Musikalische Notation

Musikalische Notation ist jedes System zur visuellen Darstellung von Musik. Notationssysteme repräsentieren im Allgemeinen die Elemente eines Musikstücks , die für dessen Aufführung im Kontext einer bestimmten Musiktradition als wichtig gelten. Das Interpretieren musikalischer Notation wird oft als Notenlesen bezeichnet .

Im Laufe der Geschichte wurden von verschiedenen Kulturen unterschiedliche Notationsmethoden entwickelt. Viele Informationen über die antike Musiknotation sind bruchstückhaft. Selbst innerhalb desselben Zeitraums verwendeten verschiedene Musikstile und Kulturen unterschiedliche Notationsmethoden.

Klassische Musiker verwenden beispielsweise meist Notenblätter mit Notenlinien , Taktangaben , Tonarten und Notenköpfen zum Schreiben und Interpretieren von Stücken . Es gibt aber noch weitaus mehr Systeme. In der professionellen Country-Musik ist beispielsweise das Nashville Number System die gängigste Methode, und bei Streichinstrumenten wie der Gitarre ist die Verwendung von Tabulatur weit verbreitet.

Die musikalische Notation verwendet antike und moderne Symbole, die auf beliebigen Medien wie Stein, Tontafeln , Papyrus , Pergament oder Manuskriptpapier erstellt wurden ; gedruckt wurden sie mit einer Druckerpresse ( um 1400 ), einem Computerdrucker ( um 1980 ) oder anderen Druck- oder modernen Kopiertechnologien .

Obwohl viele antike Kulturen Symbole zur Darstellung von Melodien und Rhythmen verwendeten , war keines dieser Systeme besonders umfassend, was unser heutiges Verständnis ihrer Musik einschränkt. Der direkte Vorläufer des modernen westlichen Notationssystems entstand im mittelalterlichen Europa im Kontext der Bemühungen der christlichen Kirche, die Aufführung gregorianischer Choräle zu standardisieren, um Gesänge in verschiedenen Regionen zu vereinheitlichen. Die Notation entwickelte sich während der Renaissance und des Barock weiter . In der Klassik (1750–1820) und der Romantik (1820–1900) wurde sie mit dem technologischen Fortschritt im Bereich der Musikinstrumente weiterentwickelt. In der zeitgenössischen klassischen Musik des 20. und 21. Jahrhunderts erfuhr die Musiknotation eine weitere Entwicklung, unter anderem durch die Einführung grafischer Notation durch einige moderne Komponisten und die Verwendung computergestützter Notenschreibprogramme seit den 1980er Jahren . Die Musiknotation findet in vielen Musikrichtungen Anwendung, darunter klassische Musik , Popmusik und traditionelle Musik .

Die früheste Form der musikalischen Notation findet sich auf einer Keilschrifttafel , die um 1400 v. Chr. in Nippur in Babylonien (heutiger Irak ) angefertigt wurde. Die Tafel enthält fragmentarische Anweisungen zur Aufführung von Musik und zeigt, dass diese in Terzenharmonien unter Verwendung einer diatonischen Tonleiter komponiert wurde . ^{[ 2 ]}

Eine Tontafel aus der Zeit um 1250 v. Chr. zeigt eine weiterentwickelte Notationsform. ^{[ 3 ]} Obwohl die Interpretation des Notationssystems noch immer umstritten ist, geht klar hervor, dass die Notation die Namen der Saiten einer Leier angibt , deren Stimmung auf anderen Tafeln beschrieben wird. ^{[ 4 ]} Forschungen deuten darauf hin, dass diese Notationen sowohl für liturgische als auch für weltliche Musikstücke verwendet wurden, da Musik sowohl bei religiösen Zeremonien als auch im höfischen Leben eine zentrale Rolle spielte. ^{[ 5 ]} Obwohl sie fragmentarisch sind, stellen diese Tontafeln die weltweit frühesten notierten Melodien dar. ^{[ 6 ]}

Die altgriechische Musiknotation war mindestens vom 6. Jahrhundert v. Chr. bis etwa zum 4. Jahrhundert n. Chr. in Gebrauch; nur wenige vollständige Kompositionen ( Seikilos-Epitaph , zwei Anrufungen der Muse von Mesomedes, die Bellermann-Übungen) und etwa 40 fragmentarische Stücke, die diese Notation verwenden, sind erhalten geblieben.

Die Notation für gesungene Musik besteht aus Buchstabensymbolen für die Tonhöhen , die über den Textsilben stehen. Der Rhythmus wird nur rudimentär mit langen und kurzen Symbolen angegeben. Die Seikilos-Epitaphschrift wurde unterschiedlich datiert, zwischen dem 2. Jahrhundert v. Chr. und dem 2. Jahrhundert n. Chr.

Drei Hymnen des Mesomedes von Kreta sind handschriftlich überliefert . Auch die Delphischen Hymnen aus dem 2. Jahrhundert v. Chr. verwenden diese Notation, sind aber nicht vollständig erhalten.

Die altgriechische Notation scheint etwa zur Zeit des Niedergangs des Weströmischen Reiches außer Gebrauch gekommen zu sein .

Die byzantinische Musik umfasste einst auch Musik für Hofzeremonien, ist aber heute nur noch als vokale Kirchenmusik innerhalb verschiedener orthodoxer Traditionen des monodischen ( einstimmigen ) Gesangs erhalten, der in byzantinischer Rundnotation niedergeschrieben ist (siehe Makaries Anastasimatarion mit dem ins Rumänische übersetzten und in die entsprechende kyrillische Schrift transkribierten griechischen Text ). ^{[ 7 ]}

Seit dem 6. Jahrhundert spielten griechische Theoriekategorien ( Melos , Genos , Harmonia , Systema ) eine zentrale Rolle für das Verständnis und die Überlieferung byzantinischer Musik. Insbesondere die Tradition von Damaskus übte einen starken Einfluss auf den vorislamischen Nahen Osten aus , vergleichbar mit dem der persischen Musik . Die frühesten Zeugnisse sind Papyrusfragmente griechischer Tropologia . Diese Fragmente präsentieren den Hymnentext nach einer modalen Vorzeichnung oder Tonart (wie „ ΠΛ Α “ für echos plagios protos oder „ Β “ für echos devteros ).

Anders als in der westlichen Notation bezogen sich die byzantinischen Neumen , die seit dem 10. Jahrhundert verwendet wurden, stets auf modale Schritte (gleiche Stufe, eine Stufe tiefer, zwei Stufen höher usw.) in Bezug auf einen Notenschlüssel oder eine modale Tonart ( modale Vorzeichen ). Ursprünglich genügte diese Tonart oder der Anfang einer gemeinsamen Melodie, um ein bestimmtes melodisches Muster innerhalb der Echos anzugeben . Neben der ekphonetischen Notation , die nur in Lektionaren zur Kennzeichnung von Formeln während der Bibellesungen verwendet wurde, entwickelte sich die melodische Notation erst zwischen dem 9. und 10. Jahrhundert. Damals wurde ein Theta ( θ ), eine Oxeia ( / ) oder ein Diple ( // ) unter eine bestimmte Silbe des Textes geschrieben, wenn ein längeres Melisma erwartet wurde. Diese ursprüngliche Form wurde „Theta-Notation“ oder „Diple-Notation“ genannt.

Die Entwicklung dieser Notation lässt sich in griechischen Klostergesangbüchern wie dem Sticherarion und dem Hiermologion beobachten . Die Chartres-Notation wurde auf dem Berg Athos und in Konstantinopel verwendet, die Coislin-Notation in den Patriarchaten von Jerusalem und Alexandria. Eine andere gestische Notation kam ursprünglich im Asmatikon (Chorbuch) und Kontakarion (Buch des Solisten oder Monophonaris) des konstantinopolitanischen Kathedralenritus zum Einsatz. Die ältesten erhaltenen Bücher sind „Kondakare“ in slawischer Übersetzung, die bereits ein als Kondakarianische Notation bekanntes Notationssystem aufweisen . ^{[ 8 ]} Wie das griechische Alphabet sind die Notationszeichen von links nach rechts angeordnet (wobei die Richtung, wie in einigen syrischen Handschriften, angepasst werden konnte). Die Rhythmusfrage basierte ausschließlich auf der Cheironomie (der Interpretation sogenannter großer Zeichen, die aus verschiedenen Gesangbüchern stammten). Diese großen Zeichen ( μεγάλα σῃμάδια ) kennzeichneten bekannte melodische Phrasen, die durch Gesten der Chorleiter des Kathedralenritus dargestellt wurden. Sie existierten ursprünglich als Teil einer mündlichen Überlieferung, entwickelten sich zur Kondakarianischen Notation und wurden im 13. Jahrhundert als eine Art universelles Notationssystem in die byzantinische Rundnotation integriert. ^{[ 9 ]}

Der Hauptunterschied zwischen westlichen und östlichen Neumen besteht heute darin, dass die östlichen Notationssymbole „differenziell“ und nicht absolut sind. Sie geben Tonhöhenschritte an (steigend, fallend oder gleichbleibend), und die Musiker müssen die spezifischen Intervalle aus dem musikalischen Kontext und der aktuellen Tonhöhe ableiten. Diese Schrittsymbole selbst, oder besser „phonische Neumen“, ähneln Pinselstrichen und werden im Neugriechischen umgangssprachlich als „gántzoi“ („Haken“) bezeichnet .

Noten als Tonklassen oder modale Tonarten (üblicherweise durch modale Vorzeichen auswendig gelernt) werden in schriftlicher Form nur zwischen diesen Neumen dargestellt (in Manuskripten meist in roter Tinte geschrieben). In der modernen Notation dienen sie lediglich als optionale Gedächtnisstützen; modale und Tempoangaben werden bei Bedarf hinzugefügt. In der Papadischen Notation bedeuteten mediale Vorzeichen üblicherweise einen vorübergehenden Wechsel in eine andere Tonart .

Die sogenannten „großen Zeichen“ wurden einst mit cheironomischen Zeichen in Verbindung gebracht; nach modernen Interpretationen werden sie als Verzierungen und mikrotonale Reize (Tonhöhenänderungen kleiner als ein Halbton ) verstanden, die beide im byzantinischen Gesang wesentlich sind. ^{[ 10 ]}

Seit Chrysanthos von Madytos werden sieben Standard-Notennamen für die Solfège ( Parallagē ) verwendet: pá, vú, g ^há , d ^hi , ké, zō, nē . Die ältere Praxis verwendete jedoch weiterhin die vier Enechemata oder Intonationsformeln der vier Echoi, die durch die modalen Vorzeichen vorgegeben sind: die authentischen ( kyrioi) in aufsteigender und die plagalen ( plagioi) in absteigender Richtung ( Papadische Oktoechos ). ^{[ 12 ]} Mit Ausnahme von vú und zō entsprechen sie in etwa den westlichen Solmisationssilben re, mi, fa, sol, la, si, do . Die byzantinische Musik verwendet ausschließlich die acht natürlichen, nicht temperierten Tonleitern, deren Elemente durch Ēkhoi („Klänge“) bezeichnet werden. Daher kann die absolute Tonhöhe jeder Note je nach verwendetem Ēkhoi leicht variieren . Die byzantinische Notation wird in vielen orthodoxen Kirchen noch immer verwendet. Kantoren nutzen mitunter auch Transkriptionen in westlicher oder Kiewer Notation, ergänzen diese durch nicht notierbare Verzierungen aus dem Gedächtnis und gleiten intuitiv in die natürlichen Tonleitern. Doch selbst in den modernen Neumenausgaben seit der Reform des Chrysanthos beruhen viele Details auf der mündlichen Überlieferung traditioneller Meister.

Im Jahr 1252 entwickelte Safi al-Din al-Urmawi eine Form der musikalischen Notation, in der Rhythmen durch geometrische Formen dargestellt wurden . Viele nachfolgende Rhythmusforscher bemühten sich um die Entwicklung grafischer geometrischer Notationen. So veröffentlichte beispielsweise Kjell Gustafson 1987 ein ähnliches geometrisches System, dessen Methode einen Rhythmus als zweidimensionalen Graphen darstellt. ^{[ 13 ]} Die rhythmische Notation entwickelte in ihren Anfängen östliche Musiktraditionen weiter und etablierte gleichzeitig Konzepte, die später in der westlichen Musik als Grundlage für die Entwicklung ihrer Notationssysteme dienten. ^{[ 14 ]}

Der Gelehrte und Musiktheoretiker Isidor von Sevilla schrieb im frühen 7. Jahrhundert: „Wenn Klänge nicht im Gedächtnis des Menschen verankert sind, vergehen sie, weil sie nicht aufgeschrieben werden können.“ ^{[ 15 ]} Mitte des 9. Jahrhunderts entwickelte sich jedoch in europäischen Klöstern eine Form der Neumennotation als Gedächtnisstütze für den Gregorianischen Choral . Dabei wurden Symbole verwendet, die als Neumen bekannt sind . Die älteste erhaltene musikalische Notation dieser Art findet sich in der „Musica Disciplina“ des Aurelian von Réôme aus der Zeit um 850. Aus der Zeit davor existieren vereinzelt Zeugnisse einer Notation, die als westgotische Neumen bekannt ist . Die wenigen erhaltenen Fragmente dieser Notation sind jedoch noch nicht entziffert. ^{[ 16 ]} Das Problem dieser Notation bestand darin, dass sie nur melodische Konturen darstellte und die Musik daher für jemanden, der sie nicht bereits kannte, nicht lesbar war.

Die Notation war bereits so weit entwickelt, dass Melodien notiert werden konnten, doch es gab noch kein System zur Notation von Rhythmen. Eine Abhandlung aus der Mitte des 13. Jahrhunderts, „ De Mensurabili Musica“ , erläutert sechs damals gebräuchliche rhythmische Modi ^{[ 17 ]} , wobei deren Entstehung unklar bleibt. Diese Modi standen alle im Dreiertakt und beschränkten den Rhythmus im Gesang auf sechs verschiedene, sich wiederholende Muster. Diesen Mangel erkannte der deutsche Musiktheoretiker Franco von Köln und fasste ihn in seiner Abhandlung „Ars Cantus Mensurabilis“ (Die Kunst des gemessenen Gesangs oder Mensuralnotation ) zusammen. Er schlug vor, dass einzelne Noten eigene Rhythmen haben könnten, die durch ihre Form repräsentiert werden. Erst im 14. Jahrhundert entstand ein System fester Notenlängen, das dem heutigen ähnelt. Die Verwendung regelmäßiger Takte (Balken) wurde Ende des 17. Jahrhunderts üblich.

Der Begründer des heute als Standardnotensystem geltenden Systems war Guido von Arezzo ^{[ 18 ]} , ein italienischer Benediktinermönch, der von etwa 991 bis nach 1033 lebte. Er lehrte die Verwendung von Solmisationssilben auf der Grundlage einer Hymne an Johannes den Täufer , die mit „Ut queant laxis“ beginnt und vom lombardischen Historiker Paulus Diaconus verfasst wurde . Die erste Strophe lautet:

1. Ut queant laxis
2. re sonare fibris
3. Mi ra gestorum
4. fa muli tuorum ,
5. Sol ve polluti
6. la bii reatum,
7. S ancte I ohannes.

Guido verwendete die erste Silbe jeder Zeile – Ut , Re , Mi , Fa , Sol , La und Si –, um notierte Musik in Hexachorden zu lesen ; es handelte sich dabei nicht um Notennamen, sondern sie konnten je nach Kontext auf jede beliebige Note angewendet werden. Im 17. Jahrhundert wurde Ut in den meisten Ländern außer Frankreich durch die leicht singbare, offene Silbe Do ersetzt, die vermutlich entweder vom Namen des italienischen Theoretikers Giovanni Battista Do ni oder vom lateinischen Wort Do minus ( Herr) abgeleitet ist . ^{[ 19 ]}

Christliche Mönche entwickelten die ersten Formen der modernen europäischen Musiknotation, um die Liturgie in der gesamten Weltkirche zu standardisieren ^{[ 20 ]} . Im Laufe der Jahrhunderte wurde eine enorme Menge an religiöser Musik komponiert. Dies führte unmittelbar zur Entstehung und Entwicklung der europäischen klassischen Musik und ihrer zahlreichen Ableitungen. Der Barockstil , der Musik, Kunst und Architektur umfasste, wurde von der katholischen Kirche nach der Reformation besonders gefördert, da solche Formen einen ergreifenden und emotionalen Ausdruck religiöser Inbrunst boten. ^{[ 21 ]}

Die moderne Musiknotation wird von Musikern verschiedenster Genres weltweit verwendet. Das Notensystem (im britischen Englisch: stave) besteht aus fünf parallelen horizontalen Linien, die als Grundlage für die Tonhöhen dienen. Die Tonhöhen werden durch ovale Notenköpfe dargestellt, die entweder auf den Linien (d. h. kreuzend), zwischen den Linien ( d. h. in den Zwischenräumen) oder ober- und unterhalb des Systems mithilfe kleiner Hilfslinien (Hilfslinien) platziert werden. Die Notation wird von links nach rechts gelesen, was das Setzen von Musik für Schriftsysteme, die von rechts nach links geschrieben werden, erschwert. Die Tonhöhe wird durch die vertikale Position des Notenkopfes im Notensystem angegeben und kann durch Vorzeichen verändert werden . Die Dauer (Notenlänge oder Notenwert ) wird durch die Form des Notenkopfes oder durch einen Notenhals mit Balken oder Fähnchen angegeben. Ein hohles Oval ohne Stiel steht für eine ganze Note (Semibreve), ein hohles Rechteck oder ein hohles Oval ohne Stiel mit einem oder zwei vertikalen Linien an beiden Seiten für eine doppelte ganze Note (Breve). Ein hohles Oval mit Stiel steht für eine halbe Note (Minim). Ausgefüllte Ovale verwenden immer einen Notenhals und können Viertelnoten (Viertelnoten) oder, mit zusätzlichen Balken oder Fähnchen, kleinere Unterteilungen darstellen. Zusätzliche Symbole wie Punkte und Haltebögen können die Dauer einer Note verlängern.

Ein Notensystem beginnt in der Regel mit einem Notenschlüssel , der den Tonumfang angibt. Der Violinschlüssel (auch G-Schlüssel genannt) war ursprünglich ein G und kennzeichnet die zweite Linie des fünflinigen Systems als den Ton G über dem mittleren C. Der Bassschlüssel (auch F-Schlüssel genannt) kennzeichnet die zweite Linie als den Ton F unter dem mittleren C. Obwohl Violin- und Bassschlüssel am weitesten verbreitet sind, werden für einige Instrumente weitere Notenschlüssel verwendet, die das mittlere C kennzeichnen, wie beispielsweise der Altschlüssel (für Bratsche und Altposaune ) und der Tenorschlüssel (für einige Cello- , Fagott- , Tenorposaun- und Kontrabassstücke ). Manche Instrumente verwenden hauptsächlich einen Notenschlüssel, wie Violine und Flöte (Violinschlüssel ) und Kontrabass und Tuba (Bassschlüssel ) . Andere Instrumente, wie Klavier und Orgel , verwenden regelmäßig sowohl Violin- als auch Bassschlüssel.

Nach dem Notenschlüssel folgt die Tonartvorzeichnung . Sie besteht aus 0 bis 7 Kreuzen ( ♯ ) oder Bes ( ♭ ) im Notensystem und gibt die Tonart des Musikstücks oder Liedes an. Sie legt fest, welche Noten im gesamten Stück erhöht oder erniedrigt sind, sofern nicht durch Vorzeichen etwas anderes angegeben ist . Ein Be ( ♭ ) vor einer Note senkt deren Tonhöhe um einen Halbton. Ein Kreuz ( ♯ ) erhöht sie entsprechend um einen Halbton. Beispielsweise erhöht ein Kreuz die Note D zu D♯ , ein Be zu D♭ . Doppelkreuze und Doppel-Bes sind seltener, kommen aber vor. Ein Doppelkreuz erhöht eine Note um zwei Halbtöne, ein Doppel-Be erniedrigt sie um zwei Halbtöne. Ein Auflösungszeichen vor einer Note hebt alle Vorzeichen (Kreuz oder Be) aus der Tonartvorzeichnung oder durch Vorzeichen auf. Manchmal wird in der Musik ein Höflichkeitsvorzeichen verwendet, wo es technisch nicht erforderlich ist, um den Musiker an die erforderliche Tonhöhe zu erinnern.

Nach der Tonartangabe folgt die Taktangabe . Die Taktangabe besteht typischerweise aus zwei Zahlen, wobei eine der gebräuchlichsten die ist.⁴ ₄Die obere „4“ bedeutet, dass ein Takt vier Schläge enthält . Die untere „4“ bedeutet, dass jeder dieser Schläge eine Viertelnote ist. Takte unterteilen das Musikstück in Schlaggruppen , und die Taktangaben legen diese Gruppen fest.⁴ ₄wird so häufig verwendet, dass es auch als „ allgemeiner Takt “ bezeichnet wird und mit einem Strich anstelle von Zahlen gekennzeichnet werden kann. Weitere häufig verwendete Taktarten sind:³ ₄(drei Schläge pro Takt, wobei jeder Schlag einer Viertelnote entspricht);² ₄(zwei Schläge pro Takt, wobei jeder Schlag einer Viertelnote entspricht);⁶ ₈(sechs Schläge pro Takt, wobei jeder Schlag eine Achtelnote ist) und¹² ₈(zwölf Schläge pro Takt, wobei jeder Schlag eine Achtelnote ist; in der Praxis werden die Achtelnoten typischerweise in vier Gruppen von je drei Achtelnoten unterteilt.)¹² ₈ist eine zusammengesetzte Zeitart (eine Art von Taktart). Es gibt viele weitere Taktarten, wie zum Beispiel² ₂oder³ ₈Die

Viele kurze klassische Musikstücke aus der Klassik sowie Lieder der traditionellen und populären Musik sind größtenteils oder vollständig im gleichen Takt gehalten. Musik der Romantik und späterer Epochen, insbesondere zeitgenössische klassische Musik und Rockmusik- Genres wie Progressive Rock und das Hardcore-Punk -Subgenre Mathcore , verwendet hingegen mitunter gemischte Taktarten ; Lieder oder Stücke wechseln beispielsweise zwischen verschiedenen Taktarten, etwa zwischen Takten mit 1/2 und 1/2.⁵ ₄Und⁷ ₈Die

Anweisungen an den Spieler bezüglich Tempo (z. B. Andante ) und Dynamik (z. B. Forte ) erscheinen über oder unter dem Notensystem. Begriffe, die den musikalischen Ausdruck oder das „Gefühl“ eines Liedes oder Stücks bezeichnen, werden am Anfang des Stücks und an allen Stellen angegeben, an denen sich die Stimmung ändert (z. B. gelassen ).

Bei Vokalmusik werden die Liedtexte in der Nähe der Melodietöne notiert. Da die Standardnotation von links nach rechts verläuft, ist der allgemeine Textfluss bei Texten in Sprachen, die von rechts nach links geschrieben werden , wie Arabisch oder Hebräisch, zwar von links nach rechts, die Silben selbst werden jedoch von rechts nach links geschrieben. Es gab auch Versuche, Partituren in solchen Sprachen vollständig von rechts nach links zu schreiben, beispielsweise von Abraham Zevi Idelsohn , der hebräische Liederbücher veröffentlichte ^{[ 22 ],} und von dem amerikanischen Quäker und Pädagogen Rolla Foley, der eine Sammlung arabischer Lieder herausgab ^{[ 23 ] .}

Bei kurzen Pausen (Atemzügen) werden Wiederholungen eingefügt (Wiederholungen werden mit einem ' gekennzeichnet).

In der Ensemblemusik zeigt eine Partitur die Musik für alle Musiker gemeinsam, wobei die Notenzeilen für die verschiedenen Instrumente und/oder Stimmen übereinander angeordnet sind. Der Dirigent verwendet die Partitur, um ein Orchester , eine Blaskapelle , einen Chor oder ein anderes großes Ensemble zu leiten. Die einzelnen Musiker eines Ensembles spielen anhand von Einzelstimmen, die nur die von ihnen gespielte Musik enthalten. Eine Partitur kann aus einem vollständigen Satz von Einzelstimmen erstellt werden und umgekehrt. Früher war das Abschreiben der Einzelstimmen mühsam und zeitaufwendig, als die Stimmen noch von Hand aus der Partitur kopiert wurden. Seit der Entwicklung von Partiturprogrammen in den 1980er-Jahren können jedoch elektronisch gespeicherte Partituren automatisch vom Programm in Einzelstimmen umgewandelt und schnell und kostengünstig mit einem Drucker ausgedruckt werden.

• Die Notationskonventionen für Schlaginstrumente sind aufgrund der großen Vielfalt an Instrumenten unterschiedlich. Schlaginstrumente werden im Allgemeinen in zwei Kategorien eingeteilt: gestimmte (z. B. Glockenspiel oder Röhrenglocken ) und ungestimmte (z. B. Basstrommel und Snare-Drum ). Die Notation ungestimmter Schlaginstrumente ist weniger standardisiert. Gestimmte Instrumente verwenden die standardmäßige westliche klassische Notation für Tonhöhen und Rhythmen. Im Allgemeinen verwendet die Notation für ungestimmte Schlaginstrumente das Fünf-Linien-System, wobei verschiedene Linien und Zwischenräume verschiedene Instrumente eines Schlagzeugs repräsentieren . Der Rhythmus wird mit der standardmäßigen westlichen Rhythmusnotation angegeben.
• Die Generalbassnotation hat ihren Ursprung in der barocken Generalbassmusik . Sie findet auch in der Akkordeonnotation breite Anwendung . Die Basstöne der Musik werden konventionell notiert, zusammen mit Zahlen und anderen Zeichen, die festlegen, welche Akkorde der Cembalist, Organist oder Lautenspieler improvisieren soll. Die genauen Tonhöhen der Harmonien werden jedoch nicht vorgegeben; diese bleiben dem Interpreten zur Improvisation überlassen.
• Ein Leadsheet gibt lediglich Melodie, Text und Harmonien an und verwendet dafür ein Notensystem mit Akkordsymbolen darüber und dem Text darunter. Es dient dazu, die wesentlichen Elemente eines populären Liedes festzuhalten , ohne vorzugeben, wie das Lied arrangiert oder aufgeführt werden soll. ^{[ 24 ]}
• Ein Akkorddiagramm enthält kaum oder gar keine melodischen oder stimmführenden Informationen, liefert aber grundlegende harmonische Informationen über die Akkordfolge . Manche Akkorddiagramme enthalten auch rhythmische Informationen, die durch Schrägstriche für ganze Schläge und rhythmische Notation für Rhythmen dargestellt werden. Dies ist die gebräuchlichste Art der Notenschrift, die von professionellen Studiomusikern im Jazz oder anderen populären Musikrichtungen verwendet wird und primär für die Rhythmusgruppe ( in der Regel Klavier , Gitarre , Bass und Schlagzeug ) gedacht ist .
• Einfachere Akkorddiagramme für Lieder enthalten oft nur die Akkordwechsel, die über dem jeweiligen Textabschnitt stehen. Solche Diagramme setzen Vorkenntnisse der Melodie voraus und dienen als Gedächtnisstütze beim Singen oder im informellen Gruppengesang . Manche Akkorddiagramme für Rhythmusgruppen- Begleiter enthalten nur die Akkordfolge.
• Das Shape-Note- System findet sich in einigen Kirchengesangbüchern, Notenblättern und Liederbüchern, insbesondere im Süden der USA . Anstelle des üblichen elliptischen Notenkopfes werden Notenköpfe unterschiedlicher Form verwendet, um die Position des Tons in der Dur-Tonleiter anzuzeigen. „Sacred Harp“ ist eines der bekanntesten Liederbücher, das Shape Notes verwendet.

Jeongganbo ist ein traditionelles musikalisches Notationssystem, das zur Zeit von Kaiser Sejong dem Großen entstand . Es war das erste ostasiatische System zur Darstellung von Rhythmus, Tonhöhe und Zeit. ^{[ 25 ] [ 26 ]} Unter den verschiedenen Arten koreanischer traditioneller Musik zielt Jeong-gan-bo auf ein bestimmtes Genre ab, Jeong-ak ( 정악, 正樂).

Jeong-gan-bo legt die Tonhöhe fest, indem der Name der Note in ein Kästchen namens Jeong-gan geschrieben wird . Ein Jeong-gan entspricht einem Schlag und kann in zwei, drei oder mehr Teile unterteilt werden, um halbe, Viertel- und weitere Schläge darzustellen.

Außerdem gibt es zahlreiche Markierungen, die auf Dinge wie Ornamente hinweisen. Die meisten davon wurden später von Ki-su Kim hinzugefügt.

Der Samaveda- Text (1200 v. Chr. – 1000 v. Chr.) enthält vermutlich die ältesten erhaltenen Melodien der Welt. ^{[ 27 ]} Die musikalische Notation steht üblicherweise direkt über, manchmal auch innerhalb der Textzeile des Samaveda , entweder in Silben- oder Zahlenform, je nach der jeweiligen Samaveda- Schule ( Sakha ). ^{[ 28 ]} Der indische Gelehrte und Musiktheoretiker Pingala (ca. 200 v. Chr.) verwendete in seinem Chanda Sutra Zeichen für lange und kurze Silben, um die Versmaße in der Sanskrit-Dichtung anzugeben.

Eine Felsinschrift aus dem 7.–8. Jahrhundert n. Chr. in Kudumiyanmalai , Tamil Nadu, enthält ein frühes Beispiel einer musikalischen Notation. Sie wurde erstmals vom Archäologen und Epigraphiker D. R. Bhandarkar identifiziert und publiziert . ^{[ 29 ]} Die in der Pallava-Grantha- Schrift des 7. Jahrhunderts verfasste Inschrift umfasst 38 horizontale Zeilen, die in eine rechteckige Felswand (ca. 4 x 4 Meter) eingraviert sind. Jede Zeile enthält 64 Zeichen (Zeichen für musikalische Noten), die in Vierergruppen angeordnet sind. Die Grundzeichen für die sieben Noten sa , ri , ga , ma , pa , dha und ni werden mit den Vokalen a , i , u und e ergänzt . So wird beispielsweise anstelle von sa eines der Zeichen sa , si , su oder se verwendet. Anstelle von ri wird alternativ ra , ri , ru oder re verwendet. Horizontale Linien unterteilen die Notation in sieben Abschnitte. Jeder Abschnitt umfasst vier bis sieben Notenzeilen mit einer Bezeichnung, die den jeweiligen musikalischen Modus angibt. Diese Modi waren möglicherweise bereits seit dem 6. Jahrhundert n. Chr. verbreitet und wurden später in das indische Raga- System integriert. Einige der ungewöhnlichen Merkmale dieser Notation wurden von Wissenschaftlern jedoch unterschiedlich interpretiert, ohne dass eine eindeutige Erklärung gefunden wurde. ^{[ 30 ]}

In der Notation indischer Raga wird ein Solfège-ähnliches System namens Sargam verwendet. Wie in der westlichen Solfège gibt es Namen für die sieben Grundtöne einer Dur-Tonleiter ( Shadja , Rishabha , Gandhara , Madhyama , Panchama , Dhaivata und Nishada , üblicherweise abgekürzt zu Sa , Re , Ga , Ma , Pa , Dha , Ni ). Der Grundton jeder Tonleiter heißt Sa , die Dominante Pa . Sa ist in jeder Tonleiter festgelegt, und Pa liegt eine Quinte darüber (eine pythagoreische Quinte, nicht eine gleichstufige Quinte). Diese beiden Töne werden als Achala Swar („feste Töne“) bezeichnet.

Die übrigen fünf Töne Re , Ga , Ma , Dha und Ni können jeweils eine „reguläre“ ( Shuddha- )Tonhöhe annehmen, die ihrer Tonhöhe in einer Standard-Dur-Tonleiter entspricht (so ist Shuddha-Re , die zweite Stufe der Tonleiter, einen Ganzton höher als Sa ), oder eine alterierte Tonhöhe, entweder einen Halbton höher oder tiefer als die Shuddha-Tonhöhe. Re , Ga , Dha und Ni haben jeweils alterierte Partner, die einen Halbton tiefer liegen ( Komal oder „b“) (so ist Komal-Re einen Halbton höher als Sa ).

Ma hat einen veränderten Partner, der einen Halbton höher liegt ( Teevra oder „scharf“) ( Teevra Ma ist also eine übermäßige Quarte über Sa ). Re , Ga , Ma , Dha und Ni werden Vikrut Swar („bewegliche Noten“) genannt. Im von Ravi Shankar entwickelten indischen Notationssystem werden die Tonhöhen mit westlichen Buchstaben dargestellt. Großbuchstaben werden für Achala Swar und für die höheren Varianten aller Vikrut Swar verwendet . Kleinbuchstaben werden für die tieferen Varianten der Vikrut Swar verwendet .

Es gibt weitere Systeme für nicht-zwölftonige gleichstufige Stimmungen und nicht-westliche Musik, wie zum Beispiel das indische Swaralipi .

Der Znamenny-Gesang ist eine Gesangstradition der russisch-orthodoxen Kirche , die eine spezielle Notation verwendet. Er ist ein einstimmiger , melismatischer liturgischer Gesang mit einer eigenen Notation, der sogenannten Stolp -Notation. Die in der Stolp -Notation verwendeten Symbole heißen Kryuki (russisch: крюки , „Haken“) oder Znamyona (russisch: знамёна , „Banner“). Oft werden die Namen der Zeichen synonym für die Stolp -Notation verwendet. Die Znamenny -Melodien sind Teil eines Systems aus acht Modi (Intonationsstrukturen; „glasy“ genannt ) und zeichnen sich durch fließenden und ausgewogenen Klang aus. ^{[ 31 ]} Es gibt verschiedene Arten des Znamenny-Gesangs: den sogenannten Stolpovoy , Malyj (Kleinen) und Bolshoy (Großen) Znamenny-Gesang. Der ruthenische Gesang ( Prostopinije ) wird manchmal als eine Unterkategorie der Znamenny-Gesangstradition betrachtet, wobei der Moskauer Gesang (der eigentliche Znamenny-Gesang) den zweiten Zweig desselben musikalischen Kontinuums darstellt.

Znamenny-Gesänge werden nicht mit Noten (der sogenannten linearen Notation) geschrieben, sondern mit speziellen Zeichen, den sogenannten Znamëna (russisch für „Zeichen“, „Banner“) oder Kryuki („Haken“), da einige dieser Zeichen Haken ähneln. Jedes Zeichen kann folgende Bestandteile enthalten: einen großen schwarzen Haken oder einen schwarzen Strich, mehrere kleinere schwarze „Punkte“ und „Kommas“ sowie Linien in der Nähe des Hakens oder die den Haken kreuzen. Manche Zeichen bedeuten nur eine Note, manche zwei bis vier Noten und manche eine ganze Melodie mit mehr als zehn Noten und einer komplexen rhythmischen Struktur. Die Stolf- Notation entwickelte sich in der Kiewer Rus als ostslawische Weiterentwicklung der byzantinischen Neumatik .

Das auffälligste Merkmal dieses Notationssystems ist, dass es Melodieübergänge und nicht einzelne Noten aufzeichnet . Die Zeichen repräsentieren zudem die Stimmung und geben an, wie dieser Melodieabschnitt gesungen werden soll (Tempo, Stärke, Andacht, Sanftmut usw.). Jedes Zeichen hat einen eigenen Namen und dient gleichzeitig als spirituelles Symbol. So gibt es beispielsweise das Zeichen „kleine Taube“ (russisch: голубчик ( golubchik )), das zwei aufsteigende Töne darstellt und gleichzeitig den Heiligen Geist symbolisiert . Nach und nach wurde das System immer komplexer. Es war zudem mehrdeutig, sodass kaum jemand außer den ausgebildetesten Sängern eine unbekannte Melodie vom Blatt singen konnte. Die Zeichen halfen lediglich dabei, die Melodie wiederzugeben, nicht aber, sie eindeutig zu kodieren. (Siehe Byzantinisches Reich )

Die frühesten bekannten Texte mit Bezug auf Musik in China sind Inschriften auf Musikinstrumenten aus dem Grab des Markgrafen Yi von Zeng (gest. 433 v. Chr.). 41 Klangsteine ​​und 65 Glocken trugen ausführliche Inschriften zu Tonhöhen, Tonleitern und Transpositionen. Die Glocken erzeugen noch heute die in den Inschriften genannten Tonhöhen. Obwohl keine notierten Musikstücke gefunden wurden, deuten die Inschriften darauf hin, dass das System bereits so weit entwickelt war, dass es eine musikalische Notation ermöglichte. Es existierten zwei Systeme zur Tonhöhenbezeichnung: eines für relatives und eines für absolutes Gehör. Für das relative Gehör wurde ein Solmisationssystem verwendet. ^{[ 32 ]}

Die Gongche- Notation verwendete chinesische Schriftzeichen für die Namen der Tonleiter.

Die japanische Musik ist äußerst vielfältig und erfordert daher verschiedene Notationssysteme. In der japanischen Shakuhachi -Musik beispielsweise sind Glissandi und Klangfarben oft wichtiger als einzelne Tonhöhen, während die Taiko- Notation den Fokus auf einzelne Schläge legt.

Die Ryukyu- Sanshin -Musik verwendet Kunkunshi , ein Notationssystem aus Kanji, wobei jedes Zeichen einer Fingerposition auf einer bestimmten Saite entspricht.

Die Notation spielt in den mündlichen Überlieferungen Indonesiens eine eher untergeordnete Rolle. Auf Java und Bali wurden jedoch ab dem späten 19. Jahrhundert verschiedene Notationssysteme entwickelt, zunächst zu Archivierungszwecken. Heute sind Chiffriernotationen (nicht Angka im weitesten Sinne) am weitesten verbreitet. Dabei werden die Tonhöhen mit den Zahlen 1 bis 7 dargestellt, wobei 1 entweder dem höchsten Ton einer bestimmten Oktave entspricht, wie im sundanesischen Gamelan , oder dem tiefsten, wie in der Kepatihan- Notation des javanischen Gamelan .

Noten außerhalb der zentralen Oktave werden durch einen oder mehrere Punkte über oder unter jeder Zahl dargestellt. Diese Notation dient hauptsächlich der Notation der Grundmelodie ( Balungan ) und der Gesangspartien ( Gerongan ), obwohl Transkriptionen der erweiterten Instrumentalvariationen gelegentlich für Analyse und Unterricht verwendet werden. Schlagzeugstimmen werden mit einem Symbolsystem notiert, das größtenteils auf Buchstaben basiert, welche die Vokale repräsentieren, die zum Erlernen und Merken von Schlagzeugmustern verwendet werden. Diese Symbole sind typischerweise in einem Raster unterhalb der Grundmelodie eines bestimmten oder eines allgemeinen Musikstücks angeordnet.

Die Symbole für die Trommelnotation (sowie die dargestellten Vokale) variieren stark von Ort zu Ort und von Musiker zu Musiker. Neben diesen gängigen Systemen verwendeten zwei ältere Notationen eine Art Notensystem: Die Solonesische Schrift konnte die flexiblen Rhythmen des Pesinden mit einer geschwungenen Linie auf einem horizontalen Notensystem festhalten, während in Yogyakarta ein leiterartiges, vertikales Notensystem die Notation des Balungan durch Punkte ermöglichte und auch wichtige Trommelschläge enthielt. Auf Bali sind einige Bücher mit Gamelan-Wayang- Stücken erschienen, die alphabetische Notation in der alten balinesischen Schrift verwenden.

Indonesische und ausländische Komponisten und Gelehrte haben die Slendro- und Pelog -Stimmungssysteme des Gamelan auf das westliche Notensystem übertragen, mit und ohne verschiedene Symbole für Mikrotonalitäten . Der niederländische Komponist Ton de Leeuw entwickelte für seine Komposition „Gending“ ein dreizeiliges Notensystem . Diese Systeme sind jedoch nicht weit verbreitet.

In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts weiteten indonesische Musiker und Gelehrte die Chiffriernotation auf andere mündliche Traditionen aus, und eine diatonische Chiffriernotation wurde gängig für die Notation westlich geprägter Genres (Kirchenlieder, populäre Lieder usw.). Anders als die Chiffriernotation für Gamelan-Musik, die ein „festes Do“ verwendet (d. h. 1 entspricht immer demselben Ton, innerhalb der natürlichen Variabilität der Gamelan-Stimmung), ist die indonesische diatonische Chiffriernotation eine „bewegliche Do“-Notation. Daher muss in den Partituren angegeben werden, welcher Ton dem Wert 1 entspricht (z. B. „1=C“).

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  Eine kurze Melodie in Slendro , notiert nach der Surakarta-Methode. ^{[ 33 ]}
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  Dasselbe gilt für die Notation nach der Yogyakarta-Methode oder „Schachbrettnotation“. ^{[ 33 ]}
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  Dasselbe gilt für die Notation nach Kepatihan. ^{[ 33 ]}
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  Dasselbe annähernd unter Verwendung der westlichen Notation. ^{[ 33 ]}Spielen

Alte jüdische Texte enthalten eine Reihe von Zeichen, die musikalische Kantillationsnoten kennzeichnen. Diese Zeichen, im Hebräischen als Ta'amim und im Jiddischen als Trope bekannt, sind seit dem 6. und 7. Jahrhundert belegt und wurden als Tradition für jüdische Gebete und Texte überliefert. Traditionell werden die Trope-Zeichen über und um den begleitenden hebräischen Text herum geschrieben und stellen ein kurzes musikalisches Motiv dar. Innerhalb der jüdischen Diaspora gibt es Variationen in den dazugehörigen Melodien. Es existieren drei Hauptsysteme der hebräischen Kantillation: das babylonische, das palästinensische und das tiberische System.

Chiffriersysteme, die arabische Ziffern den Stufen der Dur-Tonleiter zuordnen , werden mindestens seit den iberischen Orgeltabulaturen des 16. Jahrhunderts verwendet und umfassen auch exotische Varianten wie die Siffernotskrift . Das heute am weitesten verbreitete System ist das chinesische Jianpu , das im Hauptartikel besprochen wird . Ziffern können auch verschiedenen Tonleitersystemen zugeordnet werden, wie in der oben beschriebenen javanischen Kepatihan- Notation .

Solfège ist eine Methode, Silben den Namen der Tonleiter zuzuordnen. Die heutige Reihenfolge lautet: Do , Re , Mi , Fa , Sol , La , Ti , Do ' (für die Oktave). Die klassische Variante ist: Do , Re , Mi , Fa , Sol , La , Si , Do ' . Das erste westliche System funktionaler Namen für die Noten wurde von Guido von Arezzo (ca. 991 – nach 1033) eingeführt. Er verwendete dafür die Anfangssilben der ersten sechs Zeilen des lateinischen Hymnus „ Ut queant laxis“ . Die ursprüngliche Reihenfolge war Ut , Re , Mi , Fa , Sol , La , wobei jede Strophe einen Ton höher begann. „Ut“ wurde später zu „Do“. Die entsprechenden Silben in der indischen Musik sind: Sa , Re , Ga , Ma , Pa , Dha , Ni . Siehe auch: Solfège , Sargam , Kodály-Handzeichen .

Tonic Solfa ist eine Notationsart, die die Anfangsbuchstaben der Solfège-Notation verwendet.

Die Noten der 12-Ton-Skala können mit ihren Buchstabenbezeichnungen A–G geschrieben werden, gegebenenfalls mit einem nachfolgenden Vorzeichen , wie z. B. A ♯ oder B ♭ .

Die ABC-Notation ist ein kompaktes Format, das Klartextzeichen verwendet und sowohl von Computern als auch von Menschen gelesen werden kann. Mehr als 100.000 Melodien sind mittlerweile in diesem Format transkribiert. ^{[ 34 ]}

Die Tabulatur wurde erstmals im Mittelalter für Orgelmusik und später in der Renaissance für Lautenmusik verwendet . ^{[ 35 ]} In den meisten Lautentabulaturen kommt ein Notensystem zum Einsatz, dessen Linien jedoch anstelle von Tonhöhen die Saiten des Instruments darstellen. Die zu greifenden Bünde sind auf jeder Linie notiert und mit Buchstaben oder Zahlen gekennzeichnet. Der Rhythmus wird separat mit verschiedenen Standardnotenwerten geschrieben, die die Dauer des schnellsten Abschnitts angeben. Kaum jemand hat bisher bemerkt, dass die Tabulatur in einem Notationssystem sowohl die physischen und technischen Anforderungen des Spiels (die Linien und Symbole darauf und in ihrer Beziehung zueinander repräsentieren die tatsächlichen Spielaktionen) als auch den musikalischen Verlauf selbst (die horizontalen Linien der Tabulatur stellen den tatsächlichen zeitlichen Verlauf der Musik dar) vereint. In späteren Epochen wurde Lauten- und Gitarrenmusik in Standardnotation geschrieben. Ende des 20. Jahrhunderts erlebte die Tabulatur für populäre Gitarrenmusik und andere Saiteninstrumente ein Comeback , da sie sich leicht transkribieren und im ASCII-Format über das Internet verbreiten ließ .

Einige chromatische Systeme nutzen die Anordnung der schwarzen und weißen Tasten einer Standard-Klaviertastatur. Das sogenannte Notensystem wird meist als „ Pianorolle “ bezeichnet und entsteht durch die Erweiterung der schwarzen und weißen Klaviertasten.

Klavarskribo (manchmal auch kurz klavar genannt ) ist ein Musiknotationssystem, das 1931 von dem Niederländer Cornelis Pot eingeführt wurde. Der Name bedeutet auf Esperanto „Tastaturschrift“. Es unterscheidet sich in einigen Punkten von der herkömmlichen Musiknotation und ist besonders lesbar. Viele Klavar-Leser stammen aus den Niederlanden.

In den letzten drei Jahrhunderten wurden Hunderte von Notationssystemen als Alternativen zur traditionellen westlichen Notation vorgeschlagen. Viele dieser Systeme zielen darauf ab, die traditionelle Notation durch die Verwendung eines „chromatischen Systems“ zu verbessern, in dem jede der zwölf Tonklassen ihren eigenen Platz im System hat. Ein Beispiel hierfür ist Jacques-Daniel Rochats Dodeka -Notation . ^{[ 36 ] [ 37 ]} Diese Notationssysteme benötigen keine Standard-Vorzeichen, Versetzungszeichen oder Notenschlüssel. Sie stellen Intervallbeziehungen zudem konsistenter und genauer dar als die traditionelle Notation; so erscheinen beispielsweise große Terzen größer als kleine Terzen. Viele dieser Systeme werden in Gardner Reads „ Source Book of Proposed Music Notation Reforms“ beschrieben und illustriert .

Der Begriff „grafische Notation“ bezeichnet die zeitgenössische Verwendung unkonventioneller Symbole und Texte zur Vermittlung von Informationen über die Aufführung eines Musikstücks. Komponisten wie Johanna Beyer , Christian Wolff , Carmen Barradas , Earle Brown , Yoko Ono , Anthony Braxton , John Cage , Morton Feldman , Cathy Berberian , Graciela Castillo , Krzysztof Penderecki , Cornelius Cardew , Pauline Oliveros und Roger Reynolds gehören zur frühen Generation von Komponisten, die ab Mitte des 20. Jahrhunderts innovative Formen der grafischen Notation entwickelten. ^{[ 38 ]} Das von John Cage und Alison Knowles herausgegebene und 1969 im Something Else Press Verlag erschienene Buch „Notations “ enthält zahlreiche Beispiele dieser Notationsform.

Vereinfachte Musiknotation ist eine alternative Form der Notenschrift, die das Vom-Blatt-Spielen erleichtern soll. Sie basiert auf der klassischen Notenschrift , integriert aber Kreuze und Bs in die Form der Notenköpfe . Noten wie Doppelkreuze und Doppel-Bs werden in der Tonhöhe notiert, in der sie tatsächlich gespielt werden, jedoch mit sogenannten Transponierungszeichen versehen .

Die Modified Stave Notation (MSN) ist eine alternative Art der Musiknotation für Menschen, die die gewöhnliche Musiknotation auch in vergrößerter Form nicht problemlos lesen können.

Der Parsons-Code dient dazu, Musik so zu kodieren, dass sie leicht durchsucht werden kann.

Die Braille-Musik ist ein vollständiges, hochentwickeltes und international anerkanntes Notationssystem mit Symbolen und Notationskonventionen, die völlig unabhängig von der gedruckten Notenschrift sind. Sie ist linear aufgebaut, ähnlich einer gedruckten Sprache, und unterscheidet sich von der zweidimensionalen Natur der herkömmlichen gedruckten Notenschrift. In gewisser Weise ähnelt die Braille-Musik musikalischen Auszeichnungssprachen ^{[ 39 ]} wie MusicXML ^{[ 40 ]} oder NIFF .

In der ganzzahligen Notation , oder dem ganzzahligen Tonhöhenmodell, werden alle Tonklassen und Intervalle zwischen Tonklassen mit den Zahlen 0 bis 11 bezeichnet.

Die Standardform der Rap-Notation ist das sogenannte Flow-Diagramm, in dem Rapper ihre Texte unter „Beat-Nummern“ anordnen. ^{[ 41 ]} Auch Hip-Hop-Forscher verwenden diese Flow-Diagramme: Die Bücher „ How to Rap “ und „ How to Rap 2“ nutzen sie ausführlich, um unter anderem Rap-Techniken wie Triolen, Flams, Pausen, Reimschemata, Reimfolgen und das Brechen von Reimmustern zu erklären. ^{[ 42 ]} Ähnliche Systeme verwenden die Musikwissenschaftler Adam Krims in seinem Buch „Rap Music and the Poetics of Identity“ ^{[ 43 ]} und Kyle Adams in seiner Arbeit über den Rap-Flow. ^{[ 44 ]} Da Rap üblicherweise auf einem starken 4/4-Beat basiert ^{[ 45 ]} und bestimmte Silben auf den Beat ausgerichtet sind, weisen alle Notationssysteme eine ähnliche Struktur auf: Sie alle haben vier Beat-Nummern am oberen Rand des Diagramms, sodass die Silben im Takt notiert werden können. ^{[ 45 ]}

Sie wird für sechslöchrige Holzblasinstrumente verwendet, hauptsächlich für irische Volkslieder. Tin-Whistle-Tabulaturen sind besonders hilfreich für diejenigen, die mit Notenschrift nicht vertraut sind.

Der Unicode-Block „Musikalische Symbole“ kodiert ein umfangreiches System formaler musikalischer Notation.

Der Block „Verschiedene Symbole“ enthält einige der gebräuchlichsten Symbole:

• U+2669 ♩ VIERTELSCHEIN
• U+266A ♪ ACHTE NOTE
• U+266B ♫ Gebündelte Achtelnoten
• U+266C ♬ BÜNDIGE SIXTEENTH NOTEN
• U+266D ♭ MUSIK-BLAUE VORZEICHEN
• U+266E ♮ MUSIK-NATURZEICHEN
• U+266F ♯ MUSIK KREUZ

Der Block „Verschiedene Symbole und Piktogramme“ enthält drei Emojis , die Darstellungen von Musiknoten beinhalten können:

• U+1F3A7 🎧 KOPFHÖRER
• U+1F3B5 🎵 MUSIKALISCHE NOTE
• U+1F3B6 🎶 MEHRERE MUSIKNOTEN

Zur Erstellung von Musiknotationen wurden verschiedene Computerprogramme entwickelt (sogenannte „Notenschreibprogramme“ oder „Notensoftware“). Musik kann auch in verschiedenen digitalen Dateiformaten für andere Zwecke als die grafische Notation gespeichert werden.

Philip Tagg und Richard Middleton zufolge leiden die Musikwissenschaft und in gewissem Maße auch die europäisch geprägte Musikpraxis unter einer „Notationszentriertheit“, einer Methodik, die durch die Eigenschaften der Notation verzerrt ist. ^{[ 46 ] [ 47 ]} Zahlreiche Komponisten des 20. und 21. Jahrhunderts haben sich mit diesem Problem auseinandergesetzt, entweder durch die Anpassung der westlichen Standardnotation oder durch die Verwendung grafischer Notation. Zu ihnen gehören unter anderem George Crumb , Luciano Berio , Krzysztof Penderecki , Earl Brown , John Cage und Witold Lutosławski . ^{[ 48 ] [ 49 ]}

• Liste der musikalischen Symbole der modernen Notation.
• Hebräische Kantillation
• Helmholtz-Tonnotation
• Farbige Musiknotation
• Augenbewegungen beim Notenlesen
• Guido von Arezzo , Erfinder der modernen musikalischen Notation
• Geschichte des Musikverlags
• Liste der Partiturschreiber
• Mensuralnotation
• Modale Notation
• Musikstich , das Zeichnen von Musiknotationen zum Zweck der mechanischen Reproduktion
• Musik-OCR , die Anwendung der optischen Zeichenerkennung zur Interpretation von Noten
• Neume ( Notation des gregorianischen Chorals )
• Tonhöhenklasse
• Rastrum , ein fünfzackiges Schreibgerät, mit dem parallele Notenlinien auf ein leeres Notenblatt gezeichnet werden.
• Punkteschreiber
• Semasiographie
• Vom-Blatt-Spielen
• Noten
• Zeiteinheiten-Boxsystem , ein Notationssystem, das für Polyrhythmen nützlich ist
• Tongaische Musiknotation , eine Untermenge der Standard-Musiknotation
• Tonnetz
• Znamenny-Gesang

• Byzantinische Musiknotation . Enthält eine Anleitung zur byzantinischen Musiknotation (Neumes).
• CCARH – Zentrum für computergestützte Forschung in den Geisteswissenschaften. Informationen zum Kurs der Stanford University über Musikdarstellung. Die Linkseite enthält Beispiele verschiedener Notationen.
• Music Markup Language ( MML). XML-basierte Sprache zur Musiknotation.
• „Musikalische Notation“  . Encyclopædia Britannica . Band 19 (11. Aufl.). 1911. S.  96–87 .
• Synopsis der Enzyklopädien zur musikalischen Notation (Ein Index von Themen der CWN zu den Büchern von Gould, Vinci, Wanske, Stone und Read.)
• Gehrkens, Karl Wilson: Musiknotation und Terminologie . Projekt Gutenberg.
• Gilbert, Nina. „ Glossar der amerikanischen und britischen englischen Musikbegriffe .“ Veröffentlicht am 17. Juni 1998; aktualisiert am 7. September 2000.
• Zeitleiste der Musiknotation . Veröffentlicht am 4. Februar 2017; aktualisiert am 30. Juli 2025, 1507 Einträge.