Theater

Im Uhrzeigersinn, von links nach rechts:

• Sarah Bernhardt im Jahr 1899 als Hamlet in Shakespeares gleichnamiger Tragödie
• Die Figur Sun Wukong in der Peking-Oper aus der Reise nach Westen
• Eduardo De Filippo als Pulcinella , eine Figur aus der Commedia dell'arte
• Koothu , eine alte indische Form der darstellenden Kunst, die im frühen Tamilakam entstand

Theater ist eine gemeinschaftliche Form der darstellenden Kunst , bei der Live-Darsteller, meist ^Schauspieler , vor einem Live ^- Publikum an einem bestimmten Ort, oft einer Bühne , Erlebnisse eines realen oder imaginären Ereignisses präsentieren . Die Darsteller können diese Erfahrung dem Publikum durch eine Kombination aus ^Gestik , Sprache , Gesang , Musik und Tanz vermitteln .

Es handelt sich um die älteste Form des Dramas , obwohl neben dem Live-Theater mittlerweile auch moderne Aufzeichnungen existieren. Künstlerische Elemente wie gemalte Bühnenbilder und Bühnentechnik , beispielsweise die Beleuchtung , verstärken die Körperlichkeit, Präsenz und Unmittelbarkeit des Erlebnisses. ^{[ 1 ]} Orte, in der Regel Gebäude, an denen regelmäßig Aufführungen stattfinden, werden ebenfalls als „Theater“ bezeichnet. Der Begriff leitet sich vom altgriechischen θέατρον (théatron, „Ort zum Betrachten“) ab, das wiederum von θεάομαι (theáomai, „sehen“, „beobachten“) stammt.

Das moderne westliche Theater hat seinen Ursprung zu einem großen Teil im Theater des antiken Griechenlands , von dem es Fachbegriffe, die Einteilung in Genres sowie viele seiner Themen , stereotypen Figuren und Handlungselemente entlehnt hat. Der Theaterkünstler Patrice Pavis definiert Theatralität, Theatersprache , Bühnenschreibung und die Spezifik des Theaters als synonyme Ausdrücke, die das Theater von den anderen darstellenden Künsten , der Literatur und den Künsten im Allgemeinen unterscheiden. ^{[ 2 ] [ b ]}

Eine Theaterkompanie ist eine Organisation, die Theateraufführungen produziert ^{[ 3 ],} im Gegensatz zu einer Theatergruppe (oder Schauspieltruppe), die eine Gruppe von Theaterschauspielern ist, die zusammenarbeiten. ^{[ 4 ] [ 5 ]}

Das moderne Theater umfasst Aufführungen von Schauspielen und Musiktheater . Auch Ballett und Oper zählen zum Theater und bedienen sich vieler Konventionen wie Schauspielkunst , Kostüme und Bühnenbild. Sie hatten maßgeblichen Einfluss auf die Entwicklung des Musiktheaters.

Der Stadtstaat Athen gilt als Wiege des westlichen Theaters. ^{[ 7 ] [ 8 ] [ 9 ] [ c ]} Es war Teil einer umfassenderen Kultur der Theatralik und Aufführungspraxis im klassischen Griechenland , die Feste , religiöse Rituale , Politik , Recht , Sport und Gymnastik, Musik , Poesie , Hochzeiten, Beerdigungen und Symposien umfasste . ^{[ 10 ] [ 9 ] [ 11 ] [ 12 ] [ d ]}

Die Teilnahme an den zahlreichen Festen des Stadtstaates – insbesondere die obligatorische Anwesenheit bei den Dionysien als Zuschauer (oder sogar als Darsteller in den Theateraufführungen) – war ein wichtiger Bestandteil der Bürgerschaft . ^{[ 14 ]} Zur bürgerlichen Teilhabe gehörte auch die Beurteilung der Rhetorik von Rednern , wie sie in Gerichtsverhandlungen oder in der Volksversammlung zum Ausdruck kam . Beide wurden als analog zum Theater verstanden und übernahmen zunehmend dessen dramatisches Vokabular. ^{[ 15 ] [ 16 ]} Die Griechen entwickelten zudem die Konzepte der Dramenkritik und der Theaterarchitektur. ^{[ 17 ] [ 18 ] [ 19 ]} Die Schauspieler waren entweder Amateure oder bestenfalls Halbprofis. ^{[ 20 ]} Das Theater des antiken Griechenlands kannte drei Dramengattungen : Tragödie , Komödie und Satyrspiel . ^{[ 21 ]}

Die Ursprünge des Theaters im antiken Griechenland liegen laut Aristoteles (384–322 v. Chr.), dem ersten Theatertheoretiker, in den Festen zu Ehren des Dionysos . Die Aufführungen fanden in halbkreisförmigen, in Hügel gehauenen Auditorien statt, die 10.000 bis 20.000 Zuschauern Platz boten. Die Bühne bestand aus Tanzfläche (Orchester), Garderobe und Bühnenbaubereich (Skene). Da die Worte von größter Bedeutung waren, waren gute Akustik und deutliche Aussprache unerlässlich. Die Schauspieler (ausschließlich Männer) trugen Masken, die den von ihnen dargestellten Figuren entsprachen, und jeder konnte mehrere Rollen spielen. ^{[ 22 ]}

Die athenische Tragödie – die älteste erhaltene Form der Tragödie – ist eine Art Tanzdrama , das einen wichtigen Bestandteil der Theaterkultur des Stadtstaates bildete. ^{[ 7 ] [ 8 ] [ 9 ] [ 23 ] [ 24 ] [ e ]} Sie entstand im 6. Jahrhundert v. Chr., erlebte ihre Blütezeit im 5. Jahrhundert v. Chr. (von dessen Ende an verbreitete sie sich in der gesamten griechischen Welt) und blieb bis zum Beginn der hellenistischen Zeit populär . ^{[ 26 ] [ 27 ] [ 8 ] [ f ]}

Aus dem 6. Jahrhundert v. Chr. sind keine Tragödien erhalten, und von den über tausend, die im 5. Jahrhundert v. Chr. aufgeführt wurden, sind nur 32 überliefert. ^{[ 29 ] [ 30 ] [ g ]} Von Aischylos, Sophokles und Euripides sind vollständige Texte erhalten . ^{[ 31 ] [ h ]} Die Ursprünge der Tragödie liegen im Dunkeln, doch im 5. Jahrhundert v. Chr. war sie in Wettbewerben ( Agon ) institutionalisiert , die im Rahmen der Feste zu Ehren des Dionysos (des Gottes des Weines und der Fruchtbarkeit ) stattfanden. ^{[ 32 ] [ 33 ]} Als Teilnehmer der Dionysien (des prestigeträchtigsten Theaterfestivals) mussten die Dramatiker eine Tetralogie von Stücken vortragen (wobei die einzelnen Werke nicht unbedingt durch Handlung oder Thema verbunden sein mussten), die üblicherweise aus drei Tragödien und einem Satyrspiel bestand. ^{[ 34 ] [ 35 ] [ i ]} Die Aufführung von Tragödien bei den Dionysien in der Stadt begann möglicherweise bereits 534 v. Chr.; offizielle Aufzeichnungen ( didaskaliai ) beginnen ab 501 v. Chr., als das Satyrspiel eingeführt wurde. ^{[ 36 ] [ 34 ] [ j ]}

Die meisten athenischen Tragödien dramatisieren Ereignisse der griechischen Mythologie . Die „Perser “, die die persische Reaktion auf die Nachricht ihrer militärischen Niederlage in der Schlacht von Salamis 480 v. Chr. darstellt, bildet jedoch die bemerkenswerte Ausnahme unter den erhaltenen Dramen. ^{[ 34 ] [ k ]} Als Aischylos 472 v. Chr. bei den Dionysien in Athen den ersten Preis dafür gewann, schrieb er bereits seit über 25 Jahren Tragödien. Dennoch ist ihre tragische Auseinandersetzung mit der jüngeren Geschichte das früheste erhaltene Beispiel eines Dramas . ^{[ 34 ] [ 38 ]} Mehr als 130 Jahre später analysierte der Philosoph Aristoteles die athenische Tragödie des 5. Jahrhunderts v. Chr. in dem ältesten erhaltenen Werk zur Dramentheorie – seiner „Poetik“ ( ca. 335 v. Chr. ).

Die athenische Komödie wird üblicherweise in drei Epochen unterteilt: die „Alte Komödie“, die „Mittlere Komödie“ und die „Neue Komödie“. Die Alte Komödie ist heute hauptsächlich in den elf erhaltenen Stücken des Aristophanes überliefert , während die Mittlere Komödie weitgehend verloren ist (sie ist nur in relativ kurzen Fragmenten bei Autoren wie Athenaios von Naukratis erhalten ). Die Neue Komödie ist vor allem durch die umfangreichen Papyrusfragmente des Menander bekannt . Aristoteles definierte Komödie als die Darstellung lächerlicher Menschen, die irgendeine Art von Fehltritt oder Hässlichkeit beinhaltet, die jedoch weder Schmerz noch Unglück verursacht. ^{[ l ]}

Neben Komödie und Tragödie umfasste das Stadtfest der Dionysien auch das Satyrspiel . Ursprünglich in ländlichen, landwirtschaftlichen Ritualen zu Ehren des Dionysos entstanden, fand das Satyrspiel schließlich in seiner bekanntesten Form seinen Weg nach Athen. Satyrn galten als treue Waldgefährten des Gottes Dionysos und teilten oft seine Leidenschaft für ausgelassene Feste und Streiche. Das Satyrspiel selbst wurde der Tragikomödie zugeordnet und orientierte sich an den moderneren Burlesken des frühen 20. Jahrhunderts. Die Handlungen der Stücke drehten sich typischerweise um die Machenschaften der Götter und deren Einmischung in menschliche Angelegenheiten, untermalt vom Chor der Satyrn . Laut Webster spielten die Satyrdarsteller jedoch nicht immer die typischen Satyr-Handlungen und wichen mitunter von den für diese mythische Waldgestalt üblichen Schauspieltraditionen ab. ^{[ 39 ]}

Die griechischen Kolonisten in Süditalien , der sogenannten Magna Graecia , brachten die Theaterkunst aus ihrer Heimat mit. ^{[ 40 ]} Das griechische Theater von Syrakus , das griechische Theater von Segesta , das griechische Theater von Tindari , das griechische Theater von Hippana , das griechische Theater von Akrai , das griechische Theater von Monte Jato , das griechische Theater von Morgantina und das berühmteste griechische Theater von Taormina belegen dies eindrücklich. Von den ursprünglichen dramatischen Werken sind nur Fragmente erhalten, doch die Tragödien der drei großen Dichter Aischylos , Sophokles und Euripides sowie die Komödien des Aristophanes sind bekannt. ^{[ 41 ]} Einige berühmte griechischsprachige Dramatiker stammten direkt aus der Magna Graecia . Andere, wie Aischylos und Epicharmos , wirkten lange Zeit in Sizilien . Epicharmos kann in jeder Hinsicht als Syrakusaner betrachtet werden, da er sein ganzes Leben lang mit den Tyrannen von Syrakus zusammenarbeitete . Seine Komödie ging der des berühmteren Aristophanes voraus, indem er die Götter erstmals in einer Komödie auftreten ließ. Aischylos hingegen starb nach einem langen Aufenthalt in den sizilianischen Kolonien 456 v. Chr. in der sizilianischen Kolonie Gela . Epicharmos und Phormis , beide aus dem 6. Jahrhundert v. Chr., bilden für Aristoteles die Grundlage für die Erfindung der griechischen Komödie, wie er in seinem Werk „Poetik“ schreibt : ^{[ 42 ]}

Was die Entstehung der Geschichten (Epicharmus und Phormis) betrifft, so stammte sie ursprünglich aus Sizilien.

Neben den bereits erwähnten syrakusanischen Formides zählten zu den weiteren einheimischen Dramatikern Magna Graecias Achaios von Syrakus , Apollodor von Gela , Philemon von Syrakus und sein Sohn Philemon der Jüngere. Aus Kalabrien , genauer gesagt aus der Kolonie Thurii , stammte der Dramatiker Alexis . Rhinthon hingegen , obwohl Sizilianer aus Syrakus, arbeitete fast ausschließlich für die Kolonie Tarent in Apulien . ^{[ 43 ]}

Das westliche Theater entwickelte und expandierte unter den Römern beträchtlich . Der römische Historiker Livius schrieb, dass die Römer im 4. Jahrhundert v. Chr. erstmals mit Theater in Berührung kamen, und zwar mit einer Aufführung etruskischer Schauspieler. ^{[ 44 ]} Beacham argumentiert, dass die Römer bereits einige Zeit vor diesem dokumentierten Kontakt mit „vor-theatralischen Praktiken“ vertraut waren. ^{[ 45 ]}

Das Theater des antiken Roms war eine blühende und vielfältige Kunstform, die von Festaufführungen mit Straßentheater , Nackttanz und Akrobatik über die Inszenierung von Plautus ' populären Situationskomödien bis hin zu den stilistisch anspruchsvollen , sprachlich raffiniert gestalteten Tragödien Senecas reichte . Obwohl Rom eine eigene Aufführungstradition besaß, hatte die Hellenisierung der römischen Kultur im 3. Jahrhundert v. Chr. einen tiefgreifenden und belebenden Einfluss auf das römische Theater und förderte die Entwicklung lateinischer Literatur höchster Qualität für die Bühne.

Nach der Expansion der Römischen Republik (509–27 v. Chr.) in mehrere griechische Gebiete zwischen 270 und 240 v. Chr. kam Rom mit dem griechischen Drama in Berührung . ^{[ 46 ]} In den späteren Jahren der Republik und mit dem Römischen Reich (27 v. Chr.–476 n. Chr.) verbreitete sich das Theater westwärts über Europa, rund um das Mittelmeer und erreichte England; das römische Theater war vielfältiger, umfangreicher und anspruchsvoller als das jeder Kultur zuvor. ^{[ 47 ]} Während griechische Dramen während der gesamten römischen Zeit weiterhin aufgeführt wurden, markiert das Jahr 240 v. Chr. den Beginn des regelmäßigen römischen Dramas. ^{[ 46 ] [ m ]} Mit Beginn des Reiches nahm das Interesse an abendfüllenden Dramen jedoch zugunsten einer größeren Vielfalt an Theaterunterhaltung ab. ^{[ 48 ]}

Die ersten bedeutenden Werke der römischen Literatur waren die Tragödien und Komödien, die Livius Andronicus ab 240 v. Chr. verfasste. ^{[ 49 ]} Fünf Jahre später begann auch Gnaeus Naevius, Dramen zu schreiben. ^{[ 49 ]} Von beiden Autoren sind keine Stücke erhalten. Obwohl beide Dramatiker in beiden Genres schrieben , wurde Andronicus vor allem für seine Tragödien und Naevius für seine Komödien geschätzt; ihre Nachfolger spezialisierten sich meist auf das eine oder das andere, was zu einer Trennung der weiteren Entwicklung beider Dramagattungen führte. ^{[ 49 ]} Zu Beginn des 2. Jahrhunderts v. Chr. hatte sich das Drama in Rom fest etabliert, und es hatte sich eine Dichtergilde ( collegium poetarum ) gebildet. ^{[ 50 ]}

Die erhaltenen römischen Komödien sind allesamt Fabula Palliata (Komödien nach griechischen Vorbildern) und stammen von zwei Dramatikern: Titus Maccius Plautus (Plautus) und Publius Terentius Afer (Terenz). ^{[ 51 ]} In ihren Bearbeitungen der griechischen Originale schafften die römischen Komödiendichter die Rolle des Chors bei der Gliederung des Dramas in Episoden ab und führten eine musikalische Begleitung der Dialoge ein (etwa ein Drittel des Dialogs in den Komödien des Plautus und zwei Drittel in denen des Terenz). ^{[ 52 ]} Die Handlung aller Szenen spielt im Freien, auf der Straße, und die Verwicklungen entstehen oft durch das Belauschen von Gesprächen . ^{[ 52 ]} Plautus, der populärere der beiden, schrieb zwischen 205 und 184 v. Chr., und zwanzig seiner Komödien sind erhalten, von denen seine Farcen am bekanntesten sind; er wurde für den Witz seiner Dialoge und die Verwendung verschiedener Versmaße bewundert . ^{[ 53 ]} Alle sechs Komödien, die Terenz zwischen 166 und 160 v. Chr. verfasste, sind erhalten geblieben; die Komplexität seiner Handlungen, in denen er oft mehrere griechische Originale miteinander verband, wurde mitunter kritisiert, doch ermöglichten seine Doppelhandlungen eine differenzierte Darstellung gegensätzlichen menschlichen Verhaltens. ^{[ 53 ]}

Es ist keine frühe römische Tragödie erhalten, obwohl sie zu ihrer Zeit hohes Ansehen genoss. Historiker kennen drei frühe Tragödiendichter: Quintus Ennius , Marcus Pacuvius und Lucius Accius . ^{[ 52 ]} Aus der Kaiserzeit sind die Werke zweier Tragödiendichter überliefert – einer ist ein unbekannter Autor, der andere der stoische Philosoph Seneca . ^{[ 54 ]} Neun Tragödien Senecas sind erhalten, allesamt Fabula crepidata (Tragödien nach griechischen Vorbildern); seine Phaedra beispielsweise basiert auf Euripides ’ Hippolytos . ^{[ 55 ]} Der Autor der einzigen erhaltenen Fabula praetexta (Tragödie nach römischen Vorbildern), Octavia , ist unbekannt ; früher wurde sie fälschlicherweise Seneca zugeschrieben, da er als Figur in der Tragödie auftritt. ^{[ 54 ]}

Im Gegensatz zum antiken griechischen Theater waren im antiken Rom auch weibliche Darstellerinnen zugelassen. Während die meisten von ihnen als Tänzerinnen und Sängerinnen engagiert wurden, ist bekannt, dass einige Schauspielerinnen auch Sprechrollen übernahmen. Es gab sogar Schauspielerinnen, die durch ihre Kunst Reichtum, Ruhm und Anerkennung erlangten, wie beispielsweise Eucharis , Dionysia , Galeria Copiola und Fabia Arete . Sie gründeten außerdem ihre eigene Schauspielgilde, die Sociae Mimae , die offenbar über beträchtliche finanzielle Mittel verfügte. ^{[ 56 ]}

Die erste Form des indischen Theaters war das Sanskrit-Theater ^{[ 57 ]} , dessen älteste erhaltene Fragmente aus dem 1. Jahrhundert n. Chr. stammen ^{[ 58 ] [ 59 ].} Es entstand nach der Entwicklung des griechischen und römischen Theaters und vor der Theaterentwicklung in anderen Teilen Asiens ^{[ 57 ]} . Es entstand irgendwann zwischen dem 2. Jahrhundert v. Chr. und dem 1. Jahrhundert n. Chr. und erlebte seine Blütezeit zwischen dem 1. und dem 10. Jahrhundert n. Chr., einer Periode relativen Friedens in der Geschichte Indiens, in der Hunderte von Theaterstücken verfasst wurden ^{[ 60 ] [ 61 ]} . Die Fülle archäologischer Funde aus früheren Epochen gibt keinen Hinweis auf die Existenz einer Theatertradition ^{[ 61 ] .}

Die alten Veden ( Hymnen aus der Zeit zwischen 1500 und 1000 v. Chr., die zu den frühesten literarischen Beispielen der Welt zählen) enthalten keinerlei Hinweise darauf (obwohl einige wenige in Dialogform verfasst sind ) , und die Rituale der vedischen Zeit scheinen sich nicht zum Theater weiterentwickelt zu haben. ^{[ 61 ]} Das Mahābhāṣya von Patañjali enthält den frühesten Hinweis auf etwas, das die Anfänge des Sanskrit-Dramas gewesen sein könnten. ^{[ 62 ]} Diese Abhandlung über Grammatik aus dem Jahr 140 v. Chr. liefert ein plausibles Datum für die Anfänge des Theaters in Indien . ^{[ 62 ]}

Die wichtigste Quelle für das Sanskrit-Theater ist die Abhandlung über das Theater ( Nātyaśāstra ), ein Kompendium, dessen Entstehungsdatum unsicher ist (Schätzungen reichen von 200 v. Chr. bis 200 n. Chr.) und dessen Autorschaft Bharata Muni zugeschrieben wird . Die Abhandlung ist das umfassendste dramaturgische Werk der Antike. Sie behandelt Schauspiel , Tanz , Musik , Bühnenaufbau , Architektur , Kostüme , Maske , Requisiten , die Organisation von Theatergruppen, das Publikum, Wettbewerbe und bietet eine mythologische Erklärung für den Ursprung des Theaters. ^{[ 62 ]} Dadurch gibt sie Aufschluss über die tatsächliche Theaterpraxis. Das Sanskrit-Theater wurde auf heiligem Boden von Priestern aufgeführt, die in den notwendigen Fertigkeiten (Tanz, Musik und Rezitation) in einem erblichen Prozess ausgebildet worden waren. Sein Ziel war es, sowohl zu belehren als auch zu unterhalten.

Unter der Schirmherrschaft königlicher Höfe gehörten die Darsteller professionellen Ensembles an, die von einem Bühnenmeister ( Sutradhara ) geleitet wurden, der mitunter auch selbst auftrat. ^{[ 58 ] [ 62 ]} Diese Aufgabe wurde als analog zu der eines Puppenspielers betrachtet – die wörtliche Bedeutung von „ Sutradhara “ ist „Halter der Fäden“. ^{[ 62 ]} Die Darsteller wurden in Gesangs- und Körpertechnik intensiv ausgebildet. ^{[ 63 ]} Es gab keine Verbote für weibliche Darsteller; die Ensembles bestanden aus reinen Männern, reinen Frauen oder gemischten Geschlechtern. Bestimmte Darstellungen galten jedoch als unpassend für Männer und wurden Frauen zugeschrieben. Einige Darsteller spielten Charaktere ihres eigenen Alters, andere verkörperten Figuren eines anderen Alters (jünger oder älter). Von allen Elementen des Theaters widmet die Abhandlung dem Schauspiel ( Abhinaya ) die größte Aufmerksamkeit, welches aus zwei Stilen besteht: dem realistischen ( Lokadharmi ) und dem konventionellen ( Natyadharmi ), wobei der Schwerpunkt auf letzterem liegt. ^{[ 63 ] [ n ]}

Seine Dramen gelten als die höchste Errungenschaft der Sanskritliteratur . ^{[ 58 ]} Sie bedienten sich stereotypischer Figuren wie dem Helden ( Nayaka ), der Heldin ( Nayika ) oder dem Narren ( Vidusaka ). Schauspieler spezialisierten sich mitunter auf bestimmte Rollen. Kālidāsa, der im 1. Jahrhundert v. Chr. lebte, gilt als einer der bedeutendsten Sanskrit-Dramatiker des alten Indiens . Drei seiner berühmten romantischen Dramen sind das Mālavikāgnimitram ( Mālavikā und Agnimitra ), das Vikramuurvashiiya ( Von Vikrama und Urvashi ) und das Abhijñānaśākuntala ( Die Wiedererkennung Shakuntalas ). Letzteres, inspiriert von einer Geschichte aus dem Mahabharata , ist das bekannteste seiner Werke. Es war das erste, das ins Englische und Deutsche übersetzt wurde . Śakuntalā (in englischer Übersetzung) beeinflusste Goethes Faust (1808–1832) . ^{[ 58 ]}

Der nächste bedeutende indische Dramatiker war Bhavabhuti ( ca. 7. Jahrhundert n. Chr. ). Ihm werden die folgenden drei Stücke zugeschrieben: Malati-Madhava , Mahaviracharita und Uttar Ramacharita . Die beiden letztgenannten umfassen zusammen das gesamte Epos Ramayana . Dem mächtigen indischen Kaiser Harsha (606–648) werden drei Stücke zugeschrieben: die Komödie Ratnavali , Priyadarsika und das buddhistische Drama Nagananda .

Die Tang-Dynastie wird mitunter als „Zeitalter der tausend Unterhaltungen“ bezeichnet. In dieser Zeit gründete Ming Huang die Schauspielschule „ Birnengarten“, um eine vorwiegend musikalische Theaterform zu fördern. Daher werden die Schauspieler gemeinhin als „Kinder des Birnengartens“ bezeichnet. Während der Dynastie von Kaiserin Ling etablierte sich das Schattenspiel erstmals als anerkannte Theaterform in China. Es gab zwei unterschiedliche Formen: das Pekinger (nördliche) und das Kantonesische (südliche). Die beiden Stile unterschieden sich in der Herstellung der Puppen und der Anordnung der Stäbe , nicht aber in der Art der aufgeführten Stücke . Beide Stile präsentierten zumeist Stücke mit großen Abenteuern und Fantasiegeschichten; selten wurde diese stilisierte Theaterform für politische Propaganda eingesetzt.

Die japanischen Formen von Kabuki , Nō und Kyōgen entwickelten sich im 17. Jahrhundert n. Chr. ^{[ 64 ]}

Kantonesische Schattenspiele waren die größeren der beiden. Sie wurden aus dickem Leder gefertigt, wodurch sie deutlichere Schatten warfen. Auch die Symbolik der Farben spielte eine große Rolle: Ein schwarzes Gesicht stand für Ehrlichkeit, ein rotes für Mut. Die Stäbe, mit denen die kantonesischen Puppen bewegt wurden, waren senkrecht an den Köpfen der Puppen befestigt. Daher waren sie für das Publikum beim Werfen des Schattens nicht sichtbar. Pekingesische Puppen waren zierlicher und kleiner. Sie wurden aus dünnem, durchscheinendem Leder (meist vom Bauch eines Esels) hergestellt. Sie wurden mit leuchtenden Farben bemalt, wodurch sie einen sehr farbenfrohen Schatten warfen. Die dünnen Stäbe, mit denen sie ihre Bewegungen steuerten, waren an einem Lederhalsband am Hals der Puppe befestigt. Die Stäbe verliefen parallel zum Körper der Puppe und bogen sich dann in einem rechten Winkel zum Hals ab. Obwohl diese Stäbe beim Werfen des Schattens sichtbar waren, lagen sie außerhalb des Schattens der Puppe und beeinträchtigten somit nicht deren Erscheinungsbild. Die Stäbe sind an den Hälsen befestigt, um die Verwendung mehrerer Köpfe an einem Körper zu ermöglichen. Wenn die Köpfe nicht gebraucht wurden, bewahrte man sie in einem Musselinbuch oder einer mit Stoff ausgekleideten Kiste auf. Nachts wurden die Köpfe stets abgenommen. Dies entsprach dem alten Aberglauben, dass die Puppen, wenn sie unversehrt blieben, nachts zum Leben erwachen würden. Manche Puppenspieler gingen sogar so weit, die Köpfe in einem Buch und die Körper in einem anderen aufzubewahren, um die Möglichkeit der Wiederbelebung der Puppen weiter zu minimieren. Das Schattenspiel soll im elften Jahrhundert seinen künstlerischen Höhepunkt erreicht haben, bevor es zum Instrument der Regierung wurde.

In der Song-Dynastie gab es viele populäre Theaterstücke mit Akrobatik und Musik. Diese entwickelten sich in der Yuan-Dynastie zu einer anspruchsvolleren Form, dem Zaju , mit einer Struktur aus vier oder fünf Akten. Das Yuan-Drama verbreitete sich in ganz China und diversifizierte sich in zahlreiche regionale Formen, von denen die Peking-Oper eine der bekanntesten ist und sich bis heute großer Beliebtheit erfreut.

Xiangsheng ist eine bestimmte traditionelle chinesische komödiantische Darbietungsform in Form eines Monologs oder Dialogs.

In Indonesien sind Theateraufführungen ein wichtiger Bestandteil der lokalen Kultur und haben eine jahrtausendealte Tradition. Die meisten der ältesten indonesischen Theaterformen sind eng mit der lokalen Literatur (mündlich und schriftlich) verbunden. Die bedeutenden Puppentheater – Wayang Golek (Stabpuppenspiel) der Sundanesen und Wayang Kulit (Schattenpuppenspiel) der Javaner und Balinesen – beziehen einen Großteil ihres Repertoires aus indigenen Versionen des Ramayana und Mahabharata . Diese Erzählungen dienen auch als Grundlage für das Wayang Wong (Menschentheater) Javas und Balis , das mit Schauspielern arbeitet. Einige Wayang-Golek-Aufführungen präsentieren jedoch auch muslimische Geschichten, sogenannte Menak . ^{[ 65 ] [ 66 ]}

Wayang ist eine alte Erzählform, die für ihre aufwendigen Puppen- und Menschenfiguren sowie ihre komplexe Musik bekannt ist. ^{[ 67 ]} Die frühesten Belege stammen aus dem späten 1. Jahrtausend n. Chr. und finden sich in mittelalterlichen Texten und archäologischen Stätten. ^{[ 68 ]} Die älteste bekannte Aufzeichnung zu Wayang stammt aus dem 9. Jahrhundert. Um 840 n. Chr. erwähnt eine altjavanische (Kawi) Inschrift, die sogenannten Jaha-Inschriften, die von Maharaja Sri Lokapala aus dem Königreich Mataram in Zentraljava ausgestellt wurden , drei Arten von Darstellern: Atapukan, Aringgit und Abanol. Aringgit bedeutet Wayang-Puppenspiel, Atapukan Maskentanz und Abanol Witzkunst. Ringgit wird in einem javanischen Gedicht aus dem 11. Jahrhundert als Schattenfigur aus Leder beschrieben.

Das Theater in der mittelalterlichen islamischen Welt umfasste Puppentheater (mit Handpuppen, Schattenspielen und Marionettenaufführungen ) und lebende Passionsspiele, bekannt als Ta'ziyeh , in denen Schauspieler Episoden der islamischen Geschichte nachstellten . Insbesondere schiitische islamische Stücke drehten sich um das Istishhād (Märtyrertod) von Alis Söhnen Hasan ibn Ali und Husayn ibn Ali . Weltliche Stücke, bekannt als Akhraja , sind in der mittelalterlichen Adab- Literatur belegt, waren aber weniger verbreitet als Puppentheater und Ta'ziyeh- Theater. ^{[ 69 ]}

Das Theater nahm im Westen zwischen dem 15. und 19. Jahrhundert viele alternative Formen an, darunter die Commedia dell’arte aus dem italienischen Theater und das Melodrama . Der allgemeine Trend ging weg vom poetischen Drama der Griechen und der Renaissance hin zu einem naturalistischeren, prosaischen Dialogstil, insbesondere nach der Industriellen Revolution . ^{[ 70 ]}

Aufgrund des Puritanischen Interregnums kam das Theater in England von 1642 bis 1660 weitgehend zum Erliegen. ^{[ 71 ]} Die zunehmende Theaterfeindlichkeit unter den Puritanern veranlasste William Prynne 1633 zur Veröffentlichung von „Histriomastix “, dem berüchtigtsten Angriff auf das Theater vor dem Verbot. ^{[ 71 ]} Da die Puritaner das Theater als sündhaft ansahen, ordneten sie 1642 die Schließung der Londoner Theater an . ^{[ 72 ]} Am 24. Januar 1643 protestierten die Schauspieler gegen das Verbot mit einer Broschüre mit dem Titel „ The Actors remonstrance or complaint for the silencencing of their profession, and banishment from their severall play-houses“ . ^{[ 73 ]} Diese Stagnation endete mit der Rückkehr Karls II. auf den Thron im Jahr 1660 im Zuge der Restauration . Das Theater (neben anderen Künsten) erlebte, beeinflusst von der französischen Kultur, eine Blütezeit, da Karl in den Jahren vor seiner Herrschaft in Frankreich im Exil gelebt hatte.

Im Jahr 1660 erhielten zwei Theatergruppen, die Duke’s Company und die King’s Company, die Lizenz zum Auftreten . Die Aufführungen fanden in umgebauten Gebäuden statt, beispielsweise im Tennisplatz von Lisle . Das erste West-End-Theater , das Theatre Royal in Covent Garden , London, wurde von Thomas Killigrew entworfen und an der Stelle des heutigen Theatre Royal, Drury Lane, errichtet . ^{[ 74 ]}

Eine der größten Veränderungen war das neue Theatergebäude. Anstelle des elisabethanischen Theatertyps, wie beispielsweise des Globe Theatre – rund, ohne Vorbereitungsmöglichkeit für die Schauspieler und ohne jegliche „Theaterregeln“ –, wandelte sich das Theater zu einem Ort der Eleganz mit einer Bühne im Vordergrund und einem davor angeordneten, ansteigenden Zuschauerraum. Da die Sitzreihen nicht mehr die gesamte Bühne umgaben, wurde eine Priorisierung eingeführt – einige Plätze waren offensichtlich besser als andere. Der König hatte den besten Platz im Haus: genau in der Mitte des Theaters, von dem aus er den weitesten Blick auf die Bühne sowie die beste Sicht auf den Blickwinkel und den Fluchtpunkt hatte, um den die Bühne herum konstruiert war. Philippe Jacques de Loutherbourg war aufgrund seines Umgangs mit Bühnenraum und Kulissen einer der einflussreichsten Bühnenbildner seiner Zeit.

Aufgrund der vorangegangenen Unruhen herrschte weiterhin Uneinigkeit darüber, was auf der Bühne aufgeführt werden sollte und was nicht. Der Prediger Jeremy Collier war mit seinem Werk „A Short View of the Immorality and Profaneness of the English Stage“ einer der führenden Köpfe dieser Bewegung . Die darin geäußerten Ansichten wurden hauptsächlich von Theaterfernen und den verbliebenen, strenggläubigen Puritanern jener Zeit vertreten. Die zentrale Frage war, ob die Darstellung unmoralischer Inhalte auf der Bühne das Verhalten der Zuschauer beeinflusst – eine Kontroverse, die bis heute andauert. ^{[ 75 ]}

Im 17. Jahrhundert hielten auch Frauen Einzug auf die Bühne, was zuvor als unschicklich galt. Diese Frauen wurden als Berühmtheiten gefeiert (ein ebenfalls neueres Konzept, geprägt durch die im Zuge des Renaissance-Humanismus entstandenen Ideen des Individualismus ), doch gleichzeitig war ihre Bühnenpräsenz revolutionär und wurde von manchen als unweiblich und verachtet angesehen. Karl II. missbilligte es, dass junge Männer Frauenrollen spielten, und forderte daher, dass Frauen ihre Rollen selbst übernahmen. ^{[ 76 ]} Durch die Zulassung von Frauen auf die Bühne hatten Dramatiker mehr Spielraum für unerwartete Wendungen in der Handlung, etwa indem Frauen sich als Männer verkleideten oder moralisch heikle Situationen nur knapp entkamen – allesamt Elemente der Komik.

Komödien waren voller junger, hochmodischer Figuren, deren Liebesgeschichten im Mittelpunkt standen: Häufig gestand ein junger, schelmischer Held der keuschen und freigeistigen Heldin gegen Ende des Stücks seine Liebe, ähnlich wie in Sheridans „ Die Lästerschule“ . Viele Komödien orientierten sich an der französischen Tradition, vor allem an Molière, und knüpften damit an den französischen Einfluss an, den der König und das Königshaus nach ihrem Exil mitbrachten. Molière war einer der bedeutendsten Komödienautoren seiner Zeit und revolutionierte die Art und Weise, wie Komödien geschrieben und aufgeführt wurden, indem er die italienische Commedia dell’arte mit der neoklassischen französischen Komödie verband und so einige der langlebigsten und einflussreichsten satirischen Komödien schuf. ^{[ 77 ]} Auch Tragödien waren in ihrer Darstellung politischer Machtverhältnisse von ähnlicher Bedeutung und wirkten angesichts der kurz zuvor erfolgten Restauration der Krone besonders ergreifend. ^{[ 78 ]} Es handelte sich dabei auch um Nachahmungen französischer Tragödien, wobei die Franzosen stärker zwischen Komödie und Tragödie unterschieden, während die Engländer die Texte gelegentlich etwas abwandelten und komische Elemente in ihre Tragödien einbauten. Gängige Formen nicht-komischer Stücke waren sentimentale Komödien sowie etwas, das später als „tragédie bourgeoise“ oder „häusliche Tragödie “ bezeichnet werden sollte – also die Tragödie des Alltagslebens –, die in England beliebter waren, da sie eher dem englischen Empfinden entsprachen. ^{[ 79 ]}

Während Theatergruppen früher oft auf Tournee waren, gewann die Idee des Nationaltheaters im 18. Jahrhundert, angeregt durch Ludvig Holberg , an Unterstützung . Der wichtigste Förderer der Idee des Nationaltheaters in Deutschland sowie der Sturm-und-Drang -Dichter war Abel Seyler , der Inhaber der Hamburgischen Entreprise und der Seyler Theatre Company . ^{[ 80 ]}

Im Laufe des 19. Jahrhunderts wichen die populären Theaterformen der Romantik , des Melodramas , der viktorianischen Burleske und der kunstvoll gestalteten Stücke von Scribe und Sardou den Problemstücken des Naturalismus und Realismus ; den Farcen von Feydeau ; Wagners Opern- Gesamtkunstwerk ; dem Musiktheater (einschließlich der Opern von Gilbert und Sullivan ); den Salonkomödien von FC Burnand , WS Gilbert und Oscar Wilde ; dem Symbolismus ; dem Protoexpressionismus in den späten Werken von August Strindberg und Henrik Ibsen ; ^{[ 82 ]} und der edwardianischen Musicalkomödie .

Diese Tendenzen setzten sich im 20. Jahrhundert im Realismus von Stanislawski und Lee Strasberg , im politischen Theater von Erwin Piscator und Bertolt Brecht , im sogenannten Theater des Absurden von Samuel Beckett und Eugène Ionesco , in amerikanischen und britischen Musicals, in den kollektiven Schöpfungen von Schauspieler- und Regisseursgruppen wie Joan Littlewoods Theatre Workshop , im experimentellen und postmodernen Theater von Robert Wilson und Robert Lepage , im postkolonialen Theater von August Wilson oder Tomson Highway und im Theater der Unterdrückten von Augusto Boal fort .

Das Drama ist die spezifische Form der Fiktion , die in der Aufführung dargestellt wird . ^{[ 83 ]} Der Begriff stammt von einem griechischen Wort für „ Handlung “, abgeleitet vom Verb δράω ( dráō) , „tun“ oder „handeln“. Die Aufführung eines Dramas im Theater durch Schauspieler auf einer Bühne vor Publikum setzt kollaborative Produktionsweisen und eine kollektive Rezeption voraus . Die Struktur dramatischer Texte wird, anders als bei anderen literarischen Formen , direkt von dieser kollaborativen Produktion und kollektiven Rezeption beeinflusst. ^{[ 84 ]}

Shakespeares frühneuzeitliche Tragödie Hamlet (1601) und Sophokles ’ klassische athenische Tragödie König Ödipus ( um 429 v. Chr . ) zählen zu den Meisterwerken der dramatischen Kunst. ^{[ 85 ]} Ein modernes Beispiel ist Eugene O’Neills Roman Long Day’s Journey into Night (1956). ^{[ 86 ]}

Als eigenständige Gattung der Dichtung wird das Drama seit Aristoteles ’ Poetik ( ca. 335 v. Chr .), dem frühesten Werk der Dramentheorie, dem Epos und der Lyrik gegenübergestellt . ^{[ o ]} Die Verwendung des Begriffs „Drama“ im engeren Sinne zur Bezeichnung einer spezifischen Theatergattung stammt aus dem 19. Jahrhundert . Drama bezeichnet in diesem Sinne ein Stück, das weder Komödie noch Tragödie ist – beispielsweise Zolas Thérèse Raquin (1873) oder Tschechows Iwanow (1887). Im antiken Griechenland hingegen umfasste der Begriff Drama alle Theaterstücke, ob tragisch, komisch oder etwas dazwischen .

Drama wird oft mit Musik und Tanz kombiniert: In der Oper wird das Drama in der Regel durchgehend gesungen; Musicals enthalten meist sowohl gesprochene Dialoge als auch Lieder ; und einige Dramaformen haben Bühnenmusik oder musikalische Begleitung, die den Dialog unterstreicht ( z. B. Melodramen und das japanische Nō ). ^{[ p ]} In bestimmten Epochen der Geschichte (der antiken römischen und der modernen Romantik ) wurden einige Dramen eher zum Lesen als zur Aufführung geschrieben. ^{[ q ]} Bei der Improvisation existiert das Drama nicht vor dem Aufführungsmoment; die Darsteller entwickeln spontan vor Publikum ein dramatisches Skript. ^{[ r ]}

Musik und Theater sind seit der Antike eng miteinander verbunden. Die athenische Tragödie beispielsweise war eine Form des Tanzdramas mit einem Chor , dessen Parts gesungen wurden (begleitet von einem Aulos – einem Instrument, das der modernen Oboe ähnelt ), ebenso wie einige der Reaktionen der Schauspieler und ihre Sololieder ( Monodien ). ^{[ 87 ]} Das moderne Musiktheater ist eine Theaterform, die ebenfalls Musik, gesprochenen Dialog und Tanz vereint. Es entstand aus der komischen Oper (insbesondere von Gilbert und Sullivan ), Varieté , Vaudeville und Music-Hall- Genres des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts . ^{[ 88 ] [ 89 ]}

Nach den musikalischen Komödien der Edwardianischen Ära , die in den 1890er Jahren begannen, den Princess Theatre Musicals des frühen 20. Jahrhunderts und den Komödien der 1920er und 1930er Jahre (wie den Werken von Rodgers und Hammerstein ), mit Oklahoma! (1943), entwickelten sich Musicals in eine dramatischere Richtung. ^{[ s ]} Zu den berühmten Musicals der folgenden Jahrzehnte zählen My Fair Lady (1956), West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1980), Cats (1981), Into the Woods (1986) und Das Phantom der Oper (1986) ^{[ 90 ]} sowie neuere Erfolge wie Rent (1994), Der König der Löwen (1997), Wicked (2003), Hamilton (2015) und Die Eiskönigin – Völlig unverfroren (2018).

Musicals können zwar auch in kleinem Rahmen Off-Broadway , in regionalen Theatern und anderswo aufgeführt werden, doch sie beinhalten oft ein großes Spektakel. So zeichnen sich beispielsweise Broadway- und West-End -Musicals durch aufwendige Kostüme und Bühnenbilder aus, die mit Budgets in Millionenhöhe realisiert werden.

Theaterproduktionen, die Humor als Mittel zum Geschichtenerzählen einsetzen, gelten als Komödien. Dazu zählen beispielsweise moderne Farcen wie „Boeing Boeing“ oder klassische Stücke wie „ Wie es euch gefällt“ . Theaterstücke, die düstere, kontroverse oder tabuisierte Themen bewusst humorvoll behandeln, werden als schwarze Komödien bezeichnet . Schwarze Komödien umfassen verschiedene Genres wie Slapstick, dunklen Humor und Sarkasmus.

Die Tragödie ist also die Nachahmung einer ernsten, vollständigen und bedeutsamen Handlung: in einer mit allen Arten von künstlerischem Ornament ausgeschmückten Sprache, wobei die verschiedenen Arten in separaten Teilen des Stücks zu finden sind; in Form einer Handlung, nicht einer Erzählung; durch Mitleid und Furcht, wodurch die angemessene Reinigung dieser Emotionen bewirkt wird.

Aristoteles’ Formulierung „da sich in verschiedenen Teilen des Stücks unterschiedliche Arten finden“ verweist auf die strukturellen Ursprünge des Dramas. Die gesprochenen Teile waren im attischen Dialekt verfasst , die choralen (rezitierten oder gesungenen) hingegen im dorischen . Diese Unterschiede spiegeln die verschiedenen religiösen Ursprünge und poetischen Metren der Teile wider, die zu einer neuen Einheit, dem Theaterdrama , verschmolzen wurden .

Die Tragödie bezeichnet eine spezifische dramatische Tradition , die historisch eine einzigartige und wichtige Rolle in der Selbstdefinition der westlichen Zivilisation gespielt hat . ^{[ 92 ] [ 93 ]} Diese Tradition war vielfältig und diskontinuierlich, dennoch wurde der Begriff oft verwendet, um eine starke Wirkung kultureller Identität und historischer Kontinuität zu beschwören – „die Griechen und die Elisabethaner in einer kulturellen Form; Hellenen und Christen in einer gemeinsamen Tätigkeit“, wie Raymond Williams es ausdrückt. ^{[ 94 ]} Von ihren obskuren Anfängen in den Theatern Athens vor 2.500 Jahren, aus denen nur ein Bruchteil des Werks von Aischylos , Sophokles und Euripides erhalten ist , über ihre einzigartigen Ausprägungen in den Werken von Shakespeare , Lope de Vega , Racine und Schiller bis hin zur jüngeren naturalistischen Tragödie Strindbergs , Becketts modernistischen Betrachtungen über Tod, Verlust und Leid und Müllers postmodernen Überarbeitungen des tragischen Kanons ist die Tragödie ein wichtiger Ort kultureller Experimente, Verhandlungen, Auseinandersetzungen und Veränderungen geblieben. ^{[ 95 ] [ 96 ]} Im Gefolge von Aristoteles’ Poetik (335 v. Chr.) wurde die Tragödie zur Unterscheidung verschiedener Gattungen herangezogen , sei es auf der Ebene der Dichtung im Allgemeinen (wo sich Tragödie, Epos und Lyrik abgrenzen ) oder auf der Ebene des Dramas (wo Tragödie und Komödie im Gegensatz stehen ). In der Neuzeit wurde die Tragödie auch gegenüber Drama, Melodram , Tragikomödie und epischem Theater definiert . ^{[ t ]}

Improvisation ist seit jeher ein fester Bestandteil des Theaters; die Commedia dell’arte des 16. Jahrhunderts gilt als die erste Form der Improvisation. Bekannt geworden durch den Literaturnobelpreisträger von 1997, Dario Fo , und Ensembles wie die Upright Citizens Brigade, entwickelt sich das Improvisationstheater stetig weiter und präsentiert sich in vielfältigen Strömungen und mit unterschiedlichen Philosophien.

Keith Johnstone und Viola Spolin gelten als die ersten Improvisationslehrer der Neuzeit. Johnstone erforschte die Improvisation als Alternative zum Theater mit vorgegebenen Texten, während Spolin und ihre Nachfolger die Improvisation hauptsächlich als Werkzeug zur Entwicklung dramatischer Fähigkeiten oder als Form der Situationskomik nutzten. Spolin interessierte sich zudem dafür, wie der Lernprozess der Improvisation zur Entfaltung des menschlichen Potenzials beitragen kann. ^{[ 100 ]}

Spolins Sohn Paul Sills popularisierte das Improvisationstheater als theatralische Kunstform, als er als erster Leiter The Second City in Chicago gründete.

Das Theater, das seit über 2.500 Jahren ein wichtiger Bestandteil der menschlichen Kultur ist, hat eine Vielzahl unterschiedlicher Theorien und Praktiken hervorgebracht. Einige sind mit politischen oder spirituellen Ideologien verbunden, andere basieren rein auf künstlerischen Fragestellungen. Manche Ansätze konzentrieren sich auf eine Geschichte, andere auf das Theater als Ereignis und wieder andere auf das Theater als Katalysator für sozialen Wandel.

Der klassische griechische Philosoph Aristoteles lieferte mit seiner bahnbrechenden Abhandlung „Poetik“ ( ca. 335 v. Chr. ) das älteste erhaltene Beispiel für eine solche Abhandlung, deren Argumente die Theatertheorien seither maßgeblich beeinflusst haben. ^{[ 17 ] [ 18 ]} Darin beschreibt er, was er „Poesie“ nennt (ein Begriff, der im Griechischen wörtlich „Herstellung“ bedeutet und in diesem Kontext Drama – Komödie , Tragödie und Satyrspiel – sowie Lyrik , Epos und Dithyrambus umfasst ). Er untersucht ihre „Grundprinzipien“ und identifiziert ihre Gattungen und grundlegenden Elemente; seine Analyse der Tragödie bildet den Kern der Diskussion. ^{[ 101 ]}

Aristoteles argumentiert, dass die Tragödie aus sechs qualitativen Teilen besteht, die (in der Reihenfolge ihrer Wichtigkeit) Mythos oder „Handlung“, Ethos oder „Charakter“, Dianoia oder „Gedanke“, Lexis oder „Diktion“, Melos oder „Gesang“ und Opsis oder „Spektakel“ sind. ^{[ 102 ] [ 103 ]} „Obwohl Aristoteles’ Poetik in der westlichen Kritik allgemein anerkannt ist“, erklärt Marvin Carlson , „hat fast jedes Detail seines bahnbrechenden Werkes unterschiedliche Meinungen hervorgerufen.“ ^{[ 104 ]} Zu den bedeutenden Theaterpraktikern des 20. Jahrhunderts zählen Konstantin Stanislawski , Wsewolod Meyerhold , Jacques Copeau , Edward Gordon Craig , Bertolt Brecht , Antonin Artaud , Joan Littlewood , Peter Brook , Jerzy Grotowski , Augusto Boal , Eugenio Barba , Dario Fo , Viola Spolin , Keith Johnstone und Robert Wilson (Regisseur) .

Stanislawski betrachtete das Theater als eine von der Literatur autonome Kunstform , in der der Beitrag des Dramatikers lediglich als der eines einzelnen Mitglieds eines Ensembles schöpferischer Künstler zu respektieren sei. ^{[ 105 ] [ 106 ] [ 107 ] [ 108 ] [ u ]} Sein innovativer Beitrag zur modernen Schauspieltheorie bildete über weite Strecken des letzten Jahrhunderts den Kern der westlichen Schauspielausbildung. ^{[ 109 ] [ 110 ] [ 111 ] [ 112 ] [ 113 ]} Dass viele der Grundsätze seines Schauspieltrainingssystems als selbstverständlich und einleuchtend erscheinen, zeugt von seinem durchschlagenden Erfolg. ^{[ 114 ]} Schauspieler wenden seine Grundkonzepte häufig unbewusst an. ^{[ 114 ]} Dank der Förderung und Weiterentwicklung durch Schauspiellehrer, die ehemalige Schüler waren, und der zahlreichen Übersetzungen seiner theoretischen Schriften erlangte Stanislawskis „System“ eine beispiellose Fähigkeit, kulturelle Grenzen zu überwinden und internationale Bedeutung zu erlangen. Es dominierte die Schauspieldebatten in Europa und den Vereinigten Staaten. ^{[ 109 ] [ 115 ] [ 116 ] [ 117 ]} Viele Schauspieler setzen sein „System“ routinemäßig mit der nordamerikanischen Methode gleich , obwohl deren ausschließlich psychologische Techniken einen starken Kontrast zu Stanislawskis multivariantem, holistischem und psychophysischen Ansatz bilden. Dieser erforscht Charakter und Handlung sowohl von innen nach außen als auch von außen nach innen und betrachtet Geist und Körper des Schauspielers als Teile eines Kontinuums. ^{[ 118 ] [ 119 ]}

Theater setzt kollaborative Produktionsweisen und eine kollektive Rezeption voraus. Die Struktur dramatischer Texte wird , anders als bei anderen literarischen Formen , direkt von dieser kollaborativen Produktion und Rezeption beeinflusst. ^{[ 84 ]} Die Produktion von Theaterstücken umfasst üblicherweise die Mitwirkung eines Dramatikers , eines Regisseurs , eines Ensembles und eines technischen Produktionsteams , bestehend aus Bühnenbildner , Lichtdesigner , Kostümbildner , Sounddesigner , Inspizient , Produktionsleiter und Technischem Leiter . Je nach Produktion können diesem Team auch ein Komponist , ein Dramaturg , ein Videodesigner oder ein Fechtmeister angehören .

Bühnentechnik ist ein Oberbegriff für die technischen Aspekte der Theater-, Film- und Videoproduktion. Dazu gehören unter anderem der Aufbau und die Installation von Bühnenbildern, die Montage und Ausrichtung der Beleuchtung, das Entwerfen und Beschaffen von Kostümen, das Schminken, die Beschaffung von Requisiten, die Bühnenleitung sowie die Tonaufnahme und -mischung. Bühnentechnik unterscheidet sich vom umfassenderen Begriff Szenografie. Sie gilt als technisches und nicht als künstlerisches Feld und bezieht sich primär auf die praktische Umsetzung der künstlerischen Vision eines Bühnenbildners.

In ihrer einfachsten Form wird die Bühnentechnik von einer einzelnen Person geleitet (oft dem Inspizienten einer kleineren Produktion), die Bühnenbild, Kostüme, Licht und Ton organisiert und die Besetzung zusammenstellt. Auf professionellerem Niveau, beispielsweise in modernen Broadway-Theatern, arbeiten Hunderte von Fachkräften wie Schreinern, Malern, Elektrikern, Bühnenarbeitern, Nähern, Perückenmachern und ähnlichen. Diese moderne Form der Bühnentechnik ist hochtechnisch und spezialisiert: Sie umfasst viele Teildisziplinen und einen reichen Schatz an Geschichte und Tradition. Der Großteil der Bühnentechnik liegt zwischen diesen beiden Extremen. Regionale Theater und größere Amateurtheater verfügen in der Regel über einen technischen Leiter und ein Team von Bühnenbildnern, die jeweils direkt an ihren Entwürfen beteiligt sind.

Es gibt zahlreiche moderne Theaterströmungen, die Theater auf vielfältige Weise produzieren. Theaterprojekte unterscheiden sich enorm in Anspruch und Zielsetzung. Die Beteiligten reichen von Anfängern und Hobbyisten (im Amateurtheater) bis hin zu Profis (am Broadway und ähnlichen Bühnen). Theater kann mit minimalem Budget oder im großen Stil mit Millionenbudgets aufgeführt werden. Diese Vielfalt spiegelt sich in der Fülle der Theaterunterkategorien wider, darunter:

• Broadway-Theater und West End-Theater
• Gemeinschaftstheater
• Dinner-Theater
• Fringe-Theater
• Immersives Theater
• Interaktives Theater
• Off-Broadway und Off-West End
• Off-Off-Broadway
• Playback-Theater
• Regionaltheater in den Vereinigten Staaten
• ortsspezifisches Theater
• Straßentheater
• Sommertheater
• Theater und Behinderung
• Tourneetheater

Während die meisten modernen Theatergruppen jeweils ein Stück proben, es für eine festgelegte Spielzeit aufführen, es dann aus dem Programm nehmen und mit den Proben für ein neues Stück beginnen, proben Repertoiretheater mehrere Stücke gleichzeitig. Diese Theatergruppen können die verschiedenen Stücke auf Anfrage aufführen und spielen sie oft jahrelang, bevor sie sie aus dem Programm nehmen. Die meisten Tanzkompanien arbeiten nach diesem Repertoiresystem. Auch das Royal National Theatre in London arbeitet mit einem Repertoiresystem.

Das Repertoiretheater besteht in der Regel aus einer Gruppe ähnlich versierter Schauspieler und stützt sich stärker auf den Ruf der Gruppe als auf einen einzelnen Star. Es ist typischerweise auch weniger auf die strenge Regie und die Einhaltung von Theaterkonventionen angewiesen, da Schauspieler, die bereits in mehreren Produktionen zusammengearbeitet haben, ohne so sehr auf Konventionen oder externe Anweisungen angewiesen sind. ^{[ 120 ]}

Eine Theaterkompanie ist eine Organisation, die Theateraufführungen produziert ^{[ 3 ],} im Gegensatz zu einer Theatergruppe (oder Schauspieltruppe), die eine Gruppe von Theaterschaffenden ist, die zusammenarbeiten. ^{[ 4 ]} Eine Tournee-Kompanie ist eine unabhängige Theater- oder Tanzkompanie, die reist, oft international, und in jeder Stadt an einem anderen Theater auftritt. ^{[ 122 ]}

Für die Aufführung eines Theaterstücks werden sowohl eine Theatergruppe als auch ein Spielort benötigt. Wenn eine Theatergruppe die einzige in einem Spielort ansässige Gruppe ist, wird dieses Spielort (und die dazugehörige Theatergruppe) als Residenztheater oder Produktionstheater bezeichnet, da der Spielort seine eigenen Produktionen realisiert. Andere Theatergruppen sowie Tanzensembles, die keinen eigenen Spielort besitzen, treten in Miettheatern oder Gastspielensembles auf. Miettheater und Gastspielesembles haben keine festangestellten Ensembles. Sie beherbergen jedoch mitunter ein oder mehrere Teilzeit-Ensembles sowie weitere unabhängige Partnertheater, die die Räumlichkeiten bei Bedarf nutzen. Ein Miettheater ermöglicht es den unabhängigen Ensembles, sich die Räumlichkeiten zu suchen, während ein Gastspieltheater die unabhängigen Ensembles aktiv anspricht, um deren Arbeit durch die Präsentation auf seiner Bühne zu fördern.

Manche Performancegruppen treten in ungewöhnlichen, nicht-theatralischen Räumen auf. Solche Aufführungen können im Freien oder in geschlossenen Räumen stattfinden und umfassen Straßentheater und ortsspezifisches Theater . Ungewöhnliche Spielstätten ermöglichen es, intensivere und bedeutungsvollere Erlebnisse für das Publikum zu schaffen. Sie lassen sich mitunter stärker umgestalten als traditionelle Theater und bieten Platz für unterschiedliche Ausrüstung, Beleuchtung und Bühnenbilder. ^{[ 123 ]}

Es gibt viele Theatergewerkschaften , darunter:

• Actors' Equity Association (AEA), für Schauspieler und Bühnenmanager in den USA) ^{[ 124 ]}
• Canadian Actors' Equity Association , für Schauspieler in Kanada
• Equity , für viele Arten von darstellenden Künstlern sowie Designern, Regisseuren und Bühnenmanagern in Großbritannien ^{[ 125 ].}
• Internationale Allianz der Theaterbühnenmitarbeiter (IATSE) für Bühnenbildner und Bühnentechniker. ^{[ 124 ]}
• Die Media, Entertainment and Arts Alliance ist eine australische Gewerkschaft, die 1992 durch den Zusammenschluss der Gewerkschaften der Schauspieler, Journalisten und Angestellten der Unterhaltungsindustrie gegründet wurde ^{[ 126 ].}
• Stage Directors and Choreographers Society (SDC) ^{[ 124 ]}

• Theaterarchivprojekt (UK) British Library & Universität Sheffield.
• Theatersammlung der Universität Bristol
• Music Hall und Theatergeschichte Großbritanniens und Irlands
• Designportfolios des Fachbereichs Theaterkunst
• Londoner Theater, 1660–1800, Hrsg. Alexander Huber. Ein Analyse- und Visualisierungsrahmen für das Londoner Theater des 18. Jahrhunderts, basierend auf der London Stage Database.