Musikunterricht

Musikunterricht ist eine Form des formalen Unterrichts im Erlernen eines Musikinstruments oder im Gesang. Typischerweise trifft sich ein Schüler, der Musikunterricht nimmt, mit einem Musiklehrer zu Einzelstunden von 30 Minuten bis zu einer Stunde Dauer, die sich über Wochen oder Jahre erstrecken. Je nach Unterrichtsinhalt erlernen die Schüler verschiedene Fertigkeiten, die für das jeweilige Instrument relevant sind. Musiklehrer geben außerdem technische Übungen, Musikstücke und andere Aktivitäten auf, um die musikalischen Fähigkeiten der Schüler zu verbessern. Während die meisten Musikstunden als Einzelunterricht (Privatunterricht) stattfinden, unterrichten einige Lehrer auch Gruppen von zwei bis vier Schülern (Semi-Privatunterricht). Für sehr grundlegende Kenntnisse werden manche Instrumente, wie Klavier und Akustikgitarre, in größeren Gruppen unterrichtet. Dank der weit verbreiteten Verfügbarkeit von schnellem Internet mit geringer Latenz können Privatstunden auch per Live-Video-Chat mit Webcams , Mikrofonen und Videotelefonie online stattfinden.

Musikunterricht ist sowohl Bestandteil der musikalischen Freizeitgestaltung als auch der professionellen Ausbildung. Im Amateur- und Freizeitbereich nehmen Kinder und Erwachsene Musikunterricht, um ihre Gesangs- oder Instrumentalfähigkeiten zu verbessern und grundlegende bis fortgeschrittene Techniken zu erlernen. In der professionellen Ausbildung, beispielsweise an Musikhochschulen oder Universitäten mit Musikstudiengängen (z. B. Bachelor of Music , Master of Music , Doktor der Musik usw.), erhalten Studierende, die eine Karriere als professionelle Musiker anstreben, über mehrere Jahre hinweg wöchentlich mindestens eine Stunde Unterricht bei einem Musikprofessor, um fortgeschrittene Spiel- oder Gesangstechniken zu erlernen. ^{[ 1 ]} Viele Instrumentalisten und Sänger, darunter auch einige Popstars, haben Musik „ nach Gehör “ gelernt, insbesondere in Folk- Stilen wie Blues und Pop-Stilen wie Rock. Dennoch haben auch in diesen Genres viele Künstler irgendeine Form von Musikunterricht erhalten, beispielsweise Gesangsunterricht oder Klavierunterricht in der Kindheit.

Im Gesangsunterricht zeigen Lehrer den Schülern, wie sie sitzen oder stehen und atmen sollen und wie sie Kopf und Mund für einen guten Klang positionieren. Im Instrumentalunterricht zeigen Lehrer den Schülern, wie sie mit dem Instrument sitzen oder stehen, wie sie es halten und wie sie Finger und andere Körperteile einsetzen, um Töne zu erzeugen. Bei Blasinstrumenten zeigt der Lehrer den Schülern, wie sie Lippen, Zunge und Atem zur Klangerzeugung nutzen. Bei manchen Instrumenten trainieren Lehrer auch den Fußeinsatz, wie beispielsweise beim Klavier oder anderen Tasteninstrumenten mit Dämpfer- oder Haltepedal, der Orgelpedaltastatur und einigen Trommeln und Becken des Schlagzeugs, wie dem Bassdrum- und dem Hi-Hat-Pedal. Neben der Vermittlung von Fingersätzen bieten Lehrer auch andere Unterrichtsarten an. Ein klassischer Gitarrist lernt beispielsweise, Saiten zu zupfen und zu schlagen; Spieler von Blasinstrumenten lernen Atemkontrolle und Ansatz , und Sänger lernen, wie sie ihre Stimmbänder optimal nutzen können, ohne Kehle oder Stimmbänder zu verletzen.

Lehrer weisen Schüler auch in die korrekte Körperhaltung ein, um möglichst effizient zu spielen und Verletzungen vorzubeugen. Bei allen Instrumenten erzielt man den gewünschten Effekt, indem man mit möglichst wenig Anspannung in Händen und Körper spielt. So werden Fehlhaltungen vermieden, die zu Verletzungen des Skeletts und der Muskulatur führen können. Beim Klavierspielen beispielsweise erlernt der Schüler die Fingersetzung – welche Finger auf welche Tasten gehören – mit der Zeit. Es gibt viele Standardtechniken, die ein Lehrer vermitteln kann.

Es gibt viele Mythen und Missverständnisse unter Musiklehrern, insbesondere in der westlichen klassischen Tradition, über „gute“ und „schlechte“ Körperhaltung. Schüler, die beim Spielen ihres Instruments körperliche Schmerzen haben, sollten dies ihren Lehrern mitteilen. Es kann ein potenziell ernstes Gesundheitsrisiko darstellen, wird aber beim Erlernen eines Instruments oft übersehen. Zu lernen, den eigenen Körper so zu benutzen, wie es die Anatomie vorgibt, kann den Unterschied zwischen einer schweren Verletzung und lebenslanger Freude am Musizieren ausmachen. Viele Musiklehrer warnen Schüler davor, die Aussage „Ohne Fleiß kein Preis“ als akzeptable Antwort ihres Lehrers auf Beschwerden über körperliche Schmerzen zu akzeptieren. Bedenken hinsichtlich belastungsbedingter Verletzungen und der Ergonomie beim Musizieren haben in den letzten Jahren zunehmend an Bedeutung gewonnen. Musiker wenden sich vermehrt an Mediziner, Physiotherapeuten und spezialisierte Techniken, um Schmerzen zu lindern und schweren Verletzungen vorzubeugen. Es gibt eine Vielzahl spezieller Techniken für eine noch größere Vielfalt potenzieller Schwierigkeiten. Die Alexander-Technik ist nur ein Beispiel für diese spezialisierten Ansätze.

Um Musik vollständig zu verstehen, muss der Schüler die Grundlagen der Musiktheorie erlernen . Neben der Notenschrift lernen sie rhythmische Techniken wie Tempokontrolle und das Erkennen von Taktarten sowie die Harmonielehre , einschließlich Akkorden und Tonarten . Zusätzlich zur Theorie legt ein guter Lehrer Wert auf Musikalität , also darauf, wie man Musik gut klingen lässt. Dazu gehört, einen schönen, angenehmen Ton zu erzeugen, musikalische Phrasierung anzuwenden und die Dynamik (Lautstärke und Leise) einzusetzen, um dem Stück oder Lied mehr Ausdruck zu verleihen.

Die meisten Musikstunden beinhalten auch eine Einführung in die Geschichte der jeweiligen Musikrichtung. Im Unterricht westlicher klassischer Musik widmen Musiklehrer oft den verschiedenen Epochen der westlichen klassischen Musik, wie Barock , Klassik , Romantik und Moderne , da jede Epoche mit unterschiedlichen Musikstilen und Aufführungstechniken verbunden ist . Instrumentalmusik aus dem Barock wird auch heute noch häufig als Übungsstück für Klavier-, Streich- und Bläserschüler eingesetzt. Versuchen Schüler lediglich, diese Barockstücke nach Noten zu spielen, erreichen sie möglicherweise nicht die richtige Interpretation. Sobald ein Schüler jedoch versteht, dass die meisten barocken Instrumentalstücke mit Tänzen wie Gavotte und Sarabande verbunden waren und Tastenmusik aus dieser Zeit auf Cembalo oder Orgel gespielt wurde, kann er besser nachvollziehen, wie das Stück gespielt werden sollte. Wenn beispielsweise einem Cellisten eine Gavotte zugeteilt wird, die ursprünglich für Cembalo geschrieben wurde, erhält er dadurch Einblicke in die Spielweise des Stücks. Da es sich um einen Tanz handelt, sollte er einen regelmäßigen, klaren Puls haben und nicht das für die Romantik typische wechselnde Tempo rubato . Da die Gavotte ursprünglich für das Cembalo geschrieben wurde, ein leicht klingendes Tasteninstrument, dessen Saiten mit Federkielen gezupft werden, deutet dies darauf hin, dass die Noten eher leicht und mit Pausen zwischen den einzelnen Noten gespielt werden sollten, anstatt in einem vollen, langgezogenen Legato .

Obwohl nicht allgemein anerkannt, üben viele Lehrer mit ihren Schülern das wiederholte Spielen bestimmter Muster wie Tonleitern , Arpeggien und Rhythmen . Tonleitern werden häufig gelehrt, da sie die Grundlage der Melodie in der westlichen Kunstmusik bilden. Zusätzlich gibt es Flexibilitätsübungen, die das Spielen des Instruments erleichtern. Schlaginstrumente verwenden Rudiments, die die Entwicklung von Schlagtechniken, Wirbeln und anderen Nuancen wie Flams und Drags fördern.

Es gibt Übungsreihen für Klavier, die die Verbindung zwischen dem vierten und fünften Finger stärken und so deren Unabhängigkeit fördern. Blechbläser üben Lippenbindungen , also unartikulierte Ansatzveränderungen zwischen den Teiltönen . Holzbläser (Saxophon, Klarinette und Flöte) verfügen über eine Vielzahl von Übungen zur Verbesserung der Zungentechnik, der Fingerfertigkeit und der Klangentwicklung. Ganze Etüdenbücher wurden eigens für diesen Zweck verfasst.

Lehrer geben ihren Schülern in der Regel Stücke (oder Lieder für Gesangsschüler) mit langsam steigendem Schwierigkeitsgrad. Dazu gehören Etüden , Solostücke oder Kammermusik . Neben dem Vermitteln musikalischer Grundlagen (Rhythmus, Harmonie, Tonhöhe usw.) und der Elemente eines guten Spiel- (oder Gesangs-)Stils fördert ein guter Lehrer auch immaterielle Qualitäten wie Ausdruckskraft und Musikalität. Stücke (oder Lieder) können Schülern mehr Freude bereiten als Theorie oder Tonleiterübungen, und das Erlernen neuer Stücke ist meist notwendig, um die Motivation der Schüler aufrechtzuerhalten. Der Lehrer sollte jedoch dem Wunsch der Schüler nach „Spaßstücken“ nicht zu sehr nachgeben. Oft verstehen Schüler unter Spaßmusik populäre Gesangsstücke, Filmmusik, Titelmelodien von Fernsehserien usw. Obwohl einige dieser „Spaßstücke“ aufgeführt werden können, sollten Stücke auch aus pädagogischen Gründen ausgewählt werden, z. B. um die Schüler herauszufordern und ihre Fähigkeiten zu verbessern. Darüber hinaus müssen Schüler, um ein umfassendes musikalisches Wissen zu erwerben, viele verschiedene Musikrichtungen von Komponisten und Liedermachern aus unterschiedlichen Epochen spielen, von der Renaissance bis hin zu Werken des 20. und 21. Jahrhunderts. Ein abwechslungsreiches Repertoire fördert das musikalische Verständnis und die Fähigkeiten der Schüler.

Ein gängiges Fortschrittsmaß, insbesondere für Kinder, ist die externe Leistungsbeurteilung durch regelmäßige Prüfungen . Verschiedene Prüfungsinstitutionen bewerten Schüler in Musiktheorie und -praxis. Solche Prüfungen werden für nahezu jedes Instrument angeboten. Eine verbreitete Methode zur Fortschrittsmessung sind gestaffelte Prüfungen – beispielsweise von Stufe 1 (Anfänger) bis Stufe 8 (bereit für ein Musikstudium). Manche Lehrer bevorzugen andere Methoden der Zielsetzung. Am häufigsten wird das Schülerkonzert eingesetzt, das Bühnenerfahrung und ein gewisses Maß an Druck bietet, ohne direkte Kritik oder ein willkürliches Bewertungssystem. Eine weitere Möglichkeit ist das abgestufte Buchsystem der Suzuki-Methode , bei dem der Abschluss jedes Buches gefeiert wird, ohne dass die Schüler benotet oder in eine Rangliste eingeordnet werden.

Einige Studien legen nahe, dass Musikunterricht Kindern wichtige Entwicklungsvorteile bietet, die über das bloße Erlernen von Instrumentalkenntnissen hinausgehen. Forschungsergebnisse deuten darauf hin, dass Musikunterricht die Intelligenz und schulischen Leistungen steigern, das Selbstwertgefühl stärken und die Disziplin verbessern kann. Eine aktuelle Studie der Rockefeller Foundation ergab, dass Musikstudenten die höchste Zulassungsquote an medizinischen Fakultäten aufweisen, gefolgt von Biochemie und Geisteswissenschaften. Bei den SAT- Tests lagen die nationalen Durchschnittswerte bei 427 Punkten im verbalen und 476 Punkten im mathematischen Teil. Gleichzeitig erzielten Musikstudenten durchschnittlich 465 Punkte im verbalen und 497 Punkte im mathematischen Teil – 38 bzw. 21 Punkte höher. Die beobachtete Korrelation zwischen musikalischer und mathematischer Begabung könnte jedoch eher angeboren als erworben sein. Darüber hinaus ist es möglich, dass die Korrelation zwischen Musikunterricht und schulischen Leistungen darauf zurückzuführen ist, dass beides stark mit dem Einkommen und der Bildung der Eltern korreliert. Selbst wenn Musikunterricht keinen Einfluss auf die schulischen Leistungen hätte, wäre eine Korrelation zwischen Musikunterricht und schulischen Leistungen zu erwarten. Ein Artikel auf Inc.com mit dem Titel „Die Vorteile des Musizierens: Es hilft Ihrem Gehirn mehr als jede andere Aktivität“ besagt, dass Studien zeigen, dass das Erlernen eines Musikinstruments die Kapazität neuronaler Zellkörper in zahlreichen Hirnregionen erweitert. ^{[ 2 ]} Es stärkt zudem die Verbindungen zwischen diesen Regionen. Weitere Forschungsergebnisse belegen, dass Musikpädagogik das verbale Gedächtnis , das räumliche Vorstellungsvermögen und die Lese- und Schreibfähigkeit verbessern kann.

Die im Rahmen der musikalischen Betätigung erworbenen Fähigkeiten können sich auf Lern- , Kommunikations- und kognitive Fähigkeiten übertragen lassen, die in allen Bereichen der schulischen Laufbahn eines Kindes von Nutzen sind. Eine umfassende Studie der Harvard University fand Hinweise darauf, dass sich das räumlich-zeitliche Denken verbessert, wenn Kinder musizieren lernen, und dass sich diese Art des Denkens vorübergehend verbessert, wenn Erwachsene bestimmte Musikrichtungen, darunter Mozart, hören. ^{[ 3 ]} Dieser Befund ( der sogenannte Mozart-Effekt ) legt nahe, dass Musik und räumliches Denken psychologisch (d. h., sie beruhen möglicherweise auf denselben zugrundeliegenden Fähigkeiten) und vielleicht auch neurologisch miteinander verbunden sind. Allerdings gab es diesbezüglich erhebliche Kontroversen, da spätere Forscher die ursprünglichen Ergebnisse von Rauscher nicht reproduzieren konnten (z. B. Steele, Bass & Crook, 1999), sowohl die Theorie als auch die Methodik der Originalstudie in Frage stellten (Fudis & Lembesis, 2004) und vermuteten, dass die positiven Effekte von Musik in Experimenten lediglich auf ein erhöhtes Erregungsniveau zurückzuführen seien (Thompson, Schellenberg & Husain, 2001).

Ein Zusammenhang zwischen Musik und der Stärkung von Fähigkeiten in Mathematik , Tanz, Lesen , kreativem Denken und bildender Kunst wurde auch in der Literatur beschrieben (Winner, Hetland, Sanni, zitiert in: The Arts and Academic Achievement – ​​What the Evidence Shows , 2000). Jüngste Forschungsergebnisse von Dr. Levitin von der McGill University in Montreal, Kanada, stellen jedoch den vermuteten Zusammenhang zwischen musikalischer Begabung und höheren mathematischen Fähigkeiten infrage. In einer Studie mit Patienten mit Williams-Syndrom (einer genetischen Störung, die zu geringer Intelligenz führt) fand er heraus, dass diese trotz ihrer kindlichen Intelligenz über ein ungewöhnlich hohes Maß an musikalischer Begabung verfügten.

Die Pädagogik und der Unterricht im Musikunterricht (auch bekannt als Studio- oder angewandter Musikunterricht) sind vielfältigen Einflüssen und Aspekten unterworfen. Sowohl die Lehrmethoden als auch die Inhalte des Musikunterrichts müssen je nach Leistungsstand des Schülers, den Unterrichtszielen, dem Alter des Schülers und dem jeweiligen Unterrichtskontext angepasst werden. ^{[ 4 ]} Die zwischenmenschliche Beziehung zwischen Schüler und Lehrer ist ein weiteres wichtiges Element der Studio-Musikpädagogik. Weitere wichtige Faktoren für den Lernerfolg sind die Kommunikationsfähigkeit der Lehrkräfte, ihre didaktischen Fähigkeiten, die Unterrichtsorganisation und ihre Flexibilität bei der Anpassung des Unterrichts. ^{[ 5 ]} Manche Lehrkräfte betrachten auch die räumliche Nähe und die Atmosphäre als wichtige Aspekte des Musikunterrichts. ^{[ 6 ]}

Musiklehrer im Studiounterricht verfolgen oft unterschiedliche pädagogische Ansätze und Philosophien. Zwei grundlegende Unterrichtsphilosophien lassen sich in den Transfer- und den transformativen Ansatz unterteilen. Der Transferansatz ist primär leistungs- und ergebnisorientiert. Die wichtigsten Ziele des Unterrichts beschränken sich auf die technische Qualität der musikalischen Darbietung. Der transformative Ansatz hingegen wurzelt in der konstruktivistischen Pädagogik und befasst sich nicht nur mit Technik und musikalischer Ausführung, sondern auch mit individuellem Lernen und künstlerischen Prozessen. Diese beiden Ansätze zeigen, dass musikalische Technik nicht zwangsläufig das einzige Ziel des Musikunterrichts ist. ^{[ 7 ]}

Erfolgreiche Lehrkräfte agieren oft überlegt und verständlich, erläutern Übungsstrategien detailliert, berücksichtigen die emotionalen Bedürfnisse der Schüler und setzen hohe langfristige Leistungsziele. ^{[ 8 ]} Die individuellen Bedürfnisse, Stärken und Herausforderungen der Schüler können die Wahl der Lehrmethode beeinflussen. Leistungsstarke Schüler kommen möglicherweise gut mit unveränderten Strategien zurecht, während durchschnittliche Schüler von Anpassungen profitieren können. Beispielsweise kann eine Musiklehrerin, die sich auf einen bestimmten Aspekt der Musik konzentriert und in diesem Bereich Höchstleistungen anstrebt, vorübergehend ein niedrigeres Leistungsniveau in anderen, nicht mit dem Fokusziel zusammenhängenden Bereichen in Kauf nehmen.

Das Verständnis der Perspektiven ihrer Schüler hilft Musiklehrern, diese optimal zu unterstützen. Ein zentrales Anliegen jedes Musiklehrers ist die Motivation der Schüler für das langfristige Erlernen eines Instruments. Schülermotivation umfasst die Frage, wie Schüler jeden Alters den Wunsch entwickeln, ein Instrument zu lernen, wie und wie sehr sie das Lernen wertschätzen, was ihre Ausdauer und Lernintensität beeinflusst und wie sie Erfolg oder Misserfolg selbst einschätzen. Motivation ist eine Voraussetzung für die Entwicklung adaptiver Verhaltensweisen , die den Erfolg beim Erreichen persönlicher Ziele fördern. Relevant für die Motivation sind die Erwartungs-Wert-Theorie , Selbstwirksamkeitskonzepte , die Flow- Theorie, die Attributionstheorie und Lernmotivationsmuster . Auch das soziale Umfeld – Lehrer, Eltern und andere – beeinflusst das musikalische Lernen . ^{[ 9 ]}

Das Üben durch die Schüler ist ein weiterer wesentlicher Bestandteil des musikalischen Lernens im Musikunterricht. Das Üben findet oft unbeaufsichtigt und in der Regel außerhalb des Unterrichts statt. Lehrer konzentrieren sich häufig darauf, den Schülern Übungsmethoden beizubringen, wie z. B. das Steigern des Tempos eines Musikstücks von langsam zu schnell, die Analyse von Stücken, das Markieren oder Kommentieren der Musik, das Setzen von Übungszielen, das Üben in häufigeren, kürzeren Einheiten und die Verwendung eines Metronoms . Lehrer können Schüler durch das Vorführen von Übungsmethoden oder durch verbale Beschreibungen beeinflussen, wobei das Vorführen oft effektiver ist. ^{[ 10 ]}

Musikunterricht ist ein wichtiger Bestandteil sowohl des Musikstudiums als auch des Musikpädagogikstudiums an Hochschulen . Studierende beider Fachrichtungen können davon ausgehen, im Laufe ihrer musikalischen Karriere Musikunterricht zu geben. Sie profitieren von Kursen, in denen Unterrichtsmethoden vermittelt werden, die es den Studierenden ermöglichen, Unterrichtstechniken zu üben, sich selbst zu reflektieren und ihre Pädagogik zu verfeinern. ^{[ 4 ]}

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