbesondere nach Großbritannien.

Der Zeitgeist des Kalten Krieges schlug sich in einer Art Paranoia nieder, die sich in Themen wie einfallenden Armeen böser Außerirdischer ( Die Körperfresser kommen , Der Krieg der Welten ) und kommunistischen Fünften Kolonnen ( Der Manchurian Candidate ) manifestierte.

In den unmittelbaren Nachkriegsjahren geriet die Filmindustrie auch durch das Fernsehen in Bedrängnis, und die zunehmende Popularität des Mediums führte dazu, dass einige Kinos Konkurs anmelden und schließen mussten. Der Niedergang des Studiosystems beflügelte die Selbstkritik von Filmen wie Sunset Boulevard (1950) und Stadt der Illusionen (1952).

1950 sorgten die Lettristen , Avantgardisten der Bewegung , bei der Vorführung von Isidore Isous „ Abhandlung über Schleim und Ewigkeit“ auf den Filmfestspielen von Cannes für Tumulte. Nach ihrer Kritik an Charlie Chaplin und dem Bruch mit der Bewegung störten die Ultra-Lettristen die Filmfestspiele weiterhin mit ihren neuen hypergrafischen Techniken. Der berüchtigtste Film ist Guy Debords „ Heulen für Sade“ von 1952. Angesichts der zunehmenden Kinoschließungen suchten Studios und Unternehmen nach neuen und innovativen Wegen, um das Publikum zurückzugewinnen. Dazu gehörten Versuche, mit neuen Bildformaten ein breiteres Publikum anzusprechen. Cinemascope , das bis 1967 ein exklusives Format von 20th Century Fox bleiben sollte, wurde 1953 mit „Das Gewand “ eingeführt . VistaVision , Cinerama und Todd-AO verfolgten den Ansatz „Größer ist besser“, um Filme einem schrumpfenden US-Publikum zu präsentieren. Dies führte zu einer Renaissance des Monumentalfilms, der die neuen Großbildformate nutzte. Zu den erfolgreichsten Beispielen dieser biblischen und historischen Spektakel zählen Die Zehn Gebote (1956), Wikinger (1958), Ben Hur (1959), Spartacus (1960) und El Cid (1961). Ebenfalls in dieser Zeit entstanden zahlreiche weitere bedeutende Filme in Todd-AO , das Mike Todd kurz vor seinem Tod entwickelte , darunter Oklahoma! (1955), In 80 Tagen um die Welt (1956), South Pacific (1958) und Cleopatra (1963) sowie viele mehr.

Um das Publikum anzulocken, wurden immer mehr Marketingtricks eingesetzt. Der 3D-Filmboom hielt nur zwei Jahre an (1952–1954) und trug zum Erfolg von „ Das Kabinett des Professor Bondi “ und „Der Schrecken vom Amazonas “ bei . Produzent William Castle bewarb Filme mit den Werbegags „Emergo“ und „Percepto“, die ersten einer Reihe von Tricks, die in den 1960er-Jahren für Castle und andere beliebte Marketinginstrumente blieben.

1954 wurde Dorothy Dandridge für ihre Rolle in dem Film Carman Jones (1954) als beste Hauptdarstellerin für den Oscar nominiert . Sie war die erste schwarze Frau, die für diese Auszeichnung nominiert wurde. ^{[ 108 ]}

In den USA spiegelte sich nach dem Zweiten Weltkrieg die Tendenz zur Infragestellung des Establishments und gesellschaftlicher Normen sowie der frühe Aktivismus der Bürgerrechtsbewegung in Hollywood-Filmen wie „ Die Saat der Gewalt “ (1955), „ Die Faust im Nacken“ (1954), Paddy Chayefskys „ Marty“ und Reginald Roses „ Die zwölf Geschworenen “ (1957) wider. Disney produzierte weiterhin Animationsfilme, darunter Klassiker wie „ Cinderella“ (1950), „Peter Pan“ (1953), „Susi und Strolch“ (1955) und „Dornröschen“ (1959). Er begann sich jedoch verstärkt Realfilmen zu widmen und schuf Klassiker wie „ 20.000 Meilen unter dem Meer“ (1954) und „Old Yeller“ (1957). Das Fernsehen trat in ernsthafte Konkurrenz zu den Kinofilmen, trug aber überraschenderweise eher zu einem Anstieg der Kinobesuche bei, anstatt sie einzuschränken.

Die Serie „Rampenlicht“ zeichnet sich dadurch aus, dass sie drei Jahrhunderte Film- und Theatergeschichte anhand der Karrieren ihrer beiden Hauptdarsteller, Charlie Chaplin und Claire Bloom, umspannt . Chaplin gab sein Bühnendebüt 1897 im Alter von acht Jahren als Mitglied der Stepptanzgruppe „The Eight Lancaster Lads“. Bloom war bis ins 21. Jahrhundert als Schauspielerin tätig und wirkte bis 2022 in Film- und Fernsehproduktionen mit, darunter „ The King’s Speech“ (2010).

Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs in den 1940er Jahren markierte das darauffolgende Jahrzehnt, die 1950er Jahre, ein „goldenes Zeitalter“ für das nichtenglische Weltkino , ^{[ 109 ] [ 110 ]} insbesondere für das asiatische Kino . ^{[ 111 ] [ 112 ]} Viele der von der Kritik am meisten gefeierten asiatischen Filme aller Zeiten entstanden in diesem Jahrzehnt, darunter Yasujirō Ozus „Die Reise nach Tokio “ (1953), Satyajit Rays „ Apu-Trilogie“ (1955–1959) und „ Jalsaghar “ (1958), Kenji Mizoguchis „ Ugetsu“ (1954) und „Sansho der Gerichtsdiener“ (1954), Raj Kapoors „ Awaara “ (1951), Mikio Naruses „ Floating Clouds“ (1955), Guru Dutts „ Pyaasa“ (1957) und „Kaagaz Ke Phool“ ( 1959) sowie die Akira-Kurosawa -Filme „Rashomon“ (1950), „ Ikiru “ (1952) , „ Die sieben Samurai“ (1954) und „ Das Schloss im Spinnwebwald“ (1957). ^{[ 111 ] [ 112 ]}

Während des „Goldenen Zeitalters“ des japanischen Kinos in den 1950er-Jahren zählten Filme wie „Rashomon“ (1950), „ Die sieben Samurai“ (1954) und „Die verborgene Festung“ (1958) von Akira Kurosawa sowie „Tokyo Story “ (1953) von Yasujirō Ozu und „ Godzilla“ (1954) zu den größten Erfolgen. ^{[ 113 ]} Diese Filme hatten einen tiefgreifenden Einfluss auf das Weltkino. Insbesondere Kurosawas „ Die sieben Samurai“ wurde mehrfach als westliche Filme neu verfilmt , darunter „ Die glorreichen Sieben“ (1960) und „ Der Kampf jenseits der Sterne “ (1980), und inspirierte auch mehrere Bollywood -Filme wie „Sholay“ (1975) und „China Gate“ (1998). Rashomon wurde auch als The Outrage (1964) neu verfilmt und inspirierte Filme mit dem „ Rashomon-Effekt “ als Erzähltechnik, wie etwa Die üblichen Verdächtigen (1995) und Hero (2002). Die verborgene Festung diente George Lucas ebenfalls als Inspiration für Star Wars (1977). Zu den weiteren bekannten japanischen Filmemachern dieser Zeit zählen Kenji Mizoguchi , Mikio Naruse , Hiroshi Inagaki und Nagisa Oshima . ^{[ 111 ]} Das japanische Kino wurde später zu einer der Hauptinspirationsquellen der New-Hollywood- Bewegung der 1960er- bis 1980er-Jahre.

Während des „Goldenen Zeitalters“ des indischen Kinos in den 1950er Jahren wurden jährlich 200 Filme produziert, während indische Independent-Filme durch internationale Filmfestivals größere Anerkennung erlangten . Eine der bekanntesten war die Apu-Trilogie (1955–1959) des von der Kritik gefeierten bengalischen Filmregisseurs Satyajit Ray , dessen Filme einen tiefgreifenden Einfluss auf das Weltkino hatten. Regisseure wie Akira Kurosawa, ^{[ 114 ]} Martin Scorsese , ^{[ 115 ] [ 116 ]} James Ivory , ^{[ 117 ]} Abbas Kiarostami , Elia Kazan , François Truffaut , ^{[ 118 ]} Steven Spielberg , ^{[ 119 ] [ 120 ]} Carlos Saura , ^{[ 121 ]} Jean-Luc Godard , ^{[ 122 ]} Isao Takahata , ^{[ 123 ]} Gregory Nava , Ira Sachs , Wes Anderson ^{[ 124 ]} und Danny Boyle ^{[ 125 ]} wurden von seinem filmischen Stil beeinflusst. Laut Michael Sragow vom Atlantic Monthly verdanken die „Jugenddramen über das Erwachsenwerden , die seit Mitte der 1950er-Jahre die Arthouse-Kinos überschwemmten, der Apu-Trilogie enorm viel“. ^{[ 126 ]} Auch Subrata Mitras filmische Technik der indirekten Beleuchtung hat ihren Ursprung in der Apu-Trilogie . ^{[ 127 ]} Weitere bekannte indische Filmemacher dieser Zeit sind Guru Dutt , ^{[ 111 ]} Ritwik Ghatak , ^{[ 112 ]} Mrinal Sen , Raj Kapoor , Bimal Roy , K. Asif und Mehboob Khan . ^{[ 128 ]}

Das südkoreanische Kino erlebte in den 1950er Jahren ebenfalls ein „Goldenes Zeitalter“, beginnend mit Lee Kyu-hwans überaus erfolgreichem Remake von Chunhyang-jon (1955). ^{[ 129 ]} Im selben Jahr erschien auch Kim Ki-youngs Film Yangsan Province , der den Beginn seiner Karriere markierte. Sowohl die Qualität als auch die Quantität der Filmproduktionen hatten sich bis Ende der 1950er Jahre rasant erhöht. Südkoreanische Filme, wie beispielsweise Lee Byeong-ils Komödie Sijibganeun nal (Der Hochzeitstag) aus dem Jahr 1956 , begannen, internationale Preise zu gewinnen. Im Gegensatz zu Beginn der 1950er Jahre, als nur fünf Filme pro Jahr produziert wurden, entstanden 1959 in Südkorea bereits 111 Filme. ^{[ 130 ]}

Die 1950er Jahre gelten auch für das philippinische Kino als ein „Goldenes Zeitalter“ . In dieser Zeit entstanden künstlerisch anspruchsvollere und reifere Filme, und die Filmtechniken der Filmemacher verbesserten sich deutlich. Das Studiosystem sorgte für reges Treiben in der lokalen Filmindustrie; jährlich wurden zahlreiche Filme produziert, und viele einheimische Talente erlangten internationale Anerkennung. Zu den bedeutendsten philippinischen Regisseuren dieser Ära zählten Gerardo de Leon , Gregorio Fernández , Eddie Romero , Lamberto Avellana und Cirio Santiago . ^{[ 131 ] [ 132 ]}

In den 1960er Jahren erlebte das Studiosystem in Hollywood einen Niedergang, da viele Filme nun an Originalschauplätzen im Ausland oder in ausländischen Studios wie Pinewood (Großbritannien) und Cinecittà (Rom) gedreht wurden. Hollywood-Filme richteten sich weiterhin größtenteils an ein Familienpublikum, und es waren oft die eher traditionellen Filme, die den Studios die größten Erfolge bescherten. Produktionen wie „ Mary Poppins“ (1964), „My Fair Lady“ (1964) und „The Sound of Music“ (1965) zählten zu den umsatzstärksten Filmen des Jahrzehnts. Auch das Wachstum unabhängiger Produzenten und Produktionsfirmen sowie der zunehmende Einfluss einzelner Schauspieler trugen zum Niedergang der traditionellen Hollywood-Studioproduktionen bei.

In dieser Zeit wuchs auch das Interesse am fremdsprachigen Kino in den Vereinigten Staaten. Ende der 1950er und in den 1960er Jahren produzierten Regisseure der Nouvelle Vague wie François Truffaut und Jean-Luc Godard Filme wie „ Vierhunderttausend Schläge“ , „Außer Atem“ und „Jules und Jim“ , die mit den Erzählstrukturen des Hollywood-Kinos brachen . Gleichzeitig wurden die Zuschauer auf italienische Filme wie Federico Fellinis „ La Dolce Vita“ (1960) und „ 8½ “ (1963) sowie auf die eindringlichen Dramen des Schweden Ingmar Bergman aufmerksam .

In Großbritannien führte das „Free Cinema“ von Lindsay Anderson , Tony Richardson und anderen zu einer Reihe realistischer und innovativer Dramen, darunter „Saturday Night and Sunday Morning“ , „A Kind of Loving“ und „This Sporting Life“ . Weitere britische Filme wie „Repulsion“ , „Darling“ , „Alfie“ , „Blow-Up“ und „Georgy Girl“ (alle 1965–1966) trugen dazu bei, die Verbote von Sex und Nacktheit auf der Leinwand zu lockern, während der ungezwungene Sex und die Gewalt in den James-Bond -Filmen, beginnend mit „Dr. No“ im Jahr 1962, die Reihe weltweit populär machten.

In den 1960er Jahren produzierte Ousmane Sembène mehrere Filme in französischer und Wolof-Sprache und wurde zum „Vater“ des afrikanischen Kinos . In Lateinamerika stellten viele Filmemacher die Dominanz des Hollywood-Modells in Frage. Fernando Solanas und Octavio Getino forderten ein politisch engagiertes Drittes Kino als Gegenpol zu Hollywood und dem europäischen Autorenkino .

In Ägypten setzte sich das goldene Zeitalter des ägyptischen Kinos in den 1960er Jahren dank zahlreicher Regisseure fort. Frauen wie Soad Hosny genossen damals hohes Ansehen im ägyptischen Kino . Die Zulfikar-Brüder Ezz El-Dine Zulfikar , Salah Zulfikar und Mahmoud Zulfikar waren an vielen Produktionen beteiligt, ^{[ 133 ]} darunter Ezz El-Dine Zulfikars „ Der Fluss der Liebe“ (1960), ^{[ 134 ]} Mahmoud Zulfikars „ Sanfte Hände“ (1964) und „Lieber als mein Leben “ (1965) mit Salah Zulfikar in der Hauptrolle sowie die Salah Zulfikar Films- Produktion „ Meine Frau, der Generaldirektor“ (1966) ^{[ 135 ]} und Youssef Chahines „ Saladin “ (1963). ^{[ 136 ] [ 137 ]}

Die nukleare Paranoia der Zeit und die Bedrohung durch einen apokalyptischen Atomkrieg (wie die Beinahe-Katastrophe mit der UdSSR 1962 während der Kubakrise ) riefen auch in der Filmbranche Reaktionen hervor. Filme wie Stanley Kubricks „ Dr. Seltsam oder: Wie ich lernte, die Bombe zu lieben“ und „Angriffsziel Moskau “ mit Henry Fonda entstanden in einem Hollywood, das einst für seinen offenen Patriotismus und seine Kriegspropaganda bekannt war.

Im Dokumentarfilm erlebte das Direct Cinema in den 1960er Jahren seine Blütezeit . Dieser beobachtende Filmstil brachte auch offener parteiische Filme wie Emile de Antonios „Im Jahr des Schweins“ über den Vietnamkrieg hervor . Gegen Ende der 1960er Jahre begannen Hollywood-Filmemacher jedoch, innovativere und bahnbrechendere Filme zu drehen, die die soziale Revolution in weiten Teilen der westlichen Welt widerspiegelten, darunter „ Bonnie und Clyde“ (1967), „ Die Reifeprüfung “ (1967) , „ 2001: Odyssee im Weltraum “ (1968), „ Rosemaries Baby“ (1968), „ Asphalt-Cowboy“ (1969), „ Easy Rider“ (1969) und „The Wild Bunch “ (1969). „Bonnie und Clyde“ gilt oft als Beginn des sogenannten Neuen Hollywood .

Im japanischen Kino schuf der Oscar-prämierte Regisseur Akira Kurosawa mit „Yojimbo “ (1961) einen Film, der wie seine vorherigen Werke weltweit großen Einfluss ausübte. Dieser Einfluss zeigt sich besonders deutlich in Sergio Leones „ Für eine Handvoll Dollar“ (1964) und Walter Hills „ Last Man Standing“ (1996). „Yojimbo“ gilt zudem als Ursprung des Trends der „ Mann ohne Namen “.

Das Neue Hollywood bezeichnete die Zeit nach dem Niedergang des Studiosystems in den 1950er und 1960er Jahren und dem Ende des Produktionskodex (der 1968 durch das MPAA-Filmbewertungssystem ersetzt wurde ). In den 1970er Jahren stellten Filmemacher vermehrt explizite sexuelle Inhalte dar und zeigten Schießereien und Schlachten mit drastischen Darstellungen blutiger Todesfälle – ein bekanntes Beispiel hierfür ist Wes Cravens „ Das letzte Haus links“ (1972).

Das postklassische Kino bezeichnet die veränderten Erzählmethoden der Produzenten des Neuen Hollywood. Die neuen Formen der Dramaturgie und Charakterzeichnung spielten mit den Erwartungen des Publikums, die während des klassischen/Goldenen Zeitalters geprägt worden waren: Die Chronologie der Handlung wurde durcheinandergebracht, die Geschichten wiesen verstörende Wendungen auf , Hauptfiguren agierten moralisch ambivalent, und die Grenzen zwischen Antagonist und Protagonist verschwammen. Die Anfänge des postklassischen Erzählstils lassen sich in Film-noir -Klassikern der 1940er und 1950er Jahre , in Filmen wie „ …denn sie wissen nicht, was sie tun“ (1955) und in Hitchcocks „Psycho“ erkennen. 1971 erschienen kontroverse Filme wie „Straw Dogs“ , „Uhrwerk Orange“ , „French Connection“ und „Dirty Harry“ . Dies löste heftige Debatten über die vermeintliche Zunahme von Gewalt im Kino aus.

In den 1970er-Jahren etablierte sich eine neue Generation amerikanischer Filmemacher, darunter Martin Scorsese , Francis Ford Coppola , Steven Spielberg , George Lucas , Woody Allen , Terrence Malick und Robert Altman . Zeitgleich gewann die Auteur-Theorie in Filmliteratur und Medien zunehmend an Popularität. Sie besagt, dass die Filme eines Regisseurs dessen persönliche Vision und kreative Einsichten widerspiegeln. Die Entwicklung des Auteur-Stils ermöglichte diesen Regisseuren eine deutlich größere Kontrolle über ihre Projekte als in früheren Zeiten. Dies führte zu großen Erfolgen bei Kritikern und Publikum, wie beispielsweise Scorseses „ Taxi Driver“ , Coppolas „ Der Pate“ -Filme, William Friedkins „ Der Exorzist “ , Altmans „ Nashville“ , Allens „Annie Hall“ und „Manhattan“ , Malicks „ Badlands“ und „ In der Glut des Südens “ sowie Roman Polanskis „ Chinatown“ . Allerdings kam es auch zu einigen Misserfolgen, darunter Peter Bogdanovichs „ At Long Last Love“ und Michael Ciminos enorm teures Western-Epos „ Heaven's Gate“ , das zum Untergang des Geldgebers United Artists beitrug .

Das finanzielle Desaster von Heaven’s Gate markierte das Ende der visionären „Auteur“-Regisseure des „Neuen Hollywood“, die uneingeschränkte kreative und finanzielle Freiheit bei der Filmentwicklung genossen. Der phänomenale Erfolg von Steven Spielbergs „ Der weiße Hai “ in den 1970er-Jahren begründete das Konzept des modernen Blockbusters . Der enorme Erfolg von George Lucas’ Film „ Star Wars “ aus dem Jahr 1977 trug maßgeblich zur Popularisierung des Blockbuster-Genres bei, und der revolutionäre Einsatz von Spezialeffekten, Tonschnitt und Musik machte den Film zu einem der einflussreichsten Filme der Filmgeschichte. Hollywood-Studios konzentrierten sich zunehmend auf die Produktion einer kleineren Anzahl von Filmen mit sehr hohem Budget und massiven Marketing- und Werbekampagnen. Dieser Trend war bereits durch den kommerziellen Erfolg von Katastrophenfilmen wie „Die Höllenfahrt der Poseidon“ und „Flammendes Inferno“ angekündigt worden .

Mitte der 1970er-Jahre entstanden vermehrt Pornokinos, die beschönigend als „Erwachsenenkinos“ bezeichnet wurden, und die legale Produktion von Hardcore- Pornofilmen begann. Pornofilme wie „ Deep Throat“ und ihr Star Linda Lovelace entwickelten sich zu einem Phänomen der Popkultur und lösten eine Welle ähnlicher Filme aus. In den 1980er-Jahren verschwanden die Pornokinos schließlich, als die Verbreitung von Videorekordern und Pornovideokassetten es dem Publikum ermöglichte, Sexfilme zu Hause anzusehen. Anfang der 1970er-Jahre wurde das englischsprachige Publikum zunehmend auf das neue westdeutsche Kino aufmerksam, dessen führende Vertreter Werner Herzog , Rainer Werner Fassbinder und Wim Wenders waren.

In den 1970er Jahren erlebten Martial-Arts-Filme weltweit einen dramatischen Popularitätsanstieg , maßgeblich dank Bruce Lees Neuerfindung des Genres . Er wandte sich vom künstlerischen Stil traditioneller chinesischer Martial-Arts -Filme ab und verlieh ihnen mit seinem Jeet-Kune-Do -Stil einen deutlich höheren Realismus . Den Anfang machte „The Big Boss“ (1971), der in ganz Asien ein Riesenerfolg war . Im Westen erlangte er jedoch erst kurz nach seinem Tod 1973 mit dem Kinostart von „Enter the Dragon“ Berühmtheit . Der Film avancierte zum erfolgreichsten Martial-Arts-Film der Kinogeschichte, popularisierte das Genre weltweit und festigte Bruce Lees Status als Kulturikone. Gleichzeitig befand sich das Hongkonger Actionkino aufgrund einer Welle von „ Bruceploitation “-Filmen im Niedergang. Dieser Trend fand schließlich 1978 mit den Martial-Arts-Komödien Snake in the Eagle's Shadow und Drunken Master, bei denen Yuen Woo-ping Regie führte und Jackie Chan die Hauptrolle spielte, sein Ende und legte den Grundstein für den Aufstieg des Hongkonger Actionkinos in den 1980er Jahren.

Während das Musical- Genre in Hollywood zu dieser Zeit bereits an Bedeutung verloren hatte, erfreuten sich Musicalfilme im indischen Kino rasch wachsender Beliebtheit . Der Begriff „ Bollywood “ wurde für die expandierende Hindi -Filmindustrie in Bombay (heute Mumbai) geprägt , die schließlich das südasiatische Kino dominierte und die von Kritikern hochgelobte bengalische Filmindustrie an Popularität überholte. Hindi-Filmemacher kombinierten die Hollywood-Musicalformel mit den Konventionen des alten indischen Theaters und schufen so ein neues Filmgenre namens „ Masala “, das das indische Kino im späten 20. Jahrhundert prägte. ^{[ 138 ]} Diese „Masala“-Filme vereinten Action, Komödie, Drama , Romantik und Melodram , angereichert mit typischen Bollywood -Gesangs- und Tanzeinlagen. Dieser Trend begann mit Filmen von Manmohan Desai mit Amitabh Bachchan in der Hauptrolle , der bis heute einer der beliebtesten Filmstars Südasiens ist. Der beliebteste indische Film aller Zeiten war Sholay (1975), ein „Masala“-Film, der von einem realen Banditen sowie von Kurosawas Sieben Samurai und den Spaghetti-Western inspiriert wurde .

Zum Ende des Jahrzehnts erlebte das australische Kino seine erste große internationale Vermarktung: Peter Weirs Filme „Picknick am Hanging Rock“ und „Die letzte Welle“ sowie Fred Schepisis „ Der Gesang des Jimmie Blacksmith“ ernteten Kritikerlob. 1979 erregte auch der australische Filmemacher George Miller mit seinem brutalen Low-Budget-Actionfilm „Mad Max“ internationales Aufsehen .

In den 1980er Jahren begannen immer mehr Zuschauer, Filme auf ihren Heimvideorekordern anzusehen . Zu Beginn des Jahrzehnts versuchten die Filmstudios , den Besitz von Videorekordern für Privathaushalte gerichtlich zu verbieten, da dies als Urheberrechtsverletzung gewertet wurde. Dieser Versuch blieb jedoch erfolglos. Schließlich entwickelte sich der Verkauf und Verleih von Filmen auf Video zu einem wichtigen zweiten Vertriebskanal und einer zusätzlichen Einnahmequelle für die Filmindustrie. Direktvertriebe auf Video (Nischenmärkte) boten in der Regel qualitativ minderwertige, billig produzierte Filme an, die für das breite Publikum von Fernseh- und Kinoveröffentlichungen als wenig geeignet galten.

Das Duo Lucas - Spielberg dominierte das Hollywood-Kino der 1980er-Jahre und zog zahlreiche Nachahmer nach sich. Zwei Fortsetzungen von Star Wars , drei von Der weiße Hai und drei Indiana-Jones -Filme trugen dazu bei, dass Sequels erfolgreicher Filme zur Selbstverständlichkeit wurden. Lucas gründete 1982 außerdem THX Ltd. , eine Tochtergesellschaft von Lucasfilm , ^{[ 139 ]} während Spielberg im selben Jahr mit E.T. – Der Außerirdische einen der größten Erfolge des Jahrzehnts feierte . Ebenfalls 1982 erschien Disneys Tron , einer der ersten Filme eines großen Studios, der Computergrafiken umfassend einsetzte. Das amerikanische Independent-Kino hatte in diesem Jahrzehnt mit größeren Schwierigkeiten zu kämpfen, obwohl Martin Scorseses Filme Wie ein wilder Stier (1980), After Hours (1985) und The King of Comedy (1983) ihn als einen der von der Kritik am meisten gefeierten amerikanischen Filmemacher seiner Zeit etablierten. Ebenfalls 1983 erschien Scarface , der ein großer Erfolg wurde und Hauptdarsteller Al Pacino zu noch größerem Ruhm verhalf . In Tim Burtons Version von Bob Kanes Batman aus dem Jahr 1989 verkörperte Jack Nicholson den wahnsinnigen Joker , was ihm inklusive seines Anteils am Bruttoeinkommen 60 bis 90 Millionen Dollar einbrachte. ^{[ 140 ]}

Das britische Kino erlebte Anfang der 1980er-Jahre durch die Gründung von David Puttnams Produktionsfirma Goldcrest Films einen Aufschwung . Filme wie „Die Stunde des Siegers“ , „Gandhi“ , „The Killing Fields“ und „Zimmer mit Aussicht “ sprachen ein eher anspruchsloses Publikum an, das von den großen Hollywood-Studios zunehmend vernachlässigt wurde. Während die Filme der 1970er-Jahre maßgeblich zur Definition des modernen Blockbusters beigetragen hatten , veränderte sich nun die Art und Weise, wie Hollywood seine Filme veröffentlichte. Filme feierten größtenteils in einer größeren Anzahl von Kinos Premiere, obwohl bis heute einige Filme weiterhin über das System der Roadshow-Veröffentlichungen starten . Entgegen mancher Erwartungen ermöglichte der Aufstieg der Multiplex-Kinos nicht die Vorführung weniger bekannter Filme, sondern lediglich eine noch größere Anzahl von Vorführungen für die großen Blockbuster. Filme, die im Kino übersehen worden waren, erhielten jedoch zunehmend eine zweite Chance auf dem Heimvideomarkt.

In den 1980er Jahren erlebte das japanische Kino eine Renaissance, vor allem dank des Erfolgs von Anime- Filmen. Anfang der 1980er Jahre wurden Space Battleship Yamato (1973) und Mobile Suit Gundam (1979), die beide als Fernsehserien keinen Erfolg hatten, als Filme neu verfilmt und feierten in Japan große Erfolge. Insbesondere Mobile Suit Gundam begründete das Gundam -Franchise, ein Mecha- Anime mit realistischen Robotern . Auch der Erfolg von Macross: Do You Remember Love? führte zu einem Macross- Franchise im Mecha-Anime-Genre. In diesem Jahrzehnt wurde auch Studio Ghibli gegründet. Das Studio produzierte Hayao Miyazakis erste Fantasyfilme , Nausicaä aus dem Tal der Winde (1984) und Das Schloss im Himmel (1986), sowie Isao Takahatas Die letzten Glühwürmchen (1988), die allesamt in Japan sehr erfolgreich waren und weltweit von der Kritik gefeiert wurden. Auch Original Video Animation (OVA)-Filme entstanden in diesem Jahrzehnt. Der einflussreichste dieser frühen OVA-Filme war Noboru Ishiguros Cyberpunk - Film Megazone 23 (1985). Der bekannteste Anime-Film dieses Jahrzehnts war Katsuhiro Otomos Cyberpunk-Film Akira (1988), der zwar zunächst in japanischen Kinos keinen Erfolg hatte, später aber international ein großer Erfolg wurde.

Das Hongkonger Actionkino , das nach Bruce Lees Tod aufgrund unzähliger Bruceploitation -Filme in einer Krise steckte , erlebte in den 1980er Jahren eine Renaissance, maßgeblich dank Jackie Chans Neuerfindung des Actionfilm-Genres . Bereits 1978 hatte er in den Filmen „Snake in the Eagle's Shadow“ und „Drunken Master“ erfolgreich Komödie und Martial-Arts-Film miteinander verbunden . Sein nächster Schritt bestand darin, dieses Genre mit aufwendigen und gefährlichen Stunts zu verknüpfen , die an die Stummfilmzeit erinnerten. Der erste Film dieser neuen Art war „ Project A“ (1983), in dem das Jackie-Chan-Stuntteam sowie die „Drei Brüder“ (Chan, Sammo Hung und Yuen Biao ) gegründet wurden . Der Film ergänzte die Kämpfe um aufwendige und gefährliche Stunts und Slapstick- Humor und wurde in ganz Fernost ein Riesenerfolg. Infolgedessen setzte Chan diesen Trend mit Martial-Arts-Actionfilmen fort, die noch aufwendigere und gefährlichere Stunts enthielten, darunter „ Wheels on Meals “ (1984), „Police Story“ (1985), „ Armour of God“ (1986), „ Project A Part II “ (1987), „Police Story 2“ (1988) und „Dragons Forever “ (1988). Weitere neue Trends, die in den 1980er-Jahren aufkamen, waren das Subgenre der „ Girls with Guns “, mit dem Michelle Yeoh Berühmtheit erlangte, und insbesondere das Genre des „ Heroic Bloodshed “, das sich um Triaden drehte und maßgeblich von John Woo geprägt wurde. Chow Yun-fat wurde durch dieses Genre bekannt. Diese Hongkong-Actiontrends wurden später in den 1990er- und 2000er-Jahren von vielen Hollywood-Actionfilmen übernommen.

Anfang der 1990er-Jahre entwickelte sich in den USA ein kommerziell erfolgreiches Independent-Kino. Obwohl der Kinomarkt zunehmend von Spezialeffektfilmen wie Terminator 2: Tag der Abrechnung (1991), Jurassic Park (1993) und Titanic (1997) dominiert wurde – letzterer war bis zum Erscheinen von Avatar (2009), ebenfalls unter der Regie von James Cameron, der bis dahin erfolgreichste Film aller Zeiten –, feierten Independent-Filme wie Steven Soderberghs Sex , Lügen und Video (1989) und Quentin Tarantinos Reservoir Dogs (1992) sowohl im Kino als auch auf Video beachtliche Erfolge.

Die Filmemacher der dänischen Filmbewegung Dogma 95 stellten ein Manifest vor, das die Filmkunst reformieren sollte. Ihre ersten Filme ernteten weltweite Anerkennung, danach verlor die Bewegung allmählich an Bedeutung.

Scorseses Goodfellas erschien 1990. Er gilt vielen als einer der größten Filme aller Zeiten, insbesondere im Gangstergenre. Man sagt, er sei der Höhepunkt von Scorseses Karriere.

Große amerikanische Studios begannen, eigene , unabhängige Produktionsfirmen zu gründen , um Filme abseits des Mainstreams zu finanzieren und zu produzieren. Miramax Films , eine der erfolgreichsten unabhängigen Produktionsfirmen der 1990er-Jahre, wurde ein Jahr vor dem Kinostart von Tarantinos Kassenschlager Pulp Fiction (1994) von Disney übernommen. Im selben Jahr begann der Online-Vertrieb von Filmen und Videos. Auch Animationsfilme für Familien erlebten ein Comeback, darunter Disneys Die Schöne und das Biest (1991), Aladdin (1992) und Der König der Löwen (1994). 1995 produzierte Pixar Animation Studios mit Toy Story den ersten abendfüllenden computeranimierten Film, der von Disney veröffentlicht wurde. Nach dem Erfolg von Toy Story entwickelte sich die Computeranimation zur dominierenden Technik für abendfüllende Animationsfilme. Dies ermöglichte es konkurrierenden Filmstudios wie DreamWorks , 20th Century Fox und Warner Bros., mit eigenen erfolgreichen Filmen effektiv mit Disney zu konkurrieren. Ende der 1990er-Jahre begann ein weiterer Wandel in der Filmbranche: der Übergang von physischem Filmmaterial zur digitalen Kinotechnik. Gleichzeitig etablierten sich DVDs als neuer Standard für Verbrauchervideos und lösten VHS-Kassetten ab.

Seit Ende der 2000er-Jahre ermöglichten Streaming- Plattformen wie YouTube jedem mit Internetzugang und Kamera (Standardausstattung von Smartphones ), Videos weltweit zu veröffentlichen. Angesichts der zunehmenden Beliebtheit von Videospielen und anderen Formen der Heimunterhaltung begann die Filmindustrie erneut, Kinofilme attraktiver zu gestalten, wobei neue 3D-Technologien und epische Filme (Fantasy und Superhelden) zu einem festen Bestandteil des Kinoprogramms wurden.

Der Dokumentarfilm etablierte sich mit Erfolgen wie „ Die Reise der Pinguine“ und Michael Moores „ Bowling for Columbine“ und „Fahrenheit 9/11“ erstmals als kommerzielles Genre. Mit Martin Kunerts und Eric Manes ’ „Voices of Iraq“ wurde ein neues Genre geschaffen : 150 preiswerte DV-Kameras wurden im Irak verteilt und machten so die Bevölkerung zu Filmemachern. Der Erfolg von „Gladiator“ führte zu einem erneuten Interesse am Monumentalfilm , und „Moulin Rouge!“ belebte das Musicalkino neu . Heimkinosysteme wurden immer ausgefeilter, ebenso wie die speziell dafür entwickelten DVD-Sondereditionen. Die „Herr der Ringe“-Trilogie erschien auf DVD sowohl in der Kinofassung als auch in einer erweiterten Version exklusiv für das Heimkino.

Im Jahr 2001 begann die Harry-Potter -Filmreihe , und bis zu ihrem Ende im Jahr 2011 war sie die umsatzstärkste Filmreihe aller Zeiten, bis sie 2015 vom Marvel Cinematic Universe überholt wurde.

Dank Fortschritten in der Filmprojektionstechnik konnten Spielfilme nun gleichzeitig in IMAX- Kinos gezeigt werden. Den Anfang machte 2002 Disneys Animationsfilm „ Der Schatzplanet“ , gefolgt von „Matrix Revolutions“ (2003) und der Wiederaufführung von „Matrix Reloaded“ . Später im selben Jahrzehnt war „The Dark Knight“ der erste große Spielfilm, der zumindest teilweise in IMAX-Technik gedreht wurde.

In diesem Jahrzehnt hat die Globalisierung des Kinos zunehmend zugenommen, wobei fremdsprachige Filme in englischsprachigen Märkten immer beliebter werden. Beispiele hierfür sind „Tiger & Dragon“ (Mandarin), „Die fabelhafte Welt der Amélie“ (Französisch), „ Lagaan “ (Hindi), „ Chihiros Reise ins Zauberland“ (Japanisch), „ City of God“ (Brasilianisches Portugiesisch), „ Die Passion Christi“ (Aramäisch), „Apocalypto“ (Maya) und „Inglourious Basterds“ (in mehreren europäischen Sprachen). Italien ist mit 14 gewonnenen Oscars, 3 Sonderpreisen und 31 Nominierungen das Land mit den meisten Auszeichnungen beim Oscar für den besten fremdsprachigen Film .

Im Jahr 2003 erlebte der 3D-Film eine Renaissance. Den Auftakt machte James Camerons „Ghosts of the Abyss“ , der als erster abendfüllender 3D-IMAX-Film mit dem Reality Camera System gedreht wurde . Dieses Kamerasystem nutzte modernste HD-Videokameras anstelle von Film und wurde von dem Emmy-nominierten Kameramann Vince Pace nach Camerons Vorgaben entwickelt. Dasselbe Kamerasystem kam auch bei den Filmen „ Spy Kids 3D: Game Over“ (2003), „ Aliens of the Deep IMAX“ (2005) und „ Die Abenteuer von Sharkboy und Lavagirl in 3D“ (2005) zum Einsatz.

Nachdem James Camerons 3D-Film Avatar zum erfolgreichsten Film aller Zeiten avancierte, erlebten 3D-Filme einen Popularitätsschub, und viele nachfolgende Filme wurden in 3D veröffentlicht. Zu den kommerziell erfolgreichsten und von der Kritik am besten aufgenommenen Beispielen zählen Animationsfilme wie „ Ich – Einfach unverbesserlich “ von Universal Pictures / Illumination Entertainment und „Drachenzähmen leicht gemacht“ , „Für immer Shrek“ und „Megamind“ von DreamWorks Animation . Avatar ist außerdem für den Einsatz von Motion-Capture-Technologie und seinen Einfluss auf spätere Filme wie „Planet der Affen: Prevolution“ bekannt . ^{[ 141 ]}

Im Jahr 2011 waren die größten Filmindustrien gemessen an der Anzahl der produzierten Spielfilme die von Indien, den USA, China, Nigeria und Japan. ^{[ 142 ]} In Hollywood erfreuten sich Superheldenfilme enormer Beliebtheit und erzielten hohe finanzielle Erfolge; jährlich erschienen Filme basierend auf Marvel- und DC-Comics . ^{[ 143 ]} Das Superhelden-Genre war das umsatzstärkste an den amerikanischen Kinokassen .

Die Liste der umsatzstärksten Filme wurde von Disney dominiert , wobei 2019 die meisten Filme unter den Top 50 vertreten waren. Der Superheldenfilm „ Avengers: Endgame“ aus dem Jahr 2019 war der erfolgreichste Film aller Zeiten an den Kinokassen. Zu den weiteren Kassenschlagern zählten „Star Wars: Das Erwachen der Macht“ , „Avengers: Infinity War “ und „Jurassic World“ . Disney-Produktionen waren in der zweiten Hälfte des Jahrzehnts regelmäßig die umsatzstärksten Filme des Jahres, darunter Titel wie „Toy Story 3“ , „The Avengers “ und „Die Eiskönigin – Völlig unverfroren“ . Disneys Erfolg gipfelte in der Übernahme von 21st Century Fox durch Disney .

Große Filmstudios versuchten, den Erfolg von Disneys Marvel Cinematic Universe mit eigenen Franchises nachzuahmen. Warner Bros. schuf Franchises wie das DC Extended Universe . Disney produzierte Realverfilmungen oder fotorealistische Neuverfilmungen seiner klassischen Zeichentrickfilme wie Aladdin und Der König der Löwen . Filmreihen, die auf Jugendromanen basierten, wurden populär und wandelten sich von Fantasy zu dystopischer Science-Fiction. Zu den bekanntesten Reihen gehörte Die Tribute von Panem .

Die Legende der Prinzessin Kaguya , Sommer 1993 , Leave No Trace und Minding the Gap erreichten auf Rotten Tomatoes eine Bewertung von 100 % . Zu den weiteren gefeierten Filmen zählten Mad Max: Fury Road , The Social Network und Get Out . Filme wie Porträt einer jungen Frau in Flammen , The Tree of Life , Moonlight und Parasite wurden in Kritikerumfragen häufig zu den besten Filmen der 2010er-Jahre gewählt. 2010 gewann die erste Frau in der Geschichte der Filmbranche den Oscar für die Beste Regie. Katherine Bigelows The Hurt Locker wurde mit sechs Oscars ausgezeichnet. ^{[ 144 ]} 2020 gewann Parasite als erster nicht-englischsprachiger Film den Oscar für den Besten Film .

Die COVID-19-Pandemie führte aufgrund von Lockdowns zur Schließung von Kinos weltweit. Viele Filme, deren Veröffentlichung für Anfang der 2020er-Jahre geplant war, wurden verschoben, andere wurden ohne oder mit nur kurzer Kinoauswertung direkt auf Streaming-Plattformen veröffentlicht . In dieser Zeit erlebten wir einen tiefgreifenden Wandel in der globalen Filmproduktion, im Vertrieb und im Konsum. Die Pandemie beschleunigte den Trend hin zum Streaming als primärem Vertriebsweg für Filme rasant. ^{[ 145 ]} Die Filmindustrie passte sich an und produzierte bemerkenswerte Werke, die die veränderten Dynamiken dieser Zeit widerspiegelten.

• Kino: Von 1890 bis heute
• Was ist eine Camera Obscura?
• Eine Einführung in das frühe Kino
• Ursprünge des Dokumentarfilms
• Geschichte der Filmformate
• Filmtongeschichte auf FilmSound.org
• Liste der frühen Tonfilme 1894–1929 auf der Website Silent Era
• Frühe Geschichte des Breitbildfilms – American Cinematographer, Januar 1930
• Geschichte der Hollywood-Filme
• Technicolor-Geschichte
• Eine kurze, frühe Geschichte der Computergrafik im Film
• Die Geschichte der Entdeckung der Kinematographie (Archiviert am 05.10.2020 in der Wayback Machine) – Eine illustrierte Chronologie von Paul Burns